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Tampopo
Es la tercera vez que he visto Tampopo y con proyección, me sigo riendo de los mismos chistes, aprendo sobre las técnicas cinematográficos que Juzo Itami empleó en este largometraje y la disfruto en su totalidad. La primera vez que la vi, no me esperaba que fuera realmente chistosa, pero a la vez muy poética, todo esto gracias al uso de la gastronomía como un puente narrativo que conecta a la historia de Tampopo y su mejoramiento de habilidades culinarias con pequeños segmentos de la vida de varios ciudadanos.
Nuestra protagonista, Tampopo evoluciona totalmente, de principio a fin de la película, de ser una mujer que solamente en su restaurante y tener habilidades niñas de preparar Ramen, se convierte en una mujer preocupada por su entorno, su psicología y ser la mejor cocinera de Ramen de su alrededor. La escena en la que me impresioné más, por cómo Itami construye la secuencia, con ayuda del montaje, fue cuando visualizamos una pesadilla que experimenta Tampopo, pero nosotros, como la audiencia, no sabemos que es una pesadilla sino creemos que es la línea temporal de la vida de Tampopo hasta que la reacción de la protagonista nos dice que lo que hemos visto, solamente era un sueño. Es una construcción totalmente sutil que debe ser más apreciado.
El sketch en el que lloro de la risa es la secuencia de una clase de etiqueta para mujeres, donde estas aprendiendo como comer fideos de una manera sofisticada. La burla que Itami construye alrededor de la misma comida y cómo debería de ser comida es excelente, en tan menos de cinco minutos genera una historia completa, introducción de los personajes, conflicto y la resolución. Es impresionante lo buen manejado que no sólo esta pequeña escena está sino esta estructura se repite durante todos los sketches que se presentan. La mujer que aplastara los duraznos en el supermercado, la junta de empresarios, la muerte de una madre de familia y, por último, la vida sexual y amorosa de una pareja en donde vemos la muerte del hombre, en el que sus últimos diálogos también se relacionan con la comida. Una construcción tanto narrativa como de personas, espectacular.
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Distant Voices, Still Lives
Desde que empieza, Terence Davies postula el factor más importante de su trabajo, los recuerdos rigen no solamente a la vida del individuo sino a la vida de una familia misma. Sin los recuerdos, no nos podemos formar como seres humanos, vaya, no seríamos nadie. El realizarlo como un musical genera una cierta simpatía ante los personajes que son introducidos al principio, una familia que es desafiada por la figura del padre. Provocando la formación de personalidades específicas en sus hijos.
La narrativa no es lineal, gracias a esta temática de los recuerdos y la adopción de edición en la que no escuchamos el audio del cuadro correspondiente al que estamos viendo genera una cierta participación de la audiencia en la que ellos tiene que reconstruir los recuerdos. Con el objetivo de crear tu estructura acerca de esta misma familia.
No sé si la vi de manera correcta, pero esta misma estructura de narrativa no es tradicional, es decir, no se presentan un inicio, clímax y resolución del conflicto. Sino es una pieza de una familia que trata de sobrevivir a la misma Segunda Guerra Mundial y sus consecuencias.
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Walkabout
Justo en el primer cuadro, Nicolas Roeg logra introducir el tema que maneja el largometraje, la evolución ante el humano por parte de su formación gracias al entorno en el que vive; el factor con mayor importancia, la comunicación entre individuos. Un montaje que viene y va a dos lugares totalmente distintos, la ciudad y el desierto de Australia. Roeg expresa no sólo una comparación y contraste de estos dos mundos sino avienta ideas hacia la audiencia del como se estructurará su película, que ideas principales quiere manejar y, más importante, nuestros protagonistas.
El elemento que me fascinó de esta película fue la fotografía, Roeg, el mismísimo fotógrafo de la película, captura la esencia del desierto, aspectos que todos conocemos por cultura general, pero entra a detalle a características totalmente bellas que mucha gente no conoce de este entorno. Tan sólo la toma de los pies de nuestros protagonistas pisando una hierba saliendo de la arena nos resume la narrativa de Roeg, dos comunidades, diferenciadas por su entorno, siguen un camino con solamente una dirección, hacia delante, el sobrevivir.
