#arte geométrico
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Piet Mondrian: La Simplicidad Geométrica que Cambió el Arte Moderno
Cuando pensamos en arte que ha cambiado nuestra percepción del mundo, el nombre de Piet Mondrian resuena como una campana en la gran catedral de la expresión artística. Este virtuoso pintor, icónico por su estilo geométrico y visión innovadora, grabó irrevocablemente su nombre en los anales de la historia del arte, manifestando un aura inimitable que aún permea el arte contemporáneo.
Nacido el 7 de marzo de 1872 en los Países Bajos, Piet Mondrian se embarcó en una travesía de descubrimiento artístico que revolucionaría nuestra comprensión de la expresión visual. Irrumpiendo en la escena vanguardista con un vigor inigualable, Mondrian se convirtió en un faro de De Stijl, un movimiento artístico holandés que abogaba por la simplicidad, la abstracción y la forma elemental, pintando un nuevo lenguaje artístico de pureza y armonía universal.
El Vocabulario Artístico de Mondrian: Color, Forma y Espacio
Impregnado de un voraz apetito por la originalidad, Mondrian desafió lo convencional, abrazando una audaz exploración de la relación dinámica entre forma, color y espacio. Este audaz maverick, venerado por sus icónicas pinturas basadas en cuadrículas, pintó un mundo rebosante de color y líneas pronunciadas que parecían bailar a través del lienzo, creando obras maestras que resuenan con una sinfonía armoniosa de primarios vivos y audaz blanco y negro.
Sin embargo, encapsular el legado de Mondrian simplemente dentro de los confines de su estética geométrica sería una subestimación grosera de su colosal influencia. Este virtuoso dotado era un ferviente creyente en la belleza intrínseca del mundo, entrelazando su profunda espiritualidad con su destreza artística. Su trayectoria creativa, llena de dedicación a su oficio, revela a un artista completamente inmerso en la enigmática danza de la autoexpresión, un rasgo reflejado en su vida personal también.
Mondrian: Un Innovador Artístico que Desafió al Tiempo
Mondrian fue una figura fascinante, un espíritu libre que era tanto un enigma como un libro abierto. Mitos y anécdotas puntuaban su narrativa de vida, pintándolo como una figura de creatividad desenfrenada y disciplina estética. Abundan los cuentos de la meticulosidad de Mondrian, su compulsión por la pureza geométrica incluso se extendía a la disposición de los muebles en su estudio parisino. Su estilo de vida bohemio, su pasión por el jazz y su preferencia por pintar en soledad alimentan la colorida narrativa de su vida. Más allá del arte, Mondrian era un caleidoscopio de múltiples rasgos, un testimonio de su creatividad sin límites.
Su obra trasciende las dimensiones artísticas, impactando profundamente el diseño, la arquitectura, la moda y la cultura pop. Desde la estética austera de la Bauhaus hasta los vibrantes diseños de Yves Saint Laurent, la influencia de Mondrian resuena como una melodía imperecedera. Su inmortal “Composición con Rojo, Azul y Amarillo” sirve como testimonio de su genio atemporal, una fuente perdurable de inspiración que insufla vida en el arte visual del ámbito contemporáneo.
En la interminable historia del arte, Piet Mondrian se erige como una figura imponente, un verdadero visionario que se atrevió a aventurarse más allá del ámbito de lo ordinario. Su notable contribución no solo radica en el brillantez estética de su obra, sino también en el profundo cambio ideológico que defendió. Este cambio empujó a artistas y espectadores por igual a considerar el arte más allá del lente de la representación, para abrazar la abstracción como una forma viable y vital de expresión.
Celebrando el Legado de Mondrian
Al celebrar a Mondrian, celebramos a un artista cuya vida y obra resonaban con una sed insaciable de innovación y un profundo amor por su oficio. Su pasión iluminaba sus lienzos, dándole vida a la precisión geométrica y traduciendo un mundo abstracto en una realidad tangible. Honramos al hombre cuyas reverberaciones aún resuenan en los corredores del arte, el diseño y la cultura, recordándonos siempre la belleza que yace dentro de lo simple, lo abstracto, lo Mondrian.
