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Reflexión final del curso

Durante el curso me adentré a un mundo que era casi totalmente desconocido para mí. Sabía poco de arte por la clase Historia de las Artes I pero estos movimientos no me eran familiares. Recordaba haber tocado uno que otro en el primer semestre de la carrera pero nunca nos adentramos a ellos de la misma manera. En esta reflexión hablaré de lo que aprendí y realicé en el curso, al igual de cómo me sentí e inspiraciones e ideas que despertó en mí.

De cada movimiento aprendí diferentes cosas, que comenté en cada entrada del blog, pero algunas más en general, entre ellas:

·         Que todo puede ser arte si así lo desea el artista, que no hay limitaciones para lo que uno quiera crear, si tiene la intención de hacer arte, puede hacerlo.

·         Que las instituciones no son siempre lo único que legitima en ese mundo.

·         Que el arte evoluciona constantemente.

·         No todos entenderán el trabajo a la primera.

·         El arte es subjetivo

·         El concepto del arte ha pasado por mucho para llegar a lo que es hoy

Y así podría continuar enlistando todo lo que encontré referente al arte pero creo que tardaría y son cosas que ya dejé claro a lo largo de la bitácora. Creo que me voy del curso sabiendo mucho más de cómo funciona este mundo y me siento más preparada para pararme frente a diferentes obras sabiendo que tengo que analizar, ver y comentar. Antes me sentía sumamente indefensa cuando visitaba un museo pero siento que ahora los disfruto más y me llena de orgullo entender lo que me rodea.

Me gusta pensar que ahora que conozco los movimientos un poco mejor, servirán de inspiración en futuros proyectos y seré de capaz de apropiarlos de manera correcta, como en el momento de hacer mi último trabajo de Medios para el que intentaba recordar de donde venía mi inspiración del mood board y que después de reflexión recordé que era del Minimalismo visto en clase. Me complace recordar los movimientos con claridad y darme cuenta que están frescos en mi memoria como el primer día que lo vimos. Lo único que quiero es transmitirle este sentimiento a mi familia porque por más que ruego hacer un viaje cultural por diferentes museos, mi padre se niega rotundamente a “pararse frente a cuadros que puede ver en internet”.

Es interesante como para el proyecto final, mi compañera de equipo y yo pudimos conectar perfecto lo que habíamos visto en clase con lo que queríamos comunicar en nuestra pieza. Esto creo que se debe también a que a lo largo del curso, con los ensayos que tuvimos que entregar, entrenamos nuestras habilidades de escritura y recolección de ideas. Al principio me sentía abrumada por todos los requisitos a seguir para los ensayos pero después me di cuenta que en otras materias empecé a implementar estas medidas y hacía mi escritura más fácil y de mejor calidad. Otra cualidad que adquirí en el curso que no tiene que ver con el arte es la organización de tiempos y llevar y checar bitácoras, estaba muy acostumbrada a que los profesores  me dijeran que tenía que hacer y al principio llevar el cronograma fue difícil para mí, finalmente me acoplé a la forma de trabajo y después se me hizo costumbre la organización que logré llevar. También incorporé más películas y manera de buscarlas en mi repertorio, no tenía la costumbre de ver películas tan antiguas y en clase, después de ver algunas, decidí que era hora de hacer de esto un hábito. Entre otras cosas mejoré mi manera de tomar notas, escuchar a mis compañeros, formular opiniones y profesionalizar mi lenguaje.

Siento que este trayecto en la clase fue muy formativo, no solo profesional y académicamente, pero aprendí mucho que puedo utilizar en lo social de la vida diaria, me deja con ganas de leer más de los temas que me interesan y a los que muchas veces no les doy prioridad y me quedo con que para poder opinar en ciertos temas, tengo que leer, leer y leer.

Termino el curso y mi reflexión diciendo (y recordándome) que tenemos que salir de nuestra zona de confort para conocer del arte, aventurarnos a consumir otros tipos de movimientos y estilos, que tenemos que buscar e indagar sobre otros artistas que no figuren en el top de su ámbito y que tenemos que salir y movernos de la silla frente a la compu o el celular, claro que la tecnología y el internet son herramientas maravillosas, pero no hay nada como disfrutar de la obra en el espacio para el que fue pensado.

#Historia del Arte #reflexión final

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Manifiestos

Después de la mitad del curso, cuando ya teníamos conocimiento de muchos movimientos y una idea de como funcionaba el mundo del arte, en equipos hicimos manifiestos sobre lo que considerábamos arte. A continuación unos que recuperé:

Tecnopolisismo: Mis compañeros con este manifiesto invitan a llevar el arte a la ciudad, a hacerlo accesible para todos. Creen que cualquiera que tenga la necesidad de expresarse puede hacerlo desde el arte. Además invitan a crear con lo que se tiene a la mano y apoyándose de la tecnología y el internet. 

Sensorismo: Con este movimiento y manifiesto, mis compañeros buscan un arte colaborativo, una creación de algo que se guíe por los sentidos y sentimientos que se produzcan escuchando un tema/sonidos específicos. Más gente trabajará con la pieza y al final se logrará una realidad compartida. 

