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elmartillosinmetre · 6 months

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"Fundé I Gemelli para cantar el papel de Orfeo"

[Emiliano González Toro (Ginebra, 1976) / MICHAL NOVÁK]

Como solista principal y al frente de I Gemelli, el tenor Emiliano González Toro publica en libro-disco 'Il ritorno d'Ulisse in Patria' de Monteverdi

De origen chileno, el tenor Emiliano González Toro (Ginebra, 1976) se ha hecho en los últimos veinte años un nombre cantando con todos los grandes conjuntos y maestros del barroco europeo.

–En un momento decide que no es suficiente y decide formar su grupo...

–Exacto. Nuestro primer concierto fue en mayo de 2019. Después de veinte años de carrera (debuté en 1998) cantando la mayor parte del gran repertorio barroco, sentí que me faltaba algo. No es que me aburriera, pero sí necesitaba algo más. Y además a veces no estaba demasiado de acuerdo con la forma en que se hacía la música. Eso coincidió con el hecho de que con mi mujer, Mathilde Etienne, habíamos hecho ya un espectáculo titulado Te recuerdo. Necesitaba hacer un proceso de reflexión sobre mis orígenes. Lo hice con mi familia. Pero entonces me di cuenta de que podíamos producir cosas a más alto nivel, colaborando con mucha gente, y que esas cosas funcionaran. Yo llevaba tiempo aspirando a hacer un papel que creía que para mí era perfecto, el Orfeo de Monteverdi, papel que estudio desde que era muy joven, y que finalmente nadie me proponía, así que decidimos empezar por ahí. Fundé I Gemelli para cantar el papel de Orfeo y reunir un elenco ideal en torno a él. Hicimos un concierto en París, y como resultó un éxito, nos animamos a seguir un poco más allá.

–Aquel Orfeo lo grabaron en Naïve, pero antes hicieron otro disco dedicado a Chiara Margarita Cozzolani...

–Sí, fue el primero, porque nunca había dirigido la grabación de un disco barroco, y hacer un primer disco con 70 personas podía ser complicado, porque era un tipo de trabajo y de organización que yo no conocía, así que hicimos dos discos antes. El primero fue el de Cozzolani, unas Vísperas muy parecidas a las de Monteverdi, de gran calidad. Y luego hicimos Soleil noir, muy relacionado con Orfeo porque estaba dedicado a Francesco Rasi, el primer tenor que hizo el papel de Orfeo. Era una forma de aprender el trabajo de productor, de organizador.

–Durante mucho tiempo el papel de Orfeo lo cantaban los barítonos...

–En realidad en este período hay tres tipos de voces: castrati, sopranos y tenores. Algunas veces hay también bajos. El concepto de barítono no existía. El tenor no subía demasiado alto y llegaba a una tesitura que hoy puede ser de barítono.

–Hubo cierta polémica cuando Gardiner le dio el papel al tenor Anthony Rolfe Johnson. Ulises también solían afrontarlo entonces voces más graves. Usted piensa en cambio que es ideal para su voz…

–Absolutamente. En realidad los tenores de todo el período barroco, incluidos los que piden Vivaldi y Haendel, no son muy agudos. Te tienes que ir por la parte francesa, a los haute-contre, que cantan especialmente en el agudo, en voz mixta. Pero la música italiana y española de los siglos XVII y XVIII son partes en general muy graves. De vez en cuando hay algunos agudos, pero son episódicos. Y de hecho el papel de Ulises es bastante más agudo que el de Orfeo, que no sube más allá del fa. Ahora somos muchos los tenores que estamos desarrollando nuestro registro más grave; a estas voces se le suele llamar de baritenor: tenemos agudos pero podemos cantar bien en el grave. No somos muchos, pero está llegando la onda a otros muchos cantantes. Funciona muy bien para esta música. La voz de los barítonos en estos papeles suena fantástica, pero a ellos les provoca algunas tensiones en los agudos. Hay que tener en cuenta que la técnica belcantista no existe todavía en el siglo XVII.

–Llegado un punto decide también crear su propio sello…

–Hace dos años hablé con Naïve para decirles que quería hacer un proyecto XL con el Ulisse, algo que nunca se hizo y tal vez no se vuelva a hacer. Quería hacer un producto que no fuera solo la grabación publicada en discos convencionales, sino un libro, con textos, fotos, que pudiera recoger el trabajo que hicimos a lo largo de más de tres años. A ellos les pareció genial, pero consideraron que no era viable económicamente, que tendrían que vender el producto a más de 300 €, y eso es imposible. Entonces decidimos poner todo lo que teníamos para sacar esto adelante, y por eso montamos un sello. Así somos absolutamente independientes para hacer lo que queremos y como lo queremos. En este caso es un libro con un largo ensayo que ha escrito mi esposa Mathilde, que es casi una tesis doctoral, un trabajo increíble. Yo tenía en mente además poder ayudar a jóvenes músicos y cantantes que querían hacer discos personales, a los que les hemos ofrecido la vía de nuestro sello, por ejemplo el de Juan Sancho con música de José Marín, que es delicioso.

