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Theaster Gates, Amalgam

Theaster Gates est un artiste américain à la fois peintre, sculpteur, vidéaste, performeur, céramiste et musicien faisant éclore de nouveaux modèles de création et qui repense la manière de faire de l’art. 

Pour cette nouvelle saison au Palais de Tokyo nommée “Sensible” Theaster Gates y a été convié pour sa toute première exposition en France. 

Pour ce faire, il a  initié un nouveau projet empreint d’histoires sociales, de migration et d’esclavage. Il est parti d’un fait réel du passé: l’histoire de Malaga Island, une île dans l’état du Maine aux Etats-Unis. En 1912, le gouverneur expulse tous les habitants de l’île, une communauté de 45 personnes pauvres et métisses. Ces habitants ont donc été contraints à l’errance, la dispersion ou à l’internement psychiatrique. Malaga devient alors une insulte. L’île est encore inhabitée à ce jour.

Le terme “amalgam” à longtemps été utilisé pour désigner le mélange racial, ethnique et religieux d’où le choix de ce terme pour intituler son exposition. 

Dans cette dernière, l’artiste essaie de mettre en forme un passé qui a disparu sans laisser de trace. 

Altar (Autel), Theaster Gates, 2019

Pour l’artiste, Altar est le toit éternel des habitants de Malaga, c'est un espace symbolisant le refuge de toute une population. L’oeuvre qui est en ardoise est inspirée des constructions de l’île de Malaga. L’artiste développe une reflexion autour des histoires sociales, adressées à travers la spécificité des techniques et des matériaux qu’il emploie. 

Island Modernity Institute and Department of Tourism, TheaSter Gates, 2019

Pour cette installation, l’artiste a collecté les traces survivantes de l’histoire de l’île de Malaga et de ses habitants. Elle est composée d’un ensemble de documents et d’objets réalisé par Theaster Gates, évoquant une archive informelle et suggestive. 

So Bitter, This Curse of Darkness, Theater Gates, 2019

Cette installation monumentale qui représente une forêt de frênes exprime la vitalité et la résilience de l’île. Elle vient reconnaître les dommages causés aux habitants de Malaga. Les masques sont en bronze. Pour l’artiste, ils s’inscrivent dans une volonté de préservation et de conservation. Theaster Gates se pose la question suivante: comment protéger un héritage lorsqu’il n’y a plus ni vestige ni écrit? Cette forêt est une réponse à la volonté délibérée qu’ont eu les pouvoirs publics d’effacer toute trace de la présence de cette communauté sur l’île. Elle s’oppose à la destruction d’un héritage tout entier et à la disparition d’une population.

J’ai été sensible à cette exposition basée sur des faits historiques assez méconnus. A travers ses oeuvres épurées hautement symboliques, l’artiste réussit à nous sensibiliser sur ce triste passage de l’histoire et éviter ainsi que celui-ci soit oublié. 

Ce fut une exposition intéressante et très enrichissante.  

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Jeunes artistes en Europe. Les métamorphoses

Pendant un an, l’équipe de la Fondation Cartier pour l’art contemporain est partie à la rencontre de jeunes artistes à travers le continent européen. Ils en ont sélectionné 21 venant de 16 pays différents (Portugal, Grèce, Géorgie, France, Angleterre, Pologne...)

Une exposition qui a commencé le 4 avril et se termine le 16 juin 2019 à donc été créée autour de ces 21 artistes. 

L’exposition trouve son titre dans les multiples métamorphoses qui traversent les créations de ces artistes. Celles-ci dévoilent un intérêt pour l’hybridation, le collage et l’archéologie. Les artistes s’emparent de savoir-faire comme le moulage, la céramique ou la broderie. Imprégnées du passé, leurs œuvres, faites de matériaux souvent collectés et transformés, révèlent une attention tout aussi aiguë aux enjeux du présent. C’est au cœur même de leur processus de travail que l’on retrouve, métamorphosées, des préoccupations contemporaines majeures comme la préservation et le recyclage des matériaux, la relecture des héritages historiques et culturels ou le réexamen des constructions identitaires. Cette nouvelle génération de créateurs contribue ainsi à dessiner le visage de l’Europe d’aujourd’hui et de demain.

Au rez-de-chaussée, les artistes réunis se focalisent sur les questions d’architecture et d’espace partagé, public ou domestique. À l’étage inférieur, l’attention des artistes se concentre sur la figure humaine et l’espace intime, les artistes proposent également un dialogue, spirituel ou plus profane, avec le monde non-humain et la figure animale en particulier.

