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Tras la tormenta - Hirokazu Kore-eda (2016)

El cine que crea este gran director contemporáneo llamado Hirokazu Kore-eda, es posiblemente la evolución del cine de nuestra actualidad. Una historia simple sobre la relación entre varios integrantes de la familia, sin embellecerla ni engrandecerla. Si no creándola como si fuese real, filmándola tan naturalmente que las escenas suceden por si solas, los actores se comportan como si fuesen personajes reales que están siendo documentados por la cámara.

Cada película nueva que descubro de este gran director hace darme cuenta lo sincero que llega a ser el mensaje que transmite en sus narrativas, como todo sucede con una naturalidad que pocos pueden lograr, todo existe por si solo, cada personaje es presentado como alguien completo y complejo que conoces a través de su sencillez, su lenguaje y comportamiento. Todo esto de la manera mas sutil que puede lograrse, Kore-eda crea películas que conmueven la parte mas pura del ser humano, tocan tus sentimientos de la manera mas sencilla que podrían accesarse, es realmente un director que tiene mucho que aportar al cine contemporáneo.

Los discursos de este director contienen una realidad y cotidianidad que hace que empatices con los personajes al instante. Sin importar cual sea su cultura, educación o personalidad, únicamente porque los ves como seres humanos, el perfecto equilibrio de la cultura japonesa logra verse en sus largometrajes, como una enseñanza de vida, como algo universal que nos conmueve a todos por igual, porque somos humanos.

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Ordet - Carl Theodor Dreyer (1955)

Largometraje filmado por el aclamado director de La pasión de Juana de Arco (1928), crea una película compleja de comprender y digerir, una visión sobre la religión extremadamente profunda y sincera del gran director Dreyer. Que pone en duda la existencia misma, la muerte y lo efímero que puede llegar la vida misma.

Cada personaje que habita la casa donde sucede toda la película, existe y tiene sus propias percepciones de la vida, tiene de una u otra manera un plan de vida, tiene un futuro pensado, una meta que alcanzar. Sin embargo, el hombre  que tiene únicamente una cosa, una virtud con la que se nace es Johannes, quien todos lo tratan como un desquiciado, pero en realidad es un profeta.

La verdad no la tiene nadie, ni las respuestas, pero cada uno de los personajes que parecen tener una mente sana y consciente, quienes parecen estar mas lucidos acerca de su existencia. Son los que menos control tienen sobre ella y mas que dejarse llevar con la corriente misma de la vida, se encuentran estancados en un pozo del cual no pueden salir. En cambio Johannes quien pareciese ser un chiflado y un hombre desequilibrado, es quien tiene la visión más lucida sobre su existencia y sobre la vida misma, lo único que tiene este hombre es la fe, esta fe que lo hace ver mas allá de sus propias narices. 

No son las ciencias exactas, ni el conocimiento lo que hace que este hombre sea el único en la trama quien no se encuentre atrapado, es el único individuo que puede avanzar, desarrollando su pensamiento y percepción de la vida. Esta virtud que lo hace ser distinto a los demás individuos. es la fe.

#Ordet #Carl Theodor Dreyer #film

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La cabina - Antonio Mercero (1972)

La producción televisiva del director llamado Antonio Mercero, filma uno de los mediometrajes mas polémicos en la historia del cine español, “La cabina” que causa a través de una sencilla acción. Un hombre encerrado en una cabina. Una reflexión acerca de lo poco que podemos controlar el destino y el futuro de nuestras decisiones. En el caso histórico de los españoles fue el franquismo, régimen del cual sufrieron innumerables injusticias y detenciones injustificadas, de las cuales nadie podía escapar y todos se veían perjudicados.

El hombre que entra con la idea de hacer una simple llamada, soprendentemente no puede salir y mientras unos se burlan de el, las autoridades son incapaces de ayudarlo. Claramente es un retrato de España durante esa época, nadie podía ayudarte, pareciera que hubiese desaparecido todo el compañerismo y empatía, o tal vez todos se encontraban encerrados al igual que este hombre.

De la misma manera este encierro tan repentino muestra lo complicado que es ser parte de un mundo donde no controlas tu destino, únicamente existes y puedes trazar tu camino mas no cruzarlo como hubieras imaginado. Existen un sin fin de factores fuera de nuestro alcance. En el caso de España, los habitantes se encontraban asfixiados e imposibilitados por culpa del régimen franquista, sin tener posibilidad de progreso y avance.