[Una sesión de grabación de la música / MICHAL NOVÁK]

–El proceso de grabación se ha extendido a lo largo de más de dos años...

–Es que el elenco es extensísimo. Hicimos sesiones de ensayo con todos los cantantes para que todos tuvieran un mínimo de información antes de empezar a trabajar. Luego yo grabé antes de todos mi parte, porque la gira de 2021 era larga y no quería estar cansado a la hora de hacerlo. Después hicimos los conciertos. Entre medias y después programamos varias sesiones de grabación. Pero nos faltaban todavía unos 45 minutos de música, que grabamos en mayo de este año. Hay que tener en cuenta que hemos añadido música para las partes que faltaban en la partitura que se ha conservado en Viena. El trabajo lo ha hecho Josué Meléndez y ha sido un trabajo de contrafactum, no exactamente de escribir música nueva, sino de adaptar otras músicas de Monteverdi a esos textos en los que la música se había perdido. Así tenemos coros nuevos y una gran escena de Mercurio cuya música se perdió. Hicimos como 23 días de grabación. Decidimos que a esta ópera le íbamos a dar todo el espacio que necesitáramos. En mi opinión hay un par de versiones de referencia de esta ópera, la de Harnoncourt y la de Jacobs, pero están un poco viejitas ya. No existía una versión reciente con un elenco de cinco estrellas desde cualquier punto de vista y con una visión moderna. Pensamos que valía la pena tomarnos este tiempo de trabajo, y poner la energía y el dinero necesarios para esta obra. No hacemos muchas grabaciones, pero siempre nos tomamos el tiempo necesario. Ojalá pueda convertirse en una referencia que ayude a los cantantes a entender cómo se hace esta música en 2023.

–Una decisión fundamental a la hora de montar esta obra es la de la instrumentación…

–El Orfeo y el Combattimento di Tancredi e Clorinda están llenos de información sobre instrumentación y sobre cómo quería Monteverdi que se hiciera la música, en qué momento tenía que entrar cada instrumento. En el Ulisse no hay nada de eso. Estudiamos en profundidad la partitura. Nos dimos cuenta de que viajó mucho, porque tuvo mucho éxito. Eso significa que nunca se hizo dos veces de la misma forma. Orfeo lo pagó el duque de Mantua, no había límites para Monteverdi. El Ulisse se hizo para un teatro privado y tenía que ser rentable. La taquilla tenía que pagar a todos. Nosotros nos hemos puesto en el lugar de un productor con muchos medios y hemos invitado a muchos músicos. Por ejemplo, usamos sacabuches para acompañar a Neptuno, lo que obviamente es un lujo, porque Neptuno canta tres minutos en toda la ópera, pero es para dar el color específico a sus intervenciones. También uno de nuestros músicos construyó una tromba marina que toca apenas 30 segundos, pero la hizo para darle el toque exacto a la llegada de Neptuno; para acompañar a los dioses como Júpiter y Mercurio están las cornetas; los bajones para acompañar a Iro, que es el bufón... Cada personaje tiene su instrumentación adaptada para que cada cual tenga su color específico. Pensamos en esta grabación como si fuera una grabación para la radio.

youtube

–Estilísticamente hablando hay un salto de Orfeo a Ulisse…

–Orfeo casi no es una ópera. Es más como un oratorio. Y es una tragedia. Ulisse es una tragicomedia y la Poppea es en realidad una comedia: hay mucha gente que piensa que es una obra muy sangrienta, llena de sexo, pero en realidad es una comedia satírica, es como si fuera una película de los Monty Python. Orfeo fue escrita para una Academia de gente muy cultivada y erudita. Ulisse está dedicada a todos los públicos.

–¿Van a hacer Poppea?

–En disco de momento, no. Si algún día tenemos dinero y sponsors, nos encantaría, pero de momento eso está lejano.

–El grupo acaba de debutar en España y traen el Ulises dentro de poco…

–Acabamos de estar en septiembre en los Festivales de Logroño y Estella, y en noviembre y diciembre hacemos el Ulisse en el Teatro Colón de La Coruña y en el Real de Madrid… Tenemos nueve fechas para esta gira de Ulises, empezamos en Burdeos…

–En su carrera discográfica hay un par de discos dedicados a Violeta Parra y Víctor Jara, ¿el origen tira?

