#ciudadano kane

[ninfamusa]

Genialidad Cinematográfica: Un recorrido por la Maestría en el cine

El séptimo arte, desde sus modestos inicios hasta la sofisticada industria actual, ha sido moldeado por la creatividad visionaria de innumerables directores y directoras. Estos maestros de la cinematografía han dejado una marca indeleble en la historia del cine, influyendo en generaciones y definiendo el lenguaje cinematográfico. En este extenso recorrido, exploraremos las vidas y obras de algunos de los directores y directoras más importantes e influyentes de la historia y del mundo.

La Era Dorada de Hollywood: Pioneros de la Magia Cinematográfica

Alfred Hitchcock: El Maestro del Suspense

Comencemos con el inimitable Alfred Hitchcock, conocido como el "Maestro del Suspense". Hitchcock revolucionó la narrativa cinematográfica, creando ingeniosos iconos fílmicos que cautivaron al público con su tensión psicológica y giros sorprendentes. Obras maestras como "Psicosis" (1960) y "Vértigo" (1958) son testimonios de su genialidad narrativa.

Orson Welles: Ciudadano Kane y la Revolución Narrativa

En la década de 1940, Orson Welles impactó al mundo con "Ciudadano Kane" (1941), una obra maestra que revolucionó la narrativa cinematográfica. Welles, además de su talento como director, dejó una huella duradera en la industria del cine con su aguda visión y experimentación narrativa.

Billy Wilder: Maestro de la Comedia y el Drama

Billy Wilder, otro gigante de la época dorada, fue un maestro en equilibrar la comedia y el drama. Películas como "El Apartamento" (1960) y "Con faldas y a lo loco" (1959) atestiguan su habilidad para contar historias que cautivan a la audiencia.

La Nueva Ola y la Vanguardia Cinematográfica

Jean-Luc Godard: Provocación y Experimentación

Con la llegada de la Nouvelle Vague en la década de 1950, Jean-Luc Godard se destacó como un provocador y un experimentador audaz. Películas como "Al final de la escapada" (1960) y "El desprecio" (1963) desafiaron las convenciones narrativas y visuales, dejando una influencia duradera.

Agnès Varda: Pionera de la Nouvelle Vague Femenina

Agnès Varda, pionera de la Nouvelle Vague francesa, no solo rompió barreras de género sino que también aportó una perspectiva única. Obras como "Cléo de 5 a 7" (1962) y "Sin techo ni ley" (1985) reflejan su compromiso con la autenticidad y su habilidad para explorar la complejidad humana.

Directores Asiáticos: Visiones Únicas y Narrativas Profundas

Akira Kurosawa: Épica y Filosofía en el Cine Japonés

Akira Kurosawa, maestro del cine japonés, destacó por sus epopeyas samurái como "Rashomon" (1950) y "Los siete samuráis" (1954). Su enfoque en la filosofía y la exploración profunda de la condición humana le aseguran un lugar destacado en la historia del cine.

Hayao Miyazaki: El Maestro de la Animación Japonesa

Miyazaki, fundador del Studio Ghibli, llevó la animación japonesa a nuevas alturas con películas como "El viaje de Chihiro" (2001) y "La princesa Mononoke" (1997). Su enfoque en la narrativa y la creación de mundos mágicos lo ha convertido en un referente único.

Cine Europeo: Realismo y Estética Vanguardista

Ingmar Bergman: Explorador de la Psique Humana

Ingmar Bergman, cineasta sueco, es conocido por sus exploraciones introspectivas y existenciales en películas como "El séptimo sello" (1957) y "Persona" (1966). Su enfoque en la psicología humana ha dejado una marca duradera en el cine europeo.

Federico Fellini: Surrealismo y Crítica Social Italiana

Fellini, maestro del cine italiano, tejió mundos surrealistas en películas como "La dolce vita" (1960) y "Ocho y medio" (1963). Su estilo extravagante y su crítica social han influido en generaciones de cineastas.

Hollywood Contemporáneo: Narrativas Audaces y Visiones Únicas

Martin Scorsese: Narrativa Poderosa y Estética Distintiva

Martin Scorsese, director contemporáneo, ha explorado la complejidad humana en películas como "Taxi Driver" (1976) y "Uno de los nuestros" (1990). Su narrativa poderosa y estética distintiva han dejado una impresión duradera en la audiencia.

Quentin Tarantino: Provocación Cinematográfica

Tarantino, conocido por su estilo provocador, ha ofrecido experiencias cinematográficas intensas y audaces con obras como "Pulp Fiction" (1994) y "Kill Bill" (2003). Diálogos ingeniosos, violencia estilizada y referencias pop son su sello distintivo.

Voces Auténticas y Contenido Impactante

Alfonso Cuarón: Maestría Técnica y Narrativa Profunda

Alfonso Cuarón, director mexicano, ha dejado una marca indeleble con películas como "Gravity" (2013) y "Roma" (2018). Su maestría técnica y su narrativa profunda le han valido reconocimiento internacional.

