#pp-av

[eytansalama]

YUNCHUL KIM– CHROMA V

À l’occasion de la biennale de Venise 2022, Yunchul Kim crée, pour le pavillon, coréen cinq sculptures cinétiques. Chroma V, la pièce centrale de l’exposition, évoque un serpent long de 50 mètres enroulé sur lui-même. Des moteurs sont accrochés sur l’ensemble de la sculpture, chaque moteur a pour but de bouger des plaques remplie d’un liquide à l’aspect métallique (l’artiste ne précise pas qu’elle est le liquide.) qui fluctue avec le mouvement des moteurs.

L’artiste cherche à représenter, les constantes variations dans le monde contemporain. La structure est en constante évolution, elle change de couleur en fonction du mouvement du liquide et de l’angle de la lumière entrant. En plus des mouvements, la sculpture produit un son mécanique qui est créé par les moteurs. Cette œuvre fait penser à un cerveau artificiel qui fluctue et bouge de lui-même en fonction des stimuli extérieurs. C’est comme si l’artiste à chercher à créer un être artificiel qui vit et apprend grâce au monde qui l’entoure.

#PP-2023 #PP-AV

[chloejaquet]

HUMANITES DIGITALES

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Hiding in the City by Liu Bolin

Ayant grandi en Chine, dans une période marquée par les changements sociaux et culturels, Liu Bolin a une grande volonté : s’engager dans les problématiques sociopolitiques et environnementales. 

Mélangeant peinture, sculpture et photographie, cet artiste a publié une quinzaine de photographie nommée : Hiding in the City. 

Cette série de photographies, parfois même décrite comme une performance, a pour but d’amener l’interlocuteur à se questionner sur la relation entre l’individu et la société tout en se tournant vers le principe d’invisibilité.

C’est en se fondant dans des décors urbains que Liu Bolin arrive à transmettre ce principe d’invisibilité qu’il considère comme une : « forme de résistance » face à l’omniprésence de la surveillance et du pouvoir technologique. 

« Se couler dans la société humaine est une façon simple de s’en échapper » Liu Bolin

Cette citation, ci-dessus, définit bien son projet, Hiding in the City. En reformulant, c’est en se fondant dans le décor urbain de la société humaine que l’Humain arrive à résister à la surveillance et à la technologie. 

Je trouve cette approche particulièrement intéressante d’une part car elle englobe une problématique qui montre la technologie qui est en opposition à l’humain et à sa propre nature. Mais aussi car il traite de manière plus au moins indirect ce monde qui est sans arrêt connecté et à notre liberté sans technologie donc nous ne pouvons pas échapper.

#PP-2023 #PP-AV

[mynoo]

MID

Aerocene – 2015

"Would you live in a floating city in the sky ?"

Aerocene est un projet crée par l’artiste Argentin, Tomas Saraceno, qui consiste à nous imaginer la possibilité d’exploiter les airs au moyen de « formes de structures aériennes mobiles » indépendamment des énergies non renouvelables. Ce projet a également pour objectif de nous questionner sur notre rapport à l’utilisation de l’espace aérien.

Mais alors comment apprendre à flotter dans les nuages ?

C’est la différence de température entre l’intérieur et l’extérieur du ballon qui lui permet de s’élever. L’emploi de moyens technologiques comme des capteurs sont utilisés pour percevoir et s’adapter au climat, à la température et à l’environnement. Un programme a également été développé pour définir les courant aériens et pour se déplacer. 

"Parce que, dans ces excursions vers l’atmosphère, on n’est pas seuls. (…) Nous vivons au fond d’un océan d’air."

Ce projet innovant et engagé m’a tout de suite interpellé et questionné sur l’utilisation des ressources qui nous sont offerts. Dans ce cas-ci, l’emploi de technologies, a pour objectif d’imaginer une nouvelle ère, éco-consciente. C’est un pacte que l’on fait avec la Terre et un compromis éthique avec l’atmosphère.

#PP-2023 #PP-AV

[franciscoirl]

NEW PORTRAITS, de Richard Prince

Cette œuvre est une collection de captures d’écran de plusieurs selfies et photographies trouvées sur instagrame, imprimées et vendues par l’artiste controversé Richard Prince. Il y a des questions éthiques qui se posent bien sûr, des remises en question du système actuel de Copyright vu qu’elles appartiennent toutes à Prince et lui ont même fait une fortune.

Il est intéressant comment il y a plus de sens derrière cette œuvre que l'appropriation qu’on voit à première vue. Il remet en question la culture créée par notre dépendance aux réseaux sociaux, la normalisation du fait de poster en masse chaque aspect de nos vies sans penser aux risques après la publication. Un encouragement social nous mène également à nous publier comment nous souhaitons être perçus, en quête de la validation d’autrui mais cela peut affecter notre santé mentale à cause de la pression.