El Arte de lo natal: Parten de la idea de que sentirse parte de algo es lo que hace al humano ser. Quieren buscar a las raíces de cada uno y regresar a ellas para nunca olvidarlas, una vez logrado esto, se podrá hacer arte con toda la libertad pero siempre se verán reflejadas las raíces. 

Manifiesto Naturalista: Como su nombre lo dice, mis compañeros buscan conectarse con la naturaleza y en su arte se nota por sus piezas de animales. Buscan un impacto sin violencia y que la gente sepa que cualquiera puede hacer arte. 

Finalmente el manifiesto que hice con mi equipo:

Genetismo: Con este arte buscamos que la gente exprese lo que sienta y base su trabajo en su entorno cultural. Creemos que el contexto de la persona es importante en la creación de sus obras y que saber usarlo, al igual que las tecnologías a su alcance, puede hacer de sus obras las mejores. Buscamos la colaboración entre artistas y darle a lo audiovisual la importancia que merece. 

#manifiestos de arte #Historia del Arte

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Figuras e instituciones del mundo del arte

En una de nuestras últimas clases hablamos de las figuras e instituciones.

Sobre las instituciones vimos que una Galería es un espacio de transacción de arte que no tiene colecciones fijas, a diferencia de un museo que es un espacio de promoción de arte que tiene colecciones que se exhiben por promover la cultura.

Algunos museos importantes que nos presentó un compañero fueron el Museo Británico, el Louvre y el del Prado.

Después pasamos a ver las figuras importantes destro de este mundo que Pablo Helguera explica con alegorías a las piezas del ajedrez.

El director del museo que sería el Rey es la figura clave en los aparatos de legitimación del campo artístico. Es soportado por la institución y el equipo de trabajo del museo además de ser respaldado por la figura del coleccionista.

Los Coleccionistas, Consejos y/o funcionarios son las piezas más importantes y poderosas del juego, serían la Reina en el ajedrez. Ellos tienen amplia movilidad y pueden “capturar” otras piezas según sus intereses. Llevan el dinero y es aspecto financiero.

La curaduría, las Torres, son los creadores del discurso y la narrativa para las exposiciones de arte, bienales o festivales de distintas disciplinas. Detrás de su selección hay todo un proceso de investigación, análisis, lectura y crítica. Poseen un poder unilateral que depende de la Reina y otras piezas. Su influenza varía y por lo general es transitoria. También funcionan como legitimadores y sus alianzas son claves.

La crítica, el alfil, son personas especializadas en analizar, evaluar e interpretar el arte. Formalmente carece de intereses por lo que se les brinda la legitimidad moral. Su posición les permite apoyar la posición de artistas de manera indirecta.

Galerías y marchantes son los caballos. Dealers de arte, se encargan de la comercialización de las obras. En ocasiones poseen sus propias galerías y representan artistas en bienales. Influyen poderosamente.

Artistas, peones, creadores de arte. Son la pieza más importante y numerosa en el juego. Son susceptibles a otras piezas y cuestionan constantemente su posición.

Otros roles que podemos encontrar son: los historiadores, consultores, periodistas y relacionistas.

#figuras del arte #museos #instituciones #historia del arte

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Sobre el Estridentismo y el Arte Digital

Empecemos en México y hablemos del Estridentismo

Surge en 1921 y buscaba la renovación del arte en general. Se basaron en una ciudad utópica donde se pudiera materializar la modernidad y esta tenía un gran parecido e inspiración en Xalapa, Veracruz. 

Como grupo quería alejarse de la Revolución y casi olvidarla, querían dejar el pasado atrás y alejarse de los “ismos” que los rodeaban. 

Basada y adaptada de modelos y estrategias del futurismo y el dadaísmo, el Estridentismo resulta la primera autoproclamada vanguardia mexicana. 

Tenían una visión futurista y buscaban la unión de la modernidad tecnológica y el individualismo. Operaban con una conciencia global pero no reconocían su contexto, estaban muy concentrados en los cambios que podría traer la tecnología que no se enfocaban mucho en lo que tenían a su alrededor. 

Algunos de sus artistas destacados son: Manuel Maples de Arce Arqueles Vela Fermin Revueltas Jean Charlot Germán Cueto Tina Modotti Edward Weston

Edificio estridentista, Ramón Alva de la Canal

Mujer de Tehuantepec, Tina Modotti, 1929

Ahora el Arte Digital

Surgido en lo años 50s y 60s,presenta obras creadas digitalmente. Algunas técnicas que se encuentran son el modelado 3D, airbrush, pixel art, net art, escultura digital, foto e imagen digital y más. Su característica principal es su visión gráfica a base de herramientas y en clase vimos que puede tener casi cualquier tema. 

Algunos artistas que encontramos en este arte son Robert Mallary, David Em y Gianluca Gambino.

Cuando buscas Arte Digital en las imágenes de google, esto es lo primero que sale. 

Creo que describe muy bien lo que es este arte pero no pude encontrar datos de su creador. 