–Forman parte de mi cultura. Mis padres cantaban esta música. A los 23 años tuvieron que abandonar Chile por el golpe de estado. Yo pensaba en esto a mis 23 años, y me daba cuenta de que era muy joven, un niño, y ellos a mi edad tuvieron que irse de Chile para salvar su vida; sentí que yo tenía que abrazar esta cultura y hacerla mía. La estudié y quise grabar la voz de mi padre, porque canta muy lindo y era importante para mí que su voz quedase grabada. Entonces surgió este proyecto de Víctor Jara, que se llama Te recuerdo, obviamente por su canción Te recuerdo, Amanda. Invité a Rolando Villazón que es muy amigo, y le agradeceré siempre mucho el impulso que le dio al proyecto con su presencia. Luego, en 2017 eran los aniversarios del nacimiento (100 años) y la muerte (50 años) de Violeta Parra. Mi padre quiso organizar un evento especial para conmemorarlo y me pidió que tomara la dirección artística del proyecto e invité a algunos músicos muy talentosos, como el pianista Thomas Enhco, que combina el jazz con la clásica y es ya una gran figura en Francia. El disco tuvo que haber salido en 2020 acompañado por una gran gira, pero todos sabemos lo que pasó ese año: la pandemia se lo llevó por delante, así que el disco acabó saliendo el año pasado, pero la gira ya no tenía sentido.

[Una imagen promocional de I Gemelli / MICHAL NOVÁK]

–¿Y qué proyectos de disco maneja ahora?

–Grabamos las Vespro de Monteverdi en enero. Lo hicimos después del concierto con la obra que ofrecimos en Ginebra. Yo soy ginebrino y me gusta que nuestros proyectos arranquen siempre de Ginebra. Hemos grabado también hace muy poquito un disco con la Misa criolla de Ariel Ramírez con una big band de jazz y un cantante de salsa muy famoso. Eso saldrá el año que viene para una gran gira. Y tenemos también en proyecto grabar La liberación de Ruggiero de la isla de Alcina de Francesca Caccini, la primera ópera compuesta por una mujer. Lo haremos en concierto varias veces el año que viene. Para 2026 tenemos también un proyecto de grabar una gran ópera francesa en el formato de disco-libro del mismo tipo que este Ulisse, pero de eso no puedo decir mucho más por ahora.

–Se mueven básicamente en el mundo del Seicento…

–Bueno, esto que le voy a decir es un scoop, esa ópera francesa es del XVIII. Pero además hemos firmado a la soprano Lauranne Oliva, que acaba de ganar importantes premios en las Nuits Lyriques y en Voix Nouvelles, dos de los concursos de canto lírico más importantes de Europa, y haremos con ella un disco con música de Mozart.

[Diario de Sevilla. 22-10-2023]

IL RITORNO D'ULISSE IN PATRIA EN SPOTIFY

#i gemelli #emiliano gonzález toro #claudio monteverdi #gemelli factory #música #music #Youtube

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merkabici · 6 months

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FESTKA presenta la bicicleta Spectre Bodies, la última edición de arte con el artista Jakub Kois

