isskustvoved

[isskustvoved]

«Музыка в Тюильри» Эдуарда Мане: почему это шедевр импрессионизма

За “Музыку в Тюильри” Эдуарда Мане (1832-1883) критиковали нещадно. Ещё бы! Как можно размещать так близко фигуры, словно морковки на плохо прополотой грядке!

Зачем героинь одевать в одинаковую одежду и слеплять их, словно сиамских близнецов?

И вообще, что это за странное расплывчатое пятно прямо в центре картины! Это что, женщины сидят?

Примерно так думали современники Мане. Они, конечно, и в страшном сне не могли представить, что эта картина будет признана шедевром.

Что же так возмущало публику в далеком 1863 году? И что так восхищает искусствоведов всего мира в наши дни?

Две дамы в бежевом

Эдуард Мане запечатлел своих сограждан в субботний день в саду Тюильри. Так проводили свой досуг парижане. Слушали музыку, вели беседы. Кто – стоя, кто – на стульях.

Здесь мы видим и самого художника (крайний справа). А также его родителей, будущую жену с их ребёнком. И немало друзей: художников, композиторов, писателей.

Эдуард Мане. Музыка в Тюильри. 1862. Лондонская национальная галерея. Wikimedia Commons.

Для нас это вполне обычное дело – создать картину на такой будничный сюжет. Но для парижан того времени это было откровением!

Они были уверены, что в толпе нет ничего занимательного. И если уж создавать картину с множеством фигур, то вот такую.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

И пусть у Кутюра римлян много, но каждый из них изображен эффектно и красиво.

А что же у Мане? Мало того, что сюжет вполне будничный. Так ещё и герои его со странностями.

Две дамы приехали в сад в похожей одежде. Сели рядом. Да так, что неприлично сливаются. Даже если близко смотреть, сложно понять, где чей силуэт.

Что ж, Мане исходил из реального восприятия. Такое бывает: женщины одеваются похоже. И если они сядут рядом, то сольются.

Зачем искусственно их отделять друг от друга? Или умышленно выкрашивать дорожный плащ одной из них в другой цвет? Лишь бы соответствовать академическим канонам? Нет, Мане был за жизненность.

Необычный центр картины

А теперь посмотрим в центр картины. К нам боком стоит брат художника, Эжен Мане. А перед ним и чуть позади — очень расплывчатые формы. Как будто изображение сильно выпало из фокуса.

Тем самым мастер хочет продемонстрировать реальное восприятие происходящего. Когда мы смотрим на что-то или кого-то, объекты, находящиеся рядом, оказываются вне фокуса, расплываются. Мы не видим все сразу вокруг себя четко.

Так почему же на картине все должно быть четким, раз это противоречит особенности нашего зрения? Так подумал Мане. И написал свою будущую жену Сюзанну очень широкими, намеренно небрежными мазками. Даже стул стал расплывчатым.

А рядом с ней точно в таком же ключе он изобразил свою мать и сына.

Жизненность Мане

Эдуард Мане явно был против театральности композиции. Если уж люди разговаривают, то зачем располагать их на значительном расстоянии? Чтобы зрителю было удобно рассмотреть каждого? Пусть будет жизненно до конца.

И на маленьком участке холста Мане расположил аж пять фигур!

Они накладываются друг на друга. Что ж, так в реальности мы их и будем видеть своим периферийным зрением.

Эдуард Мане наивно ожидал одобрения его живописных экспериментов. Он думал, что все сразу оценят его новаторство. “Ведь все так очевидно, – думал он. – Я же пишу так, как мы видим на самом деле!”

Конечно, не оценили. Люди по-прежнему ждали театра, благородной красоты и аккуратности.

А тут такая небрежность, нагромождение фигур и вообще странная композиция с расплывчатыми фигурами в центре!

Мы же ценим «Музыку Тюильри» за ее передачу впечатления от гудящей и пестрой толпы. И восторгаемся новаторством мастера. Ведь именно его можно назвать первым импрессионистом. 

Я всегда поражалась тому, что он не сдался после этого. Он был амбициозен и искренне стремился к славе. А тут не то что признания не случилось! Поддержали лишь несколько друзей. Остальные же только критиковали.

Другой на его месте отрёкся бы от своего пути. Пошёл и написал бы «Римлян в саду».

Но нет, продолжая ждать признания, он напишет и «Олимпию», и «Завтрак на траве», и многие другие шедевры. И в них также будет та самая… жизненность.

[isskustvoved]

Завтрак на траве. Как Эдуард Мане придумал современное искусство

В 1863 году Эдуард Мане пережил двойное поражение. Сначала его работу «Завтрак на траве» не приняли в Парижский салон. А это была главная выставка, на которой можно было показать публике свои работы.

Но в тот год отказали многим. Поэтому император Наполеон III приказал организовать выставку для таких работ. Но даже там, среди «Отверженных» картина «Завтрак на траве» была воспринята, как главное недоразумение выставки.

Современному зрителю сложно понять, что же так всех раздражало в этой картине в далеком 1863 году. Разберёмся.

Сюжет

На переднем плане сидит обнаженная девушка, сбросившая своё платье для купания. Рядом с ней сидят двое одетых мужчин и о чем-то разговаривают. На заднем плане другая девушка моется в нижней сорочке.

Кажется, что Мане ничего особенного и не придумал. Ведь он копирует позы трёх божеств с гравюры, сделанной с утерянной картины Рафаэля.

Слева: Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж. Справа: Маркантонио Раймонди. Суд Париса (фрагмент гравюры). 1514-1518. Британский музей, Лондон. Wikimedia Commons.

Однако Мане нарушил очень важное правило академической живописи. Обнаженными на полотнах могли быть только божества или античные герои.

А тут художник изобразил своих современников, парижан. Обнаженная рыжеволосая девушка — это Викторина Мёран, натурщица и муза художников. Она потом сама станет художником.

Мужчины — это родной брат Эдуарда Мане и брат его жены. Купальщица – супруга Эмиля Золя (предположительно), писателя и друга художника.

Для публики это было возмутительно, ведь персонажи картины играли НЕ богов или исторических персонажей. Они играли… жителей Парижа, которые порой вот так развлекаются с девушками легкого поведения.

Мане словно выставил на показ грязное белье общества! Конечно, всем было неловко. И как результат — всплеск агрессивных нападок на художника.

Так описывает реакцию публики Эмиль Золя: «Мне кажется, будто посреди улицы я встретил ватагу мальчишек, швыряющих камни в спину Эдуарду Мане…»

Обнаженная натура

Обнаженную натуру академисты писали для услады глаз. Поэтому героиня без одежды очень редко смотрела на зрителя. Ведь она изображена для того, чтобы ее разглядывали. Нечего смущать смотрящего! 

Жан Огюст Доминик Энгр. Одалиска с рабыней. 1840. Гарвардский художественный музей, США. Wikimedia Commons.

Но иногда все же девушки глядели в глаза зрителя с полотен. Но это почти всегда были взгляды томные и соблазняющие.

Александр Кабанель. Рождение Венеры. 1864. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

В то время, как героиня Мане смотрит на зрителя совсем по-другому! Уверенно и спокойно. Она не пытается соблазнять. И тем более она не похожа на обиженную судьбой девушку. С таким же взглядом ее вполне можно представить в красивом платье на светском рауте.

Такое поведение и раздражало публику. Ведь она себя ведёт непозволительно! Нагая девица, обслуживающая прихоти городских денди, должна иметь другой взгляд!

Композиция

Публику раздражал не только сюжет и нестандартное НЮ.

Эдуард Мане очень нетривиально построил и композицию картины. То есть было много вопросов и к тому, как художник расположил на полотне персонажей.

Начнём с того, что изначально Мане назвал свою картину «Купальщица». То есть девушка на заднем плане вроде как главная героиня!

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Это уже странно, так как на переднем плане есть группа людей. А по правилам академической живописи ближе всего к зрителю располагается как раз главный герой. Как минимум, он выделен цветом или размером, чтобы все остальные фигуры воспринимались второстепенными.

Но все же были исключения. Ещё в Эпоху Возрождения Пьеро делла Франческа изобразил Христа на заднем фоне. Его там бичуют! В то время как на переднем плане как ни в чем не бывало общаются горожане.

Пьеро делла Франческа. Бичевание Христа. 1455-1460. Национальная галерея Марке, Урбино, Италия. Wikimedia Commons.

Но публика все равно такого расположения главной героини Мане не поняла. Поэтому художник впоследствии переименовал картину. И знаем мы ее исключительно по названию «Завтрак на траве».

Ещё обратите внимание, как странно расположена фигура купальщицы. Она опустила руку в воду, но создаётся странная иллюзия. Как будто она сейчас схватит палец мужчины, сидящего на переднем плане.

Вообще, при построении композиции художники всегда стараются избегать вот таких неловких иллюзий. И академист бы переместил купальщицу вбок, чтобы не было этой странности.

Но Мане намеренно делает именно так. Зачем?

Потому что он был ЗА жизненность. Ведь в реальности такие странности возникают сплошь и рядом! Зачем непременно все делать идеально?

Перспектива

Нам сразу бросается в глаза, что купальщица на дальнем плане слишком большая. Она даже больше лодки, которая находится неподалёку от неё!

Академист сделал бы фигуру меньше, в соответствии с законом линейной перспективы.

Мане же пошёл намеренно на увеличение фигуры. Помните, он даже назвал картину «Купальщица», подчеркивая важную роль женщины. И было бы странно изобразить ее мелко, пусть и на заднем плане.

Тот же Пьеро делла Франческа также изобразил Христа и его мучителей довольно крупными. Настолько, что помещение кажется слишком маленьким.

Пьеро делла Франческа. Бичевание Христа. 1455-1460. Национальная галерея Марке, Урбино, Италия. Wikimedia Commons.

К тому же на Мане оказали влияние работы японских мастеров. Как раз в начале XIX века Япония возобновила торговлю с Европой. И в Париже стали появляться гравюры восточных художников.

В этих работах мастера строили пространство несколько иначе. Разные сцены ��омещались рядом друг с другом, как в коллаже. То есть там вообще нет понятия переднего и заднего фона. И фигуры на таких работах примерно одного размера.

Кано Мицунобу. Сцены из жизни императора Мин Хуана и его любимой наложницы, Ян Гуйфэй. Конец XVI века. Национальный музей азиатского искусства в Вашингтоне. Asia.si.edu.

В общем-то купальщица Мане очень близка по размеру к сидящей женщине.

Также художник нарушил ещё одно правило перспективы. Чтобы подчеркнуть глубину пространства, академист использовал для переднего плана тёплые оттенки краски. А для заднего — холодные.

Так это сделал и Джорджоне в своём «Сельском концерте».

Джорджоне. Сельский концерт. 1510-1511. Лувр, Париж. Painteropedia.ru.

На переднем плане мы видим тёплые охристые, бежевые и красные оттенки. А задний план написан с использованием холодных серых и голубых оттенков.

А вот Мане делает все чуть ли не наоборот! На переднем плане — большое холодное пятно голубого платья. А вот на дальнем — горят тёплые охристые оттенки лодки и растительности.

Кстати, именно в «Сельском концерте» Мане почерпнул идею изобразить одетых мужчин рядом с обнаженными женщинами. Правда у Джорджоне это музы. Тогда как у Мане женщины реальны.