Lucrecia Martel: Cineasta Argentina de Vanguardia

Lucrecia Martel, cineasta argentina, ha explorado narrativas únicas y visiones vanguardistas en películas como "La Ciénaga" (2001) y "Zama" (2017). Su contribución al cine latinoamericano es invaluable.

Narrativas Auténticas y Representación Poderosa

Ousmane Sembène: Padre del Cine Africano

Ousmane Sembène, considerado el padre del cine africano, abordó temas sociales y políticos en películas como "La Noire de…" (1966) y "Moolaadé" (2004). Su trabajo pionero ha allanado el camino para cineastas africanos contemporáneos.

Haifaa al-Mansour: Rompiendo Barreras en el Cine Saudita

Haifaa al-Mansour, directora saudita, desafió las restricciones culturales con "La bicicleta verde" (2012) y "Mary Shelley" (2017). Su valentía y talento la han convertido en un ícono del cine saudita.

Un Legado Cinematográfico Diverso y Transformador

Este viaje a través de los directores y directoras más importantes e influyentes de la historia y del mundo solo araña la superficie de un océano de creatividad y maestría. Desde los pioneros de Hollywood hasta las voces contemporáneas de todo el mundo, cada director y directora ha contribuido a la evolución y diversificación del cine.

Su legado vive no solo en la pantalla, sino también en la inspiración que han proporcionado a generaciones de cineastas aspirantes. El cine, como forma de arte, sigue siendo un testamento vivo de la capacidad humana para contar historias, explorar la condición humana y desafiar los límites de la imaginación.

#maestros del cine #genios del cine #cinematografía #cinematography #lucrecia martel #martin scorsese #akira kurosawa #haifaa al mansour #séptimo arte #alfred hitchcock #orson welles #ciudadano kane #billy wilder #el apartamento #con faldas y a lo loco #Jean Luc Godard #nouvelle vague #al final de la escapada #agnes varda #rashomon #los siete samurais #cleo de 5 a 7 #sin techo ni ley #studio ghibli #hayao miyazaki #la princesa mononoke #el viaje de chihiro #ingmar bergman #el septimo sello #persona

[irreflexion]

Ondas herzianas

Es magia. Lo de las ondas electromagnéticas, digo. Porque puede que estemos acostumbrados, pero 10 personas pueden estar sentadas en la terraza de un bar, cada una con su móvil en la mano, y estar a un click de escuchar las obras completas de los Beatles o de Mozart, ver grandes películas en sus pantallas, desde “Ciudadano Kane” a “Regreso al Futuro“, pasando por “Yo hice a Roque III“, leer a…

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#Beatles #Ciudadano Kane #Intenet #Ondas Herzianas #Orson Welles #Pérez Galdós #Pérez Reverte

[enterfilm]

The Magnificent Ambersons es la película más íntima y personal de Orson Welles, también su preferida junto a Falstaff – Chimes at Midnight.

Welles no tuvo control sobre el montaje final por no contar con la aprobación del público tras proyectarse en Pomona y la película pierde algo más de 43 minutos. Los 88 restantes resultan tan discontinuos, desconcertantes, enigmáticos y brillantes, que reconvierten la experiencia en un paseo por las ruinas de lo que había o habría sido (David O. Selznick no consiguió que delegasen una copia íntegra al Museo de Arte Moderno de Nueva York). Se nos ha negado, por tanto, su compleción. Esta mutilación deviene en una misteriosa narrativa que evoca The Searchers, The Wings of Eagles, El Sur o casi cualquier película de Mizoguchi (entre tantos otros ejemplos). 

El año en que se estrena, Stefan Zweig se suicida con su esposa en Brasil, desesperados ante la posible propagación mundial del nacionalsocialismo. Casualmente, tanto Letter from an Unknown Woman (novela corta del autor llevada al cine por Max Ophüls) como la película de Welles atesoran algunas de las mejores secuencias que se hayan filmado jamás sobre personajes que transitan escaleras (como podréis comprobar en el vídeo que acompaña esta publicación). A colación de lo anterior, conviene recordar a Tourneur, que también rodaría ese año otra portentosa película en el mismo decorado por el que deambulan los Amberson.

Algunos planos picados de la película recuerdan aquello a lo que tan admirablemente aludía Clarín en La Regenta. De ese mundo contemplado desde las alturas en clave alegórica, nos vamos a otro distinto en los falsos contrapicados, al de Tierra, de Aleksandr Dovzhenko. 

Shakespeare, Proust y Chéjov casi siempre están presentes en las películas de Welles, como también el ideario que subyace tras aquella célebre aserción elegíaca de Cocteau: filmer la mort au travail, cuya aplicación y extensión más representativa podría encontrarse en el personaje de Jedediah Leland en Ciudadano Kane.