Oculta Fides, Gianluca Gambino

Y ya que estamos aquí, hablemos del Sound Art

Con este movimiento se busca usar el sonido como vehículo de expresión. Luigi Russolo creo un manifiesto referente al mismo. El movimiento entra como parte del Futurismo  e incluye obras de poesía sonora, radioarte y diferentes obras. 

En clase vimos la obra de John Cage 4′33, Sounds Like Silence donde presentó una pieza silenciosa en una teatro. Se sentó durante 4 minutos frente a un piano sin tocarlo un segundo. La gente comenzó a susurrar y preguntarse que pasaba, después, Johno dijo que “del silencio nace el ruido” y que la obra se activó cuando el público lo hizo.

Creo que estos temas fueron interesantes, sobre todo por el uso de la tecnología que lo rodea y la innovación de buscar nuevos vehículos de expresión. Se me hizo sorprendente que el arte se expanda a este tipo de disciplinas y que ahora muchos puedan hacer arte sin tener que saber usar un pincel y unos óleos. 

Referencias:

Ramón: https://www.cultura.gob.mx/mexico1900-1950/artistas/detalle/?id=4

#Estridentismo #Arte Digital #Sound Art #Gianluca Gambino #Historia del Arte

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Grabado e ilustración: del Taller de Artes Gráficas a las animaciones.

Regresemos a México a ver el Taller de Artes Gráficas 

Durante el periodo entre guerras, al rededor de 1937 en la Ciudad de México surge un arte politizado que se caracterizó por sus grabados en linóleo y madera. Eran un grupo de artistas que compartían sus ideas y las relacionaban con otros pero que trabajaban con una libertad absoluta. 

Algunos de estos artistas eran:  Leopoldo Méndez Luis Arenal Pablo O’Higgins 

TGP de Leopoldo Méndez, 1949.

También de él: 

Saltemos a la Animación

Viene del latín animatio y la vimos como una técnica cinematográfica que consiste en fotografiar figuras y proyectarlas a cierta velocidad para figurar movimiento. 

Un poco de su historia es que antes se usaban diferentes aparatos para hacerlas como este zootropo de aquí.

El primer personaje animado fue Gertie el dinosaurio:

La primera animación con sonido fue Steamboat Willie:

El primer largometraje fue Blancanieves y los 7 enanitos, la primera serie consolidada Los Picapiedras, el primer corto animado a computadora fue Las Aventuras de Andre y Wally B y el primer largometraje animado a compu fue Toy Story.

Muchas veces se confunde la animación con un género pero como ya se dijo con anterioridad, es una técnica que se presenta de diferentes tipos: -Dibujo Animado                                -Rotoscopía -Stop Motion                                      -Animación por recortes -Pixelación                                         -Animación 3D

Algunos animadores conocidos son: Tim Burton Matt Groening Domee Shi Max Porter Sin contra grandes compañías como Disney y Pixar, Dreamworks o Warner Bros.

Creo que estos temas fueron entretenidos y ayudan a conocer mejor esta técnica que vemos casi todos los días a nuestro alrededor. Me divertí mucho hablando de ellos, sobre todo porque soy admiradora del trabajo de Disney. Siempre me sorprendo al ver todo el trabajo que se llevan los animadores pero ahora me sorprendí más al conocer los grabados que se hacían en mi país hace varios años. 

Referencias: Leopoldo: https://blog.seccionamarilla.com.mx/eventos/estampa-y-lucha-taller-de-grafica-popular/

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Periferias de la modernidad: Identidades en contienda

Esta clase empezó hablando del Male Gaze que es en pocas palabras “la acción de presentar a la mujer desde una perspectiva heteronormativa”, o sea como objeto de placer para el hombre. Así es como nos compartió una compañera el pensamiento de Laura Mulvey que también decía que esta perspectiva se divide en 3:  1. La de la persona detrás de la cámara 2. Los personajes dentro de la representación 3. La Audiencia

Para entender estas perspectivas aprendimos que tenemos que identificar siempre quien tiene agencia y quien no, o sea, identificar quien es el objeto, quien es el sujeto y quien tiene el poder, este se puede buscar clasificando quien mira o es consumidor visual y quien es el ser mirado, el objeto de consumo.

Un término usado fue corpopolítica que hace referencia al tipo de poder que afecta la corporalidad y subjetividad, esto lo hacen dictando lo que es normal a la hora de vestir, como uno se tiene que ver, cual es la sexualidad aprobada y la intimidad que uno tiene que manejar. Es la manera en que construimos y disciplinamos al cuerpo de acuerdo a la ‘normalidad’ que se dicta. 

Durante estos temas en clase hablamos del feminismo, de la comunidad queer y las masculinidades, fueron clases muy extensas y enriquecedoras que después conectamos con el Neomexicanismo. 

Este surge en los años 80 desde la cultura popular, urbana y rural. Con influencia del neo-expresionismo, se apropia de lo mexicano usando sus colores brillantes y el nacionalismo para contraponerse al minimalismo. 

Para ellos el cuerpo es importante y subvierten lo que se espera de él, el cuerpo se vuelve una figura importante. 