Subrayando estas ideas, hay escenas como la caza de canguros, convivencia entre los personajes y una gran secuencia en la que unos nativos entran en contacto con un automóvil oxidado; la interacción de estos dos mundos montado en una edición con características de Nueva Ola.
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El Verdugo
La primera vez que vi esta película, se convirtió en una de mis comedias favoritas, todo gracias al protagonista del largometraje, José Luis, aunque no es una película de endureceos parece que José Luis logra hacerlo gracias a la vida que quiere adoptar, las consecuencias que este pensamiento logra y no buscaba. Salir de la casa de su hermano y su esposa , con sus hijos, acaba en el inicio de su trayecto como el siguiente Verdugo de la familia.
Hay dos secuencias que son mis favoritas en toda la película, la primera es la escena de la boda entre José Luis y Carmen, en el que, sutilmente, va generando y acumulando las risas ya que la misma iglesia en el que se esta celebrando el enlace matrimonial no promueve este matrimonio, apagando las velas del templo, reiterando la alfombra, apresurando la ceremonia, moviendo de un lado al otro a los novios, etc. En verdad, se me salieron las lágrimas, solamente las primera vez que la ví, sino también en esta vez.
La segunda escena es cuando a José Luis lo están guiando para que cometa su oficio como verdugo en Playa de Mallorca y se niega una y otra vez hasta que lo tiene que arrastrar, tanto así que, en lugar de ayudar al ejecutado, ayudan al verdugo. Lo que cabe de recalcar en esta secuencia es que se compone de un plano secuencia que empieza desde la salida de todo el personal de la cárcel hasta un plano general picado, una toma excepcional, técnica y cómicamente.
Son de las pocas películas que vería otra vez, cada 6 meses no solamente para reír por 90 minutos sino también para aprender del género dramático de la farsa.
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Stromboli
Primera colaboración entre Rossellini y Bergman, este largometraje nos introduce ante una idea en la que el director italiano ha sido relacionado, un neorrealismo proyectado, en este caso, sobre la vida de una mujer y su liberación ante un encarcelamiento que la vida misma interpone, cabe mencionar que incluso, al final de la película, Rossellini nos deja dudar si esta liberación llega para nuestra protagonista, Karin; todo esto bajo una secuencia verdaderamente bella entre el humo del volcán de la isla, la lucha y los sentimientos encontrados ante una catarsis que te ahoga y te hace reflexionar sobre si en verdad llegará la libertada y la gran actuación de Bergman.
Karin es una de los tantos refugiados de la Segunda Guerra Mundial que busca salir adelante en la conclusión de ésta misma, no logra obtener una visa para vivir en Argentina, busca una alternativa, casarse. Esto es uno de los primeros factores, en la que la búsqueda de la emancipación, que dan surgimiento a una lucha. Karin no es un personaje que piensa en el futuro sino solamente en el ahora y cómo el presente podrá ayudarla en formar su camino hacia la libertad, reflejado inclusive en el final ya mencionado.
Rossellini logra captar la soledad, no sólo de Karin, sino de la isla de Stromboli también con unos encuadres espectaculares en varias secuencias, como cuando Bergman está en la playa o la gran secuencia de los pescadores de atún, el cual intercala con close ups de las reacciones de Bergman o las grandes secuencias de la erupción del volcán y el desastre en el pueblo.
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Zazie dans le métro
Louis Malle encapsula a la corriente de la Nouvelle Vague solamente en un largometraje, pero al mismo tiempo, actualmente no es totalmente considerada como una película que corresponde dentro de este grupo cinematográfico, la verdad... aún no sé la respuesta. Al mismo tiempo, Zazie, desde sus primeros minutos, logra establecer su tono, una comedia fársica de la sociedad francés en los 60′s y su capital, Francia. Se puede decir que este trabajo es una rebelión ante el cine que se debía hacer, un argumento de lo que necesitas hacer como artista.