Tenant of Culture, Hendrickje Schimmel

Originaire des Pays-Bas, l’artiste a nommé sa pratique Tenant of Culture (Locataire de la culture) qui est un principe emprunté au livre L’invention du quotidien de Michel de Certeau.  Hendrickje Schimmel se considère plus comme une post-productrice culturelle qu’une créatrice d’oeuvres autonomes. Son travail explore l’impact des tendances, des magazines de modes et des réseaux sociaux. Elle donne une nouvelle vie à des vêtements qu’elle trouve dans la rue ou en friperie, elle choisit des vêtements considérés comme inesthétiques et repoussants. Elle utilise la technique du patchwork en assemblant de nombreuses pièces. En résulte alors des vêtements hybrides exprimant des tendances qu’elle appelle “Survivalisme ornemental” et “Nostalgie pastorale”.

Tenant of Culture, Hendrickje Schimmel, The Latest Thing, 2016

Gently Down The Stream, Kris Lemsalu, 2017

Originaire d’Estonie, Kris Lemsalu est une artiste qui explore avec force et ironie les réflexions existentielles qui rythment les étapes de la vie de la naissance à la mort. Mais elle s’intéresse aussi à la beauté et à la monstruosité qu’elle hiérarchise, à  la question du genre et aux relations entre humains et non humains. Dans la plupart de ses oeuvres elle utilise de la céramique qu’elle façonne.

So Let us Melt and Make no Noise, Kris Lemsalu, 2017

Mer de ballons autour d’un bateau de pêche de la période soviétique.

Blanket 2, Kris Lemsalu, 2016

L’artiste refuse de hiérarchiser les matériaux, et s’emploie à faire côtoyer  la porcelaine, les matières naturelles ainsi que les objets usuels ou récupérés.

Hair from No Man’s Land, Klára Hosdedlová, 2019

Klára Hosnedlová, originaire de République tchèque est une artiste très attentive aux pratiques artisanales et à leur histoire. Elle s’intéresse beaucoup à la pratique de la broderie et du tissage assortie de questionnements formels sur l’espace domestique et la décoration. La création de ses espaces reflète une grande harmonie entre les qualités propres des matériaux et les tissus qu’elle utilise dans ses meubles, vêtements et portraits brodés. 

Hair from No Man’s Land, Klára Hosdedlová, 2019

Pour l’exposition, l’artiste a imaginé un espace intérieur féminin, à la fois intime et théâtrale.

Le Sofa fait de bois et de velours est rembourré de faux cheveux. Le socle est en bois, en tissus et en faux cheveux et les murs sont en murex, en sable et pigmentés.

Cette exposition m’a énormément plu, elle m’a fait découvrir de nombreux artistes dotés d’une grande créativité. 

L’exposition offre aux visiteurs la possibilité d’admirer une grande diversité d’oeuvres faites de matériaux de natures différentes les rendant ainsi originales et très intéressantes.  

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L’Art au Sommet

Direction Courchevel (ça change un peu de Paris!) pour ce nouvel article. 

L’Art au Sommet? Qu’est ce que c’est? Et bien, c’est une exposition que la station de Courchevel et les Galeries Bartoux ont mis en place depuis quelques années et en cette saison d’hiver 2018/2019 l’exposition fête ses 10ans. Elle se déroule du 08/12/18 au 22/04/19.

La station de ski se transforme en véritable musée à ciel ouvert. Les oeuvres sont dispersées un peu partout dans la station; dans le centre ville tout comme sur l’entièreté du domaine skiable en haut des télésièges. 

Pour ce dixième anniversaire ont été réunis deux des artistes les plus controversés de leur époque: Salvador Dalí et Richard Orlinski.

Au total, une oeuvre de Dalí et six d’Orlinski sont exposées sur tout le domaine skiable tandis que sept oeuvres de Dalí et cinq d’Orlinski sont dispersées dans le village (à Courchevel 1850). Une rétrospective des 10ans de l’Art au Sommet est aussi à découvrir avec des photos d’oeuvres d’autres artistes ayant exposé durant ces dix dernières années. Sans oublier le “covering” de la cabine d’un téléphérique.

Dalí est l’un des plus grands artistes du XXème siècle, il est le fondateur du mouvement surréaliste. A noter que pour la toute première exposition de l’Art au Sommet en 2008 Dalí avait été choisi comme maître des lieux. 