En Praga, República Checa, el 19 de octubre de 2023, FESTKA, el productor checo de cuadros de bicicletas de carbono de alta gama con sede en Praga, anuncia la última incorporación a su creciente línea de colaboraciones con artistas. Siguiendo los pasos de proyectos que involucraron al ilustrador Michal Bačák y al dúo Ondrash & Kašpárek, entre otros, esta vez FESTKA invitó al artista polaco Jakub Kois a decorar su modelo Spectre. Un Proyecto con un Trasfondo Personal El proyecto denominado Spectre Bodies, presentado en las últimas dos semanas en Designblok de Praga y en la edición de Bespoked de Dresde, la feria de bicicletas personalizadas más grande de Europa, tiene una historia muy personal en su corazón. Hace más de un año, durante un paseo con un grupo de clientes, Michael Moureček, co-fundador de Festka y diseñador de bicicletas, tuvo un grave accidente. Sufrió una lesión en la pierna que requirió una cirugía importante. Afortunadamente, todo salió bien y después de cientos de horas de fisioterapia y ejercicio, pudo volver a montar en bicicleta. Sin embargo, pronto se dio cuenta de que su cuerpo y su bicicleta actual ya no eran uno. Fue el momento perfecto para aprovechar una de las principales ventajas de la tecnología de producción de Festka: la capacidad ilimitada de modificar la geometría de los marcos, lo que permite a la marca satisfacer las necesidades especiales de cualquier ciclista. Las bicicletas producidas por FESTKA son máquinas individuales únicas que garantizan una posición de conducción ideal para todos, justo lo que Michael necesitaba para su nueva bicicleta después de más de un año de rehabilitación y ejercicio. Arte en Dos Ruedas Los impresionantes gráficos presentes en la nueva bicicleta de Michael surgieron de un encuentro fortuito con Jakub Kois, un artista, ilustrador e impresor de serigrafía para quien los cuerpos humanos representan la principal fuente de inspiración y tema de su trabajo. El nuevo marco Spectre de FESTKA de Michael estaba cerca de completarse cuando se conocieron, por lo que pasaron solo unas semanas antes de que Jakub comenzara a diseñar una rica variedad de personajes que formarían un esquema de diseño conceptual complejo en el que los cuerpos humanos aparecen en todas las formas y tamaños; algunos pintados a todo color, otros dibujados en contorno; pedaleando, corriendo, volando, vitoreando, abrazando. El esquema rebosa vida y está lleno de detalles e ideas, brillantemente concebidos y ejecutados a mano. "Vi una imagen que representaba a una multitud presionando sobre un cuerpo en su centro. Estaba pasando por un período personalmente difícil en ese momento y me vi reflejado en ese dibujo. Era esa persona aplastada. Me causó una gran impresión, y pensé que sería una gran idea plasmar este motivo en el marco porque creo que el ciclista y la bicicleta deben formar una sola entidad", comenta Michael Moureček sobre el nacimiento del diseño. Edición Limitada "Bodies" El resultado del trabajo de Jakub fue tan brillante que FESTKA decidió ofrecerlo como una edición limitada llamada "Bodies", que saldrá a la venta a las 14:00 CET el 31 de octubre. Diez marcos Spectre serán pintados a mano por el artista de la misma manera que el original de Michael. Las bicicletas se venderán solo como ensamblajes completos, equipadas con componentes de primera calidad. Especificaciones - Marco: Festka Spectre - Geometría: Personalizada - Horquilla: Columbus Futura Disc - Grupo: Shimano Dura-Ace Di2 de 12 velocidades - Manillar: Enve AR - Potencia: Enve Aero Road Integrada - Sillín: Selle Italia SLR C59 - Juego de ruedas: Rocket Wheels de 62 mm; Buje Tune Prince & Princess; Neumáticos Vittoria Corsa Precio: EUR 18.490 Más información en festka.com/pages/bodies Conociendo a Jakub Kois Jakub, originario de Polonia, ha estado viviendo y trabajando en Praga durante muchos años. Su formato favorito es el póster, y su técnica preferida es la serigrafía, con la que crea dibujos y pinturas distintivos, cuyo tema más frecuente son figuras humanas, representadas principalmente en contornos gruesos y distintivos. Su estilo de dibujo y la paleta de colores de sus obras evocan el estilo moderno de mediados de siglo. Las imágenes de Kois son melancólicas y filosóficas en ocasiones, pero muy a menudo divertidas, rozando los chistes de dibujos animados. Trabajar con él en este proyecto fue un placer absoluto gracias a su enfoque amable y servicial. Puedes encontrar más de su trabajo en instagram.com/j.kois. Conclusion La colaboración entre FESTKA y Jakub Kois ha dado como resultado la impresionante edición limitada "Bodies". Esta bicicleta es una obra maestra de diseño, que combina la artesanía de FESTKA con la creatividad de Jakub Kois. Con un precio de EUR 18.490, esta bicicleta única es una declaración de estilo y rendimiento. Aprovecha la oportunidad de poseer una de las diez unidades disponibles a partir del 31 de octubre. Preguntas Frecuentes 1. ¿Dónde puedo comprar la bicicleta Spectre Bodies de edición limitada? Puedes comprar la bicicleta Spectre Bodies de edición limitada en festka.com/pages/bodies a partir del 31 de octubre. 2. ¿Cuál es el precio de la bicicleta Spectre Bodies? El precio de la bicicleta Spectre Bodies es de EUR 18.490. 3. ¿Cuántas unidades de la bicicleta Spectre Bodies estarán disponibles? Habrá un total de diez unidades de la bicicleta Spectre Bodies disponibles en esta edición limitada. 4. ¿Viene la bicicleta Spectre Bodies ensamblada con componentes? Sí, la bicicleta Spectre Bodies se vende como un ensamblaje completo y viene equipada con componentes de alta calidad. 5. ¿Hay opciones de personalización disponibles para la bicicleta Spectre Bodies? En esta edición limitada, las bicicletas Spectre Bodies no están disponibles con opciones de personalización. Cada una de las diez unidades presenta el diseño único creado por Jakub Kois. Read the full article

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jlo-biafra · 2 years

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DEFEND

Matt Skiba-era Blink-182

John Bush-era Anthrax

Michale Graves-era Misfits

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thirtysixkarsonmars · 4 years

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So I guess being a total fucking douche is a prerequisite for joining the Misfits.

#i know they were never known for being nice people but the whole Michale Graves situation has me bummed out #that whole era got me through some tough times

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canniballizard-blog · 7 years

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#misfits #the misfits #michale graves #doyle wolfgang von frankenstein #jerry only #dr. chud #graves era #wallpaper

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theedragoncynder · 2 years

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Bueno, con este post hago la apertura a un sin fin de publicaciones sobre mis gustos, intereses, inquietudes, ideas, etc. De paso, les cuento. Escucho a The Misfits desde, los 14 años? Maso menos. Me gusta muchisimo, sobre todo la epoca en que Michale Graves estaba de vocalista. Hace poco alguien me los critico, me quiso hacer sentir menos por mis gustos musicales... Una de las excusas era “ a todos les gusta la banda, y decime cuantos recitales llenaron” No se que concepto tendrá esta persona sobre “los gustos son gustos, y no hay nada escrito sobre ello”. Pero, admito un poco me dolió, otra parte de mi esta tratando de hacer de cuenta que es un simple comentario y ya! Ustedes que le dirían? Si es que alguien lee jajaja.