En una época marcada por una confluencia de direcciones artísticas, Mondrian emergió como una fuerza orientadora, un titán del modernismo cuyo legado sigue despertando inspiración, resonando en los corazones de los artistas y amantes del arte por igual. Sus contribuciones al mundo del arte, capturadas vívidamente en cada cuadrado y rectángulo fascinante, siguen resistiendo la prueba del tiempo, su nombre grabado en la roca de la evolución artística. Piet Mondrian sigue siendo un verdadero parangón de la excelencia artística, su legado pulsa con un irresistible atractivo, un testimonio del poder y la belleza de la expresión artística.
Piet Mondrian: un nombre que significa más que un artista, más que un estilo, simboliza una revolución, un cambio sísmico en la forma en que percibimos, entendemos y apreciamos el arte. Verdaderamente, una leyenda en su propio derecho.
Originally published at https://artemartinprieto.com/on August 04, 2023.
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Samson Flexor, Geométrico II, Geometric II, 1952, Oil on canvas, 3/4/23 #mfah #artmuseum by Sharon Mollerus
#artmuseum#Texas#Geométrico II#Samson Flexor#1952#Geometric II#Houston#MFA#The Museum of Fine Arts#Oil on canvas#mfah#TX#flickr
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El modernismo
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Arte postpaleolítico
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Papel pintado Art Deco, Twenties
Glamour, sofisticación y modernidad, la época de 1920 y su movimiento insignia, el Art Decó, fascinan con su efervescencia creativa. La nueva colección Twenties rinde homenaje particularmente, en la ciudad de Nueva York. Su brillantez ha sido una valiosa fuente de inspiración, en arquitectura, muebles, joyería ,objetos cotidianos y, actualmente en decoración de interiores.
¿Imaginamos? En la…
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ANA MENDIETA & CARSON MCCULLERS
En el espacio de catorce años —de 1866 a 1880— Dostoievski escribió sus cuatro obras maestras: Crimen y castigo, El idiota, Los endemoniados y Los hermanos Karamázov. Se trata de novelas extraordinariamente complejas. Dostoievski, de acuerdo con la auténtica tradición rusa, se enfrenta a la vida con un punto de vista completamente imparcial; el mal, la confusión de la vida, los recoge con la más completa de las franquezas, fundiendo las emociones más diversas en un todo compuesto. Pero además de eso emplea el enfoque analítico. Es casi como si después de haber examinado la vida durante mucho tiempo y de haber reflejado fielmente con su arte lo que ve, le horrorizara tanto la vida misma como lo que él ha escrito. E incapaz de rechazar ninguna de las dos cosas, o de engañarse, asume la responsabilidad suprema y responde él al enigma de la vida. Pero para hacerlo tendría que ser un mesías. Sociológicamente el problema nunca se puede resolver por completo, y además a Dostoievski le eran indiferentes las teorías económicas. Y Dostoievski, en este papel de mesías, no cumple con la responsabilidad que ha asumido. Las preguntas que plantea son inmensas, algo así como preguntas enfadadas a Dios. ¿Por qué el ser humano se ha dejado degradar y ha permitido la corrupción de su espíritu por la materia? ¿Por qué existen el mal, la pobreza y el sufrimiento? Las preguntas de Dostoievski son magníficas, pero su solución, la «nueva cristiandad», no es una respuesta: casi utiliza a Jesucristo como una artimaña. La «solución» a Crimen y castigo es una solución personal, dado que los problemas son metafísicos y universales. Raskólnikov es un símbolo de la trágica incapacidad del ser humano para encontrar una armonía interior en este mundo de desorden. El problema son los males de la sociedad, y Raskólnikov es sólo un resultado de esa discordancia. Mediante la abstinencia, la expiación personal, el reconocimiento de un Dios personal, un Raskólnikov puede encontrar o no un estado subjetivo de gracia. Pero en ese caso sólo se ha resuelto un problema circunstancial; el problema básico sigue intacto. Es como tratar de formular la demostración de un problema geométrico mediante la aritmética de base.
- Carson McCullers, «El mudo» y otros textos: Prólogo de Rodrigo Fresán. Seix Barral. Traducción de José Luis López Muñoz
- Ana Mendieta, Figura del cuerpo de la Tierra, 1973.