Fuera de la narrativa propia del mediometraje, tiene una propuesta de sonido que resulta muy interesante, porque apoya esta misma teoría del encierro y la asfixia del ser. Nunca escuchamos la voz del hombre, solo de algunos elementos de fuera que se encuentran aislados. Antonio a través del sonido hace una critica hacia la falta de libertad de hablar, expresarse y mas importante aun de algo tan sencillo como pedir ayuda.

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¡O hombre afortunado! - Lindsay Anderson

¿Qué destino nos depara como sociedad si seguimos caminando en el mismo sendero del capitalismo? ¿Cuál es el futuro de todos como humanidad? ¿Porque ahora las personas son copias que pueden ser remplazadas por otro? ¿Dónde están los individuos, estos seres únicos e irrepetibles? ¿Dónde esta ahora la inteligencia? La modernidad es un cambio del cual no podemos escapar como humanidad y nos ha traído nuevas problemáticas que somos incapaces de resolver, estamos cediendo nuestra identidad, persona y pensamiento a otros, la mayoría se ha vuelto una copia de otra persona o un individuo creado por las empresas mismas.

En que momento cambiamos de ser personas que valían por su trabajo, ideas, inteligencia y persona. A seres que valen por lo que tienen y poseen, hemos olvidado lo importante que es crear, crear desde nuestro cerebro, crear arte desde nuestro corazón. Ser nosotros mismos, defender nuestro pensamiento para crear polémica y así poder ser quien quieras ser. Pareciese que hemos perdido la fuerza de voluntad, nos hemos vuelto débiles y ahora la gran mayoría de los humanos se han vuelto títeres que son controlados por otros.

Se han vuelto en copias de algo que nunca decidieron ser, si no que fue inculcado lentamente en su formación como una parte de existir en la sociedad moderna. El problema es que quienes no quieren pertenecer a este camino o futuro de una u otra manera terminan siguiendo los mismos pasos, porque la fuerza de voluntad ha desparecido debido a la cantidad de barreras que fueron construidas por las corrientes de la modernidad, la libertad se ha convertido en algo regulado, el pensamiento en algo inculcado y las personalidades en algo copiado.

Esta extraordinaria película trata de este gran problema de la modernidad, el funcionamiento del mundo industrializado y contaminado por ideas absurdas, el famoso camino que no puedes escapar aunque quieras, la serie de pautas o pasos que deben seguirse para poder alcanzar el “éxito”, las cuales ahora dependen únicamente de una cosa volátil, azarosa, fortuita y aleatoria. 

La suerte.

#o lucky man! #Lindsay Anderson #film

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El quinto sello - Zoltán Fábri (1976)

En que se ha convertido la humanidad, todo ha cambiado de la manera más extraña e impredecible, las sociedades han traicionado a sus propios integrantes e ideales, nadie parece saber quien es ni que hace en este mundo, todos pertenecemos a una realidad absurda e irracional.

Este extraordinario largometraje fue filmado en 1976 por el gran director húngaro llamado  Zoltán Fábri, basado en una novela húngara de Ferenc Sánta. Crea un filme que profundiza un tema extremadamente complejo, en lo que se ha convertido la sociedad después de tantos conflictos bélicos, distintas formas de pensamiento, violencia y poder. Una narrativa que pone a prueba tu intelecto, donde debes de escuchar, comprender y digerir, cada uno de los diálogos que dicen estos cuatro personajes principales. Es sorprendente la gran habilidad que tiene Zoltán de escritura para crear una película sobre un tema tan profundo, los seres humanos y su naturaleza.

Resulta sorprendente que todo el conflicto de la película, se reduce a una sola pregunta que les hace uno de estos hombres a su grupo de amigos. Esta pregunta será la que moverá la narrativa de la película a través del pensamiento de cada uno de los personajes principales, como espectador vas comprendiendo la profundidad y complejidad de la pregunta que les hace este individuo al mismo tiempo que ellos mismos, lo cual genera un entendimiento que no podría lograrse de ninguna otra manera, mas que como lo hace este extraordinario director.