Se han mencionado grandes autores con los que Welles establece diafonías y correlaciones, pero me resulta inevitable citar el hilo invisible que une esta película con buena parte del cine de Paul Thomas Anderson, ya que su adyacencia a nuestra contemporaneidad quizá no resulte tan evidente. El contrapunto podría localizarse en la primera aproximación a la novela de Tarkington en la que se basa The Magnificent Ambersons y que lleva por título Pampered Youth (adaptación en la que su director, David Smith, estuvo trabajando aproximadamente durante los años 1924 y 1925).

En la escena que figura a continuación, Orson Welles enclaustra dos corolarios fundamentales: la falta de autoridad en el seno de los Amberson y el sometimiento fantasmagórico y opresivo con el que George pretende dominar a su madre, alentado por su convencimiento de que Eugene —tal y como describe Shakespeare en Hamlet— se había precipitado con premura al tálamo incestuoso. En previsión de dicha catástrofe, decide acechar con vigía y desde una atalaya sombría mientras conspira para perpetuar la materialización de sus convicciones aristocráticas. Bernard Herrmann ilustra y enfatiza la insidia del personaje con su particular Ostinato.

Dado que el paso del tiempo y el tiempo perdido podrían considerarse dos de las obsesiones preponderantes y recurrentes en la filmografía de Welles, sirva de homenaje al esplendor y posterior decadencia de los Amberson esta joya poética de Manuel Alcántara: 

"Yo no sé qué voy a hacer cuando se me vaya el tiempo y no pueda irme con él. Tengo los días contados, y él ha perdido la cuenta del futuro y del pasado. El tiempo siempre es presente y pasa mientras se queda, por eso nunca se entiende. Jamás es pronto o después, por más que pasen los años no pasa el tiempo por él. Ni lo pierdas ni lo ganes, el tiempo sabe que tiene todo el tiempo por delante. No sé qué va a ser de mí el día que yo me vaya, y él no se quiera venir"

#the magnificent ambersons #el cuarto mandamiento #orson welles #tim holt #joseph cotten #dolores costello #agnes moorehead #anne baxter #richard bennett #ray collins #nancy gates #film #cine #Vimeo

[azul-maria-elias]

Ed Wood (1994)

Cuando pensamos en Tim Burton, es probable que se nos vengan a la mente muchas películas antes que de la que vengo a hablar hoy. En mi caso, desconocía totalmente que era de su autoría hasta que la vi, cuando en la apertura pude leer en una tipografía que recuerda al cine antiguo de clase B, el nombre del famoso director. Yo no soy una gran fanática de Burton, pero definitivamente tiene (o tuvo) un estilo y una técnica que hechiza, muy particular y que denota el apego que tiene hacía este arte. Esta película no es lo menos.

Ed Wood (1994), nos cuenta la historia de Edward D Wood Jr., un guionista, productor, actor y director, catalogado como el peor director de todos los tiempos. Por la naturaleza del título otorgado, Wood era todo un personaje. Tal vez la característica que más logra resaltar de él en un principio, es el hecho de que no le apenaba mostrar su gusto por transvestirse en plena década del 50s, pero eso no es lo más interesante o impactante en lo absoluto.

Wood era un amante del cine, como yo y como muchos más que amamos este arte y todo lo que este conlleva, por eso mismo, uno llega a entender por completo su entusiasmo por escribir y dirigir películas, y como a pesar del poco presupuesto, de los malos actores y los decorados evidentemente falsos, él disfrutaba del proceso y colocaba el poder contar una historia y de hacer una película por encima de todo los demás. Creo que todos los que amamos el cine nos identificamos con él, y aseguro de que si nos dieran la oportunidad haríamos las mismas o peores terribles películas que él. Digamos, era un fanático de Orson Welles y del Ciudadano Kane (1941) como todos los mortales que amamos al cine con sinceridad, ¡por amor a cristo, era como nosotros!

Hablando un poco más sobre la película biográfica, no puedo pasar por alto el excelente elenco que tiene la misma. Ya todos conocemos el fetiche que tiene Burton con Johnny Depp pero ¿quién no lo tendría? Depp logra interpretar a un personaje casi de otro planeta y totalmente desorientado en cuanto a principios, cautivándonos por completo. Habiendo visto la película, se me hace muy difícil imaginar al rol interpretado por otro actor que no sea Depp, porque hace un trabajo tan excelente que uno cree en lo que está viendo, cree que Wood era, actuaba, hablaba, pensaba y se movía de tal forma; y no es cosa menos cuando hablamos de un personaje tan particular e irreal. Pero aunque Depp logra apropiarse de la película (aunque por supuesto es evidente el gran trabajo para dirigir actores de Burton), el elenco entero supo brillar por su cuenta.