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Arte parto
El arte parto floreció en el corredor cultural euroasiático desde finales del siglo I a.C. hasta principios del I y II d.C. El Imperio parto (247 a.C. - 224 d.C.), que se extendía desde la India y China por el este hasta las costas mediterráneas por el oeste, se había apoderado del Imperio seléucida (312 - 63 a.C.), formado por muchos pueblos y culturas, por lo que sus influencias procedían de muchos lugares. Tomando inspiración de oriente y occidente, la suya fue una amalgama fácilmente identificable como parta: no solo crearon su propia indumentaria, casi extravagante, sino que sus motivos frontales y circulares en el arte y la arquitectura y su uso de diseños geométricos y floreales para la decoración de paredes han influido en patrones artísticos que aún resuenan en Oriente Próximo.
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China laca. Muebles, cajas, ...
Una caja de boda china del siglo XIX, lacada en negro, con la parte superior y los lados con escenas pintadas a mano de niños jugando en un jardín, y todo acentuado con motivos geométricos, de loto y filigrana, encima de un soporte posterior de imitación de bambú. ...
Arte decorativa , a menudo implica la aplicación de muchas capas de laca al material del núcleo. La resina utilizada en la laca china se obtiene de una especie de árbol (autóctona de China) conocida como Toxicodendron vernicifluum , comúnmente llamada Árbol de la laca. La resina, que se toma solo de árboles que tienen al menos 10 años de edad, contiene un ingrediente activo llamado urushiol , además de una serie de fenoles suspendidos en agua. Estos ingredientes reaccionan entre sí y con el oxí
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UNTITLED>ROBERTO WAGNER
Untitled ( Edição do Autor, 2023) de Roberto Wagner, fotógrafo paranaense radicado em São Paulo reúne neste seu primeiro livro uma série de 36 imagens, parte de um grande ensaio que aproxima-se do abstracionismo geométrico, tendo como cenário o urbano e fragmentos de sua arquitetura no registro de suas consequências temporais captado no senso autoral, pensamento a que vem dedicando-se desde o início dos anos 1980. O amplo recorte visual do autor já foi visto no livro SX70.com.br. (Wide Publishing, 2003) uma coleção de polaroids oriundos do modelo SX70 que também reuniu Armando Prado, Fernando Costa Netto, Marcelo Pallotta, Claudio Elisabetsky, Paulo Vainer e Ricardo Van Steen, organizado pela artista paulista Lenora de Barros.
Nas suas imagens encontramos composições precisas, seja em uma sala, um fragmento de uma parede, um detalhe de um muro, tapumes, calçamentos, desenhos criados ao acaso, a cor como forma geral. Selecionados pelo autor, seus enquadramentos ressignificam o banal - ou o decadente- como sua forma de arte encontrando uma certa abstração fotográfica, que podemos em parte ver tanto no movimento concreto, como no modo construtivista no sentido de trabalhar com o objeto exposto no cotidiano das cidades, em sua maioria São Paulo.
O fotógrafo aponta para a linguagem pictórica da abstração construindo-a com uso de formas geométricas simples (perfeitas e imperfeitas) colocadas em espaços não ilusionistas e reunidas em composições não objetivas, que distanciam-se da representação tradicional da pintura, baseada na imitação de formas do mundo visual. O seu movimento é circundante no espaço perspectivo e ilusionista, como na tradição que surge após o Renascimento e ora perseguido em tempos mais contemporâneos. Neste caso, estruturado por uma fotografia que abandona seu figurativismo intrínseco.
Sobrepondo superfícies planas e frontais, unidas por uma grade linear, Wagner apreende formas abstratas em elementos “construtivos” da composição. O ganho da publicação vem da liberdade de experimentação com diferentes estruturas e materiais encontrados por ele e as relações espaciais entre várias partes composicionais, que evoluem para seu recorte final. Sendo assim, cores essencialmente planas misturam-se com distintas sobreposições tonais, dando maior substância a forma, que surge dos vestígios da realidade e das suas características bidimensionais, inerentes à fotografia.
Luiz S.F. Sandes, historiador da arte que vem dedicando-se a pesquisa da obra de Wagner: "A precariedade brasileira é notada na produção do fotógrafo na medida em que nela são registrados diversos detalhes arquitetônicos ou urbanos que, muitas vezes, denotam falta de acabamento, pobreza, desgaste ou incompletude. Já a ligação com a história da arte se dá pela abundante presença da tendência da abstração geométrica na obra de Wagner. Essa tendência, existente há cerca de um século, tem longa história tanto no campo da arte como no da fotografia." Para o pesquisador, "Se a cidade é um turbilhão incompreensível, o olhar do fotógrafo se coloca em oposição a isso, construindo imagens ordenadas, equilibradas e alinhadas."