Antes de haber visto Zazie dans le métro, ya conocía dos trabajos de Malle, Ascenseur por l’échafaud y Au revoir les enfants, por lo tanto, me esperaba un trabajo totalmente diferente a lo que es realmente Zazie. Mis expectativas no fueron encontradas, pero este gran giro de 180º provocó que me divirtiera demasiado al ver esta película.
Lo ridículo en la utilización de cortes en cada toma y la verosimilitud de lo ilógico que propone Malle en este mundo caótico, logra que sea una de las películas con mayor utilización de recursos cinematográficos con gran eficacia. El aspecto de que esta película sea un desastre totalmente ordenado logra que se considere como un trabajo muy pulido.
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Matka Joanna od Aniolów
Jerzy Kawalerowicz creó una bellísima obra de arte, para mí, fue la fotografía que logró que este largometraje fuera una de mis películas favoritas del curso. El uso de la escala de grises, no sólo para representar al Diablo y los súbditos de Dios, sino también hacer el contraste de lo que se podría considerar a alguien puro y alguien que está endemoniado. Por ejemplo, el juego entre el blanco de los hábitos de las monjas y el tener demonios adentro, un juego simple, pero que, honestamente, a poca gente se le hubiera podido ocurrir. La fotografía logra que el convento, en donde la mayoría de la historia toma lugar, sea totalmente de horror, y esto se puede apreciar en la gran escena en donde las monjas están acostadas, boca arriba, en suelo, brazo abiertos y sus hábitos totalmente blancos, logrando este mismo contraste increíble entre el blanco y gris obscuro. Otro aspecto de fotografía y actuación es el rompimiento de la cuarta pared, el cual subraya el tono de una película de horror y suspenso, ya que crea en la audiencia cierta incomodidad.
Es bastante famoso este hecho, la posesion en un convento en el que todas las monjas que lo habitan han sido poseídas por demonios es un evento que se ha representado en varios proyectos, ya sean cinematográficos o literarios. Kawalerowicz adoptó un tono un poco cómico no solo para crear un ambiente de suspenso sino que también para establecer que las películas con algún tema religioso no tiene que ser totalmente melodramático o que la misma religión tenga que ser un dogma y no ser criticado.
Kawalerowicz discute el tema del amor y qué es lo que postula la religión ante ello. Se debe de amar al prójimo, pero las monjas y los sacerdotes deben de cumplir un voto de celibato para poder ser nobles a Dios. Esta contradicción se sustenta con la misma presencia de los demonios en las monjas y es una idea que el director deja abierto para la interpretación de la audiencia.
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Lektionen in Finsternis
Herzog no considera este trabajo como un documental, sino como un proyecto de ciencia ficción, y por una parte esto es verdad gracias a a todas las imágenes montadas de la zona petrolera de Kuwait que muestran una característica del planeta totalmente inolvidable y asombran para el ojo humano.
Planos aéreos que recorren una gran zona que te logran determinar la extensión de estos pozos petroleros impresionantes y de los fuegos que derivan de ellos son excepcionales. Seguimos una narrativa de un equipo de bomberos, el cual su misión es extinguir estas fuentes de fuego. Vemos un proceso largo y elaborado, una técnica impresionante y totalmente arriesgada, pero Herzog, finalmente, no los quiere representar, totalmente, como héroes, esto gracias al final que utiliza.
Nos muestra el descaro de este equipo de bomberos, ya que logran extinguir la fuente, pero al momento de irse, nuevamente inician el fuego, un cambio de tono, en el cual la transición de tono se logra en solamente segundo, de uno heroico a cínico.
Por último, no hay que dejar de pasar la banda sonora que Herzog utiliza a lo largo de todo el largometraje, acentuando esta característica de ciencia ficción, logrando que el espectador visualice una parte del mundo que, tal vez, jamás conocerá, pero que este trabajo logra poder adentrarlo y dejar que viva en él.
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Fata Morgana
Werner Herzog es conocido por ser uno de los grandes aportadores al género fílmico del documental, justamente en esta película, Herzog demuestra su gran capacidad de crear una línea narrativa surrealista, pero sin el uso de un mundo o un conflicto de ficción, un aspecto totalmente destacable, el expresionismo cinematográfico en su esplendor.