Horse saddled with time, Salvador Dalí 

Dans le village, on peut retrouver cette sculpture par exemple, un cheval ayant comme selle une de ses fameuses “montre molle”.

Je vais maintenant m’intéresser d’avantage à Richard Orlinski; un artiste à la fois sculpteur et musicien que j’ai beaucoup apprécié. Il fait partie des artistes majeurs de l’art contemporain. Son objectif est de rendre l’art accessible à tous. Toutes ses oeuvres sont créées autour d’un même concept: “Born Wild”. En créant, l’artiste “voudrait que ses créations aident les Hommes à canaliser leurs pensées noires, qu’elles les transforment en beauté”. Le bestiaire d’Orlinski sont des animaux de couleurs vives ayant une espérance de vie minime à cause de l’Homme. Toutes ses sculptures d’animaux en résine ont comme caractéristiques leurs multiples facettes et leur gueule ouverte. L’artiste veut faire ressentir aux spectateurs le cri des animaux, un cri de détresse pour que l’Homme arrête de détruire l’environnement. Le message de ses oeuvres passe par l’émotion du spectateur. Son oeuvre est comme un résumé du monde animal maltraité, c’est le manifeste d’un artiste libre.

Wild Kong

Le 25 février dernier au soir, Richard Orlinski (en blouson blanc ci-dessous) dévoilait en avant première sa toute dernière sculpture, alors évidemment, j’étais présente pour cet évènement. La sculpture située sur le front de neige était cachée et protégée par une bâche, il a fallu attendre que l’artiste fasse sa descente à ski pour qu'il dévoile son oeuvre au grand public. Enfin, la découverte: 

Spider

Et voici donc la dernière sculpture d’Orlinski, une gigantesque araignée en résine bleue de 2,20 mètres. A travers cette oeuvre, l’artiste s’interroge sur la peur archaïque de l’araignée et chasse cette peur en sublimant sa beauté; elle est lisse, brillante et fine. L’araignée peut être effrayante de part sa cruauté en piégeant ses proies dans sa toile pour ensuite les liquéfier et les manger. Mais, elle incarne aussi un rôle maternelle en créant des cocons pour protéger ses bébés. Richard Orlinski a choisi cet arachnide pour ces deux symboliques totalement contraires.

Je trouve que le message que l’artiste cherche à transmettre à travers ses sculptures imposantes et impressionnantes est très intéressant car la cruauté que l’Homme a envers les animaux est un sujet sérieux, une cause de plus en plus souvent traitée notamment par les médias.

Pour ma part, j’ai énormément apprécié cette exposition, le fait de skier tout en découvrant en pleine nature les sculptures d’Orlinski et de Dalí est un moyen à la fois original et agréable de combiner l’art, le sport et les loisirs dans un cadre différent de celui auquel nous sommes habitués.

Cette exposition est un évènement tout à fait inattendu à travers lequel Richard Orlinski a parfaitement atteint son objectif principal, à savoir rendre l’art accessible à tous.

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JAY-Z et Beyoncé au Louvre

Beyoncé et JAY-Z (ou les Carters) sont à l’origine de leur dernier clip “Apes**t” tourné au musée du Louvre dans le plus grand des secrets en mai 2018 et réalisé par Ricky Saiz. La musique a été co-produite par Pharell Williams, Quavo et Offset. Les chorégraphies sont signées Sidi Larbi Cherkaoui. Pour ce faire le couple a privatisé le musée pendant deux nuits. 

A partir de cette réalisation le musée du Louvre a initié un parcours thématique retraçant les 17 oeuvres apparaissant dans le clip. N’étant pas allée au musée du Louvre depuis un certain temps, je me suis dit que c’était l’occasion d’y retourner et de mieux comprendre le choix des tableaux fait par les Carters. Je ne vais évidemment pas tous les expliquer; cela serait un peu long mais il est quand même intéressant de s’attarder sur quelques oeuvres. 

Sacre de l’empereur Napoléon Ier et couronnement de l’impératrice Joséphine, Jacques-Louis David, 1805-1807

Ce tableau illustre l’un des moments le plus important de l’histoire; l’empereur Napoléon se couronne lui-même. Dans le clip, Beyoncé et ses danseuses se déhanchent main dans la main, signe d’égalité, devant ce tableau qui n’a pas été choisi par hasard. En effet, les Carters chantent leur réussite, ils sont en quelque sorte devenus les empereurs du RAP.