Но вернёмся к цвету. Смотрите, даже кожа у муз Джорджоне тёплых оттенков. В то время как героиня Мане — обладательница очень белой кожи холодного оттенка. Что в принципе соответствовало реальности. Мёран была рыжеволосой, с типичной для таких людей белой и тонкой кожей.

Светотень

Давайте ещё раз сравним обнаженные тела женщин на картинах Джорджоне и Мане.

При таком близком сравнении мы сразу видим особенности светотени.

Тело музы имеет выраженную светотень, за счет перехода от темных оттенков к более светлым. Так художник создаёт иллюзию объема и веса.

Мане же избегает такой светотени. Да, тени мы видим на теле (в области живота, под коленом). То есть мы понимаем, что оно объемно.

Но бОльшая часть тела написана почти одним цветом. При этом героиня реалистична! Нет ощущения, что девушка вырезана из бумаги и наклеена на фон. Так в чем секрет?

Мане очень стремился к реализму. И показал то, как ведёт себя прямой свет в реальности, когда освещает человека. В этом случае светотень почти не образуется на теле.

А вот как раз у академистов освещение не очень реалистично. Чтобы на теле появилась такая светотень как у Джорджоне, важны особые условия. Между источником света и героем должно быть какое-то препятствие. Но на природе, где света много, такого рассеянного света на самом деле сложно достичь.

Мазки краски

Критики также были возмущены тем, что Мане оставил все мазки видимыми. При этом они широкие, размашистые.

Особенно это касается фона. Это совершенно не соответствовало представлениям людей о том, как должна выглядеть картина.

Вот к такой проработке деталей привыкли зрители. Каждый мазок спрятан, и все гладко и аккуратно, как у того же Энгра.

Мане же многие детали игнорирует. Деревья, трава, вода и вовсе образуют скорее единое пространство, когда одно перетекает в другое.

Но художник все же некоторые детали прорисовывает. Например, летящего снегиря в верхней части картины.

Мане пытался передать особенности нашего зрения. Что-то в фокусе, а что-то нет. Мы не можем видеть все одновременно четко. И в этом тоже на самом деле гораздо больше реализма, чем в работах рафинированных и аккуратных академистов.

В заключение

Итак, мы посмотрели на противоборство двух противников.

С одной стороны – академическая живопись. Это так называемое классическое (на тот момент) искусство, которое создаётся с помощью определенных техник и приемов. Они были одобрены и преподавались в художественных академиях. Отсюда такое название: академическая живопись.

С другой стороны баррикад — Эдуард Мане, который сам обучался в академии и вообще хотел признания в обществе. Но выбрал свой путь и шёл на пересмотр многих техник и приемов. В результате получился «Завтрак на траве».

Так что неспроста Эдуарда Мане считают тем, с кого началось современное искусство, модернизм. Сюда относятся и импрессионизм, и экспрессионизм, и прочие направления и стили живописи.

«Завтрак на траве» — водораздел между старым и новым искусством. Это момент, когда художник отрёкся почти от всех правил академической живописи. И сказал «ДА» возможности экспериментировать и идти своим путём.

[isskustvoved]

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне  (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок”.

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

3. Огюст Ренуар (1841—1919).

Андрей Аллахвердов. Пьер-Огюст Ренуар. 2018. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Импрессионизм — это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia Commons.

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com.

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

4. Эдгар Дега (1834—1917).

Андрей Аллахвердов. Эдгар Дега. 2020. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879. Музей Шелбурн, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

5. Берта Моризо (1841—1895).

Андрей Аллахвердов. Берта Моризо. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

ерта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины — это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903).

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869. Музей д’Орсе, Париж.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873. Музей д’Орсе, Париж.

Самые известные его работы — виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

Камиль Писсарро. Бульвар Монмартр ночью. 1897. Национальная галерея, Лондон.

Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” плавится от горящих фонарей и витрин.

Пространство изображено планетарно. Улица не прямая, а как бы выгибающаяся дугой. Это делает вид обычного бульвара величественным.

[isskustvoved]

XIX век, Франция

Эдуарда Мане (1832-1883 гг.) «Завтрак на траве».

Когда-то, в 1863 году, она висела на выставке рядом с «Венерой» Александра Кабанеля.

Две обнаженные дамы смотрели на зрителей. Одна уверено, другая томно. Только вот зрители реагировали на 

Вверху: Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Внизу: Александр Кабанель. Пробуждение Венеры. 1863.

На выставку прибыл император Наполеон III. Картину Мане он назвал крайне непристойной. А вот "Венера" Кабанеля ему настолько понравилась, что он тут же ее купил.

Нам, современным зрителям, такая реакция кажется абсурдной. Скромно подставляющая бедро девица Мане более непристойна, чем лежащая во весь разворот красотка Кабанеля?

Дело в том, что у нас с Вами давно есть иммунитет к жизненности. А вот у публики XIX века его не было.

Со времен Ренессанса существовало негласное правило: обнаженной может быть только богиня или нимфа. Им положено быть без одежды, поэтому и смотреть на них не возбраняется. Реальных женщин почти никто не "раздевал".

Но Мане сделал невиданное. Мало того, что он "раздел" даму. Он ещё посадил ее рядом с одетыми мужчинами. Именно так парижские денди развлекались с куртизанками.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей Орсе, Париж.

Это была голая правда о жизни буржуа, и зрителям это не понравилось.

Только несколько молодых людей пришли в неописуемый восторг от смелости Мане. Это были будущие импрессионисты: Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега.

Жизненность стала обязательным атрибутом их живописи. Теперь никаких исторических сюжетов и мифов. А только настоящая жизнь их современников или природа, которую они видели каждый день.

Получается, что реальная куртизанка одержала верх над эфемерной богиней :)

Но импрессионисты пошли ещё дальше.

Кто-то из них начал охотиться за мимолетными природными эффектами, как Клод Моне. Для этого ему понадобились размашистые мазки и цветные тени.

Клод Моне. Стог сена на закате близ Живерни. 1891. Музей изящных искусств, Бостон.

Кому-то было интересно уловить необычную позу или жест человека. В этом направлении экспериментировал Эдгар Дега.

Так появились картины, похожие на фотоснимки: часть фигур «срезаны» рамой, а другие и вовсе кажутся случайными.

Эдгар Дега. Балет из оперной ложи. 1884. Художественный музей Филадельфии.

А Ренуар получал удовольствие от того, что ему не надо зацикливаться на сюжетах и можно просто писать девушек.

Он любил растворять их в пространстве, погружая в густой воздух из цвета и света

Пьер-Огюст Ренуар. Купальщица в шляпе, лежащая на траве. 1892. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Импрессионисты во главе с Эдуардом Мане открыли ящик Пандоры.

Оказалось, что необязательно следовать традициям сотни лет подряд. Можно экспериментировать и искать свой путь.

[isskustvoved]

Клятва Горациев: в чем уникальность шедевра Жака-Луи Давида

У Давида не было шансов НЕ прославиться. Он создал такую работу, которая сотрясла мир искусства.

В 1784 году, за 5 лет до Французской революции, он создал «Клятву Горациев». Он написал её для короля Людовика XVI. Но она стала символом бесстрашия революционеров.

Что ее делает настолько уникальной? И почему картина на сюжет из истории римлян, живших в VII веке до нашей эры, так восхищала современников Давида? А главное, с какой стати она будоражит и наши с вами сердца?

Сюжет картины «Клятва Горациев»

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784. Лувр, Париж. Wikimedia Commons

Как обычно бывает с такими картинами, многое становится понятным после изучения сюжета.

Давид взял за основу рассказ древнеримского историка Тита Ливия.

Когда-то, 25 веков до этого, соперничали два города: Рим и Альба-Лонга. Постоянные нападения друг на друга ослабляли их. А при этом у обоих был ещё и внешний враг – варвары.

Поэтому правители городов решили унять гордыню и пришли к соглашению. Пусть битва лучших воинов решит их давний спор. И победителем будет тот, чей воин выживет в схватке.

От Рима были выбраны три брата из семейства Горациев. От Альба-Лонга — три брата из семейства Куриациев. Причём семьи были связаны родственными узами. А братья приходились друг другу кузенами.

И вот Давид изобразил, как братья Горации клянутся своему отцу победить или умереть. Причём этой сцены нет в истории Тита Ливия.

Давид. Клятва Горациев (фрагмент). 1784.

Однако именно эта выдуманная самим Давидом сцена очень точно показывает мировоззрение древних римлян. Долг перед Родиной важнее долга перед семьей. Задача женщины — подчиняться, а мужчины — воевать. Роль Воина важнее роли Мужа и Отца.

Это было на самом деле так. Древнеримские женщины не имели права вмешиваться в такой порядок вещей. И на картине Давида это очень хорошо отражено.

Мужчины-герои. Все их мышцы напряжены. Они стоят и готовы к бою. Их клятва спасти Рим звучит очень громко. И им неважно, что их дети останутся без отцов, жены без мужей, родители без своих сыновей.

Семья в любом случае понесёт потери, серьезные потери. И никто ничего не готов предпринимать. Долг перед Римом важнее.

Мы видим трёх безвольных и страдающих женщин, которые это понимают. Но ничего не могут сделать…

Мать братьев обнимает внуков. Это дети одного из стоящих воинов. Его жена сидит ближе к нам. И она — сестра одного из братьев… Куриациев.

Поэтому речь идёт о предстоящем разрушении двух семей, а не одной. У этой женщины погибнет или брат, или муж. Скорее всего, оба.

Посередине мы видим Камиллу, сестру братьев Горациев. Она помолвлена с одним из братьев Куриациев. И ее горю нет предела. Она тоже потеряет или жениха, или братьев. А может, всех.

Но не думайте, что братья Горации готовы бороться, потому что таков долг и нельзя ослушаться отца. А в глубине души их раздирают сомнения. Они также печалятся о возможном вечном расставании с матерью, женой, сестрой. Их отец просит их поклясться, а сам думает: «Зачем мне все это? Это же мои дети».

Нет. Вся трагедия в том, что нет. Ведь мы знаем продолжение этой истории. Что будет с этими людьми дальше, после этой клятвы…

Битва состоится. В живых останется лишь один из Горациев. Рим ликует: он победил.

Воин возвращается домой. И видит, что его сестра Камилла оплакивает своего погибшего жениха, погибшего из семейства Куриациев. Да, она не смогла сдержать слез. Она любила его. Для неё он важнее Рима.

Брата обуял гнев: как она посмела поставить любовь к человеку выше любви к Риму! И он убил свою сестру.

Фёдор Бруни. Смерть Камиллы, сестры Горация. 1824. Русский музей, Санкт-Петербург. Wikimedia Commons.

Воина решили судить. Но в его защиту выступил отец, чьей дочерью была и Камилла! Он просит суд простить Горация, так как он поставил долг перед Родиной выше любви к сестре. И был прав, убив ее…

Да, иные времена, иные нравы. Но дальше мы поймём, что у нас с ними есть кое-что общее. А пока предлагаю посмотреть, у кого Давид черпал вдохновение и в чем же уникальность его работы.

Кто вдохновлял Жака Луи Давида

Давид противопоставил мужскую силу и боевой дух женской мягкости и привязанности к семье.

Этот очень сильный контраст заложен в самой композиции картины.

Мужская «половина» картины вся выстроена на прямых линиях и острых углах. Мужчины вытянуты, мечи подняты вверх, ноги стоят врозь. Даже взгляды прямые, пронзающие пространство.

