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TIBURÓN (Steven Spielberg, 1975)

Tiburón (título original: JAWS) es un filme de 124 minutos estrenado en Estados Unidos el 20 de junio de 1975 y en México hasta el siguiente año.

Tiburón es un filme valioso, no por la historia si no por las míticas escenas que pasaron a la cultura popular, ya sea por sus escenas legendarias o por las fallas resueltas exitosamente sobre la marcha y por último por su reconocido poster promocional.

El éxito indudable del filme fue por un realmente joven Spielberg, en su tiempo el llamado “productor estrella” se distinguió de los demás productores jóvenes por su inspiración en el Hollywood clásico a diferencia de los demás en la influencia europea. A pesar de los problemas que tuvo la producción que tuvo el filme para concretarse debido a los problemas mecánicos del “tiburón” decidió resolver improvisando con la puesta en cámara, el claro ejemplo es el plano subjetivo en primera persona de la bestia debajo del agua.

Desde el punto de vista narrativo, las dificultades técnicas que forzaban a la poca aparición del tiburón a lo largo del filme terminan jugando a su favor. Mediante el uso de encuadres en primera persona desde debajo del agua, junto al característico tema principal, se logra crear una constante sensación de tensión en el espectador. Sabemos que el tiburón está presente a lo largo de toda la película, incluso si no es visible hasta el climax, su presencia genera una congoja constante para quienes sabemos que está presente, siempre merodeando, siempre al acecho. Desde el principio de la película se nos dan pequeñas pistas, pequeños guiños visuales, referencias a qué el tiburón tendrá una presencia constante, incluso antes de que los protagonistas se den cuenta de ello, nosotros como espectadores ya estamos advertidos.

La historia quizá no parezca tan atractiva como el proceso de filmación pero se puede notar la negligencia de las autoridades por siempre preferir el dinero a costa de la seguridad pública, situación que perdura. Con personajes que hoy en día podrían incluso verse como clichés, y que sin embargo son necesarios para una historia simple pero emocionante. El alcalde negligente, el policía con buen sentido común y el cazador experimentado que representa la solución del problema embarcándose en la búsqueda de la bestia.

Trama y personajes

En la película se aborda el concepto de monstruosidad de diferentes maneras y el tiburón como una metáfora. Es posible notar que el filme se divide en dos partes, la primera presenta a los personajes y escenarios de forma breve: un jefe de policía con una familia clásica funcional que va de la ciudad, a una comunidad tranquila: Amity donde la economía se sostiene en el turismo veraniego. En esta primera parte nos presentan a una comunidad ambiciosa a la que solo le importa la economía. La segunda parte describe a sus personajes, nos deja ver un poco más de sus personalidades.

En toda la película el tiburón no es una amenaza, él solo existe, habita en su territorio y hace cosas de tiburón: se alimenta y se pasea por ahí. La monstruosidad se encuentra en los personajes, una comunidad que culpa al policía por no cerrar las playas, por otro lado, lo presionan por no hacerlo o Amity se verá afectada, hace evidente cómo funciona la sociedad. En la escena, cuando el policía manda a sus hijos a otra parte de la playa para protegerlos, no resulta tan buena idea, ya que el “peligro” se encuentra ahí, en esta parte existe un cambio en la trama; obliga al jefe de policía a involucrarse aún más y poner manos a la obra, pasa de una perspectiva general a una personal.

En la segunda parte la conversación sobre la guerra y narra su participación en ella: como un tiburón atacó la ciudad de Japón sin previo aviso, solo apareció esparciendo caos a su alrededor, cuerpos destazados y un mar de sangre, propagando pánico entre los habitantes, el terror de perder a sus familiares o amigos que no lograron salir de mar, un tiburón que no necesariamente se encontraba en el agua.

En cuanto a los personajes, el Marinero desde el inicio de la película tenía aires de ser el personaje que aun teniendo las vísceras fuera de su estómago seguiría peleando, nunca se rendiría y moriría de forma digna, pero no fue así, solo se lo tragaron, después estaba el océanologo; es de esos personajes que solo aparece en escena para explicar términos difíciles y lo que está pasa con el animal una vez que ya no es necesario lo desechan, pero qué sorpresa sobrevive, quizá porque estudió y era pudient, a diferencia del marinero quien era obrero, decidieron que no era mucho lo que se perdía considerando que estuvo en la guerra, ese hombre hace tiempo que había muerto. El jefe de policía tenía su propio terror individual: el temor al agua, su deber, además de salvar a todos, era el de superarse así mismo. “Tiburón” sin duda no es acerca de un animal asesino con el propósito de aterrorizar a la comunidad, la película evidencia algo que acecha disfrazado de tiburón.