Convierte esta película en una obra maestra, sin importar la época en la que se vea, el espectador comprenderá el camino que esta siguiendo la humanidad, siempre tendrá el mismo efecto la pregunta que hace este personaje y la consecuencia que conlleva responderla. Siempre será igual en el espectador, porque somos seres humanos que vivimos los residuos de la historia y al mismo tiempo creamos nuevos problemas que en el futuro serán de los cuales  las siguientes generaciones saldrán perjudicadas, es un ciclo del cual no parecemos lograr salir desde hace cientos de años, ni lo lograremos porque somos una especie que necesita evolucionar en su pensamiento y acciones mas de lo que pensamos. 

Reflexiono que la modernidad no parece ser un avance para nosotros, si no mas bien un retroceso que nos trae nuevos problemas, los cuales somos incapaces de resolver. Pero al mismo tiempo si no hay cambios y dificultades que resolver ¿Cómo avanzaríamos como humanidad?, es una de las películas mas complejas que he visto en toda mi vida y se convirtió en una de mis favoritas, porque crea una pregunta tan profunda y compleja sobre la humanidad, que únicamente creciendo, madurando, leyendo, aprendiendo, viviendo y envejeciendo se puede lograr responder. 

#az ötödik pecsét #Zoltán Fábri #film

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Diabolique - Henri-Georges Clouzot (1955)

La historia de dos mujeres y un hombre, de que son capaces los humanos por obtener una meta. Que están dispuestos a sacrificar y también por luchar hasta la muerte. Una historia que cambia el rumbo del cine de suspenso.

Una de las primeras obras maestras del suspenso en el séptimo arte, es la película del director francés llamado Henri-Georges Clouzot. Considerada una de las mejores películas de suspenso. Clouzot crea una narrativa que mantiene tu curiosidad y nervios durante cada escena al limite, con pequeños gestos y acciones que llevaban a algo mas grande, giros en la trama inesperados que te harán descubrir lo bien escrito y dirigido que puede llegar a estar una película.

Demuestra la sencilla teoria que dice: cada acción tiene una reacción, en el caso de esta película una consecuencia. Entrelaza perfectamente cada escena con la siguiente, para hacer una narrativa que sorprende con el dialogo, acciones de los personajes y espectacular manejo de la fotografía. Cada encuadre genera una sensación que complementa el suspenso mismo de la película, Armand Thirard -el director de fotografía- crea espacios que a través de la luz y la sombra comunica mensajes narrativos y poéticos, con imágenes terroríficas.

Lo que vuelve esta obra de suspenso algo realmente interesante, es que cada uno de los elementos que coloca Clouzot en su narrativa son implícitos y debe de verse cuidadosamente para averiguar cual será la siguiente secuencia de eventos, aun así es probable estar equivocado y asombrarte con cambios de trama que suceden en este extraordinario largometraje. Este gran director cambio el rumbo del cine de este subgénero a algo más profundo e interesante de ver como cineasta y como cinéfilo.

#diabolique #henri-georges clouzot #film

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Du côté de la côte (En el lado de la costa) - Agnès Varda (1958)

Uno de los documentales que capturan la esencia de un lugar tan interesante como es la Costa azul o Riviera Francesa ubicada al sur de Francia, un cortometraje de una de las más grandes documentalistas de la actualidad llamada Agnès Varda, crea un discurso de veinticinco minutos que te transporta a el año 1958, como si estuvieras parado en uno de los miradores que dan al mar y dejan ver la gran, bella e interesante Costa Azul.

Agnès filma un documental muy bello que muestra a través de la combinación de colores, espectacular fotografía, un guión narrado por ella misma y toda la gente que existe en esos lugares, principalmente los turistas que cubren las playas y las calles durante el verano. Un documento que muestra como es la Costa Azul a través de los ojos de Agnès, quien entiende la gran demanda y el fuerte cambio que sufrió esta zona de Francia durante la segunda mitad del siglo XX, como la modernidad arraso con gran parte de la historia de este lugar y lo convierto en un lugar totalmente diferente, durante el verano cada año este lugar cambia y olvida fragmentos de su pasado, el cual es más interesante de lo que piensa la mayoría de la gente, que “invade” estos espacios.

El cambio que ha traído la modernidad no ha sido del todo bueno, en mi opinión es mas malo de lo que pudiese parecer, lugares como la Costa Azul de Francia, se han modificado “forzosamente” debido a la alta demanda de turistas que confluyen en sus playas, calles y edificaciones. Lugares con una historia extremadamente interesante, ahora se convierten únicamente locaciones o terrenos que las personas ocupan, espacios que se llenan de individuos que son todos muy parecidos, como ovejas, se colocan en la playa con pocos centímetros de distancia, uno tras otro. 