#misfits #michale graves #punk #horror punk #ideas #gustos #debate

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intjint · 3 years

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My favorite spooky bands + album recs

The Misfits

Essential, VITAL Halloween band. Danzig-era Misfits had a great mix of hardcore punk, horror imagery, 50s sci-fi, and haunting lyrics, plus an odd amount of references to Marilyn Monroe. Michale Graves and Jerry Only eras are a little underrated as well.

Where to start: the EPs 3 Hits From Hell and Beware

Slipknot

Weird choice I know, but their debut album holds a special place in my heart. That album showed me that music can be scary on its own. I am not a metalhead by any means, but the fact that they used turntables, samples (from what we now know was just an ARG and not a real kidnapping / murder), and lyrics that sound like they’re from the diary of a serial killer, the music that usually would be too loud for my tastes now feels haunting and intimidating. Just look at the front cover!

The Cramps

Despite The Cramps being a psychobilly band that is hardly scary, I still associate them with Halloween, as I got into them in October a few years back. If you like Rocky Horror, you’d probably like the Cramps

Where to start: Bad Music for Bad People

Feel free to add your own!

#the misfits #the cramps #slipknot

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ven0m0th · 4 years

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completely fuck michale graves and the misfits, what a horrible piece of shit. i am so torn cos i love danzig era misfits, but nahhhhh

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k-i-l-l-e-r-b-e-e-6-9 · 8 months

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𝔐𝔦𝔰𝔣𝔦𝔱𝔰 - 𝔉𝔞𝔪𝔬𝔲𝔰 𝔐𝔬𝔫𝔰𝔱𝔢𝔯𝔰 (յգգգ) 𝔠𝔬𝔳𝔢𝔯 𝔞𝔯𝔱 𝔟𝔶 𝔅𝔞𝔰𝔦𝔩 𝔊𝔬𝔤𝔬𝔰

#basil gogos #art #cover art #misfits #famous monsters of filmland #famous monsters #90's #90s #1999 #michale graves era #michale graves #punk rock #horror punk]#death rock #USA

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emo-scene-fm · 5 years

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Artist Name: Snow White's Poison Bite

Genres: Post Hardcore, Horror Punk, Emocore, Pop Punk, Screamo, Punk Rock, Hardcore Punk, Metalcore, Alternative Rock

Similar Artists: Get Scared, Blitzkid, Aiden, Misfits, From First To Last, These Hearts, Famous Last Words, Farewell My Love, Alesana, Wednesday 13, Murderdolls, My Chemical Romance, Black Veil Brides, Modern Day Escape, A Smile From The Trenches, A Vain Attempt, Avion Roe, Mindless Self Indulgence, Creature Feature, AFI, Drop Dead Gorgeous

Bio: Just in time for Halloween! This isn't exactly and obscure artist but still a little bit unsung in the scemo/scenecore community in my humble opinion. Snow White's Poison Bite is the baby of Allan Jeremy Cotterill, known best by his stage name Jeremy 13th. Jeremy was born in the UK but moved to Finland when he was six years old. There he met Juuso Puhakka (screamed vocals), Tuomo Korander (lead guitar), and Teemu Leikas (drums) and formed the band all the way back in early 2006. In 2008 bassist Jarkko Penttinen joined. All lyrics were written by Jeremy 13th. Together they released their first demo in 2008, self titled featuring four songs of emotional intensity, beautiful fairytale-themed lyrics, passionate energy and cruel, chaotic riffs.

Snow White's Poison Bite signed a contract with a record label called Poko Records in early January 2009 and released their first EP, "Drama Through Your Stereo". The sound was a little more pop-punk friendly but still held all of the passion and emotive qualities of the previous release. It's a fantastic EP worth checking out if you find it online. Also in 2009 (May) opened for Alesana in Helsinki. Juuso left in late 2009 because of personal and musical disagreements. The band continued into 2010, signing with Sound Of Finland to put out a fun, catchy, campy album called "The Story of Kristy Killings. The Story of Kristy Killings sorta tells the story of a girl named Kristy. She kills people. This album is like a mix of the 2010s post hardcore/metalcore sound with Michale Graves era misfits infused in it's veins with some killer singles like Valentine's Doom, The End Of Prom Night, and of course Kristy Killings.

On May 5th, 2011 Tuomo, Jarkko, and Teemu left the band and forced the band to cancel their remaining tours. Jeremy 13th was the only remaining member. In 2013 the new lineup signs to Victory Records and puts out "Featuring: Dr. Gruesome And The Gruesome Gory Horror Show." The reviews for this album were favorable, still being a fantastic mix of post hardcore and pop punk with that horror-edge to it. This is probably the band at it's most campy and that's not necessarily a bad thing. The songs are all very catchy and fun to listen to, and a great soundtrack for an emo-punk kid's Halloween alongside AFI, Alkaline Trio, or Aiden. It's a charismatic release and worth a listen. The song Zombie Romance actually features Michale Graves from the 90s incarnation of the Misfits, which I personally find pretty freaking cool.