Por supuesto si tengo que nombrar a alguien luego de Depp es, sin dudas, Martin Landau, haciendo de un escalofriante y conmovedor Bela Lugosi; porque sí, el mismísimo actor de Drácula (1931) tuvo un lugar en la vida de Wood. Resulta tan real, tan parecido, que es aterrador (como Lugosi lo hubiera querido). Además, todavía sigo riendo al recordar la primera escena de la película en la que aparece, en donde la vida de Wood no podía ser más surrealista que se encuentra con el mismísimo actor de Drácula probando ataúdes porque planea morir. El carisma de Martin Landau resulta en un estelar magnifico, brindándole el peso al papel que la película necesitaba (es decir, por amor a dios ¡es Bela Lugosi!).

Luego, por nombrar algunos y no extenderme demasiado, tenemos un reparto con Bill Murray como Bunny Breckinridge (que si sumás todas sus escenas obtendrás unos diez minutos de película como mucho pero aún así es imposible olvidarse de él), Sarah Jessica Parker como Dolores Fuller (a quien yo sabía que tenía de algún lado y es que es la mismísima bruja Sarah de Hocus Pocus, 1993) y Patricia Arquette como Kathy O'Hara (quien me entere que estuvo casada con nuestro querido Nicolas Cage, dato no menor) entre otros, todos haciendo un excelente trabajo.

Cuando vi la película y hasta el día en que estoy escribiendo esto, no he visto ninguna película de Wood. Sin embargo, considero que la película hace tan buen trabajo al ilustrarnos la vida y la mente de Wood, que luego de verla tengo un gran excelente retrato suyo en mi cabeza.

Cuando terminé de verla, no podía creer lo que había visto, pensaba que era una dramatización de su vida pero solo basta con ver los planos y escenarios de sus películas tan bien recreados, que te caes en cuenta que se trata de una recreación fiel a su vida.

Terminé por preguntarme, ¿es realmente la película de Burton lo que me cautivo tanto o todo se trata de la impresionante vida de Ed Wood? Ante esta duda, resolví que en perspectiva se trata de un todo.

La película es magnifica por si misma, más allá de contar una historia tan increíble y de encarnar a un personaje tan particular como Ed Wood. Uno podría pensar que al tener tal historia que contar, tan atrapante, divertida y cautivadora por si sola, es poco el trabajo que tiene que hacer el filme para llegar a encantar. Pero más allá de ser una simple película biográfica, Ed Wood (1994) es una película hecha con amor y dedicación, no olvidemos que Tim Burton creció viendo cine clase B. Y esto se hace notar desde un primer momento, la introducción es un montaje hermoso que busca recordarnos no solo a las películas de Wood si no al género entero, y esto es algo que acompaña a la película en todo momento. La fotografía, el blanco y negro, las maquetas, las escenografías falsas, todo podría no estar allí y ser meramente una película biográfica sobre un personaje muy particular en la historia de hollywood y podría funcionar, pero ahí está, lo que hace que esta película se sienta cálida y se transforme en una experiencia única. Es una película sobre un loco fanático del cine, hecho por locos fanáticos del cine, para locos fanáticos del cine.

#tim burton #cine #90s #reseñas #directores #cineastas #ed wood #cine clase b #películas #películas en blanco y negro #cine en blanco y negro #cinema #filmmakers #b movie #horror movies #drácula #dracula #bela lugosi #johnny depp

[ya-no-la-quiero]

29. La película más antigua que hayas visto

Viaje a la Luna de 1902 o El ciudadano Kane 1941 ❤

[gatutor]

Ruth Warrick-Orson Welles "Ciudadano Kane" (Citizen Kane) 1941, de Orson Welles.

#Ruth Warrick #Orson Welles

[veintitresmillonesdehistorias]

miércoles 24º abril 2024, Roubaix, 7.04pm.

#77.336 — La cabeza de un ídolo hawaiano es robada y un joven guerrero es enviado a recuperarla para evitar que terribles desgracias se abatan sobre su pueblo. Bach, una copia de la Mona Lisa y Ciudadano Kane.

[drago-01]

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                VIDEOLOGIAS

Las películas citadas a continuación abordan o rozan el tema comunicacional. Las sugerimos para reunirse a verlas, y discutir luego entre todos sobre ellas. No se refieren a una cátedra en especial, sino que abarcan temáticas inherentes a todos los que estudiamos la comunicación. Si alguno sabe de otras no incluidas, favor de avisarnos así la agregamos. Ya hay muchas sugeridas así.