Hermès rattachant sa sandale

Cette oeuvre est rattachée à Colin Kaepernick, le joueur de football américain qui s’était agenouillé durant l’hymne national américain en signe de protestation contre le racisme et les violences policières faites aux Etats-Unis. Dans le clip, la scène a été recréée:

Portrait d’une femme noire (négresse), Marie-Guillemine Benoist, 1800

A travers ce tableau, l’artiste célèbre l’abolition de l’esclavage décrété en 1794. Les Carters ont choisi l’un des seuls tableaux de son époque mettant en scène une femme noire qui n’est pas réduite à sa condition d’esclave ou de soumission. Ici, Beyoncé et JAY-Z ont voulu mettre en avant le problème de  représentation des communautés noires dans de grandes institutions comme le Louvre.

La Joconde, Léonard de Vinci, 1503-1506

La Joconde est le tableau le plus célèbre du monde. C’est avec celui-ci que le clip commence et se termine. Le couple tourne le dos au tableau tout en nous défiant du regard. Beyoncé et JAY-Z veulent montrer que maintenant ils sont aussi célèbres que La Joconde; tous les trois sont des stars mondiales. A la fin du clip, les Carters se retournent vers le chef d’oeuvre de Léonard de Vinci comme pour dire que maintenant ils n’ont plus peur face à La Joconde, ils sont au même niveau. En fond, on peut entendre Beyoncé dire “I can’t believe we made it” ce qui souligne leur grande réussite.

Ce clip a été créé pour affirmer l’égalité de la culture afro-américaine, la place qu’elle a dans la société mais aussi dans l’histoire de l’art. Ils montrent que les lois ont peut être changé mais qu’il n’en n’est pas de même concernant les mentalités. Les Carters nous rappellent les différences et les injustices subies par le peuple noir dans notre société ainsi que dans le domaine artistique. Et c’est ce dont on peut se rendre compte dans le clip qui met en évidence la supériorité des blancs dans l’art. 

Beyoncé et JAY-Z utilisent l’excès (bijoux, vêtements, chorégraphies, décors...) dans leur clip pour montrer leur pouvoir artistique et financier, et leur évolution dans la vie. Ils célèbrent leur réussite. 

Je pense que le réalisation de ce clip et de ce parcours ont permis de toucher un plus grand public et notamment de se mettre à la portée des plus jeunes.

Elle aide a une meilleure compréhension des oeuvres, à les rendre plus lisibles, plus accessibles et nous fait prendre conscience des grandes difficultés auxquelles la population noire doit faire face dans notre société mais aussi dans le domaine de l’art qui met aussi en évidence les inégalités existantes entre blancs et noirs.

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Géométrie du Sud, du Mexique à la Terre de Feu

Je me promenais dans le 14ème arrondissement et m’aperçus que j’étais devant  La Fondation Cartier pour l’art contemporain; fondation où je n’étais jamais allée. Par curiosité, j’ai voulu y entrer pour voir l’exposition du moment; c’était une exposition sur l’architecture (ce qui m’intéresse fortement). Cette exposition a débuté le 14 octobre 2018 pour se terminer le 24 février 2019. 

L’exposition est divisée en quatre salles mais il n’y a pas réellement de sens de visite; c’est assez libre. 

Je suis donc allée dans la première salle où étaient exposées une vingtaine de sculptures créées uniquement à partir de filsl d’acier ou d’aluminium par Gego (Gertrud Louise Goldschmidt) une artiste vénézuélienne. Dans ses sculptures en 3D, l’artiste explore les possibilités que la ligne a pour modeler l’espace. Elle travaille à partir de formes géométriques ou irrégulières. Elle va donc venir tisser, plier ou encore tordre les fils; elle se sert des qualités qu’ont les matériaux pour réaliser ses oeuvres. La transparence est aussi pour elle un élément sculptural.

Une sculpture des architectes paraguayens Solano Benítez et Gloria Cabral est aussi exposée dans cette pièce. C’est une oeuvre spectaculaire (plusieurs mètres de haut) qui est basée sur le principe de la répétition; elle pourrait être comparée à un château de cartes.

Cette structure est composée de briques brisées de béton. La répétition des formes donne un certain rythme a cette installation. Un jeu de lumière est aussi présent dans cette oeuvre qui est placée le long de la façade de la fondation. 