Interessante notar ainda, pela pesquisa de Sandes, que: "Dado o teor muitas vezes inacabado, deteriorado e imperfeito presente nas suas fotografias, pode soar estranho que elas se relacionem à abstração geométrica. É preciso, contudo, entender que essa relação se dá menos pela presença de linhas, grids e formas geométricas nas imagens e mais pelo modo de o artista compô-las com precisão, simetria e ordem. Ainda que o modo de composição do artista organize nossa experiência visual com a cidade, ele não se sobrepõe ou se impõe a ela."
O desenvolvimento evolutivo de uma realidade puramente pictórica construída a partir de formas geométricas elementares assumiu diferentes expressões estilísticas em vários países como na Rússia já no início do século XX. Na Holanda, o principal criador e o mais importante proponente da linguagem geométrica abstrata foi Piet Mondrian (1872–1944). Juntamente com outros membros do grupo De Stijl – Theo van Doesburg (1883–1931), Bart van der Leck (1876–1958) e Vilmos Huszár (1884–1960) – o trabalho de Mondrian pretendia transmitir a “realidade absoluta”, interpretada como o mundo das formas geométricas. Nas imagens de Roberto Wagner, o viés escolhido é um padrão dentro do acaso que apresenta-se a ele. O recorte sobre algo já existente ganha uma nova dimensão ao propor sutilezas gráficas dentro do espectro decadente da construção. Talvez daí, a capa do livro que nos lembra uma prancha de corte com seu quadriculado, ganhe maior compreensão.
O que mais aproxima o trabalho de Wagner com estas formas de arte talvez seja a obra do artista e arquiteto russo Vladimir Tatlin (1885–1953) que criou um novo idioma abstrato geométrico em uma forma tridimensional inovadora, que ele primeiro apelidou de relevos pictóricos e posteriormente de contra-relevos. Eram montagens de materiais industriais encontrados aleatoriamente, cuja forma geométrica era ditada por suas propriedades inerentes, como madeira, metal ou vidro. O que podemos fazer um paralelo com o fotógrafo, na imagem que traz uma pilha de tijolos de concreto, próxima da conhecida "Torre" de Tatlin, um monumento à Terceira Internacional de 1919, que sacramenta o inter-relacionamento atemporal representado pela arte em seus meios mais improváveis.
Sem a conexão com o assunto literal, o espectador das propostas de Roberto Wagner possivelmente responderá mais aos fatores quase subconscientes da sua fotografia, certo que as imagens abstratas dirigem-se para um nível mais emocional ao usar apenas forma, cor e outros elementos de criação. Na sua forma mais pura, o tema de uma fotografia abstrata é muitas vezes irreconhecível. A beleza não deriva do assunto em si, mas de suas formas, texturas ou cores. Guardadas as proporções, um pequeno cubo vermelho em meio a uma grande parede cinza, nos sugere o americano Mark Rothko (1903-1970) ou os brocletes largados no asfalto nos lembram uma instalação do chinês Ai WeiWei e os azulejos quebrados e sujos na parede nos levam a produção dos escoceses Boyle Family.
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Em maio de 1951 o Museum of Modern Art (MoMA) de Nova York abriu a mostra Abstraction in Photography, com curadoria do luxemburguês Edward Steichen (1879-1973), 150 fotógrafos e artistas, entre eles os franceses Eugène Atget (1857-1927) e Henri Cartier-Bresson (1908-2004); os americanos Harry Callahan (1912-1999), Charles Eames (1907–1978), Jeannette Klute(1918-2009), Isamu Noguchi (1904-1988) e o húngaro Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946). Para o curador, a abstração, como lógica, é uma maneira do pensamento do homem e geralmente está incluída no que chamamos de Simbolismo. Isto é, suas particularidades é que fazem sua distinção. Em resumo, o que vemos em Untitled de Roberto Wagner é resultado da eliminação das impurezas dos fatos e a manutenção do essencial da estrutura ou forma. A fotografia abstrata como forma de arte.
