fedotovaartblog-blog

[fedotovaartblog-blog]

Сережа очень тупой

В этом месяце в Старом доме состоялась премьера спектакля по пьесе Дмитрия Данилова «Сережа очень тупой».

Декорации имитируют интерьер вполне обыкновенной квартиры, где живет Сережа – тридцатилетний программист и его жена Маша – дизайнер.

Сереже поступает звонок из службы курьерской доставки, которая будет у него в течение часа, чтобы отдать посылку. Как только на камерах наблюдения появляются курьеры, возникает чувство, что что-то пошло не так. Их трое, и они одеты в странную белую униформу. Гости проходят в дом и сообщают удивленному хозяину, что будут испытывать его гостеприимство на протяжении 60 минут, после чего отдадут посылку и покинут дом.

Сергей пытается найти общий язык с пришельцами, но одни и те же слова воспринимаются ими по-разному. В этике курьеров сделать добро человеку, значит помочь осуществить его замысел, каким бы он ни был, даже если клиент решает себя убить. Никаких попыток проповедничества, а чистая эмпатия и помощь.

В перерывах между диалогами на разных смысловых языках курьеры исполняют песни, пронзительные и красивые: то отпевание усопшего, то жестокую казачью песню.

Прерывает абсурдные диалоги возвращение с работы Сережиной супруги. Она ничуть не удивляется незваным гостям, напротив, встречает их теплом, поит чаем и рассказывает о своей жизни. Вскоре, когда злополучный час истекает, курьеры оставляют посылку и шокированных хозяев.

С Машей происходит разительная перемена: от радушия не остается и следа, Маша умоляет мужа выбросить посылку как можно скорее, не раскрывая ее. В поведении Сергей тоже случились изменения: если раньше он не хотел получать никакую посылку, лишь бы гости скорее ушли, то сейчас, напротив, он с любопытством изучает оболочку загадочного дара. Но в итоге поддается напору жены, и уносит коробку на помойку в соседнем дворе. Пока Сережа отсутствует, Маша впадает в краткосрочное безумие, съежившись на полу, она без умолку повторяет «Сережа тупой. Какой же тупой Сережа».

У зрителя создается ощущение, что Маша обладает тайным знанием, ответом на вопрос, что было в той коробке. По возвращении домой Сережа сообщает, что скорее всего там было что-то живое, внутри оно шевелилось. Ему немного страшно, что нечто может погибнуть по их вине. Однако разговор быстро перетекает в бытовое русло. На том и заканчивается повествование.

Зритель получает интригу, а не ответы на вопросы «Почему Сережа очень тупой? Что было в посылке?»

Природа человека так устроена, что сознание не оставляет вопрос без ответа. Мы все равно стараемся найти рациональное объяснение происходящему, как и Сережа пытается оправдать свой поступок. Испытав чувство абсурда, мы впишем непонятое в нашу картину мира вполне гармонично, и как можно скорее забудем тот момент, когда осознавали мнимость власти над своей же жизнью, когда ощущали себя маленькими и глупыми.

[fedotovaartblog-blog]