Fotografía

La fotografía en Tiburón está orquestada Bill Butler quien hizo una estupenda labor dirigiendo el filme con lo necesario para sacar a flote la producción, dadas las múltiples fallas técnicas y la inmersión del equipo en el mar, los ojos de Spielberg tenían muy claro el ritmo con el que se presentaría todo las tomas, el formato panorámico anamórfico en la escena inicial que nos introduce de forma sencilla al protagonista y su antagonista el mar todo lo que reside dentro como potencial peligro, con tomas y encuadres simples todo se muestra ante nuestros ojos, así como las impactantes tomas del trombone shot en la toma que cierra esa primer escena, nos introduce totalmente a la angustiosa realidad del protagonista, lejos de su gesto, es la cámara la que inserta al espectador.

Butler como menciona Spielberg hace un gran trabajo ideando formas de simplificar la tortuosa tarea en la que se estaba convirtiendo el rodaje, como rodar con la cámara al hombro en el barco para agilizar, el idear aparatos para que la cámara enfocara mejor bajo el agua o mecanismos para ir de arriba abajo del mar de una forma más eficiente colocándonos en una mirada de tiburón, las inspiraciones de Spielberg que se centraba más en el cine americano y el clásico estilo de Bill empalmaron perfectamente, empalmando la banda sonora con la imagen el lenguaje sonoro así como la imagen nos advertían jugando con el suspenso, tomas continuas y juegos de miradas hacen que Jaws sea una obra clásica que supo iluminar correctamente e ir sacando funcionalidad en condiciones complicadas, una referencia para la industria fílmica.

Efectos especiales

Tiburón también es reconocida por la gran hazaña de producción, para su tiempo, que llevó a que la duración de las grabaciones se extendiese al triple (159 días). La mayor cantidad de problemas se debían a los mecanismos que simulaban el tiburón, quien además es protagonista en la parte más importante del filme, junto con el rodaje a mar abierto. Mal tiempo, interrupciones, fallas en el equipo, todo jugaba en contra de las ambiciones del joven Spielberg. A pesar de esto, es claro que todos los esfuerzos valieron totalmente la pena; Spielberg le dio un efecto de suspenso que no se hubiera logrado sin las restricciones de los tiburones mecánicos que provocó que se tuvieran que reescribir varias escenas, realizando algunas de las tomas más icónica del cine.

Es curioso pensar en la historia de este estilo “accidental” de thriller: con algunas sugerencias de la presencia de un monstruo marino fue posible una respuesta satisfactoria por parte de los espectadores, y hace que se pueda replantear el papel de los efectos especiales en los filmes del género de terror, especialmente cuando se quiere conseguir una reacción natural del miedo en las personas, sin el uso de sustos forzados. Tiburón no es la película mejor producida, y hoy en día podría considerarse mala, pero fue un punto y aparte en la forma de hacer películas.

Banda sonora

Es inevitable mencionar la clásica melodía referenciada a la bestia durante estos puntos de vista. John Williams es el encargado de la banda sonora, y poco se puede decir sobre su trabajo que no se haya dicho ya, sus composiciones y su trabajo con el silencio y los icónicos motivos y melodías en sus obras son clases magistrales para cualquiera que tenga interés aprender a musicalizar un producto audiovisual. En el caso de la película de tiburón el motivo principal está ya en el imaginario colectivo, incluso Bad Bunny lo sampleó en uno de sus éxitos, este icónico motivo, sin embargo, aparece en contadas ocasiones en la película y lo hace en las ocasiones precisas, basta con escuchar 2 notas para que la sensación de ansiedad o temor llegue a uno y es el ejemplo perfecto de cómo se debe hacer música para una película de terror.

Pero parte del trabajo no es solo crear una melodía icónica para escenas de tensión, sino también saber usar otros recursos auditivos para darnos una sensación más aproximada a la que buscaba Spieblerg, como el silencio; en gran parte de la película no escuchamos música y esto se hace con el propósito de darle más impacto a la música cuando ésta llegue a nuestros oídos, generando así un mayor impacto y tensión en las escenas.

Estas alternativas a la problemática en el rodaje terminaron formando la emoción en el espectador aun cuando las puestas en cámara de la bestia fueron limitadas. Por lo tanto el director de fotografía, el soundtrack y Spielberg fueron exitosos al crear sin querer una fórmula para el éxito taquillero.

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¿Qué película estuviste evitando ver todo este tiempo? ¿Por qué?