RADIO

"NO ABRAS NUNCA ESA PUERTA" (Cristiensen, 1952)

"QUEDATE CONMIGO" (Rudolph, 1984)

"OBSESION FATAL" (Eastwood, 1974)

"CARRERA CONTRA LA MUERTE" (Sarafian, 1971)

"RADIO ON" (Petit, 1979)

"LOS GUERREROS" (Hill, 1979)

"RADIO SPEED" (Bellmunt, 1986)

"UN DIA MUY PARTICULAR" (Scola, 1977)

"FM" (Alonzo, 1978)

"DIAS DE RADIO" (Allen, 1987)

"SOLOS EN LA MADRUGADA" (Garcí, 1980)

"BUENOS DIAS VIETNAM ..." (Levinson, 1987)

"LA RADIO ATACA" (Stone, 1988)

"LA NIEBLA" (Carpenter, 1979)

"LA INVASION DE MARTE"

"POBRE MARIPOSA"

"PESCADOR DE ILUSIONES"

"SUBAN EL VOLUMEN"

"RÁFAGAS" de Andre Melancon

Historias de la radio (1955/José L.Sanchez de Heredia). Con Rafael Bardem y José Isbert. Ambientada en la España de los 50', relata tres historias cuyo hilo conductor es la radio y la programación en plena época franquista.

Punto límite (1971/Richard Sarafian). Con Barry Newman. Un disck jockey de una pequeña FM toma partido por un fugitivo que en un automóvil de gran cilindrada escapa de la policía que lo busca por un hecho delictivo. El film muestra el circo que arman radio, diarios y canales de televisión convirtiendo un hecho menor en una cobertura nacional. En la década del 90', Viggo Mortensen protagonizó una remake del film.

"El último show" (A prairie home companion); Robert Altman de 2007 

 Radio Favela (Uma onda no ar), de Helvecio Ratton y

Los 100 pasos  (I cento passi), de Marco Tulio Giordana.

RKO 281. Esta poco conocida pero muy interesante película que dirigió Benjamin Ross en 1999 trata, precisamente, de Ciudadano Kane y su difícil rodaje, en una época en que los férreos controles de la censura eran mucho más fuertes que ahora.

TELEVISION

"MEMORIAS Y OLVIDOS"

"DETRAS DE LAS NOTICIAS" (Brooks, 1987)

"NETWORK, PODER QUE MATA" (Sydney Lumet, 1976)

"INTERFERENCIAS" (Kotcheff, 1988)

"VIDEODROME" (Cronenberg)

"CARRERA CONTRA LA MUERTE"

"LAS AMAZONAS DE LA LUNA"

"LAS PATAS DE LA MENTIRA" (Arias, 1990)

"EL TESTAFERRO" (Ritt)

"LA IMAGEN" (HBO)

"BOLETIN ESPECIAL"

"EL PRECIO DEL PODER" (Lumet)

"TANNER 88" (Altmann)

"ADONDE VAN LOS YANQUIS?"

"EL HOMBRE DE MARMOL (Wajda, 1976)

"HEROE ACCIDENTAL" (Frears, 1992)

"THE HUDSUCKER PROXY"

"EL SINDROME DE CHINA" (Bridges, 1979)

"Desde el jardín", de Hal Ashby

"La muerte en directo" (Dead Watch) de Bertrand Tavernier

"Tacones lejanos" de Pedro Almódovar

"Urga" de Nikita Mijhalkov

"Stanno tutti bene" de Giusseppe Tornatore

"Gremlins II" (¿de Joe Dante o R.Zemeckis? no me acuerdo)

"Scream" de Wes Craven

"Forrest Gump" de Robert Zemeckis

"La voz de la luna" de Federico Fellini

"Una chica al rojo vivo" (con Gene Wilder, no recuerdo al director)

"Quiz Show" de Robert Redford

"El engaño de Panamá" de Barbara Trent

VIDEO

"Sexo, mentiras & video", de Steven Soderbergh

"Sliver" de Philip Noyce

"Hasta el fin del mundo" de Wim Wenders

"La tarea" (mexicana, no recuerdo al director)

FALSOS DOCUMENTALES (MOORCHIN)

“la era del Ñandú”, de Sorin

CINE DENTRO DEL CINE

Good morning Babilonia de Tavernier

El proyectorista de Buster Keaton

La película del Rey de Carlos Sorín

La noche americana de Francois Truffaut

[nicolasxiv]

dejo este corto ,es una novela negra y un poco ironico UNA EXTRAÑA PATOLOGÍA capitulo -1-