Surge el término Kitsh para describir lo pop o mainstream entre los pueblos marginados. 

Algunos artistas que lo trabajaban eran: Julio Galán Dulce María Nuñez Javier de la Garza Nahum B. Zenil

Esta es una obra de Javier de la Garza de 1991 titulada Llorar y Suspirar (Retrato de Astrid Hadad)

Este es Julio Galán, Me Quiero Morir, 1985.

Otra identidad que se rebela de las percepciones de las que está atado son las diferentes culturas colonizadas. Hablemos del Postcolonialismo.

Los conquistadores de cualquier país por mucho tiempo fueron los que retrataban las culturas a las que llegaban, creando prejuicios e imágenes difíciles de borrar que muchas veces ni siquiera reflejaban la realidad. Debido a estas relaciones tan disparejas, los conquistadores terminaron reduciendo a sus conquistados a una homogeneidad que aún en la actualidad vemos y creemos. 

El postcolonialismo se refiere a la producción estética que responde a las consecuencias de esta colonización económica y cultural de países de Occidente sobre el resto del mundo. Estas culturas conquistadas buscan pintar su propia imagen e identidad, luchando con la ya estereotipada de Occidente. 

Algunos artistas a los que podemos relacionar con este arte son: Kara Walker El-Anatsui Cildo Meireles

The Rich Soul Down There, Kara Walker 1991

Nunca me había puesto a pensar que en el arte también podía haber este tipo de discriminaciones, se que es un poco ingenuo de mi parte, pero para mí el arte es libre y da la bienvenida a quien sea, sin embargo ahora me doy cuenta de que para que yo como mujer pueda hacer algo en este mundo, miles de mujeres tuvieron que luchar de diferentes maneras para abrirme paso. Esto hace todavía más remarcables las razones por las cuales necesitamos otro tipo de miradas, más creadores y diferentes representaciones, no solo en el cine y la televisión, pero también en las instituciones y altos cargos. 

Es muy importante comenzar a ampliar mis fuentes de consumo y buscar otras voces que muy probablemente no son tan fuertes como las de los hombres blancos pero que son igual de validas e importantes. 

#male gaze #identidades #masculinidades #neomexicanismo #postcolonialismo #Historia del Arte

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Del Arte Pop a la Postmodernidad.

Eso que hacía Andy Warhol... el Arte Pop

En los años 50 y 60 surge en EUA y UK un arte sumamente politizado que usando la critica social, proponía una reflexión en cultura de masas. 

Con enfoques sexuales y de erotismo, una paleta de colores saturada y un nuevo estilo, los representantes del arte pop buscaban resignificar la cotidianidad usando su contexto del momento. Usaban el arte para documentar la realidad que se vivía en cuanto a lo superficial que encontraban de la cultura, a la sociedad de consumo cada vez más presente y a que todo esto de alguna manera limita al arte. 

No usaban muchos recursos plásticos pero se enfocaban sobre todo en lo visual, como películas e imágenes. 

Algunos artistas destacados de este movimiento son: Evelyne Axell                                Richard Hamilton Roy Lichtenstein                           Andy Warhol Tom Wesselmann 

Estas son parte de las obras más conocidas del movimiento, ambas por Andy Warhol. La primera es Latas de sopa Campbell’s de 1962 y la segunda es del Díptico de Marilyn, del mismo años. 

Una de mis obras favoritas del movimiento es la siguiente de Richard Hamilton:

Creada en 1969 y parte de su Study for a Fashion Plate me sirvió de inspiración en la creación de mi proyecto final. 

¿Y que obtienes si pones este arte en esteroides? El Arte Postmoderno

Cuando la cultura de masas empieza a permear el arte después de 1970 comienza una experimentación que resulta en el Arte Postmoderno. Depende del teórico o donde lo leas, pero hay personas que aseguran que la era posmoderna no existe, que aún no llegamos a ella. Sin embargo este tipo de arte tiene su propia voz y requiere de esta denominación. 

Los artistas buscaban la máxima expresión, llevar al arte al límite mezclando diferentes técnicas, referencias a la cultura y combinando lo viejo con lo nuevo. Sus temas iban de lo social a lo político pero siempre llevándolo al extremo. 

Se comienza a ver lo que antes no se exponía como mujeres, hombres negros, homosexuales... y se defiende la diversidad y la vitalidad, se buscaba la diversión asegurando que “menos es aburrimiento”. 

Este es un ejemplo creado por A. R. Penck llamado Los Valientes Duermen Solos.

Algunos otros artistas de este movimiento son: Damien Hirst                             Richard Prince Cai Guo-Quiang                       Judy Chicago Charles Moore                          Philippe Starck Ai Weiwei, de quien es la siguiente obra:

Ésta se titula Sunflower Seeds y fue presentada en 2010, las semillas presentadas son de porcelana hechas en un taller en China.