Sofía

Saló o los 120 día de Sodoma es una película que siempre escuchaba en los tops de películas cero recomendadas junto a otras más como Un Film Servio o El Ciempiés humano, frecuentemente me decía que no deseaba verlas principalmente porque no tengo el estomago se me vuelca todo en nauseas rosando el casi vomito y dado a que es un tipo de cine del que pienso no debería existir. Ya con una breve premisa de mis pensamientos decidí ver de que se trataba todo ese escandalo que gira en torno al filme, hay mucho o poco que decir, venga que en cuestiones técnicas hay cosas interesantes, la fotografía y composición me gustaron: como y donde se colocan a las victimas y victimarios reafirmando el poder en los últimos, los escenarios son bellísimos enmarcan perfectamente y te hacen sentir que si bien están en un lugar bien estético, también es amplio, frio y seco, pese a que se ve muy limpio da peste asquerosa, la colorimetría fría, neutra sin vida hace que sientas el frio con ellos, te hace sentir como si estuvieras en un cochinero todo el ambiente. Las actuaciones fenomenales, cuando se comen la mierda es sorprendentemente asqueroso y vaya que les crees que se están disfrutando tremenda cagada, super enfermos. El miedo de los jóvenes lo sientes, pero como que se te viene en vomito por el asco, provoca muchísimo, es un filme que escarba mucho morbo que hasta conduce a cuestionamientos morales, político, hasta espirituales en mi caso.

Creo que Saló asquerosa y deleznable, que ahí rebuscándole entre el mareo que me dio habla de como el poder repulsivo de las autoridades radicales busca ejercer el poder sobre los “inferiores” porque quieren, porque “pueden” porque les excita, también que es algo con lo que vivimos día a día causándonos indiferencia como los dos guardias que bailan al final, porque mientras no me hagan a mi bailare pretendiendo que todo está bien. Saló es la clase de filme que te preguntas ¿por qué decidí ver esto? al final de la película, que te revuelve el estomago por horas que también cada que la recuerdas van saliendo más cosas que habías olvidado pero que siguen ejerciendo en ti mareo, es difícil de olvidar y que su realmente existe un discurso político queda más bien opacado por ser tan explicito.

Ximena

La película que evité durante mucho tiempo es El Infierno, la película de Luis Estrada estrenada en 2010 dónde se hace una sátira al contexto mexicano de la época.

Supe de la existencia de esta película gracias a mi padre hace un poco más de 10 años, no había reunión en la que no hablara de la película y continuar la conversación con más temas de política o narcotráfico, siendo una niña de 10 años era lo más tedioso y aburrido, no quería escuchar que esté país se estaba hundiendo y yo apenas empezaba a vivir.

Es probable que el haber ignorado está película por tanto tiempo me ayudó a poder verla ahora con una perspectiva más madura (algo) y una conciencia social más desarrollada (algo, también), pero a su vez pienso en mi yo más joven quien con una perspectiva inocente también fue expuesta a los temas como violencia y narcotráfico, por más que quisiera alejarme de estás narrativas ficticias, las narrativas reales de los noticieros y periódicos me acorralaron.

El Infierno juega con la narrativa del hombre (o en este caso todo un pueblo) siendo corrompido por el poder y la necesidad, el humor que emplean en la película es ácido y en algunos puntos absurdo que, a pesar de no ser un tipo de humor que disfruto, fueron puntos donde me permitían descansar del resto de la película. Hay escenas demasiado violentas y crudas que no soporté en lo absoluto y hasta ahora no podría debatir si estas eran necesarias o no para la trama. La celebración del bicentenario y el escudo nacional desangrándose fueron mis elementos favoritos ya que son muy ricos en información y contienen todo el discurso de la película.

En conclusión, recuerdo a mi padre comentar lo impotente que se sentía al terminar la película y le daba mucha tristeza reconocer el tipo de México en el que vivíamos, yo, por otro lado, no conecté con ese lado nacionalista que deja la película, por eso no se convirtió en una de mis películas favoritas y tampoco creo que mi vida haya tenido un antes y un después.

Lucia

En general tiendo a evitar ver películas con frecuencia, me considero alguien con problemas de atención, y por experiencias previas, ver películas normalmente termina por dejarme absorta el suficiente tiempo para perder noción del tiempo y de otras actividades que debería haber hecho. Por ello he aplazado muchas películas que me interesarían ver.

La película que decidí ver para romper ese pequeño acuerdo personal fue Wendell & Wild (2022), una película en stop-motion, dirigida por Henry Selick y escrita por Jordan Peele. El diseño de los personajes me pareció llamativo, y los otros trabajos que he visto de ambos directores me han gustado (Coraline y Nope), así que fue mi opción más rápida. Y la disfruté, aún si venía con las expectativas medianamente altas por toda la promoción que había aparecido en mis redes sociales con respecto a la película, y ésta no terminó por convencerme en algunos puntos argumentativos, a nivel visual fue muy agradable de ver, las marionetas tenían un estilo muy distintivo, no temiendo a su cualidad de marionetas, y algunas secuencias me fascinaron.