А женская «половина» текучая и плавная. Женщины сидят, полулежат, их руки написаны волнистыми линиями. Они зрительно находятся ниже и как бы в подчиненном положении.

Видим мы и цветовые особенности. Одежда мужчин ярких оттенков, женщин — блеклых.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев (деталь). 1784.

При этом пространство вокруг аскетичное и… мужское. Плитка пола и арки со строгими колоннами дорического ордена. Давид как бы подчеркивает, что этот мир подчинён мужской воле. И на таком фоне слабость женщин ещё больше ощущается. 

Впервые эффект изображения противоположностей стал использовать в своих работах Тициан. За 2,5 века до Давида.

Особенно яркий контраст красивого и безобразного мастер эпохи Возрождения использовал в картинах с прекрасной Данаей и омерзительной служанкой.

Конечно, не обошлось без влияния Пуссена, создавшего стиль классицизма ещё в XVII веке, за 1,5 столетия до Давида.

У него мы даже можем встретить римских воинов, которые явно своими позами вдохновили Давида на создание «Клятвы Горациев» (в левом нижнем углу).

Никола Пуссен. Похищение сабинянок. 1634. Лувр, Париж. Artchive.ru.

Поэтому и стиль Давида называется неоклассицизмом. Ведь он строит свои картины на живописном наследии Пуссена и мировоззрении античного мира.

Пророчество Давида

Итак, Давид продолжил дело Пуссена. Но между Пуссеном и Давидом лежала пропасть — эпоха Рококо. А она была полной противоположностью неоклассицизма.

«Клятва Горациев» оказалась водоразделом между двумя мирами: мужским и женским. Миром любви, развлечений, легкого бытия и миром крови, мести, битвы.

Давид первым почувствовал грядущую смену эпох. И поместил нежных женщин в неуютный, строгий мужской мир.

Вот что было в живописи до «Клятвы Горациев». Как раз те самые обтекаемые и волнистые линии: флирт и смех, интриги и любовные истории.

Франсуа Буше. Любовное письмо. 1750. Национальная галерея Вашингтона. Nga.gov.

И вот что стало после: революция, смерть, предательство, убийства. 

Эжен Делакруа. Свобода, ведущая народ. 1830. Лувр, Париж. Wikimedia Commons.

Давид предсказал грядущие события. Будет битва и будут жертвы. Он это показал на примере двух семей: Горациев и Куриациев. А через 5 лет после написания этой картины такое несчастье пришло почти в каждую семью. Настала Великая Французская Революция.

Конечно, современники были озадачены. Как Давид создал такую работу накануне Революции? Считали его пророком. А его картина стала символом борьбы за свободу.

Хотя изначально Давид писал её на заказ для Людовика XVI. Но это не помешало ему впоследствии голосовать за казнь своего заказчика.

Да, мастер был на стороне революции. Но это и неважно. Его картина — вечное пророчество. Как бы мы ни старались, история циклична. И мы вновь и вновь встаём перед выбором.

Да, сейчас наш мир признает ценность семьи. Но ведь совсем недавно мы пережили тот самый ужас выбора. Когда отец на сына, а брат на брата. 

Поэтому картина и будоражит наши сердца. Мы все ещё помним о последствиях страшного выбора. Пусть и по рассказам наших предков. Поэтому история семьи Горациев нас трогает. Хотя жили эти люди 27 веков назад.

[isskustvoved]

XVIII-XIX вв., Франция

В его глазах и жестах читаются лучшие качества правителя. Сила воли, смелость, целеустремленность.

Конечно, Наполеон был покорён талантом Жака-Луи Давида (1748—1825 гг.) и сделал его придворным художником.

Но слава Давида началась ещё до картины "Наполеон на перевале Сен-Бернар" (1801 г).

Все началось за 20 лет до этого, с «Клятвы Горациев»

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 1784 г. Лувр, Париж.

Художник взял историю из прошлого Римской империи.

Два города договорились не тратить ресурсы на войну, а решить спор с помощью битвы нескольких воинов (эту бы мудрость правителям XX века).

Со стороны Рима были выбраны три близнеца из рода Горациев.

Давид изобразил момент, когда братья клянутся отцу в том, что победят или погибнут.

Когда картина была написана, во Франции в моде ещё был стиль рококо. Как я писала в прошлом письме, это была женская эпоха.

Давид же противопоставил обаянию и сентиментальности слабого пола мужской героизм и силу.

В самом сюжете чётко об этом говорится. Воинственные позы братьев и отца противопоставлены слезам женской половины семьи.

А уж о разнице техник и говорить нечего.

Вместо нежных оттенков и легких мазков рококо — более скупые, но насыщенные цвета.

Вместо изогнутых линий и множества деталей — очень лаконичная и продуманная композиция. Трём группам людей соответствуют три арки.

Публика была в восторге. До такой степени, что отныне будущих художников обучали только этому стилю, давидовскому неоклассицизму.

Вы можете почитать мою статью об этом шедевре, нажав кнопку ниже:

Казалось, что никто и ничто не сможет скинуть Давида с пьедестала славы. Причем лет так 500.

Но ход истории переломился очень быстро. Буквально через 40 лет после смерти мастера.

Появился художник, который очень хотел достичь величия Давида. Но упорно не желал изображать древнеримских воинов. Вместо них он рисовал парижских денди и ... проституток.

На что он рассчитывал? Тем не менее он искренне удивился, когда публика его освистала. Его гениальность оценят позже...

[isskustvoved]

«Качели» Фрагонара. Главный шедевр эпохи рококо

Не всегда есть настроение созерцать картины с глубоким смыслом. Иногда хочется чего-то легкого и воздушного. Так сказать, живописного десерта. Как зефира со вкусом крем-брюле. Или взбитых сливок с ягодным сиропом.

Самыми «десертными» картинами являются, конечно, работы в стиле рококо.

А самая известная из них – «Качели» Жана-Оноре Фрагонара (1732-1806 гг.) Девушка в персиковом платье словно клубничка на пышном торте из безе и крема.

В чем ценность «Качелей» Фрагонара

Не стоит относится к «Качелям», как к чему-то однозначно декоративному. Хотя я сама ещё пару лет назад фыркала при виде работ в стиле рококо, считая их пустыми и не стоящими моего внимания.

Все важно воспринимать в контексте. И «Качели» – это живописный отклик на нравы французского общества 18 века.

А значит картина может быть любопытна как минимум в качестве свидетеля того, что творилось в умах тогдашней аристократии.

Мы их можем осуждать за поверхностность их интересов. За чрезмерную зацикленность на флирте. На избыточном украшательстве.

А уж что говорить о свободе нравов, когда наличие любовника или любовницы – не то, что было нормой, а прямо-таки из серии «стыдно не иметь».

«Качели» и ф��номен рококо

Согласитесь, феномен рококо уникален. До него было барокко. Именно от него рококо унаследовало пышность, детализированность, эмоциональность.

Но рококо все это утрировало и сделало совсем мимишным и слащавым. Эмоции измельчали, впрочем как и детали. А яркие цвета посветлели, превратившись в такие, как «цвет бедра взволнованной Венеры» или цвет «Серый лен – любовь без конца».

Ой, сколько сахара! Что-то мне подсказывает, кто не любит сладкое – не любит рококо 😉.

И все это лишь 200 лет спустя после Эпохи Возрождения! Когда духовная просветленность, начитанность и мудрость поступков и слов ценились превыше всего.

Жан-Оноре Фрагонар. Задвижка. 1779 г. Лувр, Париж

Это насколько человек может быть разным! Когда ценности и вкусы могут так меняться. А они ещё поменяются. Эпоху рококо (во Франции) как ветром сдует революция в конце 18 века.

А пока вся «философия» рококо уместилась в «Качелях» Фрагонара.

Незамысловатый сюжет «Качелей»

Прекрасную, сладкую девицу раскачивает пожилой супруг. А юный, розовощекий поклонник в экстазе сидит в кусте шиповника. Ведь ему открывается столь пикантный вид.

Дама не возражает, наоборот, ещё выше вскидывает свою ножку, что аж туфелька полетела в неизвестном направлении.

А муж тем временем даже и не подозревает о том, что супруга уже в мыслях ему изменяет. И ведёт себя явно не как добродетельная особа.

И куда же здесь без поддержки античных богов. Ведь в Древнем Риме нравы были и похлеще.

Напротив барышни – статуя Фальконе «Грозящий Амур». Одной рукой он показывает жест то ли «Ай-ай-ай», то ли «Тсс». Но правой рукой он тянется к стрелам в колчане. Намереваясь выстрелить в уже намеченную жертву.

Ложка дёгтя в «Качелях» Фрагонара

Казалось бы, картина полна праздности и легкомыслия. Но меня, честно говоря, смущает сад, в котором происходят события. Старое, узловатое дерево с очень кривыми и даже уродливыми ветвями скорее напоминают какие-то трещины.

Жан-Оноре Фрагонар. Качели. 1767 г. Собрание Уоллеса, Лондон

Зелень так сильно клубится, как будто все происходит в непроходимой чащобе, а не в саду. Деревья создают такую густую крону, что «внутри» картины очень темно, не считая просвета посередине, в который и «угодила» барышня на качелях.

Почему Фрагонар выбирает такую обстановку? Почему бы не изобразить классический французский сад с постриженными деревьями, где все освещено солнцем?

Дикий лес у учителя Фрагонара, Франсуа Буше, и то выглядит более ухожено, чем этот парк.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Как будто Фрагонар пытается сбить чрезмерную слащавость. Сделать картину значащей нечто большее, чем просто декоративная работа для услады глаз.

Возможно, Фрагонар понимал, что такое поведение, как бы оно ни приветствовалось обществом, на самом деле не делает никого счастливым. И даже уже сейчас, намереваясь «наставить рога» супругу, девица сгущает вокруг себя тучи. Темнота надвигается на всех троих.

Недаром же «Качели» стали культовой работой. Именно ее чаще всего вспоминают, когда речь заходит о рококо. Видимо за счёт того, что она не так поверхностна, как большинство работ посредственных мастеров.

Судьба «Качелей» Фрагонара

Эпоха Рококо схлопнется в одно мгновение под натиском революции с совершенно иными запросами к искусству. И таким, как Фрагонар придётся туго. Он умрет в нищете, всеми забытый.

А его «Качели» будут висеть то в одной частной коллекции, то в другой. И лишь в 1900 году публика увидит их в галерее в Лондоне, в «Собрании Уоллеса».

К тому времени революция будет далеко позади. И картина весьма кстати впишется в родственную эпоху Модерна. Помните, это многочисленные цветочки, завитушки и миловидные девицы?

Альфонс Му́ха. Грезы. Цветная литография. 1897 г. Частная коллекция

Ещё один виток слащавости и декоративности перед очередным потрясением. Модерн тоже быстро сгинет под натиском мировых войн XX века.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

[isskustvoved]

XVIII век, Франция

В середине XVIII века искусство устроило себе каникулы, погрузившись в стилистику рококо. Душещипательных сюжетов Рембрандта как не бывало. Вместо них в моде - пикантность, праздность и любовные связи на стороне.

Все эти три ингредиента есть в «Качелях» Жана-Оноре Фрагонара (1732—1806 гг.)

Молодую даму раскачивает пожилой муж. Набивающийся в любовники кавалер — в кустах. Дама не против его пребывания у своих ног. И даже поощряет такое распущенное поведение, задрав одну ножку повыше.