Estos dos movimientos me acercan todavía más a comprender el arte en la actualidad, veo de donde viene esta critica social sobre lo que consumimos y como hay temas que se llevan al límite. Son temas que disfruté mucho conocer y, aunque ya sabía un poco del Arte Pop, aprendí demasiado sobre ellos. Me gusta que el arte de vaya “relajando” un poco y den más espacio a la libertad y diversión, alejándose de lo estricto y “apretado” que se veía con anterioridad. No digo que antes estuviera mal ni mucho menos, sólo que para alguien a quien le cuesta la técnica, este tipo de trabajos son un buen escape de las reglas asfixiantes que muchas veces los desaniman a continuar. 

Referencias: Pop Art: https://historia-arte.com/movimientos/pop-art Los Valientes: http://losvalientesduermensolos.blogspot.com/2012/04/standart-vi-1986-de.html Sunflower Seed: https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/unilever-series/unilever-series-ai-weiwei-sunflower-seeds

#arte pop #por art #andy warhol #ai weiwei #Arte postmoderno #Historia del Arte

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Hablemos del Minimalismo

Creo que la mayoría, al escuchar la palabra minimalismo, pensamos en un espacio blanco, espacioso y con pocos objetos decorando, ya sea una casa, oficina o habitación. 

Bueno, no estamos muy perdidos al querer relacionar esto con el arte. El minimalismo surge como movimiento a finales de 1960 en Nueva York, EEUU. Sus principios se revelan contra el subjetivismo del expresionismo abstracto mediante la búsqueda de la esencia de la obra, separándola del artista. Trabajaban con materiales prefabricados y buscaban una interacción con su entorno inmediato. Una de las disciplinas que más destacan en este movimiento es la escultura que se caracterizaba por jugar con la geometría y en general rechazaban todo lo que fuera narrativo.

Algunos artistas que destacan en este movimiento son: Frank Stella Robert Morris Dav Flavin Jonas Judd

Esta es una obra de Robert Morris de 1965 titulada L-Beams

Este es Donald Judd, 1987, sin título 

Toda mi vida me preguntaba que quería decir el minismalismo, que significado tan profundo le tenían los artistas. Todo quedó contestado cuando en la clase mencionaron una frase de Frank Stella: “Lo que ves es lo que ves”, que creo que describe muy bien el movimiento y dejas de preguntar el ¿qué mas?  Lo que hay es lo que ves, no tienen una narrativa oculta y eso me gusta. Siempre se me ha hecho extraño que a los humanos nos encante siempre preguntar el porqué. Se me hace un tema interesante y de fácil apropiación en proyectos que pueda hacer en un futuro. 

Referencia obras: L-Beams: https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/minimalism-earthworks/a/robert-morris-untitled-l-beams Donald: https://www.artbasel.com/catalog/artwork/55040/Donald-Judd-Untitled-Studer-87-18

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Foto de apropiación del Arte Pop en el maquillaje

Por mi, Gaby Azpeitia

Noviembre 2018

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El movimiento de Ruptura y la Escuela Oaxaqueña de Pintura.

Regresemos un poco a la época del Muralismo Mexicano y hablemos de La Generación de la Ruptura.

Este movimiento surge en los 50 como oposición a la escuela mexicana de pintura, este grupo estaba harto de la revolución y que fuera lo único que se pintaba, odiaban que el muralismo se hubiera politizado e institucionalizado y buscaban que México también se incluyera en las vanguardias Europeas. 

El nombre se los da Teresa del Conde para describirlos como rebeldes, trabajan entre lo figurativo y no de una manera más plástica que narrativa. Es aquí cuando se consolida lo que conocemos como la paleta de colores “mexicanos” y por lo general lo encontramos dividido en dos: Neofigurativo y Abstracto.

Algunos artistas destacados que trabajaban con arte Neofigurativo son:  Alberto Gironella José Luis Cuevas Francisco Corzas, autor de la siguiente obra sin título:

Esta litografía de 1980 pertenece a la una serie de Carmina Burana.

Algunos artistas que trabajaban lo Abstracto: Lilia Carrillo Enrique Echeverría 

Esta es una obra de Manuel Felguérez se titula Vuelo Espacial y tiene fecha de 1959. 

Una de las influencias más notorias en este movimiento es el Expresionismo Abstracto.

Por el mismo tiempo surgió la Escuela Oaxaqueña de Pintura.

Esta se caracteriza por buscar la mexicaneidad desde el presente y no desde generaciones que ya no están, como los personajes en los que se inspiraba mucho el muralismo. Por ejemplo, Toledo pintaba el mundo indígena vivo, no los hombres que se paseaban en tiempos de la conquista todos fuertes y majestuosos. 

Otras características son sus personajes geometrizados, la abstracción de colores y texturas, los medios tonos y los objetos que retrata: frutas, animales, flores y personas. 

Algunos artistas de este movimiento son Justina Fuentes, Rodolfo Morales, Rufino Tamayo y Francisco Toledo. 

Lotería de Justina Fuentes

Estos movimientos fueron importantes para mi ya que me ayudaron a comprender de mejor manera el arte que se hace en mi país. Fue muy interesante ver de donde viene ese estilo con el que se pinta tan seguido por artistas mexicanos y ver que todo tiene razón de ser me encanta. Creo que es importante conocer estas raíces y me siento más informada, lo cuál por alguna razón me hace feliz y querer visitar muchas galerías y museos pequeños para estudiar estas características en pinturas que se estén produciendo este año. 