el chico sin nombre así se hacía llamar él, un joven que estaba apasionado por la ciencia, Ficción y los mundos mágicos, uno de estos mundos, era el de alicia en el pais de las maravillas, y todas las tardes iba a una plaza en la ciudad, preguntando con un tono algo frenético, a cada chica de su edad que pasaba cuando, alicia atravesó el espejo; la primera chica salió espantada, la segunda lo golpeo y la tercera no le dio importancia, así el chico sin nombre se marchó a su hogar mirando en su vieja televisión una película, la película era el "ciudadano kane", luego como no podía dormir miro otra película esta se llamaba La flauta mágica un musical extraño de 1975. El chico sin nombre no tenía celular cosa, que para los tiempos que corrían era como no tener documento y así se durmió, hasta esperar el otro día donde iba a preguntar, la misma pregunta “que paso cuando alicia Atravesó el espejo", así tras recibir burlas, y golpes lo intento por última vez, la chica se encontraba sola en el parque leyendo un libro de edgar Allan Poe y en su bolso tenía, un libro de Lovecraft, así el chico sin nombre le pregunto sin antes preguntarle el nombre a la chica que paso cuando alicia atravesó él espejo —la chica dijo había un poema de "Jabberwocky" así el chico sin nombre quedo sorprendido y dijo con un tono de voz algo extraña, puedes venir a mi casa y mirar una película —la chica lo miro y dijo nunca, ¿hablas con chicas verdad?, pero podríamos conocernos al menos no me molesta tu presencia, pero como es tu nombre chico el mío es Aina, pero el chico sin nombre salió corriendo...

hasta llegar a su casa entro al baño y se refrescó la cara con agua y mirándose al espejo decia; si sabía que había del otro lado del espejo, si sabía que había del otro lado... del espejo, luego se tranquilizó y entro a su cuarto en su casa nunca había nadie su madre y padre trabajaban todo el día, así se puso a ver otra película esta se llamaba La mujer en la luna del año 1929, el chico sin nombre como se hacía llamar él en realidad se llamaba; Asier, mientras miraba la película se puso a relatar el poema del “Jabberwocky” y asi se durmió, hasta el otro día, Así Asier después de terminar su clase en la escuela, fue directamente al parque de la ciudad en busca de la chica que había contestado la pregunta que siempre hacía una y otra vez, y allí estaba la joven de cabello negro, como el lado oscuro de la luna … — Aina dijo tienes otra, ¿pregunta? - no solo quería saber si ibas a estar aquí otra, vez, la gente suele correr o golpearme cuando hago una pregunta dijo Asier...

—Aina dijo es porque en cierto modo la gente está, loca, pero algunos solo lo disimulan teniendo una vida cotidiana, ya sabes dos autos, papa, mamá y mirar el noticiero de las 8 todos, los dias ,donde los crímenes son un entretenimiento familiar, siempre hay que ubicar a la vieja muerte en algún rincón del hogar dijo irónicamente Aina así hasta envejecer y morir solo en un asilo de ancianos- bueno en cierto modo tienes razón, yo prefiero ver una película y otra pregunta, dijo Asier, tienes celular —no exclamo Aina, creo qué internet sé ha convertido en un nido de fascistas encubiertos- bueno dijo Asier, cuando vas a venir a mi casa —creo que todavía, no me has dicho tu nombre dijo Aina —mi nombre es Asier, pero algún día vendrás a mi casa —toma este libro dijo Aina cuando lo terminas iré a tu casa y veremos una película, bueno lo haré dijo Asier —así Aina descansaría de su presencia un tiempo, disfrutaba la soledad del parque de la ciudad... el libro que le había dado era En las montañas de la locura Novela de H. P. Lovecraft. Fin-capítulo-Nico-xiv

#relato #cuentos #historias #tales

[abraham2love]

orson wells : director

full movie

[ninfamusa]

Orson Welles no solo cambió la forma en que vemos el cine, sino que también dejó una huella imborrable en la historia del séptimo arte. Con su obra maestra "Ciudadano Kane," Welles redefinió la narración cinematográfica y estableció nuevos estándares de dirección, cinematografía y guion. Su innovador uso de la profundidad de campo, ángulos de cámara inusuales y una estructura narrativa no lineal desafiaron las convenciones de la época. "Ciudadano Kane" se convirtió en un hito y sigue siendo considerada por muchos como la mejor película jamás hecha. Pero su influencia no se detiene ahí. Welles continuó sorprendiendo a la audiencia con películas como "El tercer hombre" y "F for Fake," demostrando su versatilidad y capacidad para explorar temas profundos y complejos. Su visión, su pasión y su audacia en la dirección han enriquecido el arte del cine de maneras invaluables. 🌹📽️ #OrsonWelles #CiudadanoKane #Cineasta #HéroesDelCine #CineClásico ¿Cuál es tu película favorita dirigida por Orson Welles y por qué? ¿Quieres aprender a escribir ficción de manera profesional? Esta es tu academia: ninfamusa.com @ninfamusa

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[nosce]

La parábola del Hijo Pródigo en el "Rock and Roll" de Led Zeppelin, Ciudadano Kane y las Almas Violentas. (dediqueitiz tu L.)