Captura lo que fue este lugar, su historia y su pasado,  las cosas que han sido olvidadas. Captura lo que es ese lugar, su presente y lo que ha cambiado, en lo que se ha convertido. Y captura el futuro que le espera a este lugar si continua el mismo camino. Jean Vigo junto Agnès Varda despiertan gran curiosidad en mi por conocer estos lugares tan interesantes, repletos de historia que están sufriendo un cambio con la modernidad. 

#du côté de la côte #agnès varda #film

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El proceso - Orson Welles (1962)

Largometraje dirigido y escrito por el gran cineasta estadounidense llamado Orson Welles, basado en una novela con el mismo nombre por uno de los mas grandes escritores del siglo XX llamado Franz Kafka. La trama trata de un hombre llamado Josef K. interpretado por el reconocido actor Anthony Perkins, quien trabajo también con otros grandes directores como Alfred Hitchcock. Este hombre un día es informado que esta en un arresto abierto, sin ser acusado de ningún delito ni siendo detenido por las autoridades. Al seguir con varias acusaciones en distintas ocasiones intenta buscar ayuda a través de un supuesto gran abogado llamado Hastler interpretado por Orson Welles.

Esta película muestra una realidad distorsionada del mundo y la sociedad, donde quienes son acusados entran en un limbo -un proceso- del cual no se puede escapar, únicamente queda esperar hasta que sea tu turno, donde no existen atajos ni soluciones aparentes. Este proceso es borroso y no tiene pasos a seguir. En el caso del personaje principal, desconoce la razón por la que es acusado y constantemente busca respuestas en el tribunal, oficinas y con su abogado, pero absolutamente nadie tiene respuestas, únicamente uno mismo y esta verdad es muy difícil de aceptar, porque tu respuesta y decisión pareciese no tener ningún poder sobre la sociedad ni la realidad.

Para el espectador resulta una película con una narrativa misteriosa que mantiene tu interés desde el inicio hasta el final, justamente por que el personaje principal se encuentra igual de confundido que el espectador. Podría parecer una película qué critica a la sociedad, desde el punto de vista de Franz Kafka y en el caso de esta película desde los ojos de Orson Welles, ambos critican lo turbio e impreciso que resultan los procesos dictados por alguien con mayor poder que uno mismo, donde sin importar nada -tu situación socioeconómica, si cometiste un crimen o no- en el caso de esta película. Es un proceso nebuloso y opaco donde nadie sabe lo que hace, todos y cada uno de los participantes en este “proceso” solo existen y están... esperando.

Resulta un largometraje lleno de visiones surrealistas del mundo donde se encuentra atrapado este personaje, que demuestran la naturaleza del lugar, la pesadilla que esta viviendo Josef. Escenografías espectaculares que juegan con la percepción de la realidad y los espacios, puertas gigantescas de edificios burocráticos que llevan a paisajes extraordinarios, sin saber realmente lo que separa cada lugar de otro, ya que parecen todos estar conectados de una u otra manera. Orson crea un universo distorsionado, lleno de pasajes secretos, espacios gigantescos repletos de repetición, logra cambiar en el espectador la percepción de la realidad como la conoce, para introducirnos a un lugar que solo un maestro del séptimo arte como Orson Welles puede crear.

#der process #orson welles #film

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Spalovac Mrtvol (El cremador) - Juraj Herz

Una de las obras maestras más grandes del cine Checo, el largometraje de “El Cremador”, dirigida por el gran Juraj Herz, basada en una novela -con el mismo nombre- de Ladislav Fuks, ambos de la de la República Checa. El protagonista de este largometraje es el gran actor checo llamado Rudolf Hrušínský, quien se crea un personaje increíblemente interesante, un cremador llamado Karl Kopfrkingl que se encuentra trabajando en la Praga durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los alemanes están ocupando República Checa.

Juraj crea a través de un guión de horror cómico, una película que ve la muerte como ningún director la había analizado antes, como algo que tiene su lado humorístico aunque no lo parezca, este director es la prueba de lo interesante que puede llegar a ser un largometraje de humor negro, donde cada dialogo y situación que pasa el personaje principal contiene un doble sentido y un humor  tan bien pensado y logrado que nunca había visto antes en una película.