Passons à la deuxième salle qui est assez différente de la première. Elle a été réalisée par l’architecte bolivien Aymara Freddy Mamani. Lorsque je suis rentrée dans celle-ci, j’avais l’impression de voyager. Des couleurs vives et des motifs géométriques m’entouraient. L’artiste a reconstitué une salle de bal typique de sa culture. Il développe un style architecturale propre à sa culture; le “néo-andin”.

Dans cette pièce était diffusée une vidéo où l’artiste nous expliquait à partir de ses origines et de sa terre natale sa vison de l’architecture et de quelle façon celle-ci avait évolué mais aussi de quelle manière il l’avait fait évoluer.

Des photos et des croquis d’architecture de cet artiste sont aussi exposés; il a construit plus de 70 immeubles aussi colorés les uns que les autres dans la ville la plus haute du monde: El Alto. 

A l’étage inférieur sont exposés un ensemble de 220 oeuvres. Entre peintures, sculptures, dessins, textiles ou bien photographies la richesse et la diversité de l’art latino-américain sont  mis en avant. Les oeuvres célèbrent la géométrie à travers deux héritages: la culture précolombienne et l’art moderne européen. Différents peuples vont représenter la culture latino-américaine; les Aymara, les Inca, les Kadiweu, les Chiriguano-Guarani et les Ishir. Les couleurs vives et les formes géométriques sont toujours présentes.

Gustavo Pérez, sans titre

Il trace des lignes, des motifs géométriques sur du grès à l’aide d’une lame métallique.

Beatriz Milhazes, São Cosme e Damião, huile sur toile

L’artiste juxtapose des lignes verticales et dessine aussi des motifs floraux et des arabesques faisant référence aux peintures corporelles des communautés indigènes.

Enfin, l’oeuvre qui m’a vraiment marqué dans la dernière salle est Brumas, une sculpture en fil de coton, gesso et acrylique d’Olga de Amaral.

Cette installation en 3D est une anamorphose; chaque point de vue laisse apparaître des formes différentes. L’oeuvre est assez imposante; elle est suspendue et est placée au milieu de la salle ce qui permet aux visiteurs d’en faire le tour. Les fils sont si fins et légers qu’ils bougent. Le tissage laisse apparaître des motifs géométriques une fois de plus très colorés.

Cette exposition m’a énormément intéressée car elle m’a permis de m’enrichir sur l’art latino-américain ou émanant d’artiste latino-américain. Elle m’a aussi permis de découvrir de nouveaux artistes tous plus intéressants les uns que les autres dans leur manière de travailler, de concevoir, de penser et imaginer.

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Hiroshi Sugimoto à Versailles, Surface de Révolution

Pendant les vacances de la Toussaint, j’avais comme idée de retourner au château de Versailles, cela faisait longtemps que je n’y étais pas allée. Je me suis donc connectée sur leur site internet et me suis aperçue qu’une exposition d’Hiroshi Sugimoto (artiste japonais que je ne connaissais pas) se déroulait du 16 octobre 2018 au 17 février 2019. Raison de plus pour y aller!

Cette exposition se déroule dans les jardins du domaine du Trianon donc assez loin du château sauf que l’originalité de celle-ci est que les oeuvres ne sont pas toutes au même endroit et parfois très éloignées les unes des autres donc pas besoin de vous dire qu’à certain moment de la visite je me perdais...

Après 20 minutes de marche, je me retrouve au Grand Trianon où il y avait une projection d’un film d’Hiroshi Sugimoto et dont le cinématographe est Sain Suzuki; le film a été enregistré le 13 octobre 2018, trois jours avant le début de l’exposition.On y voit une femme japonaise danser dans une de ses oeuvre exposée dans le parc sur laquelle je reviendrai plus tard. Ensuite, je suis allée au Petit Trianon. Dans ce bâtiment, étaient exposés dans chacune des salles les portraits photo de personnalités sous la forme de figures de cire; Elizabeth II, Louis XIV, Salvador Dali, Fidel Castro, Emperor Hirohito, Norma Shearer... Tous les portraits étaient les mêmes; de dimensions identiques, mis sous verre et encadrés, en tirage argentique et en noir et blanc. Tous les cadres étaient posés sur de grands chevalets. Trois autres portraits étaient exposés au Pavillon Français.

Portrait de Napoleon Bonaparte, Pavillon Français.