Стиль рококо можно определить не только по сюжетам, но и по технике. Художники выбирали самые нежные оттенки и накладывали их на холст очень тонкими кистями. Отсюда ощущение воздушности, легкости.

Наверняка Вы видели картину в стиле рококо «Дама в голубом» Гейнсборо. Так вот, он писал свои картины, в том числе и эту даму, очень тонкой кистью длиной ... в 2 метра!

Томас Гейнсборо. Дама в голубом. 1780. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Я не просто так показала Вам этот портрет. Рококо — самый женственный стиль за всю историю живописи.

80 % персонажей картин этой эпохи — женщины. Красивые, румяные, в изысканных нарядах, с маленькими ступнями и изящными носиками. Конечно, припудренными;)

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756. Старая Пинакотека, Мюнхен.

Но судьба Фрагонара, как и всего рококо, была печальна. Кровожадной гильотине были не к лицу кружева и румяна.

Рококо сгинул в одночасье, а Фрагонар провёл остаток жизни в нищете. Его «Качели» были не нужны французским революционерам.

А потом пришёл и победил Наполеон. Его императорскому величеству нужен был совсем другой стиль. Строгий и выверенный.

И один художник смог удовлетворить его запрос.

[isskustvoved]

«Ночной дозор» — одно из самых загадочных полотен в мире. Все знают, что это вовсе и не ночной пейзаж. Просто картина потемнела, а на самом деле действие разворачивается днём.

Но вот почему именно с этой картины у Рембрандта началась чёрная полоса в жизни? Что он такого в ней изобразил, что все против него ополчились?

Что за светящаяся девочка изображена среди мушкетеров? Почему вооруженный карлик стреляет прямо в толпу стрелков?.. Вопросов очень-очень много.

Увы, Рембрандт нам ничего не оставил: ни книг, ни пояснений.

Но вот если бы он вёл дневник, в котором все тайны раскрыты… давайте представим…

Дневник Рембрандта «Мой успех и мое проклятие»

Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669. Национальная Лондонская галерея.

«Неделю назад умер сын Титус. Нет никакой надежды его когда-нибудь обнять.

Нет, есть одна лазейка. Я напишу «Блудного сына». Ведь у того отца всегда оставалась надежда обнять своего сына. И однажды он вернулся. Пусть все промотал, зато живой.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Нет, никому продавать картину не буду. Все равно никто не купит.

Что я делаю не так? Вспомнить бы, с чего все пошло под откос? Ах да, с этого злосчастного «Выступления стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга»!

Да-да, именно с этой работы все пошло не так. Как все счастливо складывалось до неё. И как скверно все пошло после неё.

Рембрандт. Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга (Ночной дозор). 1642. Государственный музей, Амстердам.

До «Ночного дозора» я был удачлив. Что ж, я был резвым малым в молодости. Не сидел сложа руки в ожидании заказчиков. Если надо было, мог и подставного покупателя на аукцион прислать. А как иначе цены на свои картины поднимать!

Можно было, конечно, и натюрмортики для булочников с мясниками стряпать. Но мне хотелось соответствовать своей жене. Как-никак, дочь бургомистра! Она заслуживала обеспеченного мужа. Не на одно же ее наследство жить.

Рембрандт. Блудный сын в таверне. 1635 г. Галерея старых мастеров, Дрезден.

Поэтому мне позарез нужно было добраться до обеспеченных заказчиков. Так что мои махинации с аукционами простительны.

И вот я дождался. Доктор Тульп заказал групповой портрет. О, наконец достойный заказчик, президент гильдии хирургов!

Нужно было создать такую работу, чтобы о ней заговорили. Тогда нужный контингент заказчиков подтянется.

Я думал-думал: чем же я могу отличиться от бесчисленных художников? По технике они мастера, здесь не поспоришь. Ну как я могу тягаться с тем же Хальсом?

Франс Хальс. Групповой портрет офицеров стрелковой роты св. Георгия. 1627 г. Музей Франса Хальса в Харлеме.

В технике я не смогу его превзойти. Я не хочу написать 1000-ый групповой портрет. Мне нужно что-то эдакое! Я хочу быть первым в чем-то!

Я пересмотрел десятки таких портретов. Я пошёл в Палату счета, где мои предшественники изображали бесчисленных хирургов. Тот же Кейзер весьма не дурно 12 лет назад написал “Урок анатомии доктора Эдгердса”.

Но я смутно понимал, что во всех этих портертах чего-то не хватает. Чего-то не хватает…

Томас Кейзер. Урок анатомии доктора Эгбертса. 1619. Государственный музей, Амстердам.

Вот они сидят и смотрят. Кто на зрителя, кто на скелет. Разные люди, но почему-то они похожи. Может потому что одеты почти одинаково? Господи, хорошо, что эти пышные воротники вышли из моды!

Ах, вот оно в чем дело! Они похожи, потому что…

у них одинаковое выражение лица! Где эмоции-то? О чем каждый из них думает? Вообще не понять!

Я оживлю своих заказчиков. Пусть они ужасаются, удивляются, изумляются. Нечего истуканами в ряд сидеть, как болванки!

Рембрандт. Урок анатомии доктора Тульпа. 1632. Маурицхейс, Гаага.Как же я был горд собой, когда создал «Урок анатомии доктора Тульпа»!Ведь очевидно же, что я превзошёл Кейзера!

Слева: Кейзер. Урок анатомии. 1619. Справа: Рембрандт. Урок анатомии. 1632.Вот она слава! Публика была в восторге от портрета. Теперь не было смысла посылать на аукционы подставных покупателей. Заказчики и так шли.И однажды пришел бургомистр Амстердама, Виллем де Кок. Мы выпили, обговорили заказ.Когда он ушёл, я подпрыгнул от восторга. Бургомистр Амстердама! Да я счастливчик!Как же я ошибался… это было начало конца…Он был капитаном стрелковой роты, которая будет охранять испанскую королеву. Скоро та посетит Амстердам. Что ж, эти ребята заслужили того, чтобы быть увековеченными.Я охотно взялся за работу. Ведь надо было выплачивать увесистый такой кредит за дом. Каждый из офицеров заплатил по 100 гульденов.Я теперь знаю, в чем моя особенность. Никаких теперь истуканов! Игральные карты пусть мои соперники малюют. А я изображу, как капитан созывает свою роту на защиту города.Не буду льстить, как другие: пусть будут настоящими. Немного неловкими, неуклюжими, но живыми. Вот даже один у меня такой неловкий, что чуть в соседа не попал. Пальнул прямо в толпу.

Рембрандт. Ночной дозор (фрагмент). 1642. Государственный музей, Амстердам.Ну ладно, это будет не реальный человек, а неизвестный карлик. Ничего-ничего, переживут.Но я ещё не закончил работу, как случилось несчастье…Саския, моя любимая жена, тяжело заболела. Она умерла тёплой летней ночью. Нашему сыну Титусу был всего один год.Я перенёс ее тело в мастерскую. Я не мог не увековечить ее в последний раз. Я написал светящееся доброе лицо Саскии среди толпы стрелков.

Рембрандт. Ночной дозор (деталь).

Я похоронил мою любимую Саскию и продо��жил работу. Конечно, я ждал очередного триумфа. Ведь в картине столько движения! Я стоял около неё и слышал барабанную дробь, голоса и шуршание ног.

Но … заказчик оказался откровенно тупоголовым. Видите ли, подавай им чтобы «красиво и похоже»! Возмутило их, почему я внёс других персонажей, которые не платили за присутствие на картине.

Но позвольте, как я изображу толпу с помощью 18 человек. Это мало! Конечно, я внёс ещё 16 персонажей.

А некоторые и вовсе попросили вернуть им свой взнос за картину. Мол, их лица почти не видно. Но как я изображу жизнь и движение, если расставлю их в ряд!

Картина никому не понравилась, кроме капитана. Ещё бы, он в самом центре, во всей красе. Правда он не сразу себя узнал. Но тем не менее копию картины заказал для своего дома.

А остальные объявили мне байкот. Даже лейтенант Рейтеньбюрх. Ему не понравилась двусмысленная тень от руки де Кока на его паху.

Может я и перемудрил. Они уверены, что я посмеялся над ними с помощью этой картины. Может, зря я изобразил карлика за спиной капитана, который случайно выстрелил прямо в толпу…

Они перестали звать меня в свои дома. Не делают заказов. Распускают обо мне нелепицы.

В конце концов я разорился. Мой дом ушёл с молотка.

И только Титус, мой мальчик, спас своего старика.

Рембрандт. Титус в образе монаха. 1660 г. Музей Рейксмюсеум, Амстердам. Wikipedia.org

Едва повзрослев, он организовал фирму по продаже картин. Нанял меня, как художника. Только благодаря ему у меня появилась возможность спокойно работать, и не думать, как раздобыть кусок хлеба.

Но Титус умер. Я могу обнять его только в воображении, а ещё на картине…”

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Arthistory.ru

На этом воображаемый дневник Рембрандта обрывается…

«Ночной дозор» в XVIII веке был перенесён в Городскую ратушу. Но так как не умещался в простенок между окнами, был обрезан с двух сторон. Так два стрелка слева канули в лету, увы.

В зале, где висел «Ночной дозор», постоянно разжигали камин. За 2 столетия картина покрылась копотью, и фигуры были почти не различимы.

Именно поэтому так назвали картину. На самом деле действие на ней происходит днём.

И только в начале XIX века шедевр перенесли в музей в Амстердаме.

Рембрандт. Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга (Ночной дозор). 1642. Государственный музей, Амстердам.

Да, эта работа стала переломной в жизни Рембрандта. В ней он уже однозначно решил выбрать путь свободного художника, который не хочет идти на поводу у вкусов публики.

Может быть, неосознанно. Сначала ему казалось, что он просто ищет способ выделиться среди других.

Но потом понял, что нащупал путь, соответствующий его СУТИ, своей ИСТИННОЙ ЛИЧНОСТИ. И уже не смог отказаться от этого пути.

К сожалению, современники не поняли и отвернулись. Рембрандта оценили лишь будущие поколения. И навсегда записали его в историю искусства.

Спасибо, Рембрандт! Спасибо за честность с самим собой. Спасибо, что выбрал свой путь. Мы помним тебя.

Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669 г. Национальная Лондонская галерея

[isskustvoved]

«Даная» Рембрандта. Портрет жены и автопортрет в одной картине

«Перед Данаей Рембрандта я умер от упоения»

– Корней Чуковский

Считается, что если бы «Данаю» Рембрандта не облили кислотой, она бы была малоизвестна. Ведь по такому же принципу “Мона Лиза” Леонардо стала знаменитой. Не украли бы ее однажды, и мало кто сейчас знал бы о Джоконде.

Может быть и так. Вряд ли бы так часто гуглили «Данаю». Но все равно бы гуглили. Слишком она необычная.

Наверняка вы знаете сюжет «Данаи». Отец заключил свою дочь в тёмную башню из-за предсказания. Которое гласило, что его внук убьёт его. Дабы тот никогда не родился, бедной девушке предстояло всю жизнь провести в заточении. С ней была заключена лишь старуха-надсмотрщица.

Но девушка понравилась Зевсу. Он проник к ней в темницу в виде золотого дождя. Провёл с ней ночь. Родился Персей, который повзрослев, убил своего деда. Случайно, конечно.