Unfortunately the band officially disbanded in 2018, but is being succeeded by a project of Allan Cotterill's called TH13TEENTH. Allan also had a solo project under his full name where he released a song called The End Of You And Me (Riley), which was also pretty good. If you're interested in what Allan's doing these days, go take a look at TH13TEENTH, but definitely DO NOT skip out on Snow White's Poison Bite. The efforts, hard work, and sacrifices of Allan, Tuomo, Jarkko, and Teemu bleed right through the stereo when you put any of these songs on. This is a solid recommendation from me to you, especially this time of year.

Discography:

Snow White's Poison Bite (YouTube)

Drama Through Your Stereo (iTunes)(Spotify)(YouTube)(Deezer)

The Story Of Kristy Killings (iTunes)(Spotify)(YouTube)(Deezer)(GooglePlay)

Featuring: Dr. Gruesome and the Gruesome Gory Horror Show (iTunes)(Spotify)(YouTube)(Deezer)(GooglePlay)

Favorite Lyrics: "You say love stories are just for fools because this story cursed roses with poisonous thorns. Dying to live, this life is dead for you. Fairytales can be so cruel. Oh darling, glass slippers can break." (So Cinderella)

Recommended Songs:

So Cinderella (x)

Kristy Killings (x)

She's A Trendy Designer On Her Wrists (x)

The End Of Prom Night (x)

Glitter And Sparkle (x)

The Nursery Rhyme (x)

#emo-scene-fm #scenecore #nu scene #scene revival #snow white's poison bite #scemo #emocore #horror punk #halloween #myspace #nostalgia #2000s music #2010s music

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freakscircus · 7 years

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i’ve literally forgotten how to date just as a boy might be interested in me.. god help me

#hes cute he gives me a bit of a misfits era michale graves vibe

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party4absolutemoronscomic · 2 years

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Party for Absolute Morons’ TOTALIWEEN 2019 Theme: The Misfits (”Famous Monsters” era)

Oleg: Jerry Only Leroy: Michale Graves Ivan: Dr. Chud Jan: Doyle

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trashabilly · 6 years

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looking for more blogs to follow

my dash is dead you know the drill.. so if you post any of the following reblog this nd ill check out yer blog 🤘

the misfits (i only care abt michale graves era tho gkdfkhd)

the cramps

beartooth

ghost

mettalica/maiden/megadeth

marty friedman in general tbh...

korpiklaani

gwar

fidlar

king gizzard and the lizard wizard

rob zombie

horror punk/metal in general

memes

i also greatly appreciate a good tagging system and proper sourcing and im always down to make more mutuals

#alec talks #ghost bc #the misfits #beartooth #metal #punk #my point is i like metal #apparently i only follow 260 blogs...#thats why my dash is always boring i guess

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elmartillosinmetre · 3 years

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Nuevos vientos para la cámara

[Javier Bonet y Miriam Gómez-Morán. / MICHAL NOVÁK]

El trompista valenciano Javier Bonet y la pianista madrileña Miriam Gómez-Morán encargan, estrenan y graban para el sello IBS Classical siete obras escritas específicamente para su dúo instrumental

Javier Bonet (Valencia, 1965) y Miriam Gómez-Morán (Madrid, 1974) empezaron su colaboración como dúo hace casi veinte años. "Nos conocimos a través de amigos comunes, en concreto la trompista María Rubio, con la que yo había colaborado. Empezábamos entonces a trabajar los dos en el Conservatorio de Música de Castilla y León. Él buscaba fortepianista para algunos proyectos, y así comenzó todo. En 2004 y 2006 hicimos nuestros dos primeros discos con trompa natural y fortepiano para el sello Arsis (Tableau musical y Sonatas). El siguiente fue en 2011 (Romances), ya con instrumentos modernos, y en 2016, Just for fun, hasta este de ahora, que son obras recién salidas del horno."

"La idea era un poco loca –comenta Javier–, porque cuando encargas nunca sabes lo que te va a caer. Hicimos una lista de compositores y al final nos quedaron siete. Cada obra debía de durar en torno a 10 minutos y buscamos personalidades diferentes, que le dieran variedad. Esto tiene que ser abusando de los amigos. Lo financiábamos todo, y es triste, pero no podíamos pagar las obras. Qué más hubiéramos querido. Duele hasta decirlo. Algunos son muy amigos míos. Juan José Colomer por ejemplo fue compañero mío de la primera Jonde. Era trompetista. Luego tuvo un accidente grave y tuvo que dejar el instrumento, pero en lugar de rendirse se fue a Estados Unidos, estudió composición, trabajó mucho en Hollywood y volvió convertido en un autor ya reconocido, que ha escrito óperas y ballets. Miguel Ángel Tallante fue también compañero en un grupo que yo fundé de trompas naturales, Corniloquio. Él se nos sumaba a veces como organista o clavecinista. A José Luis Turina apenas lo conocía, pero era muy amigo de Miriam, porque había sido su profesor de cámara..."