Referencias de las obras: De Francisco Corzas: http://www.museodeartecarrillogil.com/coleccion/artistas-de-la-coleccion/francisco-corzas Vuelo Espacial: https://algarabia.com/algarabia-127/generacion-de-ruptura/

#Generación de la ruptura #escuela oaxaqueña de pintura #artes plásticas mexicanas #Historia del Arte

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Intervención y participación: de La Internacional Situacionista y Fluxus al arte participativo

¿Qué fue La Internacional Situacionista?

Un movimiento más revolucionista que buscaba acabar con las clases sociales. Surge en 1957 en Italia y a la par de varios movimientos más. Se caracteriza por la fusión de artistas e intelectuales (entre ellos teóricos y escritores)  que se basaban en las ideas de Marx para crear/construir situaciones para modificar, por ejemplo la comercialización del arte.

Creían que al cambiar su entorno podían cambiar la vida (psicogeografía) y que al apropiarse del arte existente podían cambiarlo todo totalmente. 

Uno de sus fundadores fue Pinot Gallizio quien hizo la siguiente obra titulada Industrial Painting en 1958:

Con ella buscaba criticar el comercio del arte asimilando una venta de pintura por metro.  (Imagen de la página del Tate)

Ahora... Fluxus

Inspirado en las ideas de Duchamp, en John Cage, la irracionalidad y el caos, Fluxus fue un movimiento que buscaba fusionar el arte con la vida cotidiana, recuperar la belleza de la vida, los valores de la experiencia humana y disfrutar las pequeñas acciones de la vida cotidiana. 

Se caracterizó por ser un movimiento multidisciplinario contando con grandes obras de videoarte y performance. Buscaban un arte más divertido, menos profesional, más inclusivo, simple y nada pretencioso. De nuevo criticaban la manera de comercialización del arte y decía que este también puede ser producido en masa para todos y por todos. 

Algunos artistas destacados del movimiento son Nam June Paik, el padre del videoarte, Charlotte Moorman, Yoko Ono y Alison Knowles. 

Esta es una obra de Ben Vautier titulada Total Art Match-Box presentada en 1965.

Instalación/Happening de Allan Kaprow, 1961. Título: Yard.

Creo que estos son temas interesantes que nos recuerdan que cualquier cosa puede ser arte, que el arte puede ser teorizado y no necesariamente aburrido y profesional, nos muestran que también puede ser divertido, parecer espontáneo y referir a la vida cotidiana. De estos dos movimientos me gustó especialmente Fluxus por su forma de trabajar y la diversión que muchas veces refleja, además lo que parece su lema que es “fluir”, creo que es un movimiento que puede tomarse como referencia en repetidas ocasiones.  

Referencias de las obras: Industrial Painting: https://www.tate.org.uk/art/artworks/gallizio-industrial-painting-t14249 Total Art Match-Box:  https://www.harvardartmuseums.org/collections/object/10961?position=8 Yard: http://proyectoidis.org/allan-kaprow/

#la internacional situacionista #fluxus #Historia del Arte

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Sueño surrealista de Emilio: La Ballena Rosa

Foto de apropiación

Gaby Azpeitia

5/nov/2018

Guayabitos, Nay

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El cuerpo como materia prima - El performance

A partir de la segunda mitad del siglo XX, el artista, buscando nuevos lenguajes y espacios para mostrar su trabajo, decide usar su cuerpo como objeto de expresión.

Vinculado fuertemente con movimientos feministas e inspirado en vanguardias rusas y movimientos como el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo y la bauhaus, nacen los happenings que retoman problemáticas como el sexismo, las guerras, el racismo, el sida y más. 

Muchas veces los artistas involucran al espectador en sus proyectos que en su mayoría son interdiciplinarios. Algunos representantes son:

Marina Abramovic 

Rest Energy, 1980

Tania Bruguera

Sin título, 2000

En mi opinión, este tipo de arte es muy poderoso y muy interesante. En ocasiones se me hace muy fuerte, sobre todo cuando el cuerpo se expone de manera vulnerable, pero siento que esto le da el impulso que necesita para llevar el mensaje hasta los oídos y ojos de los espectadores. Es un tipo de arte que me gustaría explorar más a fondo y que me gustaría ver en vivo alguna vez en la vida. Creo que es muy importante el impacto que tiene política y socialmente en la actualidad y cómo crea conciencia de temas importantes. 

#performance #Historia del Arte

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Hablemos de Picasso

... y el Cubismo

Para ponernos en contexto, recordemos que la última vez hablamos de la fotografía documental y el fotoperiodismo, aquí es donde nos situaremos para entender este movimiento, el momento del siglo donde la fotografía era considerada una herramienta más fiel en la representación que la pintura. También es el tiempo del Surrealismo y el psicoanálisis estaba en voga. Además de estas tendencias que ya habíamos visto, se empiezan a escuchar diferentes teorías y a practicar otras disciplinas como la geometría, con la que se demuestra el interés por la 4ta dimensión -el tiempo-. 