Ensuite, je suis allée au Théâtre de la Reine où était exposée une photo (comme les portraits) du Théâtre de la Reine qui est un endroit dans lequel on ne peut pas accéder; on ne peut l’observer qu’à travers une vitre. Après avoir vu cette série de photographies, je me suis rendue au Belvédère, bâtiment octogonale de petite surface situé dans le Jardin Anglais du Petit Trianon . Il n’était pas possible d’y entrer. Mais l’oeuvre exposée nommée Surface of Revolution y était visible à travers les fenêtres situées tout autour de celui-ci.

Cette pièce a été créée par Hiroshi Sugimoto en 2018; elle est en acier massif inoxydable et en aluminium. Au sein de celle-ci, l’artiste a voulu exposer un modèle mathématique qui exprime la fonction cubique de la géométrie non euclidienne en la taillant avec des outils très précis de la technologie moderne.  La géométrie non euclidienne ne me disait rien; je suis donc allée chercher quelques informations sur le sujet. La géométrie non euclidienne a été inventée lorsqu’un mathématicien a trouvé qu’il était impossible de prouver le 5ème postulat d’Euclide disant que “Par un point extérieur à une droite, il passe une droite et une seule parallèle à la droite donnée” et donc cette géométrie qui s’oppose à ce postulat est l’espace courbe. Je reconnais qu’il m’a fallu un certain temps avant de comprendre cela...

J’ai terminé l’exposition par le Bassin du Plat-Fond où est exposée la Glass Tea House Mondrian, maison dans laquelle dansait la femme japonaise dans la vidéo mentionnée plus haut. Cette maison a été créée entre 2014 et 2018 par Hiroshi Sugimoto et Tomoyuki Sakakida. Les matériaux utilisés sont le verre trempé laminé, l’acier galvanisé, le bois, la pierre, les graviers et le tatamis; matériaux utilisés depuis la naissance de la civilisation japonaise. 

C’est une pièce en verre construite sur pilotis sur le bassin du Plat-Fond de Versailles. A l’intérieur de cette dernière aucune décoration, juste une table et une porte en bois ainsi qu’un tatamis sur le sol. Pour y accéder, il faut emprunter une allée en bois construite sur l’eau. Autour de cette pièce l’artiste a disposé dans l’eau des pierres provenant du japon qui ont une certaine signification. 

Au Japon, une pièce est spécialement dédiée à la cérémonie du thé qui est un art traditionnel. Tout est pris au sérieux. L’artiste a donc lui aussi voulu en créer une.

Hiroshi Sugimoto a ajouté le nom de Mondrian dans le nom de cette oeuvre car tout simplement, lorsqu'il l’a achevée elle lui faisait penser a celui-ci; il ne pensait pas que la quête de l’abstraction était déjà présente dans la cérémonie du thé. 

J’ai beaucoup aimé cette exposition car j’ai découvert un artiste que je ne connaissais pas auparavant. Je le trouve très intéressant car c'est un artiste pluridisciplinaire; il travaille aussi bien la photographie que la sculpture ou encore l’architecture. Par ailleurs, la scénographie inhabituelle pour une exposition m’a particulièrement plu.

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Le shibori est une technique de teinture née au Japon au VII ème siècle mais on suppose que celle-ci était déjà connue en Inde avant notre ère. Le nom “shibori” provient du terme “shiboru” qui signifie tordre, presser. Il est aussi connu sous le terme “tie and dye”. Traditionnellement, les matières utilisées sont la laine, le coton et le chanvre mais aujourd’hui, d’autres sont aussi utilisées comme la soie ou le lin.

L’indigo est le nom d’une couleur; c’est un bleu très foncé,  créé à partir d’une plante qui se nomme l’indigotier. Pour obtenir cette couleur, une substance est extraite des feuilles de cet arbuste, qui est originaire d’Inde et qui a été importé en Europe durant l’Antiquité.

Les différentes catégories de shibori et leurs techniques: 

-Itajime shibori: on compresse le tissu entre deux lattes de bois, le motif dépendra de la forme des lattes. 

-Kumo shibori: on plisse le tissu qui est ensuite plié.

-Arashi shibori: on entoure un tube avec le tissu, ensuite on le sert avec du fil puis il est froissé sur ce tube. 

Evidemment, de nombreuses autres catégories et techniques de shibori existent.

La réalisation du shibori

Pour réaliser son shibori, il faut:

-Un tissus blanc 100% fibres naturelles.