Художникам, начиная с Эпохи Возрождения, очень нравился этот сюжет. «Данаю» писали и предшественники Рембрандта, например, Тициан. И его современники, как Орацио Джентилески.

Слева: Тициан. Даная. 1556 г. Государственный Эрмитаж. Справа:  Орацио Джентилески. 1621 г. Музей Гетти, Лос-Анджелес, США

Однако изображение мифа у Рембрандта отличается от версий других художников.

У Тициана и Джентилески Даная – это идеализированный образ. Даная Рембрандта более человечна. Очевидно, что прототипом служила реальная женщина.

У Рембрандта на картине мы не видим главного атрибута мифа – золотого дождя. Но ответ на эту загадку уже найден. Об этом ниже.

Ещё на картине присутствует служанка и Купидон. Они тоже не такие однозначные, как у других художников.

Теперь обо всем по порядку.

1. Портрет жены или любовницы ?

Известно, что Рембрандт написал “Данаю” для себя. Изобразив свою жену Саскию. На руке Данаи мы даже видим кольцо, похожее на обручальное.

Картина была его собственностью до банкротства в 1654 году, когда она была описана в пользу погашения долгов.

Почему же Даная Рембрандта так мало похожа на его жену?

Сравните Саскию в образе Данаи и в образе Флоры.

Справа: Рембрандт. Саския в образе Флоры (фрагмент). 1634 г. Государственный Эрмитаж.

Разница между этими женщинами очевидна. У Саскии маленький и курносый нос. У Данаи – прямой и крупный.

Также обратите внимание, что и манера письма отличается. Даная написана более тёплыми красками и вибрирующими мазками. Флора же изображена более сухо и детализировано.

Не кажется ли вам, что слишком разная манера для двух картин, написанных в один и тот же год?

Разгадать эту загадку нам помог рентген, который сотрудники Эрмитажа сделали в 60-х годах 20 века.

Благодаря ему мы узнали, что в 1634 году Рембрандт действительно изобразил Саскию. Ее черты явственно проступали. А также рентген показал, что на прежней Данае было жемчужное ожерелье. Которое Саския так любила. А ещё она была прикрыта простыней.

Однако Саския умерла в 1642 году. Утешила художника Гертье Диркс. Она была няней его сына. И в 1648 году Рембрандт переписал картину. Возможно, даже по просьбе Гертье.

Действительно, сходство Данаи с ней более очевидное.

Слева: Рембрандт. Гертье Диркс. 1645 г. Национальная галерея Шотландии

Вот так в Данае художник соединил черты двух женщин. Правда со второй из них он расстался плохо. Гертье Диркс требовала, чтобы художник женился на ней. Подала на него в суд. Который обязал его выплачивать ей ежегодное содержание.

Она до конца жизни преследовала Рембрандта, как его кредитор. Так как художник обанкротился, ему нечем было выплачивать ей содержание.

2. В “Данае” есть автопортрет ?

Согласно мифу к Данае была приставлена старуха-служанка. Которую между прочим казнили за то, что не уследила за девственностью девушки.

Посмотрите на эту старуху. Что-то здесь явно не так.

Рембрандт. Даная (фрагмент). 1634 г. Государственный Эрмитаж, г. Санкт-Петербург

Я обратила внимание, что черты лица “старухи” мужские. И уж слишком похожа она на самого Рембрандта. У него даже есть автопортрет в таком же берете.

Справа: Рембрандт. Автопортрет. 1669 г. Национальная Лондонская галерея

Сохранился набросок к картине. На нем отчётливо видно, что старуха – в характерном женском чепце. А вот на картине никакого чепца нет. Лишь берет, излюбленный головной убор художника.

Рембрандт. Рисунок к картине “Даная”. 1635 г. bu.org

Ещё один интересный момент. Помимо ключей, “старуха” держит как будто … палитру и кисти. Хотя, конечно, по официальной версии в ее руках – мешок. Который нужен для сбора золотых монет. Ведь они по легенде сыпались вместе с золотым дождём.

Я нашла у преподавателя Бостонского университета версию о том, что Рембрандт изобразил самого себя*. Как свидетеля любовного чуда.

Такой приём был свойственен Рембрандту. Так, мы видим его у ног распятого Христа на картине “Воздвижение креста”.

Рембрандт. Воздвижение креста. 1632-1633 гг. Старая пинакотека, Мюнхен. artchive.ru

Вот так Рембрандт решил изобразить себя рядом со своей женой. И это тоже не первый их совместный “портрет”.

Себя он как-то изобразил в образе Блудного сына. Ещё веселящегося в разгульном угаре с красоткой на своих коленях. Для которой и позировала Саския.

Рембрандт. Блудный сын в таверне. 1635 г. Галерея старых мастеров, Дрезден

3. Какой же миф изобразил Рембрандт ?

Долго спорили, действительно ли на картине Рембрандта изображён сюжет из мифа про Данаю. Ведь нет главного атрибута: золотого дождя.

К тому же Даная смотрит вперёд, а не вверх, откуда по легенде на неё снизошёл Зевс.

Отгадку нашли опять-таки благодаря рентгену. Изначально в 1634 году дождь был! А Даная со служанкой смотрели вверх.

Но по какой-то причине Рембрандт изменил не только внешность Данаи. Но и заставил ее смотреть вперёд, а не вверх. А вместо дождя на девушку полился свет.

Мне очень нравится версия искусствоведа Сергея Андронова. Рембрандт решил спустя 13 лет написать другой момент мифа.

Сначала он изобразил стандартную сцену, которая запечатлена и у Тициана, и у Джентилески. Пришёл Зевс в виде золотого дождя. Даная встречает его, закинув голову.

Во второй версии 1648 года Рембрандт изобразил уже прощание женщины с божеством. Дождь прошёл, остался лишь свет.

В этом случае легко объяснить, почему Купидон изображён с таким страдающим лицом. Он один знает, что Зевс уже не вернётся к женщине.

Почему “Даная” Рембрандта особенная

Так почему же Корней Чуковский перед Данаей Рембрандта “умирал от упоения”? Что в ней такого особенного?

Она удивительно естественна. Да, она не так красива, как Даная Джентилески. Ее грудь меньше принятых стандартов. Ее бёдра возможно крупнее, чем нужно. Живот расслаблен и слишком большой. Крупные ноги.

Рембандт не любил приукрашивать тех, кого изображал. Особенно он был беспощаден к себе. Даже любимой Саскии он не льстил. И рисовал ее с большим животом, оплывшим после нескольких родов.

Офорты Рембрандта. Слева: Автопортрет с растрёпанными волосами. 1631 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва; справа: Обнаженная Саския. 1639 г. Государственный ЭрмитажТак что по рембрандовским стандартам, Даная прекрасна. Несмотря на недостатки, она живая, человечная. Ее тело тёплых оттенков. Линии плавные, уютные. От этого она завораживает, пленяет.Видимо такой Саския и была до родов. Ее полный живот ещё не поплыл. Бедра крупные, но крепкие. Она была действительно такой прекрасной. И Рембрандт вновь ничего не приукрасил.

PS. Многослойность Данаи спасла ей жизнь

Не буду подробно рассказывать, как один неадекватный человек однажды (1985 г.) облил шедевр Рембрандта серной кислотой и несколько раз пырнул его ножом. Об этом немало писали.

Важно одно. То, что Рембрандт переписывал картину, ее и спасло. Именно толстый слой краски сыграл немалую роль в ее восстановлении. А реставрировали ее 12 лет. Картина вернулась в Эрмитаж в 1997 году.

О другой картине мастера читайте в статье “Возвращение Блудного сына. Почему это шедевр?”

[isskustvoved]

«Возвращение блудного сына» (1669). Старый отец вновь обрёл покой. Его младший сын вернулся. Он не колеблясь прощает ему растраченное наследство. Никаких упреков. Только милосердие. Всепрощающая отцовская любовь.

А что же сын? Он дошёл до крайней степени отчаяния. Нищий и оборванный, он забыл о гордости. Он упал на колени. Почувствовав невероятное облегчение. Потому что его приняли.

“Блудного сына” Рембрандт написал за несколько месяцев до смерти. Это кульминация его творчества. Его главный шедевр. Перед которым каждый день в Эрмитаже собирается толпа. Что же так притягивает людей?

Особая трактовка притчи

Перед нами сюжет из библейской притчи. У отца было два сына. Младший потребовал часть своего наследства. Получив лёгкие деньги, он поехал смотреть мир и наслаждаться жизнью. Пирушки, карточные игры, море выпивки. Но деньги быстро растаяли. Жить стало не на что.

Дальше – голод, холод, унижения. Нанялся свинопасом. Чтобы есть еду свиней. Но эта жизнь оказалась настолько впроголодь, что сын понял. Единственный выход – вернуться к отцу. И попросится к нему в работники. Ведь они более сыты, чем он, его родной сын.

И вот он у отчего дома. Встречается со своим отцом. Именно этот момент притчи многие художники выбирали для своих картин. Но работа Рембрандта совершенно не похожа на работы его современников.

Взгляните на картину Яна Стена.

Ян Стен. Возвращение блудного сына. 1668-1670 гг. Частная коллекция. wikiart.org

В отличие от Рембрандта, Ян Стен был очень популярен. Потому что полностью соответствовал тогдашним вкусам заказчиков. Которые хотели видеть веселье. Свою добротную и сытую жизнь.

Отсюда и корзина с фруктами на голове у женщины. И телёнок, которого обрадованный отец приказал заколоть по случаю возвращения сына. И даже в рог трубят. Дабы возвестить соседей о радостном событии в семье.

А теперь сравните эту житейскую сценку с картиной Рембрандта. Который не стал добавлять второстепенных деталей. Мы даже лица сына не видим. Рембрандт делает все, чтобы мы сосредоточились на главном. На чувствах главных героев.

В других странах господствовали похожие вкусы. Художники добавляли эффектные детали. Так, испанский художник Мурильо даже написал одежду на подносе. Которую отец приказал выдать вернувшемуся сыну.

Еще мы видим все того же бедного телёнка. Которого хотят приготовить в честь радостного события.

Мурильо. Возвращение блудного сына. 1667-1670 гг. Национальная галерея Вашингтона, США. nga.org

Вы себе можете представить этого телёнка у Рембрандта?

Конечно, нет. Картина Рембрандта совсем о другом. Не о внешних атрибутах великодушия. А о внутренних чувствах отца.

Передать же это гораздо сложнее. Но Рембрандту это так хорошо удаётся, что все внешние атрибуты кажутся нелепыми. Вот в этом его гениальность.

Техника Рембрандта

Рембрандт полностью сосредоточен на передаче внутреннего мира своих героев. Это отражается на его технике. Мы не видим стандартной цветовой гаммы. Мы видим сплав красных, коричневых и золотистых оттенков.

Мазки краски наложены порывисто, как будто небрежно. Художник не скрывает их. Никакой прилизанности.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. Фрагмент. 1669 г. Государственный Эрмитаж

Необычна и светотень на картине. Главные герои освещены неярким источником света. Самое яркое пятно – лоб отца. Вокруг полумрак. Который переходит почти в кромешную темноту на заднем плане. Такие переходы от света к тени добавляют эмоциональности.

Долой внешнюю красоту

Рембрандта не волновала внешняя красота человека. Его Блудный сын истерзан жизнью по-настоящему. Его вид неприятен. Дыра на спине. Стертые ноги. Голый череп.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. Фрагмент. 1669 г. Государственный Эрмитаж

А теперь посмотрите на Блудного сына Николая Лосева.