Debo admitir que incluso esto pudo ser un poco de trampa, porque la pauta me dejaba demasiadas opciones, sabiendo que soy alguien que no acostumbra ver películas, en general. Mi segunda opción de película que estuve evitando por mucho tiempo sería la saga de Crepúsculo, no me llamaba la atención en su momento, no me ha llamado la atención actualmente, pienso que será cursi y melodramática, e incluso si la viera de manera irónica, algo en mi subconsciente se rehúsa a gastar tiempo viendo algo que siento no voy a disfrutar.

Azusena

Perfect Blue, es una película que había planeado ver desde algunos años, y estuvo en espera durante mucho tiempo, creo que es de esas películas que no son fáciles de digerir y necesitas lapsos de tiempo para respirar, pensar en lo que estaba viendo. La razón por la que no me atrevía a verla era porque me producía ansiedad las posibles emociones que podría desencadenar, ya he experimentado como una película o serie, es tan fuerte que el verla es horrible, no la gozas la sufres y si no es el momento adecuado no es de las mejores experiencias (aunque algunas producciones ese es el objetivo), con esta película había estado esperando el momento adecuado, pero el que elegí fue más bien obligado, así que no, no puede terminarla.

Edna

La película que he evitado ver es la de Scream, por lo que me han platicado, no es de mi estilo de humor, e independiente a esto, he visto memes o escenas de la película, y verdaderamente no me llama ni un poco la atención, siento que son demasiado absurdas, con un humor negro quizá muy fuerte y desagradable para mí. No sé ni un poco de que trate o de que vaya, y no creo que jamás la vaya a ver.

Tzizanei

Una de las películas que menos he querido ver es Rocky (1976), y de esta destaco una característica, que además se encuentra en muchas otras películas que no quiero ver: las peleas entre hombres por su orgullo, por riqueza o por saber quién es el más “macho”. Nunca he sido fan de las películas de tipo Jackie Chan, James Bond, Bruce Lee y Rocky por lo simple que me parecen las tramas; las peleas entre hombres sudorosos no son precisamente estimulantes y me pesan mucho.

La película fue lo que me esperaba, la actuación de Sylvester Stallone es realmente buena para interpretar a un hombre incapaz de controlar sus emociones, pero un genio para las peleas. Es inevitable reconocer las famosas escenas del entrenamiento de Rocky junto con la aún más icónica canción “Gonna fly now”, y le concedo el mérito por la capacidad que tuvo para transmitir la esencia que le dio a la película el reconocimiento que hasta hoy se le da. Desde ahí no pude encontrar algo que me hiciera pensar que me había estado perdiendo una gran película; lo más interesante de ver estas películas viejas siempre va a ser buscar el making of, sus dificultades y su impacto.

Noé

Durante años decidí voluntariamente no ver la saga de Harry Potter, ¿la razón? la verdad no sé, probablemente alguien me habló mal de ella y no lo recuerdo. Así que decidí por fin darle una oportunidad y he de decir que, si bien, no me desagradó, tampoco me es algo conmovedor, o trascendental. La encuentro entretenida y creo que la veré con mi hermana menor, pero personalmente, aunque no me considero un Muggle, pienso que la magia la he encontrado en otras películas, o tal vez la debí ver un poco más joven, ya que considero que es al público al que va enfocada

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La chica del dragón tatuado (2011)

El periodista Mikael Blomkvist es ayudado en su búsqueda de una mujer que ha estado desaparecida durante cuarenta años por Lisbeth Salander, una joven hacker.

La chica del dragón tatuado es un remake norteamericano de la película sueca “Los hombres que no amaban a las mujeres” (2005), inspirada en la primera novela de la trilogía del escritor sueco Stieg Larsson, que se convirtió en un best-seller mundial. Está dirigida por David Fincher y protagonizada por Daniel Craig y Rooney Mara. Ganadora de un Oscar a Mejor edición, la película se estrenó el 21 de diciembre de 2011.

La película es un entrelazado de varias historias que en un principio te llevan por la trama de una novela policíaca, pero con tomas bien trabajadas. Eso es en apariencia. Cuando la película está a punto de terminar, encontrándome con una sensación de satisfacción y de que todo está en su lugar, veo la última escena y me deja con una sensación de vacío. Lisbeth a punto de declarar su amor por Mikael con un regalo navideño muy bien pensado, es interrumpida por una escena desconsoladora: Mikael en compañía de su amante en camino a una muy probable cita romántica, rompiendo el corazón de Lisbeth, quien se limitó a desechar la prueba de su confesión. Inesperadamente, esta escena fue la que me hizo querer saber qué había detrás de esta película, no para saber de qué trataba, más bien, para conocer todo sobre Lisbeth y el libro adaptado de Stieg Larsson “Los hombres que no amaban a las mujeres.”