Généralement, les personnes acceptent les Conditions d'utilisation sans les avoir lu alors on ne sait juste pas si les photos que nous prenons nous appartiennent réellement. Notamment parce que Prince n’a même pas demandé l’autorisation des photographes pour cette exposition. C’est en rétablissant le contexte de ces photos qu’on perçoit le problème.

#PP-AV #PP-2023

[nelsonalmeida5]

Coppelia One

Inspiré par le ballet "Coppelia" de Delibes, l'artiste Geoffrey Drake-Brockman donne vie à Coppelia One, un robot interactif qui réagit à la présence du publique. Son apparence se base sur celle de la danseuse de ballet australienne Jayne Smeulders, qui a aussi contribué dans l'exploration du mouvement caractéristique du ballet pour le robot.

Coppelia One nous relève l'importance de l'anthropomorphisme de la machine, notre rapport à quelque chose qui nous ressemble et la manière dont nous interagissons avec la même. En outre de son aspect extérieur, le fait qu'il s'agit d'un robot qui a une certaine capacité d'imiter l'humain rajoute encore un niveau de profondeur à notre ressenti, puisque à la fin nous pouvons même nous y identifier.

Le concept de Coppelia One est tout à fait pertinent dans le monde d'aujourd'hui, car nous remarquons qu'un vaste développement est en train d'être fait sur les robots humanoïdes et l'intelligence artificielle. Et nous pouvons être certains que cette ressemblance des robots aux humains sera encore plus accentuée dans quelques années, élevant notre relation avec la machine à des degrès sans précedent.

#PP-2023 #PP-AV

[paolobartolini]

Shrink 01995 by Lawrence Malstaf - 1995-Présent

Shrink 01995 est une performance et installation créée par Lawrence Malstaf en 1995 et qui a depuis lieu chaque année à travers le monde. La performance consiste à suspendre des personnes entre deux couches de plastique qui sont peu à peu mises sous-vide jusqu’à ce que l’on ne voit plus que leur respiration. Ils sont alimentés en oxygène par deux tuyaux dont ils choisissent l’afflux.

S’en dégagent alors deux expériences tout à fait opposées: celle du spectateur qui y voit un être prisonnier dans du plastique recroquevillé au bord de l’étouffement; et celle des performeurs qui décrivent une expérience apaisante et méditative. 

Je suis très impressionné par l’impact visuel des oeuvres de Malstaf. Son cursus en design industriel explique sa grande capacité à mettre en exergue ses volontés artistiques et théâtrales.

J’ai personnellement été assez troublé en voyant les vidéos de Shrink 01995. Et je trouve très intéressant la dichotomie entre l’expérience foetale d’enveloppe protectrice coupée du monde et celle de sorte de produit de consommation étouffé dans son emballage.

#PP-2023 #PP-AV #performance #Vimeo

[blendimazreku]

Unfinished Sculptures (2016) 

"Unfinished Sculptures" est un projet créé par Davide Quayola. Son inspiration vient des sculptures inachevées de Michel-Ange, appelées « les Esclaves », où il laisse intentionnellement les œuvres incomplètes. L'artiste utilise un bras robotique contrôlé par un algorithme pour sculpter des blocs de polystyrène en direct durant l’exposition, mais aussi des blocs de marbre qui ont été sculpté auparavant.

J'apprécie beaucoup le fait que les robots accomplissent quelque chose qui est de base construit et pensé par l'humain. La machine devient une sorte de collaborateur, voire même l'artiste derrière ces sculptures. J'aime énormément la façon dont les sculptures sont sculptées, on y voit les marques des gestes très géométrique du bras robotique sur la pierre. 

Pour conclure, je trouve que ce projet est très intéressant, car il reprend un savoir-faire normalement accessible uniquement aux humains, il casse les codes en utilisant la machine comme sculpteur. Cette œuvre résume aussi notre relation qu’on a avec les machines aujourd’hui, la main d’œuvre est de plus en plus remplacée par des robots qui font notre travail. 

#PP-2023 #PP-AV

[mathildedonabedian]

Ceilling Cat, Eva & Franco Mattes, 2016

Tiré d’une image (meme) qui a fait le tour d’internet dans les années 2000 et qui est encore très présente actuellement, la sculpture représente la tête d’un chat qui nous observe du haut du plafond.  

Eva et Franco Mattes jouent avec l’impact des chats (et des memes de manière plus générale) sur internet dans notre société, sous forme d’allégorie : si ce chat incarne internet et que ce chat nous regarde alors internet nous regarde ; l’analogie se renforcée par la position du chat au plafond, qui rappelle celle d’une caméra de surveillance. Tout cela nous ramène à la réalité de notre technologie contemporaine qui nous écoute et surveille à travers les réseaux sociaux ou des sites internet à des fins commerciales, voire de contrôle dans certains pays. 