Se convirtió en una de mis películas preferidas gracias al espectacular manejo de actores, guión y fotografía. La fotografía en blanco y negro no puede llegar a tener momentos tan bellos como en esta película, con movimientos de cámara espectaculares que podrían parecer mágicos. Resulta sorprendente que conforme veo películas de países de los cuales no conozco profundamente su cine, como el caso de República Checa, tiene joyas que nunca podrán superarse en la historia, como “El cremador”.

Crea un nuevo genero que cambia la percepción común del horror, a un discurso más complejo que es capaz de causarnos incomodidad de la cual nos reímos, Hace un personaje en el cual creemos y aceptamos tal cual como es, que aunque haga cosas extremadamente severas nos causa una risa inexplicable, discurso que ningún director había explorado antes. Como la muerte y el asesinato es algo risible y humorístico, imposible de entender hasta ver la película por primera vez, dándote cuenta que te estas riendo de cosas que normalmente no te causarían risa, todo se lo debemos a Juraj Herz, es verdaderamente un genio del séptimo arte.

#spalovac mrtvol #juraj herz #film

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Padre padrone - Paolo y Vittorio Taviani (1977)

Largometraje filmado por dos hermanos italianos que fueron influenciados en su adolescencia por el neorrealismo italiano, con cine de directores como el gran Roberto Rosselini. La película cuenta la historia de un niño llamado Gavino Ledda quien debe de crecer y madurar solo, su padre es un hombre muy duro quien lo obliga a quedarse en la casa para convertirse en pastor como su padre. 

El largometraje fue filmado para ser visto en una cadena televisiva italiana y la historia esta basada en hechos reales de un hombre llamado igual al personaje principal, Gavino Ledda. Retrata a través de la vida de este niño, como la vida de los campesinos es extremadamente compleja, ya que quienes te educan -tu padre y madre- tienen una vision muy cerrada de la realidad y el único futuro que puede esperar un niño al crecer es convertirse igual que su padre, en este caso un pastor. El futuro que le espera a Gavino es exactamente igual al de su padre, pero intentara encontrar la libertad y encontrarse a si mismo.

El proceso natural de convertirse en un hombre con propósitos y metas propias debe de ser apoyado por el padre, pero este caso no sucedía en esta época y menos en familias conservadoras de campesinos, Gavino se encuentra en un dilema que continua sucediendo aun en la actualidad. Tomar decisiones a través de los pensamientos y educación del padre, sin tener total libertad en intereses propios. La segunda opción es “traicionar” los ideales y futuro pensado de tus padres y educarte solo, negando el futuro que imponen los padres.

Cuando la segunda opción sucede no existe en realidad una libertad absoluta en cuanto a formas de pensamiento o percepciones de la vida en general. Porque al final con quienes creciste, sea poco o mucho tiempo, es con tus padres, creyendo o negando la educación que te dan, que finalmente te forma como un ser humano cuando creces y maduras. En algún momento se debe de regresar siendo un adulto a tus raíces de pensamiento, en el caso de Gavino a su padre. 

#padre padrone #paolo taviani #vittorio taviani #film

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Le diable probablement - Robert Bresson (1977)

Un largometraje filmado por el gran director francés llamado Robert Bresson, perteneciente principalmente a la corriente cinematográfica llamada La nueva ola francesa, sin embargo es considerado uno de los más grandes directores de cine francés de la historia. Cuenta una historia que nos muestra desde comienzo del largometraje su desenlace final, un hombre joven que quiere suicidarse y le paga a un drogadicto para que lo haga por el, con el fin de que estar libre de todo peso moral de haber cometido un suicidio. La película muestra como se adolece cuando te conviertes en un adulto y te das cuenta de las crudas realidades que suceden cada día en el mundo, cambiando totalmente tu visión “inocente” de la sociedad a una visión realista, que es bastante compleja y difícil de aceptar.

Existe un discurso poético extremadamente profundo en esta película, ya que muestra desde un punto de vista distinto lo que es crecer y madurar. Como un ser humano a partir de sus experiencias, crea una personalidad y pensamiento propio, donde se debe de ser sincero cada quien con uno mismo y guiar su  camino como individuo perteneciente a la sociedad que comenzara una compleja pertenencia a la sociedad moderna. Esto implica conocerse a si mismo, saber gracias a tus ideales y educación lo que esta bien y lo que esta mal. El problema es que uno nunca termina de conocerse a si mismo y los ideales cambian constantemente cuando se esta creciendo y experimentando cosas nuevas que amplían los horizontes de percepción y contemplación de los problemas como persona, individuo único e irrepetible en el mundo. Se descubren las adicciones, la depresión y la soledad.