Да, его одежда изношена. Даже чересчур. Это уже скорее театральный атрибут. Фальш, конечно. Ведь под этим дырявым тряпьем мускулистое, красивое тело. Хорошо стрижен к тому же. Отец в белых одеждах и вовсе похож на сказочного пророка. Очень красиво. Даже пёс прекрасен.

Николай Лосев. Возвращение блудного сына. 1882 г. Национальный художественный музей Республики Беларусь. Wikipedia.org

А теперь сравните эту картину с работой Рембрандта. И поймёте, у кого вышло правдивей. Эмоциональней.

Личная трагедия Рембрандта

Рембрандт создал “Блудного сына” сразу после постигшей его трагедии. Умер его сын Титус. Ему едва исполнилось 26 лет.

Он был рождён от его первой жены. Любимой Саскии. Которая скончалась, когда мальчику было 10 месяцев. Ребёнок был очень желанным. До него пара потеряла трёх детей ещё в младенчестве.

Титус был очень любящим сыном. Он верил в гений отца. И делал все, чтобы отец продолжал творить.

Рембрандт. Титус в образе монаха. 1660 г. Музей Рейксмюсеум, Амстердам. Wikipedia.org

После того, как кредиторы отобрали у Рембрандта дом и его богатую коллекцию, пришлось переселиться на окраину города.

Едва подросший Титус организовал предприятие по продаже картин. Картины отца продавались плохо. Сын торговал картинами других художников. Чтобы отец спокойно работал в своей мастерской.

И вот Титус умер от чахотки.

Только работа могла спасти Рембрандта от полного безумия. Отогнать мысли о самоубийстве.

Он решил написать Блудного сына. Как оплот своей мечты. Однажды вновь обнять своего сына. Немощный, старый, больной. Каким был на тот момент сам Рембрандт. Способный лишь на лёгкое прикосновение. Но лишь бы обнять.

Глубина отцовской любви передана через кисть и краски. Мы сопереживаем Рембрандту. Хотя об этом и не догадываемся. Но эти бессознательные чувства притягивают наши взгляды к картине ещё сильнее…

“Надо умереть несколько раз, дабы так рисовать” Ван Гог (о Рембрандте).

[isskustvoved]

XVII век, Голландия Он рисовал внутренний мир людей

Именно этого Христа написал Рембрандт.

А вот крест несёт Христос Тициана.

Спасибо всем, кто ответил на вопрос. Очень здорово, что некоторые из Вас узнали художников по авторскому стилю. У Вас очень хорошая насмотренность!

Я Рембрандта узнаю ещё и по глазам.

Христос Тициана смотрит на зрителя. Сын Божий Рембрандта задумчиво опустил глаза.

Слева: Рембрандт. Голова Христа. 1650 г. Берлинская картинная галерея. Справа: Тициан. Несение креста. 1565 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

И так со многими героями Рембрандта. Они поглощены своими мыслями, поэтому не смотрят прямо на нас. Произвести на нас впечатление они НЕ стремятся.

Рембрандт даже может показать спиной главного героя. Например, блудного сына. Лицо нам и не нужно. Его поза о многом говорит. Об унижениях и лишениях, которые сломили гордыню и привели обратно к отцу.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1669. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Рембрандт сосредотачивался только на психологическом аспекте. Внешний мир ему был не важен. Поэтому часто фон — это охристо-коричневая мгла, из которой выступают люди и очертания обстановки.

О красоте героев Рембрандт тоже не заботился. Вернее, осознанно ее избегал. У блудного сына грязные пятки и бритая голова.

Особенность Рембрандта легко увидеть, сравнив его с другими художниками.

Вот отец и сын Николая Лосева. Картина красивая и театрализованная. Мускулистое тело и аккуратная стрижка — у сына. Красивая борода и лицо пророка — у отца.

Николай Лосев. Возвращение блудного сына. 1882. Художественный музей Республики Беларусь.

Такое несоответствие мы часто видим в голливудских фильмах. Когда главная героиня всегда накрашена, а ее волосы прекрасно уложены. И все это, несмотря на 10 часов погони, атомный взрыв и кислотный дождь.

Внутренний мир на холсте плохо продавался. А в следующую эпоху о Рембрандте и вовсе забыли.

В XVIII веке было слишком много цветов, туфелек и мимолетных увлечений. Живопись нужна была для услады глаз. И такой спрос полностью удовлетворял наш следующий герой.

Задание. Узнаете, чей это герой упал в розовый куст?

Обратите внимание на его дурацкое выражение лица. Другого слова не смогла подобрать :), особенно в сравнении с разумными лицами героев Рембрандта.

[isskustvoved]

Это Якопо Страда, антиквар и близкий друг Тициана (1488—1576 гг.)

Тициана редко ставят в один ряд с титанами Эпохи Возрождения: Леонардо, Рафаэлем и Микеланджело. Очень зря.

Потому что Тициан сделал существенный шаг вперёд. Он первый в истории живописи поставил ЦВЕТ наравне с линией и формой.

Если проще, то Боттичелли (раннее Возрождение) — это линия.

Микеланджело (расцвет Ренессанса) — это форма.

Тициан (позднее Возрождение) — это цвет.

Тициан. Портрет Якопо Страда. 1568 г. Музей истории искусств, Вена.

Посмотрите, как цвета подходят под характер героя. Изысканный коралловый цвет рукавов в сочетании с глубоким чёрным говорит о неординарном уме и благородстве.

После Тициана начинается эпоха колористов. До него о цвете думали в последнюю очередь. Микеланджело, например, был слабым колористом.

Посмотрите на его «Мадонну Дони» (1507 г.)

Микеланджело. Мадонна Донни. 1507. Галерея Уффици, Флоренция.

Согласитесь, Мадонна Микеланджело смахивает на раскрашенную фотографию середины XX века.

Уберите цвет из этой работы, и она ровным счетом ничего не потеряет.

Микеланджело был скульптором, и для него была первостепенна форма. О гармонии цвета он не сильно заботился.

А теперь посмотрите на «Пьету» Тициана (1576 г.).

Художник здесь мастерски обращался с цветом. Особенно в поздних работах.

Он уходил от насыщенных цветов почти в монохром. Это сравнимо с мастерством музыканта, который может сыграть сложное произведение всего на двух струнах.

XVI век, Венеция

Близкородственные оттенки, следуя друг за другом, нагнетают драматизм. А сам цвет, имитирующий желтый блеск луны, подчеркивает скорбь и печаль события.

Теперь уберём цвет в работе Тициана.

Картина становится документальной. Вся эмоциональность из нее уходит, словно из картины высосали душу.

Колорит Тициана станет путеводной звездой для художников будущих поколений. Но лишь у одного из них 100 лет спустя получится его превзойти.

Не буду скрывать, что речь в следующем письме пойдёт о Рембрандте.

[isskustvoved]

Венера Урбинская. 5 удивительных фактов о шедевре Тициана

Венера Урбинская (1538) – один из шедевров Тициана. Поэтому так интересно узнать, кто же позировал художнику?

А знаете ли вы, что она является прототипом Махи обнаженной Гойи и скандальной Олимпии Эдуарда Мане?

Более того, это не единственная Венера Тициана. Теперь подробнее.

1. Венера Урбинская вовсе не богиня?

Венера Урбинская лежит на постели расслабленная. Красивая. Уверенная. Ее Тициан написал по заказу герцога Урбинского. В качестве подарка молодой жене.

Многое говорит о земном происхождении героини. Она лежит в обстановке богатого дома. Две служанки подбирают наряд для своей госпожи.

Раз такая земная обстановка, то может изображена реальная женщина? Кто же позировал Тициану?

Посмотрите, насколько Венера похожа на дочь Тициана. Неужели моделью была Лавиния?

Тициан. Портрет девушки (Лавиния). Фрагмент. 1545 г. Национальный музей Каподимонте в Неаполе, Италия. Starlightmasquerade.com

Но вряд ли любящий отец стал бы просить дочь позировать обнаженной. Он слишком берег ее репутацию. 6 лет выбирал ей жениха. Пока не выдал за богатого дворянина.

Сходство мы можем найти и с матерью заказчика. С Элеонорой Гонзага. Тем более, что рядом с Венерой – точно такая же собачка.

Тициан. Элеонора Гонзага. 1538. Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Wikimedia Commons.

Нет, вряд ли аристократка согласилась позировать обнаженной.

Есть ещё одна претендентка на роль Венеры.

Незадолго до создания Венеры Урбинской жизнь художника изменилась. Он долгое время жил затворником. Но вот каждый вечер к Тициану стала приезжать некая особа. Ее образ стал появляться на его картинах. В том числе мы видим ее на полотне из Эрмитажа.

Тициан. Портрет молодой женщины. 1536 г. Государственный Эрмитаж, г. Санкт Петербург. Hermitagemuseum.org

Вряд ли для Венеры художнику позировала конкретная женщина. Скорее Тициан создал собирательный образ. И наделил этот образ чертами идеальной для него женщины.

Поэтому похожие черты проскальзывают у многих дам. И у дочери. И у заказчицы. И у возлюбленной.

2. У Венеры Урбинской была предшественница

За 30 лет до создания Венеры Урбинской, Джорджоне начал писать свою обнаженную богиню. Но не успел ее закончить. Он умер от чумы.

Тициан, его друг, дописал несколько картин Джорджоне. В том числе его Венеру.

Джорджоне. Венера спящая. 1510 г. Галерея старых мастеров, Дрезден.

Очевидно, что Тициан воспользовался образом, когда-то созданным. Что это? Плагиат?

Вряд ли. Тициан был слишком великим художником, чтобы заимствовать чужие сюжеты и образы. Его фантазии и смелости хватило бы на нескольких художников.

Может, это дань уважения к своему гениальному другу? Возможно. Причём Тициан не боялся затмить шедевр Джорджоне.

Они похожи лишь позами. В остальном они такие же разные, как день и ночь. Как зима и лето. Венера Тициана более реальная, земная. Венера Джорджоне – более невесомая, невинная.

3. Венера Тициана, как вдохновительница Гойи и Мане

Венера Урбинская – истинное создание Эпохи Возрождения. Именно в эту эпоху появляется этическая нагота. Вроде как женщина голая. Но она не обычная женщина. Она богиня. А богине можно представать перед зрителями без одежды. Никто ее за это не осудит.

После Тициана таких красавиц, которым было позволено быть обнаженными, создавалось великое множество.

Эту традицию прервал Гойя. Он написал обнаженную красавицу. Но богиней она не являлась. Она была махой. Гордой и страстной горожанкой из бедного квартала.

Франсиско Гойя. Маха обнаженная. 1795-1800 гг. Музей Прадо, Мадрид.

Но во времена Гойи работу широкая публика не видела. В Испании негласно правила инквизиция. Изображение наготы было под запретом.

Маха была создана под заказ влиятельного министра. Он демонстрировал ее лишь избранным.

А вот Эдуард Мане пошёл дальше. Он первым написал обнаженную женщину земного происхождения. И выставил ее на всеобщее обозрение. Публика была в шоке.

Эдуард Мане. Олимпия. 1863 г. Музей Д’Орсе, Париж.

Мало того, что это была не богиня. Это была проститутка. Реальная. Не идеализированная. Да ещё эта чернокожая служанка с цветами от клиента. И чёрный кот.