Австрийский художник Эгон Шиле – скандальная фигура в живописи ХХ века. Его работы провокационны, но абсолютно актуальны и современны. С 1908 года начинается его творческий расцвет после первой выставки работ в небольшом городке под Веной. Годом ранее юный Эгон, когда ему было 17 лет, познакомился с Густавом Климтом, который отметил несомненный талант молодого человека и стал оказывать ему поддержку. Спустя пару лет, в 1909 году работы Шиле примут участие в выставке в Художественной галерее Вены наряду с полотнами известных мастеров прошлого столетия Густава Климта, Эдварда Мунка и Ван Гога. Также Климт познакомит талантливого ученика со своей бывшей музой – Валери Нойзель, которая станет спутницей и вдохновительницей Шиле в течение четырех лет. С нее художник напишет многочисленные портреты. Однако их роман не будет иметь продолжения. В 1915 году после разрыва с Валери Шиле сделает предложение Эдит Хармс, которая свяжет с ним судьбу до конца жизни. В своих работах Шиле отдает предпочтение портретам. Он впервые в истории искусства соединяет два абсолютно несочетаемых жанра живописи: автопортрет и ню. Художник пишет у зеркала огромное количество собственных изображений по большей части обнаженных. На них он подает себя в различных позировках, гримасничающим, постоянно меняющимся. Шиле стремится уловить свою сущность, истинное «Я», которое постоянно ускользает, что проявляется в невероятной динамичности его рисунков. Тематика поиска собственного «Я», своей «Самости» навеяна исследованиями австрийских психоаналитиков, которые произвели переворот в научной и культурной среде Европы. Изображая натурщика в статичной позе, Шиле создает динамику посредством небрежно наложенных красок и недописанных частей тела. Движение играет немаловажную роль в творчестве художника. В своих дневниках он отмечал, что для него представляет интерес движение мира: течение воды в реке или развивающиеся на ветру листья. Динамика человеческой жизни есть не что иное, как путь к смерти. Шиле изображает на своем юном лице распад, грядущее приближение старости и следующее за ней разложение тела. Телесность – ключевой акцент в живописи Шиле. Он разрушает привычное восприятие красоты. Для него тело – это не прекрасный объект, который вызывает эротический интерес, а, напротив, субъект-человек, заключенный в оболочку, имеющий собственный взгляд на мир. В своих работах художник не производит различий между мужским и женским телом. Обнаженные женщины Шиле не являют собой воплощение красоты, целью которой является созерцание. Наряду с мужскими образами женщина индивидуализируется. Его героини также находятся в поиске собственного «Я», что в живописи происходит впервые. Художник стирает границы между полами, для него первостепенно важен Человек, который ищет истинного себя. Поиск-движение проявляется через тело, которое на его картинах занимает на холсте театрализованное пародийное положение. Четкими яркими линиями и контрастными цветовыми сочетаниями тело выделяется в пространстве, на котором художник не делает акцента. Фон его работ всегда однотонен. Проблема соотношения материального и идеального ярко выражена на полотнах австрийского мастера. Для него тело (материя) – это обремененность, машина, движущаяся к смерти. Через страдания тела реализуется духовная природа человека. Герои его картин болезненно жестикулируют. Жест представляет для Шиле отдельный интерес. Особую выразительность в его портретах и автопортретах приобретают кисти рук. Порой на них ставится больший акцент, чем на лице. Руки – способ познания, проводник между телесным (материальным) и духовным. Его проводник универсален, так как на всех картинах изображены абсолютно одинаковые кисти рук: удлиненные, тонкопалые, хрупкие конечности. Эгон Шиле известен не только эротическими портретами, но и мрачными осенними пейзажами. Природа Шиле одушевлена, она также испытывает на себе движение к распаду. Деревья уподобляются кистям рук. Они похожи в своей надломленности, ярко выраженными изгибами, они не находятся в состоянии покоя. Природа и человек едины в своем непрестанном движении. Тема семьи представляет особую значимость для художника. С детства он наблюдал разрушение брака его отца и матери. Отец Шиле умер от сифилиса, находясь в безумии. Мать в скором времени повторно вышла замуж. Отношения сына и матери никогда не были теплыми. Поэтому Шиле стремится создать свою полноценную семью. В 1918 году он пишет картину «Семья», на которой изображены он, его супруга Эдит и их ребенок, который на тот момент еще находился в утробе матери. Однако счастливой идиллии было не суждено состояться. Эпидемия «испанки» унесла жизни миллионов людей в Европе, в том числе Эгона Шиле и его беременной жены. Несмотря на недолгую стремительную жизнь (Шиле умер в возрасте 28 лет) художник оставил после себя богатое культурное наследие, которое перевернуло привычное восприятие искусства и открыло перед мастерами новые горизонты в творческих изысканиях.

#egonschiele

[fedotovaartblog-blog]

Сегодня я расскажу вам об удивительном художнике со сложной судьбой, чьи работы в настоящее время продаются с торгов за огромные деньги. Имя героя – Хаим Соломонович Сутин. Место его рождения – небольшой поселок, расположенный ныне на территории Белоруссии. Его семья – религиозные деревенские евреи, где Хаим 10-й ребенок. Казалось, мальчику уготована судьба его предков: незамысловатая крестьянская жизнь. Далекий Париж будто планета в соседней галактике. Юный Хаим предоставлен самому себе, его родители даже не предполагают варианта, что их сын может стать художником. В биографиях Сутина авторы придают значение двум эпизодам его детства, которые оказали влияние на становление этой неординарной личности. Во-первых, Хаим уносил из дома столовые приборы с целью обменять их на кисти и краски, ведь денег на эту блажь, разумеется, никто не выделял. Когда родителям становилось известно о воровстве сына, они надолго запирали его в темном подвале. Согласно второй истории однажды Сутин изобразил раввина, после чего был жестоко избит ревностными защитниками Торы, ведь иудеям запрещено создавать образы живых существ. 