Pronto pude descubrir la desafortunada noticia de que el autor original de la saga Millennium había fallecido después de escribir el tercer libro de esta saga que pretendía ser de diez libros. Ver una historia incompleta es uno de los peores sentimientos que he experimentado, y el final de la película es una bofetada que me recuerda esta realidad. Sin embargo, hace apreciar cada momento como único, irrepetible, memorable. No he visto las versiones suecas de esta saga ni he leído los libros, pero no sorprendería que esta versión fuera mi favorita, principalmente por el trabajo de cámara, la música y la actuación de los actores principales. No creo ser capaz de perdonar a Fincher por no adaptar los otros dos libros.

Dejando de lado la frustración que impregna mi mente después de ver la película, el personaje de Lisbeth es sin duda quien más resalta y con quien, personalmente, me es más fácil vincularme. Es inevitable sentir empatía ante la desgraciada vida de Lisbeth, que claramente tiene un efecto en su forma de relacionarse con los personajes y afecta sus mismas acciones. Sería incorrecto describirla como una especie de psicópata amante de la violencia y que odia a los hombres, sino que encuentras en ella a una mujer temerosa de ser lastimada y con una clara desconfianza por los hombres, denotando un oscuro pasado, junto con las horribles circunstancias de la película. A pesar de todo, Lisbeth es fuerte y comunica un fuerte mensaje sobre la vida de una mujer “sola” en un mundo regido por los hombres. Es la imagen de una mujer real, corrompida completamente, pero que parece intentar recuperar su fe en el mundo.

Amo pensar que Larsson sería incapaz de no darle a Lisbeth el final y crecimiento que merecía a lo largo de su historia, y a pesar de que no tengo mucha de idea de lo que trató la película en general, puedo asegurar que la trama policíaca queda en un segundo plano en mi mente, tanto que después de un día de verla solo puedo recordar el rostro de Lisbeth, en especial esa expresión suya de desilusión.

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Dune (2021)

La historia de Dune ha estado con nosotros desde 1965, año de la publicación de la novela de Frank Herbert, considerada de las mejores historias de ficción especulativa y que se ha adaptado a lo largo de los años hasta nuestros tiempos con el film más reciente de 2021 con la dirección a cargo de Denis Villeneuve.

Dune sin duda es un film con escenarios, personajes , arte impresionante. Es complicado evitar dejarse llevar por la historia, dejando de lado el otro gran abanico de información que se nos proporciona más allá de la narrativa. Un lenguaje cinematográfico que se queda esparcido en el aire y el espectador ignora por el poco interés que se le da en muchos contenidos que se crean y promocionan a partir de cada film.

En una primera mirada sobre salta los intereses de poder, conquista y un juego por ahí con las Bene Gesserit estas “entidades”(llamemoslas así ) con la habilidad de la voz que tiene el poder de obligar a los demás ha hacer lo que ellas quieren, esto nos puede aludir a la forma en que los sistemas tienen modos de control sobre individuos y comunidades. No hay momento en el que no se pueda percibir la lucha de poderes, la búsqueda de emancipación de los oprimidos y refugiando sus esperanzas en alguien que pueda romper con el control.

Paul Atreides, es el joven elegido en quién recae esta responsabilidad y se va a desarrollar en una lucha es con sí mismo, lo que es, su vida, un destino elegido por alguien más, con el cual no está de acuerdo, lucha contra eso hasta un punto donde se presenta una ruptura, cambio de perspectiva, se vuelve dueño de su propia narrativa, el punto clave está en la escena de la tormenta de arena donde apaga los motores y se deja llevar, eso decide: resignarse y cumplir su papel de ser el elegido.

En resumen, la abundancia de los planos medios en los personajes y el paisaje que nos muestran crean un ambiente cerrado, claustrofóbico que a pesar de la inmensidad de lo que se muestra en pantalla, el sonido ambiental y las conversaciones, todo se mantiene lento, asfixiante y cerrado, lo que nos hace pensar que es un dilema de introspección como ya se mencionó anteriormente.

Es un acierto la forma en la que una narrativa de 1965 se adapte a los tiempos contemporáneos, que se vuelva atractiva al público a pesar del tiempo. Poder comparar todas las adaptaciones de una misma historia en distintos tiempos, distintas perspectivas.

Sin duda Dune es una gran producción y como ya se mencionó anteriormente cada adaptación tiene una interpretación diferente, pero sin duda esta última es de las favoritas del público.