Acompañado de bellas tomas del desierto de Sahara y una gran selección de canciones como piezas de Leonard Cohen, Herzog utiliza la narración, con el fin de enfatizar el tema principal, la ilusión del humano, Fata Morgana de la existencia del hombre.
Se quiere representar lo cruel, despiadado y crudo de lo que se puede convertir una persona, creando, por ejemplo, una vida cíclica del avión y cómo este vehículo tendrá una vida demasiado prolongada, contaminando a la madre Tierra y el único responsable es el ser humano. La extinción de especies silvestres, gracias al hombre, la contaminación de ecosistemas, solamente nosotros.
Aunque Herzog no enumera, de manera directa, cada una de estas situaciones, podemos señalar estos argumentos con él contraste de imagen y audio. Un manejo maravilloso que Herzog utiliza en diferentes trabajos de su filmografía.
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Samba Traoré
Llámenlo ignorancia, pero nunca había escuchado el nombre de Burkina Faso en mi vida, y menos que hacían algún tipo de cine, así que cuando fue proyectado este largometraje mi atención estuvo al cien por ciento ya que quería prender no sólo de una perspectiva totalmente diferente a la vida que tengo, sino la voz artística de un país que no formaba parte de mi existencia hasta ahora.
Desde una de las primeras escenas, el robo a una tienda, Idrissa Ouedraogo logra llamar mi atención con una secuencia en la noche y una tensión totalmente elaborada en poco segundos, estableciendo verdaderamente el tono de toda la película, una tensión entre lo que conlleva la subconsciencia humana y cómo es afectada ante el entorno en donde se vive y los habitantes de éste.
Nuestro protagonista, Samba Traoré, trae bienestar y plenitud a su pueblo, pero el origen de cada una de sus acciones no se relaciona con los ideales que sus padres, y que el mismo pueblo en donde vive, trataron de enseñarle. Poco a poco las verdaderas intenciones de Samba Traoré surgen y las consecuencias ante cada una de ellas es encontrada.
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¡Alambrista!
Robert M. Young crea una narrativa acerca de los inmigrantes latinoamericanos en Estados Unidos y cómo da inicio a la decisión de abandonar a la familia con el fin de poseer una ayuda económica que no se logra encontrar en sus países natales correspondientes, la lucha no solamente de vivir en un lugar totalmente extranjero sino también la lucha de identidad de uno mismo es lo que discute Young, director de origen estadounidense que logró contar una historia mexicana con un gran éxito cinematográfico.
Robert M .Young, previo a este largometraje, se dedicó al documental, y este trabajo tiene tonos sobre este tipo de película, gracias a la dirección que Young adoptó. Todo totalmente grabado en locación, con actores novatos y una fotografía con, tal vez, planeación instantánea, pero con un gran cuidado en la composición.
Este es otro ejemplo en la cual la categoría como película “independiente” es una comparación con trabajos elaborados con el deseo total del director, transmitir un mensaje que no es visto totalmente por una audiencia general y quitar los filtros de simpatía y ternura, solamente impregnar el realismo en una película, ya sea una cruda realidad o un bello momento inesperado; ambos casos los podemos presenciar a lo largo de ¡Alambrista!
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Días de Santiago
Creo que justo por ser latinoamericanos, no apoyamos lo suficiente al cine latinoamericano, es una contradicción demasiado idiota, pero es la realidad. Creo que no queremos ver en el cine lo que es verdaderamente cercano a nosotros, aunque seamos cineastas que busca la realidad en la ficción.
Días de Santiago es un largometraje que narra la vida de un ex-militante que trata de integrarse nuevamente a la sociedad que pertenecía (?) antes de las guerrillas en Perú. Vemos el conflicto interno que nuestro protagonista, Santiago, tiene que vivir y, al mismo tiempo, sufrir, solamente para sobrevivir a la adaptación.
Lo que cabe destacar de este trabajo filmográfico es la categoría de película independiente, totalmente. Esto gracias al poco dinero que se pudo utilizar para su producción, pero esto logra que no hay límites para el cine, solamente se necesita la dedicación para hacerlo. El cambio constante en el montaje sobre la ausencia de saturación y el color muestra la personalidad de Santiago ante varias situaciones, cómo logra que el trauma de logra afectar a un individuo en su vida “normal”.