Imagens © Roberto Wagner. Texto © Juan Esteves
Infos básicas:
Fotografia: Roberto Wagner
Edição/ Coordenação editorial/ Produção executiva: Ale Ruaro
Projeto Gráfico: Alyssa Ohno
Encadernação artesanal: Eliana Yukawa/Yume Ateliê & Design
Tratamento de imagem: Chris Kehl
Impressão: Gráfica Ipsis Editora/ Papel Munken Lynx Rough, 100 exemplares 11,5X15cm
*Box com edição especial de apenas 11 exemplares no formato 21X28 cm + print 24X36cm assinada pelo autor.
Para aquisição: [email protected]
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Capitulo 8: "¿Podes dejar de escapar?
El estaba perdido en los patrones geométricos que decoraban todo el pasillo, la puerta plateada parecía romper con la sinfonía de colores y formas que constituían esa alfombra de mal gusto {Che Ben...realmente no sabemos si nos lo vamos a cruzar}el se redujo a mirar el suelo, desentendido. El ascensor llego y abrió sus plateadas puertas, nos vamos, me dije a mi misma, tome del brazo a Benja y lo arrastre hasta el interior de la caja metálica que nos iba a llevar al ultimo piso {¿Nervioso?} se lo dije pero creo que sabia la respuesta, el sin embargo me miro fijamente {Ai… jamas estuve tan seguro de algo} parecia determinado, pero no se hasta que punto su determinación llegaba e iniciaba su miedo. Desde el fondo de mi alma deseo, lo único que quiero, es que estos dos se vuelvan a encontrar.
La facu estaba repleta de gente, había stands interesantisimos que te invitaban, tenia unas re ganas de quedarme, comer pruebas gratis, participar, pero había algo que me carcomía, donde esta Marcos, era incierto saber que si el estaba acá, pero en definitiva esto era arte de una fuerza mayor, creo que en definitiva si acaso existe un Dios este no dejaría un romance como este llegar a un final tan brusco, hay mucho mas allá, tan solo eso espero, estoy ensimismada en mis pensamientos, me preparo por que tal vez en cada vuelta de la esquina el podría estar ahí, buscando Benja… ¿Benja? ¡Se escapo! Esto no puede ser, lo perdí de vista ¿Donde se metió?
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Chalecos Bordados a Mano: El Toque Artesanal que Define tu Estilo
Sumérgete en el encanto atemporal de nuestros chalecos bordados a mano, donde la tradición se encuentra con la moda contemporánea para ofrecerte una experiencia única. Cada hilo entrelazado cuenta una historia de destreza artesanal y dedicación, infundiendo a cada prenda un carácter inigualable y un estilo que trasciende las tendencias pasajeras.
Nuestros chalecos bordados a mano son mucho más que prendas de vestir; son obras de arte que reflejan la esencia de quien los lleva. Cada puntada es un testimonio de la pasión por el detalle y el cuidado meticuloso que ponemos en cada diseño. Desde delicados motivos florales hasta intrincados patrones geométricos, nuestros chalecos ofrecen una variedad de opciones para expresar tu individualidad y estilo único.
Confeccionados con los materiales de más alta calidad y técnicas de bordado refinadas, nuestros chalecos no solo destacan por su belleza estética, sino también por su durabilidad y confort. Ya sea para una ocasión especial o para el día a día, nuestros chalecos bordados a mano añaden un toque de elegancia y sofisticación a cualquier conjunto.
Descubre la magia de nuestros chalecos bordados a mano y haz una declaración de estilo que perdurará por generaciones.
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El arte de la antigua Grecia: Un viaje en el tiempo
El arte de la Antigua Grecia es testimonio de la creatividad y el ingenio de una civilización que floreció hace más de 2.500 años. Desde las majestuosas esculturas de dioses y diosas hasta la intrincada cerámica y la delicada joyería, el arte de la Antigua Grecia sigue inspirando y cautivando a personas de todo el mundo. En este artículo, haremos un viaje en el tiempo y exploraremos las diferentes formas de arte que caracterizaron este fascinante periodo.
La primera época: Arte geométrico y arcaico
El periodo más antiguo del arte de la Antigua Grecia se conoce como periodo geométrico (900–700 a.C.). Durante esta época, los artistas griegos crearon intrincados diseños y patrones en cerámica utilizando un compás y una regla. Estos diseños incluían formas geométricas como triángulos, círculos y rombos, así como animales y criaturas míticas.