#dune #hbo max #dune movie

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El señor de los anillos (2001)

Para hablar de esta saga comparable a Star Wars es oportuno decir que estas sagas cambiaron el rumbo de sus géneros debido a que antes de ellas era un género nicho catalogado para gente intelectual o friki por algunos ya que son adaptaciones literarias. Es decir, el señor de los anillos tomo el cine de fantasía y lo convirtió en un género respetable, el productor Peter Jackson conocido en esa época por el cine gore de mal gusto, sin embargo, con un buen sentido de cámaras en movimiento y con un toque característico que después llevó al señor de los anillos.

El señor de los anillos destaca por su desorbitante presupuesto, un montón de tecnología y bocetos hechos exclusivamente y un puñado de actores que si bien no eran desconocidos aún no destacaban. Cuando mencioné esta revolución en el género, me refiero a que antes de este filme las películas de fantasía carecían irónicamente de realismo y con moralejas fáciles de digerir, es decir un cuento versus una novela.

Una de mis partes remarcadas es el tipo de intro que maneja Jackson en el que te muestra la batalla y te mete en ella enfatizando los colores del anillo en su entorno, omitiendo el pasado de Gollum y demás, en mi opinión un acierto. Todas las omisiones de Jackson lo hacen para no interrumpir el ritmo de acción de la película o arco de personaje. También es remarcable el trabajo de cámaras que emplea en los personajes de Gollum cuando charla con su otro yo, el cambio de cámaras de lado a lado lo expresa muy ben. O por ejemplo las escenas de Gandalf que están llenas de ritmo aunque el enfrentamiento sea breve, o por ejemplo los travelings en escenas de batalla con los orcos…llenas de caos por cierto y no con planos abiertos como se hacía antes.

El señor de los anillos es tan popular por se explota las escenas de catarsis de los personajes, esto logra empatizar en el público. Una épica de fantasía muy bien hecha.

Me parece pertinente abordar el mundo de Tolkien desde algunos planteamientos casi filosóficos como ¿qué es lo bueno y lo malo? tratar de responder a esta pregunta es difícil, los límites de lo bueno y lo malo se han disuelto, los relatos clásicos sobre la bondad y maldad ya no son vigentes, transformando estos conceptos en algo totalmente subjetivo. En el Señor de los Anillos, Sauron -la maldad pura- tiene que ser destruido, el cuestionamiento sobre cómo deben actuar los personajes parece ser innecesaria, ¿o no? en algunas escenas podemos ver como personajes que en primera instancia se nos presentaron como "buenos" tienen debilidades y hay cierta obscuridad en ellos, Gandalf, por ejemplo, teme lo que podría pasar si el anillo fuera suyo. Pero entonces ¿por qué Gandalf no se quedó con el anillo? ¿por qué elegir hacer el bien sobre el mal? Probablemente todos hemos pensado alguna vez en qué haríamos si pudiéramos hacer "el mal" sin consecuencia alguna, si tuviéramos en nuestro poder un anillo que nos permitiera hacer cosas "malas" sin recibir un castigo por ello, siempre está la tentación de usar el poder para un mal ¿Será que los humanos somos injustos por naturaleza, pero obramos con bien por las consecuencias de los malos actos?

Parece ser que la falta de límites o de consecuencias para nuestros actos desencadenaría una liberación garrafal de nuestras pasiones y creo que esta es una pequeña moraleja que yo encontraría de esta historia; dar rienda suelta a nuestros deseos terminaría acabando con nosotros mismos como el anillo hizo con Gollum.

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Nope (2022)

Nope y el Mal Milagro de la Exposición Mediática

Nope es el tercer film de Jordan Peele y quizá el más confuso para la mayoría y es que entreteje no solo genero también temas, como el Mal Milagro, el poder de la mirada y el deseo de compartir a beneficio con mas ojos que den más poder a la bestia, al mal milagro.

OJ Jr atestigua el mal milagro al observar una bestia lovecraftiana asesinar a su padre, vio algo que pocos han podido ver esto le ha costado la vida de su padre es por eso que el milagro se siente malo, y lo que ha venido con el como una maldición o el derecho de exposición porque si el sigue vivo puede mostrar al monstruo y hacerse rico motivado por su hermana, motivado por el azar de estar vivo, así mismo Ricky “Jupe” Park ex estrella infantil que al quedar mortalmente traumado, al ser el único que observo escondido y sobrevivió a la atroz masacre es testigo tanto como victima elevada del Mal Milagro que lo llevo a pensar que su suerte venia de crear lazos profundos que podría construir para domar, eso fue lo que intento con Jean Jacket pero no quería ser el único testigo el creció y se formó entre cámaras y micrófonos entre el espectáculo que nada es sin la mirada, que no tiene poder devorador sin los ojos, Park invitaba a gente a su parque de atracciones a observar el suceso alimentando a Jean Jacket con caballos para “formar vinculo” y exponerlo, es curiosa la relación que tienen los hermanos Haywood y Ricky “Jupe” Park con el trauma y la exposición de ella en los medios, Peele con este film nos da un reflejo sí bastante complejo pero que no es también compleja nuestra forma de relacionarnos a través de los medios, como centramos nuestra atención morbosa en el dolo ajeno pero que también somos participes de este juego, la mirada ya no como el que gobierna desde el criterio sino como moneda de intercambio para agigantar el morbo en los medios de entretenimiento actual.