Bresson crea un largometraje que conmueve como ninguna otra historia, lo que es crecer en una sociedad como en la que se vive actualmente, una sociedad que pudiese parecer enferma y bizarra, que defrauda a veces nuestra percepción y también que pone a prueba nuestros instintos de supervivencia. Una sociedad que no espera a que uno crezca, si no que empuja  y aplasta a todos, pareciese que uno no puede detenerse y reflexionar lentamente lo que es madurar para pertenecer, convivir, existir y ser parte de la sociedad como adulto. 

Donde los humanos se ayudan, existe un compañerismo que nunca antes había visto filmado, donde las almas que piensan estar “perdidas” se ayudan,  en los momentos de perdida de la razón, existe una empatía genuina que hace que se apoyen entre todos, los unos a los otros, sin juzgar los problemas de los demás, si no entendiéndolos y sabiendo que ellos están pasando por lo mismo que uno. Es una de las películas que mas han conmovido mi ser, porque habla de algo real y extremadamente genuino que ningún director había transmitido en mi antes con la profundidad y sinceridad que lo hace Bresson, la vida, crecer, madurar y conocer la cruda realidad.

#le diable probablement #robert bresson #film

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Stalag 17 - Billy Wilder (1953)

Largometraje bélico del famoso director estadounidense llamado Billy Wilder, narra la historia de unos soldados estadounidenses que se encuentran en un campo de concentración alemán llamado Stalag durante la Segunda Guerra Mundial.

La trama se desarrolla cuando los soldados comienzan a preguntarse quien de ellos es un espía alemán, los soldados lo único que quieren es escapar. Pero cada intento los alemanes lo descubren, deben de averiguar quien es el informante. El largometraje de este director es una adaptación de una obra de Broadway basada en hechos reales de prisioneros que se encontraron en el campo de concentración llamado Stalag 17B en Austria.

Un dato curioso es que la película fue filmada en orden cronológico, lo cual es extraño en cualquier producción cinematográfica, ya que implica mayor presupuesto y planeación. Esta decisión la tomo Billy porque los actores no supieron quien era el informante en la historia hasta tres días antes de que sucediese esa escena. Lo cual dio gran curiosidad dentro y fuera del set.

Billy Wilder logra un largometraje interesante de ver y estudiar, ya que como se trata de una adaptación de teatro, tiene gran profundidad cinematográfica. Crea un equilibrio perfecto entre melodrama, comedia y acción, en una historia repleta de misterio y la realidad de la segunda guerra mundial para todos los involucrados. Muestra el compañerismo que se logra por pertenecer a una misma nación y estará defendiendo como soldado en la guerra, desde un punto de vista intrigante, no depresivo. Billy Wilder cambia el rumbo común de las películas de subgénero bélico para crear un filme complejamente entretenido.

#billy wilder #stalag 17 #film

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Die Brücke (El puente) - Bernhard Wicki (1959)

Largometraje bélico filmado en 1959 por el director y actor austriaco Bernhard Wicki, basado en una historia real. El suceso de la historia se desarrolla en los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, desde el punto de vista de los soldados alemanes.

Un grupo de jóvenes de un pequeño pueblo son enlistados por el ejercito alemán a falta de soldados adultos para luchar. La mayoría de ellos emocionados por la idea de defender a su país y pertenecer, en su primer día sin entrenamiento como soldados, deben de proteger a toda costa el puente cruza a su pueblo de las tropas estadounidenses. Sin ayuda de los demás soldados este grupo de jóvenes deberá de defender el puente, aunque esto implique morir en el intento.

El director Bernard crea un largometraje desde un punto de vista muy peculiar, el de los jóvenes alemanes, su postura y situación ante este suceso histórico, la Segunda Guerra Mundial. Un tema sensible respecto a todo lo que implico para el mundo, la muerte de millones de personas inocentes, el Holocausto, la destrucción de ciudades y la destrucción de obras de arte, entre muchas cosas más. Por lo que el director fue valiente en contar esta historia basada en hechos verídicos, de un grupo de jóvenes que les toco vivir en ese espacio y tiempo.  