En el siguiente periodo, el Arcaico (700–480 a.C.), aparecieron las primeras esculturas. Estas esculturas eran en su mayoría de mármol o bronce y se crearon para honrar a los dioses y héroes de la Antigua Grecia. La más famosa de estas esculturas es el Kouros, una estatua de un joven erguido con los brazos a los lados. Estas esculturas estaban muy influidas por el arte egipcio, y las figuras se representaban con poses y expresiones rígidas y formales.
El periodo clásico: El perfeccionamiento de la escultura
El periodo clásico (480–323 a.C.) se considera la edad de oro del arte de la Antigua Grecia. Durante este periodo, los artistas griegos perfeccionaron el arte de la escultura, creando figuras realistas que capturaban la belleza y la gracia de la forma humana. Estas esculturas se caracterizaban por sus proporciones idealizadas y sus poses naturalistas. Una de las esculturas más famosas de este periodo es la Venus de Milo, una estatua de la diosa Afrodita que se conserva en el Museo del Louvre de París.
Además de la escultura, el periodo clásico fue testigo del desarrollo de otras formas de arte, como la pintura y la arquitectura. Los artistas griegos empezaron a pintar en cerámica escenas de la vida cotidiana y de la mitología, y también crearon intrincados frescos en las paredes de los edificios. Los arquitectos griegos diseñaron magníficos templos, como el Partenón de Atenas, que siguen en pie como testimonio de su habilidad y creatividad.
El periodo helenístico: El realismo y el drama
El periodo helenístico (323–31 a.C.) supuso una ruptura con la belleza idealizada del periodo clásico. Los artistas griegos empezaron a adoptar el realismo y el dramatismo, creando esculturas que representaban emociones fuertes y detalles realistas. Una de las esculturas más famosas de este periodo es Laocoonte y sus hijos, una estatua que representa al sacerdote troyano Laocoonte y sus dos hijos atacados por serpientes.
El periodo helenístico también fue testigo de la aparición de nuevas formas de arte, como los mosaicos y la escultura en relieve. Los artistas griegos crearon intrincados mosaicos utilizando diminutas piezas de vidrio o piedra coloreada, y también crearon esculturas en relieve que representaban escenas de la mitología y la vida cotidiana.
Conclusión
El arte de la Antigua Grecia es un fascinante viaje a través del tiempo, desde los intrincados diseños del periodo geométrico hasta las esculturas realistas y dramáticas del periodo helenístico. Los artistas griegos eran maestros en su oficio y crearon obras de arte que siguen inspirando y cautivando a la gente hoy en día. Tanto si le gusta la escultura como la pintura o la arquitectura, el arte de la Antigua Grecia tiene algo que ofrecer a todo el mundo.
Originally published at https://artemartinprieto.com/on March 9, 2023.
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Reseña: Spiderman, Poder y Responsabilidad (2001-2002) Bill Jemas, Brian M. Bendis, Mark Bagley, Art Thibert, Steve Buccellato, Marie Javins
Mi Reseña en un Tweet:
Me lo compré solo porque estaba barato: la edición es hermosa y la calidad de impresión es espectacular
Es su historia de origen con detalles raros (me copó su tía May)
Fui juntando momentos homoeróticos o diseños particulares (ese Green Goblin mamadísimo es certainly a choice)
Mi Reseña Completa:
Este es el primer tomo de la colección Marvel Ultimate de (otra vez) Editorial Salvat. Por supuesto, para enganchar a los coleccionistas, el primero es más barato y como parecían ser historias que comenzaban y arrancaban en un miso tomo, lo compré (también el segundo, de X-Men, pero no creo comprar más).
La presentación es fantástica: tapa dura, con detalles en dorado y acabado brillante; páginas completas a todo color en papel couché brillo. Los fascículos que componen el tomo están separados por las portadas originales y a veces páginas con diseño geométrico, complementan bien el forro interno de la portada.