A través de su filmografía, Jordan Peele genera una crítica a la sociedad actual, en el caso de Nope, pareciera que su crítica va más enfocada al poder de la mirada, quizás, a la sobre exposición mediática que se tiene en nuestra sociedad, esto manifestado a través del mal milagro. La película oscila entre el terror, el suspenso y la ciencia ficción, generando una tensión constante con la presencia ominosa de la criatura apodada como "Jean Jacket", como un monstruo que, si bien no se aprecia a simple vista, parece envolver a los personajes lentamente desde el inicio de la cinta; no es hasta el clímax que podemos apreciar en todo su horror cósmico a "Jean Jacket", y es hasta ese punto que la historia toma un giro abrupto, dejando a un lado el aspecto del terror para sumirnos en el suspenso. ¿Será acaso que es el poder de la mirada lo que genera "Jean Jacket" a través de su presencia, siempre presente desde las orillas, desde las nubes, durante la película?

Los colores, el sonido, ambos aspectos se vuelven una parte importante del apartado técnico de la película. Se vuelven como el señuelo de un cazador para engatusarnos a nosotros, los espectadores, su presa; los colores vibrantes, la fotografía, extrañamente armoniosa, y los sonidos, a veces sobrecogedores pero igualmente armoniosos generan al mismo tiempo un temor constante y un deseo de no despegar la mirada de la pantalla. En cierto modo, desde que comenzamos a verla, nos volvemos una víctima más de "Jean Jacket", del poder de la mirada, del poder del mal milagro.

Al final, Nope podría considerarse una interesante mirada crítica al mundo del espectáculo actual, incluso una crítica a nuestra sociedad, que es una sociedad del espectáculo, dónde todos persiguen sus quince minutos de fama pese a los riesgos que a veces podría implicar. Es una película divertida, con sus buenos momentos de terror, quizás no sea la más apropiada para quienes sufrimos más las películas de terror, pero vale la pena reflexionar su mensaje.

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La experiencia de ir al cine

Tziza: No me gusta ir al cine. La vista no es cómoda, mis oídos me duelen, la presencia de los demás me pesa y no me gustan las palomitas caras. No hay muchas razones para dejar la comodidad de mi hogar y pagar por una experiencia que no necesito. Pero hoy tuve que hacerlo. Cuando llego a la sala tengo los ojos pesados, la película empieza pero no sé si tendré la paciencia de esperar. Sin embargo, empiezan a haber momentos en los que la película me absorbe y dejo de tener manos. Siento el sol y la tierra seca. La pesadez de estar ante lo desconocido, lo salvaje y animal. Pero es momentáneo. Pronto vuelvo a sentir mis manos y mi corazón regresa a su lugar. En realidad nunca sé si valió la pena gastar en el cine, sigo pensando que no me gusta.

Sofía: Cuando voy al cine me siento expandida... a la mirada le salen manos, piernas, piel, un cuerpo que cuerpo siente.

De repente me empuja me invaden unas desesperadas ganas de huir, correr, gritar o hasta esconderme cuando me recuerdo fuera, detrás de la butaca de enfrente y suspiro sabiendome espectadora justo es entonces cuando volteo a ver al otro, el otro se ve como yo hace un momento suspendido en el filme, abruptamente me interrumpe un estruendo ¿Alguien se ha caído? ¿A alguien le han disparado? ¿Alguien... algo? Todo en un segundo mientras volteo y de nuevo la mirada se vuelve cuerpo.

Azusena: Ninguna visita al cine es igual a otra.

Cuando la visita es en compañía, al menos en mi caso los nervios están presentes desde que comienza el día hasta que el reloj marca la hora.

Llega la hora de partida, y en el camino a casa comentamos la película hasta que la conversación sube de volumen, entras en desacuerdo y cada quien para su casa mejor.

En el lugar siempre es la eterna discusión de si comemos antes o compramos algo dentro, jamás llegamos a un acuerdo y terminamos pagando $50 por un refresco, y ya con eso la culpa no te abandono hasta que la película sube la trampa, olvidando todo estando atento, seguido de emociones, suspenso, risa, acción, romance y por supuesto un buen final feliz.

Ximena: Elegir a cual cine ir, comprar los boletos en taquilla o por internet, ver la película en su idioma original, con subtítulos o doblaje, comprar o no comida ahí (hasta meter alimentos de otros lados), ir solos o acompañados, es parte de un ritual que cada persona diseña para el disfrute de su experiencia. ¿Qué pasa cuando ese ritual lo compartes con los amigos que rara vez coinciden para salir? Respuesta rápida: Es un desastre, pero curiosamente divertido.