Сутин обладал специфическим характером, многих людей он отпугивал своими привычками. Он походил на дикого зверя: крайне редко принимал ванну и чистил зубы, носил лохмотья, был груб и прост в манерах. Когда он добрался до Парижа, поселился в «Улье» - доме, в котором за символическую плату сдавались студии бедным художникам. Средств не хватало на покупку самого необходимого, поэтому зачастую он наматывал грязные тряпки на ноги вместо обуви. Во время написания картин, он раздевался догола, чтобы не испортить единственную одежду. Однако за внешним дикарством скрывался ранимый и стеснительный человек. Сутин боялся женщин, не мог при них заговорить. Даже после того как материальное положение художника улучшилось, простая обстановка была для него комфортнее. Представители парижского дна продолжали быть к нему близки. 

Краски на картинах Хаима Сутина глубоки и экспрессивны. Образы деформированы и болезненны, что соотносится с личностью творца, пережившего немало неприятностей. Немаловажен кроваво-красный пигмент, ставший визитной карточкой художника. В нем выражается звериная первобытная натура Сутина. Чтобы одолеть боль, с которой ему пришлось столкнуться, он пишет. Он вступает в диалог с разрушающей силой посредством красок. Выраженные страдания отпускают сердце. Современники художника всегда отмечали, с каким остервенением он предавался работе. Принося домой селедку, он, измученный голодом, сперва писал натюрморт, а уже после принимался за еду. Его работы - эссенция страха, рёва и титанической мощи, свойственные дочеловеческой дикой природе. 

В России персона Хаима Сутина малоизвестна. На полках книжных магазинов и библиотек не найти его биографий. Однако на мировой арене работы этого мастера высоко оцениваются искусствоведами. Его имя ставится в один ряд с Шагалом, Модильяни и Бакстом.

#soutine

[fedotovaartblog-blog]

Чьё имя придет на ум при упоминании «самый узнаваемый русский художник»? Вероятно, Малевич и его абстракционизм. Однако, если оглянуться на ХIX век, то, вне сомнений, Михаил Врубель выделяется на общем фоне. Он не портретист или художник пейзажей, он - мистик. Увидев его картины однажды, вы не забудете их героев. Если быть точным - героя. Он путешествует из работы в работу, он узнаваем в каждом новом лице. Мужчина или женщина, ангел или демон - это тот самый дух. Все же его можно назвать демоном, на него он более похож, и в таком облике его чаще пишет Врубель. Однако демон - это не дъявол в привычном понимании, не сосредоточие зла. Демон - душа, мятежная и печальная. Трактовка схожая Лермонтову, чья поэзия вдохновила художника на создание иллюстраций к одноимённому произведению. Современники Врубеля не оценили новаторство. Образ показался им излишне карикатурным и непривычным. Тема демонов в жизни творца заняла особое место. Судя по количеству эскизов и полноценных работ, вечного повторения одних и тех же черт в лицах героев, художник видел отчетливый мир, населенный этими существами. Однажды одержимость стала точкой невозврата. Врубеля можно назвать символистом, и по иронии судьбы, его карьера и темы творчества жестоко символичны. Последняя работа из «демонического» цикла - «Демон поверженный» (3-я в подборке) имеет свою историю. Художник относился к работе трепетно, он постоянно переписывал лицо, тело юноши, его разбитые крылья. Когда картина была выставлена в галерее, он приходил ее навестить, взяв с собой краски, находил изъяны и продолжал вносить коррективы под взглядами публики. Знакомых такое поведение настораживало. Вскоре Врубель попал в психиатрическую лечебницу с неизлечимым диагнозом. Так начался закат мастера. Находясь в лечебнице, он продолжал писать, порой это облегчало его состояние ума. В этот период были созданы и известные работы, в том числе «Шестикрылый Серафим» (5-я по счёту). Чей мир стремился показать Врубель? Кто этот Демон? Где его дом? Из-за чего он так тосклив? Каждый ответит по-своему. Вероятно, только подлинное искусство провоцирует желание узнать ответ.

#mikhail vrubel