Una película bélica distinta a todas las de la época, que contiene un discursó antimilitarista de lo absurda que es la guerra y la perdida de tantas vidas inocentes, en este caso de un grupo de jóvenes que son enviados a combatir en una pelea por su patria que en ese momento ya estaba perdida y gracias a los falsos ideales de patria que les había inculcado el gobierno alemán estaban orgullosos de hacerlo y ser parte de lo mas estúpido de la sociedad, la guerra. Un discurso que nos hace entender la frialdad que tienen las personas que creen que la guerra es la solución, como la que tuvieron los alemanes para mandar a morir a un grupo de niños.

#film #Die Brücke #Bernhard Wicki

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Días de Santiago - Josué Méndez (2004)

Película filmada por el director peruano Josué Méndez en el año 2003, considerada como una de las mejores películas de Perú. La historia sucede en la ciudad de Lima, una ciudad perdida, sin esperanza y decadente.

Cuenta la vida de un ex-combatiente de la Marina llamado Santiago cuando regresa a Perú después de luchar contra el narcotráfico, reingresando a la sociedad y la vida civil, lo cual no le será nada fácil ya que a diferencia de la guerra, en la ciudad su rango no vale nada ni le sirve para vivir. Todos sus duros recuerdos de la guerra lo persiguen constantemente, imposibilitando su adaptación en la sociedad, con constantes conflictos si la delincuencia y corrupción es el camino correcto para salir adelante. Retratando un problema social con el que se pueden identificar muchos países, la pobreza.

Narrativamente, estéticamente y sonoramente la película es única, ya que maneja el punto de vista de un hombre que pertenece a una sociedad que se encuentra perdida en el limbo, donde la violencia y el poder se piensa que es la respuesta. Con una fotografía espectacular, filmada en 16 mm, a color y en blanco y negro, con cámara en mano y plano secuencias que te introducen dentro de la realidad y alteraciones de esta en la que se encuentra el personaje principal.

La película me recordó a un clásico del cine americano, Taxi Driver de Martin Scorsese, ya que maneja una narrativa y estética muy parecida, que queda perfectamente con el conflicto interno de Santiago en la sociedad de Lima y su constante búsqueda por respuestas acerca de lo que esta bien y lo que esta mal, un dilema moral. Este personaje se vuelve en alguien vigente para la realidad en la que se encuentra México, ya que conoce lo mas crudo y grotesco de la sociedad la violencia, la muerte, la guerra, la supervivencia del más fuerte.

#film #dias de santiago #josué méndez

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JLG/JLG: autoportrait de décembre (autorretrato de diciembre) - Jean-Luc Godard (1995)

Una de las películas más complejas que he visto en mi vida, la opinión y reflejo del gran director Jean-Luc Godard acerca del cine, el arte y la creación. Un documental filmado en 1995 en la casa de Godard en Suiza, largometraje escrito, dirigido y protagonizado por el mismo. Logra crear una obra extremadamente interesante, profunda y compleja, un reflejo de este magnífico director en el cine y como el cine se refleja en el,  por medio de paisajes azules repletos de nieve, interiores de su casa sombríos y oscuros, ideas, reflexiones palabras de libros, dibujos y sonidos.

Godard expresa sus ideas a través de reflexiones propias y de reconocidos directores contemporáneos. Cuestionando como sucede la creación, como surge el arte y finalmente el cine. Demostrando por medio de la palabra, el sonido y la imagen, la grandeza en el séptimo arte que tiene este director.

Se convierte en un largometraje extremadamente personal, del director y sus ideas sobre la creación del arte en si, desenvolviendo su persona como alguien común no como el “grandioso Godard”-imagen que tenemos de nuestros ídolos-. Creando así un autorretrato de su persona fusionado con su biografía y la historia del cine, para expresar a su ser como persona, su ser en el cine y el cine como un ser. Mostrando que el autor no es el importante si no su creación.

“El arte sólo nos atrae por lo que revela de nuestro yo más secreto.” 

- Jean-Luc Godard.