En diciembre de 2018, en pleno proceso de gestión del proyecto, Javier Bonet Silvestre, hijo del trompista, un joven de 18 años que tocaba el violín, escribía poesía y sufría de trastorno bipolar, se quitó la vida. "Colomer y Tallante aún no habían empezado a escribir sus obras. Le comenté a Miriam que podíamos pedirles que orientaran sus obras como homenaje a Javier. Los dos eran amigos míos y lo conocían desde pequeño. La de Colomer es una de las obras que más nos gusta tocar y que más nos impresiona cuando la tocamos. Él explica muy bien qué significa cada cosa. Si miras la partitura, no hay barras de compás, y de repente, la pieza se para, como la vida: se acabó."

[Javier Bonet con su hijo Javier Bonet Silvestre. / D. S.]

Todas las obras han sido ya estrenadas. "Las hicimos en dos recitales: la primera tanda en el Palau de Valencia, tres; y luego, cuatro en el Auditorio de Granada. Ahora que hacemos recitales ponemos algunas de ellas combinadas con repertorio tradicional. Desde el punto de vista físico es imposible tocarlas todas en un concierto. Tampoco está pensado para eso. La grabación ya fue dura, y la hicimos en tres días, aunque no tocas seguido y no tienes la tensión del concierto, pero están las repeticiones, que pueden hacerse tediosas".

"Ha sido un trabajo duro –añade Miriam–, pero lo hemos disfrutado mucho. Me lo pasé muy bien grabando. Hemos de agradecer a Paco Moya su excelente disposición. Las sesiones de grabación fueron un éxito gracias a él. Primero, por su carácter, nos hizo sentir muy bien en la sala. Luego, su capacidad de escucha, su experiencia, no sólo como técnico de sonido, sino porque fue profesor de música de cámara muchos años, y eso se nota muchísimo. Consiguió sacar lo mejor de nosotros. Grabamos en el Auditorio Manuel de Falla, que suena fenomenal, con un piano extraordinario. Fue incluso más fluido de lo que esperábamos. Me pareció un trabajo gratificante. Yo salí eufórica."

Para la pianista madrileña "no se trata de obras para trompa con un piano de fondo. Son obras verdaderamente camerísticas. La parte del piano es complicada. El piano lleva peso específico, dialoga de tú a tú con la trompa y a veces la escritura es de una densidad extraordinaria. La obra de César Cano o la de Zacarés son muy difíciles para el piano. La de Turina, también: la escribió pensando en mí. Conoce mi interés por Liszt. La tituló Consolación, porque tiene inspiración en las Consolaciones de Liszt y hay incluso algunas citas".

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La música se aleja intencionadamente del experimentalismo. Como comenta Bonet, "no queríamos lo que yo llamo ruiditos varios, y no es que esté en contra de la música de vanguardia, pero eso es algo que ya pasó. Que la obra se convierta en una sucesión de efectos... Me gusta si esos efectos están integrados en la obra, pero que te pases diez minutos en que la trompa no suene, sólo ruidos de aire, de llaves y no sé qué..., esa fase experimental ya pasó. Está todo inventado. Como no le pases un camión por encima… Todos esos recursos están inventados, y yo los hago todos…". Para ambos el álbum es "realmente un hito. Las obras nos encantan, y que de repente aparezcan siete piezas nuevas para esta combinación instrumental es algo que enriquece el repertorio y abre caminos".

El dúo integra a veces a otros músicos en sus proyectos. "Hacemos cosas en trío, básicamente añadiendo un violín o la voz. Aunque también grabamos un disco con el oboísta Eduardo Martínez: Por los caminos del Romanticismo. Fue en Arsis, muy al principio de empezar a trabajar juntos". "Con la soprano Eugenia Boix tenemos el Trío Auf dem Strom. Trabajamos cuando podemos con instrumentos originales", añade la pianista. "A mí suelen considerarme como un especialista en la trompa natural, pero no quiero encasillarme. Una de las razones de que llevemos tanto tiempo es justo porque hacemos todas esas cosas. Estamos para todo. El problema para hacer proyectos en vivo con instrumentos de época es el fortepiano. Yo puedo llevar cinco o seis trompas diferentes, y hacemos incluso recitales en que voy cambiando para ajustarla al estilo, pero a veces no tenemos más remedio que usar piano moderno, sobre todo en España, donde no hay muchos pianos antiguos. Pero eso lo encarece todo, por el alquiler y el transporte… Hace cuatro o cinco años me llamaron de Hamburgo para grabar la versión original del Trío Op.40 de Brahms, que fue escrito en 1864 para la trompa natural. Brahms decía que la trompa moderna había matado la esencia del instrumento, y eso casi 50 años después de inventarse los cilindros".