Desde que se presentó el Salón de los Rechazados, se rompieron diferentes esquemas que se tenían en la antigüedad y que se tomaron también como base en este movimiento, entre ellos: -Se rompe la pintura figurativa -Muere la perspectiva simple y surge la multiple en un mismo plano -Representan las cosas no como se ven, sino lo que se sabe de ellas -No hay punto de vista único ni profundidad -No importan los detalles -Exploración de color, empiezan a ser monocromáticos y neutros

El termino cubismo fue utilizado por primera vez en una critica que hizo Louis Vauxcelle describiendo el trabajo de Braque que parece formado por cubitos. 

Es así como se llega a las obras que se caracterizan por la geometrización de las formas y la deconstrucción de figuras. 

Algunos artistas representantes del movimiento son:

María Blanchard 

Mujer con abanico, 1916

Juan Gris

Bodegón con persiana, 1914

Y obviamente, Pablo Picasso 

La mujer que llora, 1937

Picasso es importante en el movimiento por todas sus aportaciones y experimentos que realizó, además de ser un hombre talentoso que  pintó más de dos mil obras, comenzando desde pequeño donde ya pintaba como Velázquez. 

Al movimiento lo podemos dividir en dos etapas: -El cubismo analítico o hermético: que se basa en la desarticulación de elementos y distribuirlos en un juego de planos. Trabaja monocromáticamente con gris y sepia. -El cubismo sintético: Integra distintos elementos como un collage, se amplia la paleta de colores y sintetiza objetos y sus planos en un solo cuadro.

Mi conclusión de este movimiento, que nunca había entendido, es que después de analizarlo y conocer a Picasso, es interesante. Siento que es necesario investigar antes de saltar a conclusiones y juicios negativos, porque una vez que entiendes la visión que quieren plasmar y analizar, tiene sentido la manera en que pintan sus cuadros. Debo admitir que me gustaron algunos trabajos que vimos en clase y entiendo de una mejor manera el movimiento en general. 

#cubismo #Historia del Arte #picasso

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Fotodocumental y Fotoperiodismo

Cotidianidad, territorio y movimiento

Para este tema la maestra invitó a Lalis Jiménez, que es fotógrafa, a dar la clase. Empezamos con un poco de historia y nos ubicamos en la guerra de Crimea donde se pueden ver las primeras fotos del fotoperiodismo. Aprendimos que al inicio este tipo de fotografía era solo usada como registro, sobre todo por que las cámaras no eran fáciles de transportar. Cuando en el siglo XX cambia la tecnología, la fotografía se torna humanista y se empieza a ver el hombre como tema principal, se le da un nuevo valor. Una de las primeras preguntas que se hacía en estos momentos era ¿qué poder tiene la fotografía para cambiar realidades? Así llegamos al fotodocumental, que no es mero registro y que requiere un proceso de reflexión y creación mucho más complejo y profundo que un simple encargo de periodismo. 

La clase la pasamos viendo fotos y unas de mis favoritas son las tomadas por Lewis Hine en la Isla Ellis tomadas de migrantes llegando a EEUU:

Y más en el tema documental...

Fotos de Nan Goldin, ella decía “la cámara es parte de mi vida”

Este fue un buen tema que me dejó muchas cosas, sobre todo una nueva visión a este tipo de fotografía que siempre había creído “aburrida”. Esto porque nunca había concebido los dos tipos de fotografía como algo diferente entre sí, siempre había pensado en ellas como fotoperiodismo: un simple registro de una perspectiva singular. Sin embargo, después de escuchar a Lalis, puedo comprender lo que lo separa del documental y porque lo hace tan fascinante, es muy interesante conocer los procesos que se llevan a cabo en las tomas de estas fotografías y profundizar en el trasfondo de las imágenes y las vidas de sus autores, enseñan una manera importante de analizar una obra para así llegar a una mejor comprensión a la realidad ahí planteada. 

#fotoperiodismo #fotodocumental #Historia del Arte #Nan goldin #lewis hine

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Casa ITESO Clavijero

El pasado 22 de septiembre nos vimos en Chapu, más específicamente en el número #2083 de la calle José Guadalupe Zuno, en una de las casas construidas por Luis Barragán: Casa Clavijero

Temprano empezamos el recorrido guiado por un arquitecto que nos llevó a conocer la casa de arriba a abajo. En las horas que estuvimos ahí aprendí y comprendí la manera en la que trabajaba Barragán y cuales eran las lógicas que seguía. Lo que más me gustó de todo lo que vimos, fue su manera de trabajar los espacios, colores, atmósferas y situaciones. Por ejemplo, el hecho de que la naturaleza fuera importante y que los jardines tuvieran tanto protagonismo, su manera de conceder frescura a la casa con el acomodo de las dos fuentes a los extremos del pasillo principal, las ventanas y su manera de dejar pasar la luz o los espacios tan bien ubicados. Otro aspecto interesante es el porqué de las cosas, no hay nada que este ahí por el simple hecho de “ser bonito”, que las tejas tengan el efecto avidreado, que la fuente sea de un color reflejante para hacer un espejo, los desniveles y los árboles que los adornan, el hecho de que la biblioteca este arriba como en los monasterios o que los materiales sean los adecuados al ambiente, nada esta dejado al azar. 