Renunciar al ritual es difícil por eso, mientras más impulsivos sean será mejor. Durante esta salida tomamos decisiones que si pensábamos en nuestros rituales, hubiera sido imposible ponernos de acuerdo, desde elegir la película cinco minutos antes de que empezará, mandar a alguien a comprar nachos a mitad de la función, hasta escuchar los spoilers y comentarios de los niños pasó de ser algo estresante y desagradable a algo que enriqueció la experiencia. A veces no tener el control hace que el momento sea más agradable.

Noé: Todo empieza al menos un día antes, cuando emana de uno la necesidad de acudir a aquel espacio, el cine, o en su versión "fancy" la cineteca, uno es atraído a la función y anticipa todo: si irás solo o acompañado, quién será la compañía, cómo llegarás al lugar, y ya cerca de empezar planeas si vas a comer algo o no, en ocasiones comes algo afuera, tal vez una cerveza para relajar el espíritu, eliges tus asientos, no demasiado cerca de la pantalla, pero tampoco hasta atrás si es posible, ¿palomitas? depende. Entras. Buscas tu asiento. Esperas, los siguientes minutos piensas, tal vez, acerca de qué esperas de la película, si la elegiste es por algo ¿no? La experiencia de la película puede ser tan agradable como decepcionante, la vista y el oído usualmente gozan con los contenidos de alta fidelidad. Puedes llorar, reírte, enojarte, puedes incluso verte a ti dentro de la película "literalmente yo" El final puede gustarte o dejarte mal sabor de boca, pero es un final. Algún raro aplaude, prenden las luces y todos se disponen a salir ¿en qué momento ver una película provocó tantas palomitas tiradas en el suelo? observas las caras de las personas, tal vez intercambias un par de palabras con tu acompañante, pero sigues procesando la película ¿te gustó? es lo de menos, acabas de ir al cine.

Lucy: Ir al cine para mí es un suceso esporádico, solemne, si contara con mis dedos cuántas veces voy al cine al año, me sobrarían dedos de una mano.

Mi última ida al cine fue un tanto distinta, ya que, más que por gusto, fue por deber. Hacía casi dos años que no pisaba un cine, la experiencia fue nueva, todo parecía igual, y al mismo tiempo distinto. Elegimos la función y pedimos nuestro combo en una de esas pantallas donde tú mismo haces todo el proceso; las palomitas eran más saladas de lo que imaginaba, y el refresco apenas y tenía gas. Una vez en la sala (la IMAX, por cierto), sentí los asientos más blandos que antes, pero más incómodos. Al comenzar la función, el sonido te envuelve, hace vibrar tu cuerpo y lo transporta a la película, que al mismo tiempo cubre casi en su totalidad la sala. A ratos volteaba a ver a mi acompañante para asegurarme que los dos estábamos a gusto, pero rápidamente volvía a ser absorbida. Al salir te abruma la luz del mundo exterior, aun si es de noche, todo parece distante, sumido en una cacofonía que poco a poco toma coherencia. Ese proceso de "reconectarse con el mundo" es la experiencia que añoraba de ir al cine.

Edna: Casi no voy al cine desde que entré a la universidad, cuando voy es sólo cuando me llegan a invitar, después de un tiempo sin ir, perdió un poco el "chiste" porque, cuál es el punto de ver películas en unas butacas incómodas, con mucho frío y con muchas personas desconocidas a tu alrededor, creo que lo único que me gusta es la gran pantalla, sentir que puedo involucrarme más en la película como tal. Aparte de esto, es carísimo, las palomitas, los refrescos, los dulces, lo siento, no pienso pagar 40 pesos por un dulces que afuera están en 15-20 pesos. Debo confesar que soy de esas personas que meten comida al cine, desde bebidas, helados, papas fritas, todo lo que se nos pueda ocurrir, eso lo voy a meter, y aún así cuido que no sea algo que haga mucho ruido o huela demasiado fuerte e incomode a los demás asistentes.

Ahora las personas que no se callan, no me refiero a las que reaccionan a la película, me refiero a las que se la pasan platicando, las que llevan su celular con sonido, los que llevan bebés y estos empiezan a llorar, las que se escucha como están comiendo, para mí gusto es demasiado ruido adicional al de la película, agregando que a veces el sonido tan alto y tan envolvente me pone muy nerviosa, me da miedo. Creo que el cine no es para todos, sin embargo, a pesar de todo esto, en ocasiones muy contadas si me gusta ir, pero tiene que ser una película que realmente tenga demasiadas ganas de ver.