En este primer tomo, se recopila la historia de origen del Spiderman de Peter Parker para el universo Ultimate (Ultimate Spider-Man #1 a #13 y 1/2), un reinicio que hicieron a comienzos del nuevo milenio para que le fuera más fácil a las nuevas generaciones poder arrancar a leer cómics de Marvel, que habían acumulado un gran catálogo de lectura obligatoria para poder entender bien qué estaba pasando. Quizás también buscaban hacerlo más "relatable":
Con trama de Bill Jemas, la historia destaca, y no siempre en un buen sentido, por decisiones raras sobre los personajes a involucrar en las primeras semanas de Peter como Spiderman. La que más me llamó la atención fue el Green Goblin:
Después aparecen también Kingpin, Electro y Iron Fist (más como un cameo el último, pero igual), de los que solo el segundo se me hizo un personaje típico de Spiderman.
No puedo juzgar la historia en el vacío porque es una historia que ya vi varias veces: el origen de Spider-Man, la muerte del tío Ben, los primeros pasos como héroe, su relación con la tía May y con MJ. Agradezco los momentos de fan-service y homoerotismo.
Las ilustraciones me gustaron, y el trabajo de los coloristas está bien logrado.
6.5/10.
Mis otras lecturas del 2023.
#book review#2023 readings#books#book reviews#spiderman#ultimate spiderman#marvel comics#comic review
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Tatuajes en la Cultura Popular: Del Estigma al Arte.
El Tatuaje, una forma ancestral de expresión, ha pasado por una metamorfosis impresionante en las últimas décadas, de ser un distintivo asociado con la rebeldía, han ascendido a un nivel artístico y cultural que desafía las nociones preconcebidas. Hoy En El Blog, exploraremos el viaje de los tatuajes en la cultura pop, desde su estigmatización hasta su transformación en una forma de arte apreciada.
Históricamente, los tatuajes han estado envueltos en una nube de estigmatización y misterio. En sociedades pasadas, eran símbolos de pertenencia a grupos específicos, a menudo relegados a las fringes de la sociedad. Los tatuajes eran asociados con marineros, criminales y rebeldes, y esta reputación contribuyó a la percepción negativa que se tenía de ellos.
Sin embargo, el estigma que rodeaba a los tatuajes no impidió que numerosas culturas los abrazaran como parte de su herencia. Desde las intrincadas y simbólicas tallas maoríes hasta las elegantes geishas japonesas, los tatuajes han sido apreciados como una forma de arte en todo el mundo, a pesar de las opiniones negativas.
La transformación de los tatuajes en la cultura pop comenzó en la década de 1950 y 1960, cuando los tatuadores se establecieron en ciudades costeras como Long Beach y Miami. Los militares que regresaron de la Segunda Guerra Mundial habían adquirido tatuajes durante su servicio, lo que contribuyó a una mayor aceptación de esta forma de arte.
La música también desempeñó un papel crucial en la popularización de los tatuajes. Bandas de rock y punk, como los Ramones y los Sex Pistols, lucían tatuajes como una declaración de su estilo de vida contracultural. Los músicos, junto con los deportistas y actores, ayudaron a desafiar las nociones establecidas de lo que representaban los tatuajes.
El mundo de las celebridades ha desempeñado un papel importante en la normalización de los tatuajes. Actores como Angelina Jolie y Johnny Depp, conocidos por su amor por el arte corporal, han ayudado a desterrar la percepción de que los tatuajes son exclusivos de ciertos grupos sociales. Las redes sociales y la prensa han hecho que los tatuajes sean más accesibles y aceptados que nunca.
En la actualidad, los tatuajes son apreciados como verdaderas obras de arte. Artistas del tatuaje de renombre mundial han llevado esta forma de expresión a niveles nunca antes imaginados. Los tatuajes ahora incorporan elementos de diseño, color y estilo que rivalizan con cualquier pintura en lienzo.
La diversidad de estilos y técnicas es asombrosa. Desde el realismo hiperdetallado hasta el minimalismo geométrico, los tatuajes son una manifestación de la creatividad y la habilidad del artista. Los tatuadores utilizan herramientas y suministros de alta calidad para crear tatuajes que son impresionantes y duraderos.
En Meta Tattoo Supplies compartimos esta visión y estamos comprometidos a ofrecer suministros de la más alta calidad para artistas del tatuaje. Colaboramos con tatuadores expertos y apasionados para proporcionarles las herramientas que necesitan para crear tatuajes excepcionales.