Скандал был невероятный. И то, что Мане вдохновился Венерой Тициана, ему не помогло. Его Олимпию поливали грязью и осмеивали.

Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 15 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.

4. Венера Тициана – воплощение идеальной красоты Ренессанса

Красавицы Эпохи Возрождения – почти все обладательницы светлых волос. Хотя это итальянки. От природы темноволосые.

Однако они шли на хитрость. Смазывали волосы специальным раствором с лимоном. Несколько часов держали голову на открытом солнце. Волосы выгорали и приобретали светлый оттенок.

Тициан. Любовь земная �� любовь небесная. 1514 г. Галерея Боргезе, Рим

Светлые волосы и у Венеры Урбинской. До сих пор есть такой оттенок волос под названием “Тициановский”.

Венера Урбинская – идеал женской красоты Эпохи Возрождения. Нам он тоже близок. Так как мода на высокий лоб осталась позади. В 15 веке. Когда женщины выбривали себе волосы поверх лба, чтобы зрительно его увеличить. Если бы мода сохранилась, вряд ли бы Венера Урбинская нам понравилась.

Жан Фуке. Маленький диптих. Богоматерь с младенцем. 1450 г. Королевский музей изящных искусств, Антверпен

Посмотрите на Агнессу Сорель, фаворитку короля. Она изображена в образе Богоматери на картине Жана Фуке. Она была женщиной красивой. Однако она нам таковой не кажется. Из-за бритой верхней части головы.

Маленькая упругая грудь, пышные бёдра тоже были признаками особой красоты. Коими Венера Урбинская обладает.

Большую грудь вы не увидите у Тициана. Да и у других художников 16-19 веков. Ни у Рубенса, ни у Энгра. Мода на большую грудь появится лишь в 20 веке.

5. Ещё одна Венера Тициана

Тициан. Венера перед зеркалом. 1555 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Почти через 20 лет Тициан создаст другую Венеру. Венеру перед зеркалом. Пышнотелая блондинка. Пухленькие ангелочки. Роскошные ткани. Ничего вам это не напоминает? Конечно, это стиль барокко. Манера Рубенса и Джентилески.

Тициан умудрился за одну свою жизнь поработать в разных эпохах. Но это неудивительно. Он был слишком талантлив. Да ещё и прожил почти 100 лет.

С “Венерой перед зеркалом” Тициан никогда не расставался. Она служила образцом для копий его учениками. Эта Венера когда-то хранилась в Эрмитаже. В 1920-е годы была продана советским правительством. Увы…

О другом шедевре мастера читайте в статье «Вакх и Ариадна. Герои и и символы картины Тициана».

[isskustvoved]

Вакх и Ариадна. Герои и символы на картине Тициана

Насладиться картиной, написанной на мифологический сюжет, не так-то просто. Ведь для начала важно разобраться в ее героях и символах.

Конечно, все мы слышали, кто такая Ариадна и кто такой Вакх. Но, возможно, запамятовали, почему они встретились. И кто все остальные герои на картине Тициана.

Поэтому предлагаю для начала разобрать картину «Вакх и Ариадна» по кирпичикам. А уж потом насладиться ее живописными достоинствами.

Тициан. Вакх и Ариадна (путеводитель по картине). 1520-1523 г. Национальная лондонская галерея

1. Ариадна.

Дочь критского царя Миноса. А Минотавр – ее брат-близнец. Они не похожи, но единоутробны.

Минотавр, в отличие от своей сестры, был монстром. И каждый год съедал по 7 девушек и 7 юношей.

Понятно, что жителям Крита это надоело. Они призвали на помощь Тесея. Он справился с Минотавром в лабиринте, в котором тот обитал.

Но выбраться из лабиринта ему помогла как раз Ариадна. Девушка не устояла перед мужественностью героя и влюбилась.

Она дала своему любимому клубок ниток. По нитке Тесей и выбрался из лабиринта.

После этого молодая пара сбежала на остров. Но по какой-то причине девушка быстро разонравилась Тесею.

Что ж, видимо сначала он не мог не отплатить благодарностью за ее помощь. Но потом понял, что не может полюбить.

Он оставил Ариадну одну на острове. Вот такое коварство.

2. Вакх

Он же Дионис. Он же Бахус.

Бог виноделия, растительности. А ещё театра. Может поэтому его выпад в сторону Ариадны так театрален и манерен? Не удивительно, что девушка так отпрянула.

Вакх на самом деле спас Ариадну. Будучи в отчаянии от того, что ее бросил Тесей, она была готова покончить жизнь самоубийством.

Но Вакх увидел ее, влюбился. И в отличие от вероломного Тесея, решил на девушке жениться.

Вакх был любимым сыном Зевса. Ведь тот сам его выносил в своем бедре. Поэтому не смог отказать ему, и сделал его жену бессмертной.

За Вакхом следует его развеселая свита. Вакх славился тем, что проходя мимо, он избавлял людей от бытовых неурядиц и заставлял их почувствовать радость жизни.

Ничего удивительного, что его свита пребывала все время в таком экстазе веселья.

3. Пан

Мальчик Пан – Бог пастушества и скотоводства. Поэтому он тянет за собой отрубленную голову телёнка или осла.

Земная мать отказалась от него, испугавшись его вида при рождении. Отец Гермес отнёс младенца на Олимп.

Мальчик очень понравился Вакху, так как без перерыва танцевал и веселился. Так он и попал в свиту Бога виноделья.

На мальчика-пана лает кокер-спаниель. Эту собачку тоже часто можно увидеть в свите Вакха. Видимо, лесная ватага любит этого питомца за его веселый нрав.

Приглашаю Вас в онлайн-галерею. Я, создатель этого сайта, помогу Вам подобрать картину. Полотна и их описания смотрите по ссылке.

4. Силен со змеей

Силены были детьми Сатиров и Нимф. От отцов козлиные ноги им не доставались. Красота их матерей перебила этот ген. Но часто Силена изображают с повышенной волосатостью.

Этот же вовсе не волосатый. Видимо мама-нимфа была особенно хороша.

Еще он чем-то похож на Лаокона. Этот мудрый человек уговаривал жителей Трои не завозить троянского коня в город. За это Боги наслали на него и его сыновей огромных змей. Те их и задушили.

На самом деле ещё в текстах древнеримских поэтов Силены часто описывались нагими и обвитыми змеями. Это вроде как украшение, слияние с природой. Все-таки они лесные жители.

5. Силен волосатый

У этого Силена видимо гены папы-Сатира были помощнее. Поэтому козлиная шерсть густо покрывает его ноги.

Над головой он трясёт телячьей ногой. Пир же все-таки. Вместо одежды – листья. Вполне к лицу лесному существу.

6 и 7. Вакханки

По названию уже понятно, что эти дамы были истовыми поклонницами Вакха. Сопровождали его на многочисленных пирах и оргиях.

Несмотря на свою миловидность, эти девушки были кровожадны. Именно они однажды растерзали бедного Орфея.

Он пел песню о богах, но забыл упомянуть Вакха. За что и поплатился от его преданных спутниц.

Эмиль Бен. Смерть Орфея. 1874 г. Частная коллекция

8. Пьяный Силен

Силен, пожалуй, самый популярный персонаж из свиты Вакха. Судя по его виду, он дольше всех пребывает в свите Бога разгулья.

Ему уже за 50, он с лишним весом и всегда встельку пьян. Так пьян, что почти без чувств. Его посадили на осла и поддерживают другие сатиры.

Тициан изобразил его позади процессии. Но другие художники часто изображали его на первом плане, рядом с Вакхом.

Вот у Вазари пьяный, обрюзгший Силен сидит у ног Вакха, не в силах оторваться от кувшина с вином.

Джорджо Вазари. Триумф Вакха. Около 1560 г. Радищевский музей, Саратов

9. Созвездие «Корона»

По просьбе Вакха Гефест, Бог-кузнец, сделал для Ариадны венец. Это был подарок на свадьбу. Именно этот венец и превратился в созвездие.

Тициан изобразил его и правда в виде венца. Настоящее же созвездие не просто так называется «Корона». С одной стороны оно не замыкается в кольцо.

Это созвездие можно наблюдать на всей территории России. Лучше всего его видно в июне.

10. Корабль Тесея

Еле заметный кораблик слева картины принадлежит тому самому Тесею. Он безвозвратно покидает бедную Ариадну.

Живописные премудрости картины Тициана

Тициан. Вакх и Ариадна. 1520 г. Национальная лондонская галерея

Теперь, когда герои все расшифрованы, можно и живописные достоинства картины разобрать. Вот самые важные из них:

1. Динамика

Тициан показал фигуру Вакха в динамике, «заморозив» его в прыжке с колесницы. Это большое новаторство для Эпохи Возрождения. До этого герои чаще просто стояли или сидели.

Мне такой полет Вакха чем-то напомнил «Мальчика, укушенного ящерицей» Караваджо. Он был написан 75 лет спустя после «Вакха и Ариадны» Тициана.

Караваджо. Мальчик, укушенный ящерицей. 1595 г. Национальная лондонская галерея

И только после Караваджо это новаторство приживётся. И динамика фигур будет важнейшим атрибутом Эпохи Барокко (17 век).

2. Цвет

Посмотрите, какое у Тициана ярко-синее небо. Художник использовал ультрамарин. Для того времени – очень дорогая краска. Она подешевела лишь в начале 19 века, когда ее научились производить в промышленных масштабах.

Но Тициан писал картину по заказу Герцога Феррары. Тот видимо и давал денег на подобную роскошь.

Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 14 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.

3. Композиция

Композицию Тициан выстроил тоже интересно.

Картина делится по диагонали на две части, два треугольника.

Верхняя левая часть – небо и Ариадна в голубом одеянии. Правая нижняя часть – зелено-желтая палитра с деревьями и лесными божествами.

А между этими треугольниками – Вакх, как скрепа, с развевающейся розовой накидкой.

Такая диагональная композиция, тоже новаторство Тициана, будет чуть ли не главным видом композиции всех художников Эпохи Барокко (спустя 100 лет).

4. Реализм

Обратите внимание, как реалистично Тициан изобразил гепардов, запряженных в колесницу Вакха.

Это очень удивительно, потому что в то время не было зоопарков и уж тем более энциклопедий с фотографиями животных.

Где же Тициан видел этих животных?

Могу предположить, что он видел зарисовки путешественников. Все-таки он жил в Венеции, для которой внешняя торговля была главным делом. И людей путешествующих в этом городе водилось немало.

***

Эту необычную историю любви и предательства писали многие художники. Но именно Тициан рассказал ее по-особенному. Сделав ее яркой, динамичной и захватывающей. И нам пришлось лишь немного постараться, чтобы раскрыть все секреты шедевральности этой картины.

О другом шедевре мастера читайте в статье «Венера Урбинская. 5 удивительных фактов о картине Тициана».

[isskustvoved]

Леонардо да Винчи – самый известный художник в мире. Что само по себе удивительно. Насчитывается всего 19 сохранившихся картин мастера. Как такое возможно? Два десятка работ делает художника самым великим?

Все дело в самом Леонардо. Он один из самых необычных людей, когда-либо рождённых. Изобретатель различных механизмов. Первооткрыватель многих явлений. Виртуозный музыкант. А ещё картограф, ботаник и анатом.