El montaje es lo que cabe destacar de esta película. El rompimiento de la cuarta pared, narrador en primera persona, el mismo juego de la saturación e incluso la exposición de varias versiones de un mismo evento, por ejemplo, cuando Santiago explica el poder invitar a alguien a bailar.
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Killer of Sheep
Charles Burnett logró elaborar una película que socialmente se necesitaba, a finales de los años 70; mientras se producían películas sobre la explotación de la raza negra demasiadas veces, lo que propuso Burnett es representar a los Estados Unidos de la edad contemporánea (70′s) y como la gente de esta raza tenía que sobrevivir para obtener una calidad de vida decente, pero al mismo tiempo viviendo en un entorno demasiado pobre.
Burnett narra la historia de Stan, quien trabaja en un matadero de ovejas, un trabajo que deshumaniza a un individuo gracias a la visualización constante de la muerte, y esto es una metáfora directa de la vida de esta población, que poco a poco, el entorno en donde vive nuestro protagonista lo mata. No sólo el hecho de matar ovejas le quita el sentido del humanismo al hombre sino su constante acción de sobrevivencia, provoca que, al final, Stan abandone a su esposa de una manera muy cruda, logrando que el tono de consciencia social y cómo esta manera de vida cambia a la personalidad.
Killer of Sheep es un largometraje icónico en la historia del cine independiente, ya que Burnett, además de tener el crédito de director, sirvió como editor, fotógrafo; la propia película no podía ser distribuida por los derechos de autor de las canciones que Burnett escogió. Tuvo la posibilidad de quitar las canciones y que la película fuera proyectada, pero Burnett, como un gran director, decidió no modificar la intención original, seguir con el arte que a él le inspira y las historias que quiere aportar.
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Amator
Había conocido el trabajo de Krzystof Kieslowki antes de ver está película, la trilogía de Tres Colores y su serie de El Decálogo, así que tenía un mínimo de conocimiento acerca de la cinematografía de este realizador. Creo que cada momento que ves una obra más de un director que ya conoces creas un cierto tipo de criterio, puedes saber el tono que puede adoptar o qué tipo de personaje utilizara para la narrativa, pero Amator, para mí, fue algo diferente de su filmografía, una sensación de historia personal, algo que Kieslowski tal vez vivió.
Amator cuenta la historia de un director amateur, donde vemos su desarrollo como director y fotógrafo, un suceso en el que cada estudiante de cine ha experimentado en esta vida laboral. Kieslowski narra algo personal, la formación de un cinematógrafo y las consecuencias que tiene este deseo ante su vida. Seguir con el sueño, seguir con su familia, seguir con los ambos, pero vivir con algo que te guste.
La actuación por parte de Jerzy Stuhr es lo que mas destacó de la película gracias a la transmisión de la pasión que tiene nuestro protagonista hacia algo apreciado que cada uno del salón tiene, el amor al cine y el deseo de aportar algo hacia su historia.
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Zemlya
Aleksandr Dovzhenko logra juntar los mundos del ser humano con la naturaleza del planeta Tierra y establecer la relación entre estos dos elementos, la agricultura. Las primeras escenas logran establecer el tono del largometraje como el ser humano entra en el ciclo de la naturaleza establecido por la madre naturaleza no solamente en los humanos sino también en lo que envuelve a un ecosistema. Animales, plantas, fruta, la tierra misma, etc.
Los personajes son los granjeros y los agricultores durante los treinta y cómo daba estructura a lo que se consideraría como una revolución por parte de esta sociedad, los únicos que tienen una relación de dependencia con la tierra, una relación de sobrevivencia. El ciclo de la vida es el tema que Dovzhenko utiliza en su trabajo cinematográfico, y es justo con el primer cuadro y con el último en donde acentúa este tema.
El montaje que juega entre la muerte de un viejo con el tomas de naranjas rociados por agua logra, en tan sólo pocos cuadros, concluye que Dovzhenko es un realizador con algún objetivo de propaganda, pero siempre crea, en primer plano, con el arte.
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