Parábola del hijo perdido 11 »Un hombre tenía dos hijos —continuó Jesús—. 12 El menor de ellos dijo a su padre: “Papá, dame lo que me toca de la herencia”. Así que el padre repartió sus bienes entre los dos. 13 Poco después el hijo menor juntó todo lo que tenía y se fue a un país lejano; allí vivió desenfrenadamente y derrochó su herencia. 14 »Cuando ya lo había gastado todo, sobrevino una gran…

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[sabanerox]

Madame Web ^ Análisis y Explicación

Antes que nada, contestemos esta simple pregunta que anda rondando por todo el Internet: ¿Es Madame Web realmente tan mala como la pintan algunos sitios de Internet? La respuesta es no. Madame Web claramente no es El Ciudadano Kane, ni El Padrino, ni ¿Qué Pasó con Baby Jane?, pero claramente es una laminilla entretenida, bien actuada, bien editada, con buen ritmo, y sobre todo, con una promesa…

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#escena final #escena postcreditos #final explicado #madame web #mujeres araña #peter parker #universo cinematografico de marvel #universo spiderman

[flaviatomaello]

A veces hay que caerse muy abajo para despegar. En la película de Orson Welles, El ciudadano Kane, se dice que “hay dos tipos de personas: las que consiguen lo que quieren y las que no se atreven”. Rogerio “Gero” Fasano parece ubicarse entre los primeros. Su vida no estaba predestinada para la zozobra, pero tampoco para su presente. Las cosas en el camino cambiaron de rumbo un par de veces: primero muy hacia abajo, y luego muy hacia arriba.

Su historia es la típica de inmigrantes: un abuelo milanés, don Vittorio, que emigra buscando un porvenir. Llega a San Pablo apenas dos años después de estrenado el siglo pasado. Funda un restaurante y cría a su familia holgadamente con sus ganancias. Ruggero, su hijo menor, hereda las iniciativas de su padre y abre un espacio gastronómico que sería el contrapunto del Copacabana Palace de Río de Janeiro, en cuanto a las figuras de Hollywood que convocaba. Por su Winter Garden desfilaron el propio Welles, Jayne Mansfield, Errol Flynn y Rita Hayworth. La tercera generación, justo cuando la familia cumplía 80 años en Brasil, llevó los negocios al borde del abismo.

Te llevo a conocer la historia de @GeroFasano , el #magnate a cargo de @GrupoFasano en una charla con él para #Conversaciones de @lanacion

#FlaviaTomaello #reportaje #entrevista #hotel #SanPablo #NewYork #hotel #condominio 

[angelariasdominguez]

§ 3.146. Lola Montes (Max Ophüls, 1955)

Pasa por ser una de las obras mayores de Ophüls, que tiene cosas buenas de verdad.

Martine Carol es la protagonista, probablemente en su papel más célebre. Peter Ustinov el Maestro de ceremonias del circo. Anton Walbrook es Luis I de Baviera, y Will Quadflieg es Franz Liszt.

La película es mítica por varios motivos. Es la última película del último estilista, un cineasta de detalles, de historias muy trabajadas, apoyado en el guión pero sobre todo en el tratamiento visual de la imagen. Un cineasta que vio -y esta es la segunda razón- machacada su película por público y por los estudios, que cortaron la cinta, la montaron de nuevo en sentido cronológico y la destrozaron, naturalmente. En tercer lugar porque es un mito para los directores franceses de la segunda mitad del siglo XX, que la tienen por una obra de arte expresiva y hasta cierto punto revolucionaria. En cuarto lugar, por el atrevido montaje que tiene, dieciséis años después de una de las primeras que lo hace (Ciudadano Kane, Orson Welles, 1939), articulados en reportes hacia atrás que explican qué ocurrió para llegar a donde se llegó.

De un atractivo visual inevitable, con una belleza clásica intemporal, en el atrezo, en la música, en la producción, ahonda en la decadencia de una mujer libre y salvaje -muy empoderada- que hizo, literal y prácticamente, lo que le apetecía en cualquier momento. Se aprovecha el número de circo con el que principia la historia para ir contando quién fue y qué hizo Lola Montez, personaje real que sale bastante bien parado de este biopic como mujer aguerrida, atrevida, conscientes de sus encantos y dispuesta a explotarlos. Mito o realidad, lo cierto es que fue un personaje real, amante de sus amantes y ambiciosa cuando tocaba serlo. Soñadora pero realista, femenina y feminista (al parecer tenía ideas muy progresistas sobre el talento femenino y sus capacidades en la sociedad) pero sobre todo una mujer bella hasta la locura, guapa y enigmática.