Si bien los tatuajes han experimentado una transformación impresionante en la cultura pop, pasando de ser estigmatizados a ser apreciados como arte. Celebridades, músicos y la evolución del arte del tatuaje han desempeñado un papel importante en este cambio. Como proveedor de suministros para tatuar, estamos seguros de que tú eres una parte esencial de esta evolución… la próxima vez que veas un tatuaje impresionante, recuerda que es mucho más que tinta en la piel; es una manifestación del arte en su forma más pura.
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Ⅳ-Tipos de magia
Nesse post trago a divisão clássica de alta e baixa magia, suas definições não necessariamente refletem minhas opiniões pessoais.
É muito importante que você siga a ordem de estudo para que compreenda os assuntos mais básicos enquanto eu aumento a complexidade do conteúdo, portanto tenha certeza que leu os posts anteriores - que estão devidamente numerados.
Como sempre, minha DM está aberta para sanar qualquer dúvida.
Alta magia
A alta magia, também chamada de "teurgia" ("operar coisas que pertencem aos deuses") é geralmente associada à religião e se refere ao uso de magia para provocar mudanças no universo interno do próprio feiticeiro, muitas vezes voltada à iluminação pessoal e auto realização.
Foi desenvolvida no século II d.C. em Alexandria, Egito, pelos neoplatônicos como uma mistura das filosofias de Platão, outros filósofos gregos, misticismo oriental, judaísmo e cristianismo.
Baixa magia
Chamada de "taumaturgia" ("operar milagres"), é o uso da magia para provocar mudanças no mundo exterior e/ou praticada a serviço dos outros (por isso, também é conhecida como "magia prática").
Em 5000 a.C. na Grécia, a mageia adquiriu reputação desfavorável de fraude pois pessoas fora do sacerdócio operavam milagres em troca de dinheiro.
Feitiçaria
Xamãs: são os especialistas em adivinhação, cura, ervas, feitiçaria, interpretação de sonhos e encantamentos das culturas tradicionais tribais. Em algumas tribos celtas os xamãs eram conhecidos como Wicce ("aquele que dá forma"), de onde se origina o termo witch.
Gerald Gardner e a Wicca: Importante comentar que existe uma diferença entre a bruxaria (que é o que eu falo sobre aqui no blog) e a Wicca, que é uma religião criada por Gerald Gardner em 1954. Ambas compartilham algumas práticas, mas não vou ensinar os conhecimentos específicos da Wicca, visto que não participo da religião.
Tipos de práticas codificadas por cor
Meditação -> Aqua, verde-água. É a base de muitas disciplinas de Magia e Feitiçaria, importante para crescimento individual e progresso pessoal.
Cura -> Azul. São todas as formas de práticas voltadas a cura de doenças, aliviar dores, restaurar vitalidade, etc.
Magia verde -> Conhecer e usar as propriedades mágicas e medicinais das plantas.
Adivinhação -> Amarelo. Arte de prever o futuro e descobrir coisas escondidas. Também chamadas de artes mânticas (mantis significa "adivinho").
Alquimia -> Vermelho. É a ciência da transformação e transmutação, criada em Alexandria (Egito) no séc. I d.C., precursora da química moderna. Misturando metalurgia egípcia, filosofia grega e misticismo do oriente médio, os alquimistas possuíam três objetivos: a transmutação de metais básicos em ouro e prata; o elixir da vida, que curaria todas as doenças (o que resultaria em imortalidade); e a criação do homunculus, um homem artificial.
Domínio dos animais -> Marrom. Diz sobre todo tipo de magia relacionada aos animais, sobretudo a comunicação com animais. Também inclui conhecimentos de zoologia e sabedoria dos totens.
Numerologia-> Claro. Segundo Pitágoras, "tudo é número": todas as coisas do Universo são baseadas em padrões geométricos que se repetem, formando uma matriz energética.
Magia cerimonial -> Branco. Originadas no séc. XVII e XVIII, baseadas na Cabala, no Hermetismo, neoplatonismo e doutrinas orientais. Promete despertar o mago para o seu Deus interior, o Eu superior.
Domínio dos ensinamentos -> Cinza. Conhecer segredos arcanos e mistérios esotéricos.
Bruxaria, demonologia e necromancia -> Preto. A bruxaria forma a maior parte da magia popular. Já a demonologia, popular na Idade Média e na Renascença, os demônios são recrutados pelo mago para o ajudar. Na necromancia os espíritos dos mortos são conjurados.
Última edição: 28/11/2022
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