В его записях мы находим описания велосипеда, подводной лодки, вертолета и танкера. Не говоря уже о ножницах, спасательном жилете и контактных линзах.

Его новаторства в живописи тоже были невероятны. Он одним из первых начал использовать масляные краски. Эффект сфумато и светотеневую модулировку. Он первым вписал фигуры в пейзаж. Его модели на портретах стали живыми людьми, а не раскрашенными манекенами.

Вот лишь 5 шедевров мастера. Которые демонстрируют всю гениальность этого человека.

1. Мадонна в скалах. 1483-1486.

Леонардо да Винчи. Мадонна в скалах. 1483-1486. Лувр, Париж. Wikimedia.commons.org

Юная дева Мария. Миловидный Ангел в красном плаще. И два упитанных ребёнка. Святое семейство с младенцем Иисусом возвращались из Египта. По пути встретив маленького Иоанна Крестителя.

Это первая картина в истории живописи, когда люди изображены не перед пейзажем, а внутри него. Герои сидят у воды. Позади скалы. Настолько старые, что больше похожи на сталактиты.

«Мадонну в скалах» заказали монахи братства Святого Франциска для одной из миланских церквей. Но заказчики были не довольны. Леонардо затянул со сроками. Еще им не понравилось отсутствие нимбов. Смутил их и жест ангела. Почему это его указательный палец направлен на Иоанна Крестителя? Ведь младенец Иисус главнее.

Леонардо продал картину на стороне. Монахи рассердились и подали в суд. Художника обязали написать новую картину для монахов. Только с нимбами и без указывающего жеста ангела.

По официальной версии так появилась вторая “Мадонна в скалах”. Почти идентичная первой. Но есть в ней кое-что странное.

Леонардо да Винчи. Мадонна в скалах. 1508. Национальная галерея Лондона.

Леонардо тщательно изучал растения. Даже сделал ряд открытий в сфере ботаники. Именно он понял, что древесный сок играет ту же роль, что и кровь в жилах человека. Еще догадался определять возраст деревьев по кольцам.

Поэтому не удивительно, что на Луврской картине растительность реалистична. Именно такие растения произрастают во влажном затемнённом месте. А вот на второй картине флора выдуманная.

Как Леонардо, столь правдивый в изображении природы, вдруг решил пофантазировать? В отдельно взятой картине? Немыслимо.

Думаю, Леонардо было не интересно писать вторую картину. И он поручил сделать копию своему ученику. Который явно в ботанике не разбирался.

2. Дама с горностаем. 1489-1490.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490. Музей Черторыйских, Краков. Wikimedia.commons.org

Перед нами юная Чечилия Галлерани. Она была любовницей правителя Милана, Людовико Сфорца. При дворе которого служил и Леонардо.

Улыбчивая, добродушная и умная девушка. Она была интересной собеседницей. Часто и подолгу они с Леонардо беседовали.

Портрет очень необычный. Современники Леонардо писали людей в профиль. Здесь же Чечилия стоит в три четверти. Развернув голову в противоположную сторону. Как будто она оглянулась на чьи-то слова. Такой разворот делает линию плеч и шею особенно красивыми.

Увы, мы видим портрет в изменённом виде. Кто-то из владельцев портрета затемнил фон. У Леонардо он был светлее. С окном за левым плечом девушки. Два нижних пальца ее руки также переписаны. Поэтому они выгнуты неестественно.

Стоит рассказать и о горностае. Такой зверёк кажется нам диковинкой. Современному человеку было бы привычнее увидеть в руках девушки пушистую кошку.

Но для 15 века именно горностай был обычным зверьком. Их держали для ловли мышей. А кошки как раз были экзотичны.

3. Тайная вечеря. 1495-1498.

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря. 1495-1498. Монастырь Санта-Мария-делле-Грация, Милан

Фреску “Тайная вечеря” заказал тот же Людовико Сфорца по просьбе своей жены Беатриче д’Эсте. Увы, она умерла совсем молодой при родах. Так и не увидев роспись завершённой.

Герцог был вне себя от горя. Осознав, насколько дорога ему была жизнерадостная и красивая супруга. Тем больше он был благодарен Леонардо за проделанную работу.

Он щедро рас��латился с художником. Вручив ему 2000 дукатов (на наши деньги это около 800 тыс. долларов), а также передав ему во владение большой участок земли.

Когда фреску смогли увидеть жители Милана, изумлению не было предела. Апостолы отличались не только внешне, но и своими эмоциями и жестами. Каждый из них реагировал по-своему на слова Христа “Один из вас предаст меня”. Ещё никогда индивидуальность персонажей не была так ярко выражена, как у Леонардо.

Есть у росписи ещё одна удивительная деталь. Реставраторы установили, что тени Леонардо написал не серым или чёрным цветом, а синим! Это было немыслимо вплоть до середины XIX века. Когда цветными тени стали писать импрессионисты.

Леонардо да Винчи. Фрагмент “Тайной вечери”. 1495-1498. Монастырь Санта-Мария-делле-Грация, Милан

На репродукции это не так отчётливо видно, однако состав краски говорит сам за себя (синие кристаллы ацетата меди).

О других необычных деталях росписи читайте в статье “Тайная вечеря” Леонардо. Путеводитель по шедевру”.

4. Мона Лиза. 1503-1519.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519. Лувр, Париж. Wikimedia.commons.org

На портрете мы видим Лизу Герардини, жену флорентийского торговца шёлком. Эта версия официальная, но сомнительная.

До нас дошло одно любопытное описание этого портрета. Оставлено оно учеником Леонардо, Франческо Мельци. И под это описание луврская дама совсем не подходит. Об этом я подробно писала в статье “Загадка Моны Лизы, о которой мало говорят”.

Сейчас рассматривается ещё одна версия о личности женщины. Это может быть портрет любовницы Джулиано Медичи из Флоренции. Она родила ему сына. И вскоре после родов умерла.

Джулиано заказал Леонардо портрет специально для мальчика. В образе идеальной матери-Мадонны. Леонардо писал портрет со слов заказчика. Примешав к ним черты своего ученика Салаи.

Поэтому Флорентийская дама так похожа на “Иоанна Крестителя” (смотрите следующую картину). Для которого позировал все тот же Салаи.

В этом портрете метод сфумато раскрыт максимально. Еле уловимая дымка, создающая эффект растушеванных линий, делает Мону Лизу почти живой. Кажется, что её губы сейчас разомкнуться. Она вздохнёт. Грудь преподнимется.

Портрет так и не был отдан заказчику. Так как в 1516 году Джулиано умер. Леонардо увёз его во Францию, куда его пригласил король Франциск I. Он до последнего дня продолжал работать над ним. Почему же так долго?

Леонардо совсем по-другому воспринимал время. Он первым начал утверждать, что Земля гораздо старше, чем принято думать. Он не верил, что ракушки в горы занёс библейский потоп. Осознав, что на месте гор было когда-то море.

Поэтому для него было обычным делом писать картину десятки лет. Что такое 15-20 лет по сравнению с возрастом Земли!

5. Иоанн Креститель. 1514-1516.

Леонардо да Винчи. Святой Иоанн Креститель. 1513-1516. Лувр, Париж. wga.hu

“Иоанн Креститель” вызывал недоумение у современников Леонардо. Глухой тёмный фон. Тогда как даже сам Леонардо любил располагать фигуры на фоне природы.

Из мрака выступает фигура святого. А святым его назвать сложно. Все привыкли к пожилому Иоанну. А тут миловидный юноша многозначно наклонил голову. Нежное прикосновение руки к груди. Ухоженные локоны волос.

В последнюю очередь думается о святости, когда смотришь на этого женоподобного мужчину в шкуре леопарда.

Вам не кажется, что эта картина как будто вовсе не принадлежит Эпохе Возрождения? Это скорее 17 век. Манерность героя. Театральные жесты. Контраст света и тени. Все это родом из Эпохи Барокко.

Леонардо заглянул в будущее? Предсказав стиль и манеру живописи следующего столетия.

[isskustvoved]

XVI век, Италия

Всего лишь 19 дошедших до нас полотен делают его самым известным художником!

Он так популярен, что мы знаем даже утраченные его полотна. Одно из них Вы видели в задании прошлого письма - это копия картины «Леда и лебедь», сделанная его учеником Мельци.

Франческо Мельци. Леда и Лебедь. 1515 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Конечно, речь идёт о Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Но раз уж мы говорим об истории живописи, расскажу о его главном достижении.

Вспомните «Венеру» Боттичелли. Я о ней писала в прошлом письме. Она прекрасна, но почти безжизненна. Такими же были и портреты художника.

Cандро Боттичелли. Портрет молодой женщины. 1485 г. Музей Штедель, Франкфурт-на-Майне.

Леонардо это не устраивало. Исследовательский ум взял верх. Он захотел сделать портрет живым.

Для этого он предпринял вот что:

Леонардо отказался от темперных красок.

Темпера непрозрачна, и ее накладывают одним слоем. Поэтому портреты Боттичелли похожи на раскраску. Хоть и очень качественную.

Масляную же краску можно накладывать слоями. Один слой просвечивает через другой - кожа как бы светится изнутри. Уже весьма жизненно.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

Леонардо изобразил человека в более сложной позе и добавил эмоций.

До него людей чаще изображали в строгий профиль с застывшим лицом.

Убрал лишние детали, чтобы ничто не отвлекало от лица и рук.

Никаких бусинок и вышивок.

Изобрёл сфумато.

Это вообще за гранью реальности!

Вы когда-нибудь пробовали рассмо��реть Мону Лизу в сильном приближении? Чтобы глаз на весь экран. Или губы.

Каюсь, только недавно это сделала. И застыла в полном недоумении.

Более того, когда исследователи сделали рентген «Моны Лизы», то тоже не увидели ни одного мазка.

Зато обнаружили кое-что невообразимое!

30 тончайших слоёв краски. Вы даже представить не можете, насколько тонких. В 1 микрометр! Для сравнения: диаметр человеческого волоса — 80 микрометров.

Если честно, я на какое-то мгновение решила, что Леонардо — инопланетянин. Он оставил нам послание с помощью техники, которую никто из людей не может повторить.

Но нет, вроде он был человеком. И в 21 веке его технику СФУМАТО все-таки разгадали.

Оказалось, что мазки там есть.

Но каждый мазок ... длиной в одну сороковую миллиметра!

Леонардо с помощью лупы наносил сеть вот таких микроштрихов кистью, а потом уже клал слой тончайшей краски. И так 30 раз: слой штрихов, слой краски.

Так получилось живописное волшебство. Мягчайшие переходы от цвета к цвету. Ощущение, что женщину обволакивает воздух. Тончайшие тени.

Отсюда загадочность «Моны Лизы». Не просто так вам кажется, что она сейчас вздохнёт и заговорит.

Леонардо поднял портретную планку на невероятную высоту. Всем остальным был задан именно этот путь - к реалистичности и жизненности.

Без Леонардо живопись бы развивалась другим путём. Путём Боттичелли - главенства линий и деталей.

Поэтому Боттичелли и был надолго забыт, так как не его творчество, а Леонардо стало когда-то авангардным.

Техники Да Винчи подхватил ещё один художник XVI века, добавив один важный ингредиент.

А теперь задание.

О каком художнике я расскажу в следующем письме? И что это за новый ингредиент, который он привнёс?

В качестве подсказки - его работа из коллекции Музея истории искусств в Вене.