[entrepalabrasmx]

Festival de Cine Guanajuato anuncia su 26ª edición y abre su convocatoria

El Festival Internacional de Cine Guanajuato se realizará del 20 al 30 de julio 2023

GIFF anuncia a los cuatro productores mexicanos becados a Rotterdam Lab para capacitarse en diversas áreas de la industria cinematográfica

El Festival Internacional de Cine Guanajuato anuncia que celebrará su vigesimosexta edición del 20 al 30 de julio próximos. Para su realización, el GIFF convoca a los cineastas mexicanos y de todo el mundo para enviar sus películas a partir de este 16 de enero y hasta el 1 de abril en las categorías de competencia de largometraje, documental, cortometraje, animación, experimental, Guanajuato y realidad virtual. La convocatoria está disponible en la plataforma FilmFreeway.com Con la finalidad de seguir impulsando al cine mexicano, la inscripción es gratuita para los cineastas nacionales. Para más detalles puedes consultar www.giff.mx. Como se detalla en la Convocatoria, cada categoría tendrá diversos premios y beneficios, entre ellos cabe destacar que GIFF es un festival calificador para las nominaciones a los premios Oscar. En la pasada edición del encuentro fílmico guanajuatense se recibieron 3 mil 201 películas provenientes de 136 países, incluyendo 712 de México provenientes de sus 32 estados. Durante el festival fueron proyectadas 183 películas de 48 países, 129 formaron parte de la Selección Oficial y el resto fueron parte de las secciones especiales fuera de competencia como lo son Locura de Media Noche, Niños en Acción y Cine entre Muertos.

Cuatro productores mexicanos van becados por GIFF al Rotterdam Lab

Una vez más el Festival Internacional de Cine Guanajuato le apuesta al desarrollo y la formación de cineastas mexicanos, como parte de las alianzas internacionales que mantiene con instituciones cinematográficas de primer nivel anuncia que este año serán cuatro los mexicanos becados al Rotterdam Lab, el cual se realizará del 28 de enero al 5 de febrero. En este laboratorio cinematográfico los becados toman un programa completo que incluye sesiones, mesas y asesorías que buscan otorgarles herramientas y habilidades para que puedan navegar por el mundo de la financiación, venta y distribución de películas a nivel internacional. En esta ocasión GIFF ha becado a Daniel Loustaunau y Paulina Villavicencio. Daniel Loustaunau es un productor creativo que fue parte del Berlinale Talents 2019 y es fundador del Colectivo Colmena, donde cineastas mexicanos exploran nuevas formas de producción, financiación y distribución de cine. Es productor de Todos los incendios (Mauricio Calderón) y Monstruo de Xibalba (Manuela Irene). Actualmente se encuentra desarrollando los proyectos Dios y la cumbia del diablo (Carlos Lenin), Adiós a Satán (José Pablo Escamilla) y Una chica triste (Fernanda Tovar). También es coproductor de Floating with Spirits (Juanita Onzaga), una experiencia en realidad virtual filmada en el contexto del Día de Muertos en Huautla, Oaxaca. Paulina Villavicencio se graduó como productora en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), fundó Disruptiva Films en 2018 con la visión y necesidad de producir cortometrajes y largometrajes con historias reflexivas y contemporáneas. Huesera es su primer largometraje como productora, una película escrita y dirigida por Michelle Garza Cervera, que ganó el Premio a Mejor Director de Nuevas Narrativas y el Premio Nora Ephron en Tribeca 2022, además de los premios Ciudadano Kane a director revelación y Mejor Largometraje Iberoamericano en la más reciente edición de Sitges. Actualmente, junto a Julia Cherrier, Paulina produce Después, el segundo largometraje de Sofía Gómez Córdova, un drama contemporáneo con propuestas en formato multiimagen que ofrece diversas líneas de tiempo en su forma narrativa. Este año el Rotterdam Lab implementa el Alumni Special Edition, ya que los últimos dos años se realizó en línea, esto permite que becados anteriores regresen para vivir una experiencia de networking más cercana. Las cineastas mexicanas que regresan son Abril López Carrillo y Fernanda Galindo. Abril López Carrillo estudió en la UNAM y tomó Producción en el CCC, formó parte del Berlinale Talents Guadalajara y del taller EURODOC. Colaboró en The best thing you can do with your life de Zita Erffa y Un exilio: una película familiar de Juan Francisco Urrusti. Es productora de Margarita y Cosas que no hacemos, ambas de Bruno Santamaría. Ahora desarrolla la ópera prima de Paloma López, Say Goodbye, así como El Inventario de Ilana Coleman. También es cofundadora de la compañía productora Ojo de Vaca, un espacio para el desarrollo de cine documental en México. Fernanda Galindo es guionista y directora, estudió Realización de Documentales en Cataluña, España, y actualmente cursa un Doctorado en la Universidad de Sonora. Interesada en explorar el punto de vista de la mujer en sus historias, dirigió los cortometrajes Mirar atrás y Bajo el agua, así como la serie Historias de mujeres. Su largometraje Somos pequeñas explora la relación de un grupo de niñas Comcaác con el canto, proyecto que se construye en la comunidad de Punta Chueca, Sonora, y que deriva en una historia de ficción que surge a partir de la investigación documental. GIFF mantiene su compromiso con el cine mexicano apoyando a sus protagonistas y sigue siendo una ventana de difusión cinematográfica a nivel mundial.

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