[Bonet y Gómez en otra foto promocional de su último álbum. / MICHAL NOVÁK]

La pandemia ha supuesto un parón para los dos, aunque se han sentido protegidos por sus trabajos fijos (Miriam Gómez-Morán es profesora en el Conservatorio Superior de Castilla y León y Javier Bonet, trompista en la Orquesta Nacional). "Algunas cosas tardan en recuperarse. Tengo pendiente un concierto en Hungría que a lo mejor puedo ofrecer en la próxima primavera, dos años después de lo previsto. Será con piano moderno, pero sigo haciendo mis recitales, algunos con fortepiano. He aprovechado también para aumentar la actividad investigadora. Estoy dándole formato de libro a mi tesis doctoral [La práctica interpretativa de Franz Liszt en su obra para piano a través de los testimonios de sus alumnos], una investigación que defendí hace dos años, y que es el primer estudio a nivel mundial sobre las enseñanzas de Liszt a sus alumnos de piano, cómo quería que se tocaran sus obras. Hay mucho material, pero estaba muy disperso". Miriam se mueve con soltura en la inmensa obra de Liszt, "aunque no, no la he leído entera. Eso es algo casi imposible. Ahora bien, lo que puedo decir es que para conocer a Liszt hay que conocer su obra orquestal y vocal. La obra pianística tiene una inspiración orquestal a todos los niveles, no sólo como color, sino estructuralmente: su obra de piano procede de los grandes formatos orquestales, y no al revés como a veces se piensa".

Javier Bonet es bastante crítico con el tratamiento que se ha dado a la cultura durante la pandemia. "Es un desastre", afirma. "Yo estoy protegido por mi puesto en la Nacional, pero hay compañeros que lo han pasado fatal, y músicos, sobre todo en Londres, que se dedican ahora a otra cosa. Las restricciones son un despropósito, y en Alemania quieren endurecerlas. He estado ahora en Bonn con Savall y o estabas vacunado o tenías que presentar un test todos los días para acceder al auditorio." En Bonn, Le Concert des Nations del músico catalán ha presentado la Sinfonía nº9 que es la única que queda por grabar de su integral del compositor. "Eso me pilló a mí. Estábamos grabando en Polonia, y cuando nos tocaba hacer el cuarto movimiento, el coro, que venía de Croacia, tuvo varios positivos y se tuvieron que marchar. Nos trajeron un coro polaco, empezamos a grabar, y de repente dan positivo la soprano, la mitad de la orquesta y el propio Jordi Savall. Nos fuimos todos para casa con la sinfonía a medio grabar. El cuarto movimiento lo grabamos ahora en Cardona y luego hacemos una gira por Europa con 7ª, 8ª y 9ª. Tenemos cuatro conciertos en la Elbphilharmonie de Hamburgo. Espero que no endurezcan las condiciones como se rumoreaba, porque en ese caso no sé qué pasará con la orquesta. Estoy bastante cansado de la situación".

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Transvanguardias. Siete compositores españoles

Francisco Zacarés Fort (Albal, Valencia, 1962). Cantus Horn. “La estructura de la pieza está organizada en forma de allegro de sonata con dos temas contrastantes.”

Salvador Brotons (Barcelona, 1959). Introducció y Galop Op.148. “Es una composición eminentemente virtuosa para el trompista, pero también llena de interesantes diálogos con el pianista, que a menudo adquieren texturas casi orquestales.”

César Cano (Valencia, 1960). Tientos de la trompa alada Op.93. “Mi intención al emplear dicha manera de referirse al instrumento es potenciar la agilidad del mismo, a la vez que su potencia, tratando de rehuir sus posibles pesadez e inercia.”

Juan José Colomer (Alcira, 1966). Mar sin Luna. “El acompañamiento constante en negras a modo de sostenuto rítmico (una por segundo) sirve de recordatorio de la implacable tiranía del tiempo.”

Miguel Bustamante (Oruro, Bolivia, 1948). Juegos sobre “Tocatico-tocatá”. Homenaje a Carles Santos. “Quise jugar tanto con los elementos que había cantado Carles Santos, como con otros melódicos, armónicos y polifónicos propios, enfocados todos ellos a las características tímbricas propias de un dúo de trompa y piano.”

Miguel Ángel Tallante (Madrid, 1946). Elegía. “Discurre con una narrativa que expresa de forma cíclica sonidos y dibujos temáticos contrapuestos, que representan asimismo ideas y situaciones anímicas antagónicas.”

José Luis Turina (Madrid, 1951). Consolación. “Pieza en un único movimiento, en el que se alternan una serie de secciones fuertemente contrastantes [...] que van de lo lírico a lo enérgico, pasando por lo rítmico y por pasajes de carácter scherzante”

[Diario de Sevilla. 13-09-2021]

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