#film #jlgjlg #jean-luc godard

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Hambre - Henning Carlsen (1966)

Película basada en una novela del aclamado escritor noruego ganador del Premio Nobel,  Knut Hamsun. Dirigida por Henning Carlsen en 1966, filmada en la ciudad de Noruega, Oslo. El actor principal Per Oscarsson que interpreta el papel de Pontus, ganó en el festival de Cannes mejor actuación junto con 4 festivales más. La historia se desarrolla en Kristiania (Oslo) en 1890, cuenta la historia de un escritor solitario llamado Pontus, llega del campo a la ciudad para conseguir trabajo. Pontus no puede conseguir dinero para comer desde hace varios días, después de intentar muchas soluciones para esto, pierde la razón y comienza a tener alucinaciones que lo llevaran a la locura. Todo por el hambre. Como espectadores lo acompañamos en sus problemas internos y pensamientos, escuchando sus conversaciones consigo mismo. Película donde la realidad y la imaginación de Pontus se combinan para dejaros en misterio lo que realmente paso y lo que este personaje imagino.

El actor Per Oscarsson, crea un personaje espectacular extremadamente profundo y preciso, que expresa durante toda la película un desasosiego que invade al espectador. Reflejando en cada momento la lucha por la supervivencia del ser humano, por algo tan básico e indispensable comer. A través de su actuación podemos observar la desintegración inevitable de la mente y esencia por la que esta pasando Pontus.

A pesar de la época en la que sucede la película, tiene una veracidad absoluta, la fotografía blanco y negro, las calles empedradas, la vestimenta de los personajes y la arquitectura que aparece en cuadro. El director Henning crea una adaptación impecable de la novela de Knut Hamsun, que muestra la travesía de un hombre extremadamente complejo que se destruye a si mismo, quien se encuentra viviendo en una realidad alterna, repleta de alucinaciones y sufrimiento. Donde sus habilidades sociales, físicas y mentales se ven en constante descenso y agonía. 

Lo único que no pierde es la cortesía hacia los demás y la dignidad de hacer lo correcto. Hay una situación cuando consigue dinero y en lugar de comer, decide comprar una vela para poder escribir en las noches, con su lápiz que a lo largo de la narrativa te das cuenta que es su pertenencia mas preciada. Le regresan cambio de más por la vela, en el momento que se da cuenta regresa a la tienda y regaña al vendedor por equivocarse con el cambio. En lugar de regresarle el dinero o comprar algo de comer se lo regala a una mujer que estaba pidiendo dinero en la calle. Esto es tan solo un ejemplo que demuestra la complejidad del personaje que creo Knut y la maestría que tuvo Henning Carlsen en llevarlo a pantalla.

#film #hambre #hunger #Henning Carlsen #Knut Hamsun

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Breve encuentro - David Lean (1945)

Obra maestra del director británico David Lean, filmada en 1945. Un clásico del subgénero melodramático en el cine, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, considerada una de las mejores películas inglesas de la historia. Su nombre “Breve encuentro” se refiere a la libertad que obtuvieron las mujeres sexual y económicamente después de la Segunda Guerra Mundial. 

David Lean adapta una obra de un acto del escritor Noël Coward llamada “Still Life”, cuenta una historia de amor entre Alec y Laura quienes a pesar de estar casados y tener hijos, encuentran una atracción por el otro. Su relación comienza como amigos pero se va desarrollando a algo mas, retratando “el amor imposible”, situación prohibida en la época y en la que se encuentran estos dos personajes.

El director David Lean filma una película que retrata un problema social que sigue siendo vigente en nuestra actualidad, pero en la época que fue estrenada era un tema de controversia para la gente. Razón por la que podría pensarse que llega a ser demasiado melodramática y falsa en cuanto a los problemas que sufren los personajes dentro la narrativa, pero debe de tomarse en cuenta el contexto y tiempo en el que fue filmada, una ves entendido el contexto debe de reconocerse que es un excelente logro en cuanto al discurso y maestría en hacer cine.

Resulta sorprendente la estética y la plástica que tiene esta película. A lo largo de la narrativa la cámara se mueve y los encuadres se iluminan dependiendo de lo que esta sintiendo y pensando el personaje que esta en cuadro. Con un excelente manejo de iluminación a pesar de tener escenas en la noche y una gran maestría en la cinematografía. Sin dejar atrás la actuación de Laura  (Celia Johnson) quien a pesar de tener gran cantidad de encuadres centrados en su rostro, actúa de manera impecable.

Desde el primer encuadre hasta el ultimo, la fotografía es sorprendente, “Breve encuentro” se convirtió; en mi opinión, en una de las películas con mejor fotografía en blanco y negro de la historia del cine.

#film #brief encounter #david lean