La atmósfera que se siente, la tranquilidad del jardín, todo esta pensado y bien construido, dejando la sensación de paz y armonía cuando se visita hicieron que quiera mandar construir una casa parecida para vivir en la ciudad en un futuro, especialmente por el diseño que se ve muy mexicano y regional, diseño perdido últimamente y que siento que debe regresar “a la moda”. Todo eso rematado con el color amarillo que es mi favorito.

(Fotografías tomadas de google)      

#luis barragan #Casa iteso clavijero #Guadalajara #Historia del Arte

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La mirada del subconsciente: Surrealismo y el arte de lo abyecto

Freud, perdón, Surrealismo

Según la definición de Guillaume Apollinaire, esto es algo que sobrepasa la realidad. El movimiento es iniciado por André Breton en 1924 con El primer manifiesto del surrealismo, convirtiendo este en uno de los movimientos más populares del siglo XX. Él lo explicaba como un “pensamiento expresado en ausencia de cualquier tipo de control ejercido por la razón y fuera de toda consideración moral y estética”. 

Este movimiento esta inspirado en el psicoanálisis de Freud, el marxismo de Trotsky, poetas como el Comte de Lautréamont y Arthur Rimbaud. Busca eliminar los límites del consciente-subconsciente y la percepción de la realidad, además de eliminar los límites de la lógica y la razón. Se toman técnicas dadaístas y durante este periodo se cambia históricamente la figura del crítico del arte.

Algunos de los recursos creativos que utiliza son: -El subconsciente, los sueños, las teorías freudianas sobre lo reprimido -El miedo, los fetiches, el misterio, lo oculto -Hacer de lo familiar lo extraño -Experimentos con dibujos y escritura automática -Yuxtaposiciones extrañas -La hembra devoradora -Temor a las máquinas -La flexibilidad en los límites de genero, entre humanos y animales, realidad y fantasía.

Algunos artistas del movimiento son Joan Miró, Luis Buñuel, Salvador Dalí.

La persistencia de la memoria, Salvador Dalí

Mujeres como Leonora Carrington, Dorothea Tanning, Leonor Fini, aquí un ejemplo de Leonora:

Around Wall Street or portrait of Pablo in NY

En México también hubo surrealismo y se dividió en 3 etapas, la primera enfocada en pintura fantástica, la segunda que entra con una exposición de Breton en la CDMX y la tercera que comenzó después del fracaso del pensamiento ortodoxo. Según Breton, algunos artistas surrealistas fueron Manuel Álvarez Bravo, Roberto Montenegro, Moreno Villa, Frida Kahlo y Siqueiros, estos últimos dos se negaron a ser incluidos en el movimiento asegurando que sus obras no tenían esas características.

Incluso hubo otros artistas ya mencionados que hicieron mucho de su trabajo en nuestro país, entre ellos Buñuel y Leonora Carrington, una obra importante a mencionar es el Castillo Surrealista de Edward James:

Hablemos de lo raro... Lo abyecto

El término viene de el inglés The uncanny que se traduce a lo raro o lo extraño. Usando los Ensayos sobre la abyección de Julia Kristeva, entendemos esto como “el desprendimiento y la expulsión para la construcción del yo”, entre estas expulsiones se encuentra la caca, la orina y el vómito. También habla del papel de la madre y su ‘humanidad’ y vulnerabilidad al dar a luz. Según ella, lo abyecto es lo que antecede al sujeto y su formación por oposición. Hay 3 fases constitutivas del sujeto que son 3 ordenes de lo abyecto: Lo oral, lo anal y lo genital.

Este movimiento representa la  transgresión, el cruce de umbrales y límites y la perturbación del orden simbólico. Se busca la sublimación de lo abyecto y cuestionar los conceptos de belleza, juicio y orden. 

Retratan lo que sobra en la sociedad, lo que nos incomoda, lo que expulsamos. 

Algunos expositores de este movimiento son Kiki Smith, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Jake y Dino Champman.

Sirens, Kiki Smith (2007)

Gemelas idénticas, Diane Arbus 

Estos temas no fueron de mi completo agrado en clase, sobre todo el arte de lo abyecto, es un tema interesante, sí, porque nunca había pensado que este tipo de objetos y temas podían ser considerados arte pero de nuevo mueven mi perspectiva del mismo. Ahora lo entiendo pero eso no quiere decir que me guste o me vaya a gustar. En cuanto al surrealismo, creo que maneja temas que antes no se habían explorado y se siente una cierta libertad en la manera de pintar, o más bien las reglas que romper. Me gusta aprender un poco de todo y me emociona que más podemos ver de esta línea. 

#Historia del Arte #surrealism #Arte abyecto #Diane Arbus #Salvador Dali #Kiki Smith #Edward James