-Du fil, des élastiques, des billes, des lattes de bois... pour créer son motif.

-De l’indigo, de l’eau chaude et un seau.

-Un bâton pour remuer et des gants en latex.

Préparation de la teinture 

Pour choisir son motif, il est mieux de faire quelques expérimentations sur des morceaux de tissus. Quand le motif est choisi, on reproduit la même technique sur le grand morceau de tissus en fibres naturelles. Il est mieux de mélanger l’indigo à l’eau chaude avant car il faudra attendre environ une heure de pose tout en mélangeant avec un bâton. Une fois le temps de pose écoulé, il faut enlever la “fleur”; il s’agit de la pellicule qui se forme à la surface du mélange puis plonger le tissus dans le bain de teinture environ une minute; le tissus aura une couleur un peu verte au début mais deviendra bleu lorsque il sera étalé par terre à l’air libre. Il faudra répéter cette opération quatre fois minimum avec, entre chaque bain un temps de pause de 20 minutes.

Pour moduler la couleur: plus le tissus aura reçu de bains plus la couleur sera foncée. Ne surtout pas oublier de mettre les gants et d’avoir des vêtements peu fragiles car les tâches ne partiront pas. Ensuite, il faut laisser sécher le tissu environ une nuit puis enlever les objets utilisés pour réaliser le motif et mettre le tissus à la machine à laver pendant 15 minutes à 30° sans lessive et le laisser sécher à nouveau. Une fois sec, celui-ci est prêt à être utilisé. 

Mon kimono réalisé avec la technique du shibori

Le thème: “L’aléatoire et L’accident”

Pour réaliser mon kimono, j’ai pris un tissu blanc en coton. Avant de définir mon motif final, j'ai fait plusieurs essais sur de petits morceaux de tissus en les teignant avec de l’encre bleue mélangée avec un peu d’eau chaude.

Sur ma première expérimentation, j’ai plié mon morceau de tissu en éventail (un pli d’un côté puis un pli de l’autre...) et ensuite je l’ai serré avec un fil. Pour la deuxième expérimentation, j’ai plié le tissu en quatre puis, à chaque angle j’ai posé des cure-dents en diagonale de chaque côté du tissu plié et je les ai attachés, à chaque bout avec des élastiques. Pour la troisième, j’ai plié mon tissu en deux et, de chaque côté j'ai mis deux bâtons de magnum en bois puis je les ai attachés de chaque côté pour qu’ils tiennent. Enfin, pour la dernière expérimentation, j’ai plissé mon tissu puis, l’ai serré avec un fil. 

J’ai aussi fait une autre expérimentation dont le résultat m’a beaucoup plu. J’ai pris différentes parties de l’échantillon de tissu et je les ai entourées avec des élastiques dentaires. Etant très petits, ces derniers serrent mieux et ne laissent pas pénétrer la couleur dans les endroits non voulus.

Voici le résultat obtenu:

J’ai beaucoup apprécié ce motif, et donc, j’ai donc voulu le reproduire pour réaliser le motif de mon kimono. Un contraste devait être présent, celui-ci était le contraste de quantité.

Tissu sur lequel une cinquantaine d’élastiques ont été posés

Puis j'ai plongé mon tissus dans le bain de teinture quatre fois avec 20 minutes entre chaque bain.

Et voici le résultat!

 Ensuite j’ai laissé sécher mon tissu une nuit puis, j’ai enlevé les élastiques et j’ai mis mon tissu à la machine à laver pour le faire dégorger et fixer la couleur.

Motif obtenu dès le retrait des élastiques

 Une fois mon tissu sec, je l’ai découpé sur la base d’un patron fourni par le professeur puis j’ai pu commencé à coudre à la machine à coudre les différentes parties de mon kimono à l’aide d’un tutoriel, lui aussi fourni par le professeur.

Couture des remplis

Résultat final: le motif ne correspond pas tout à fait à celui obtenu à l’issue de l’expérimentation choisie; les élastiques étaient peut être moins serrés sur mon échantillon ou alors la couleur ne s’est pas bien imprégnée mais ce motif m’a tout de même beaucoup plu.

Effet rendu, le kimono porté

Les sources:

- http://chambredescouleurs.france-i.com/3012

- http://www.marieclaireidees.com/,le-shibori-un-art-venu-du-pays-du-soleil-levant,169591.asp

- https://fr.wikipedia.org/wiki/Indigo

- Les cours d’arts appliqués