Du reste, le meme était déjà utilisé en 2006 dans un but de conscientisation de l’omniprésence d’internet. D’abord avec la phrase “Ceilling cat is watching you” puis “Ceilling cat is watching you masturbating” faisant directement allusion à Big Brother. 

Deux images tirées d'internet.

Version du couple Mattes.

J’ai choisi cette œuvre parce que la couverture du livre sur lequel il apparaissait m’a interpellée, étant d’une génération qui a grandi avec internet, j’ai compris très rapidement la deuxième lecture de cette œuvre. Je me sens concernée par cette angoisse grandissante d’être écoutée et observée, alors que, paradoxalement, je participe grandement à la croissance de la présence des chats sur internet car j’aime et partage quotidiennement des photos de ce type. 

#PP-2023 #PP-AV

[laurafg5]

Content Aware Studies, Egor Kraft, 2019

Egor Kraft avec son œuvre « content Aware Studies » restore des statues de l’antiquité. 

Les parties manquantes des statues vont être scannées, ensuite un algorithme d’apprentissage automatique analysera les pièces afin de créer le plus fidèlement possible les parties manquantes de celles-ci. Les parties rajoutées vont être réalisées à l’imprimante 3d en différents matériaux afin de combler les parties manquantes. 

Cependant même si le programme tend à effectuer le plus fidèlement possible à ce que pouvait ressembler originellement l’œuvre il arrive que des erreurs surviennent créant ainsi un surplus de possibilités variable. 

je trouve que ce projet nous questionne non seulement sur comment un algorithme peut aider à réparer des œuvres mais aussi au souvenir du passé déformé.

D’une part les erreurs générées par l’algorithme sont à mes yeux ce qui rend le projet intéressant. Les défauts de calcul réinterprètent une vision de l’œuvre faisant s’approprie et modifiant son aspect. Cette déformation de la statue amène aussi un autre aspect qui m’a touché. C’est comment l’histoire à travers différente époque peut être perçue autrement. 

#PP-2023 #pp-av

[s0l-a-ce]

Au-delà des limites de teamLab 

TeamLab, au-delà de ses limites, conséquences principales de son grand succès, est une exposition immersive qui a montré au monde la possibilité d’un art technologique. Exposée dans la Grande Halle de la Villette à Paris en 2018, elle a ouvert le monde à une nouvelle facette de l’art. Teamlab, un groupe d’artistes transdisciplinaires créé par l’ingénieur Toshiyuki Inoko au Japon, a pris pour concept de départ la façon dont les humains créent des liens et des relations. Selon eux, en effet, le corps a une notion du temps, et en se déplaçant librement, il peut créer ses propres liens et relations. Le collectif a donc décidé de donner la possibilité aux œuvres de se déplacer et de créer leur lien avec le public. Bien que ces œuvres aient une fin, c’est leur mouvement même qui donne une impression d’infini, d'illimité.

Cette expérience artistique est importante dans le sens que c’est une des quelques expositions immersives qui a ouvert une possibilité, un moyen d’attirer les personnes qui n’iraient initialement pas à une exposition. Aujourd’hui, nous sommes entourés d’expositions immersives, qui retracent le passé comme celle sur Van Gogh, Tintin ou encore sur Banksy. En ajoutant les écrans et la technologie à l’art, cela leur permet d’impacter plus de personnes.

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[raphael-mottet]

Jordan Wolfson : Colored sculpture

En 2016, Jordan Wolfson présente un pantin à la forme enfantine et mise en mouvement par des chaines afin de suivre une certaine chorégraphie. Cet immense animatronique est levé et jeté contre le sol. Reprenant le style de certains caractères iconiques de la pop culture, voir cette immense sculpture ramper contre le sol et attachée avec toutes ces chaines donne un sentiment de malaise. Je trouve que le caractère enfantin de la sculpture, abîmée de toutes parts par les chutes, met en valeur des traumatismes, des douleurs liées à l’enfance. Le visage du pantin affiche une expression colérique et ses yeux sont animés, des fois par des yeux classiques et des fois par d’autres dessins plus graphiques. Comme l’a dit Jordan lui-même, les chaines sont autant importantes que le personnage. L’animatronique est enchainé de toutes parts, rajoutant un effet d’emprisonnement et de mal traitance. Les mouvements très aléatoirs du pantin lui donne une attitude très organique, augmentant notre compassion pour la sculpture et ainsi cette sensation de mal-être.

#PP-2023 #PP-AV

[formazmartin]

AMERICAN FLAG

American Flag est une installation de l’artiste Addie Wagenknecht’s. Elle se compose de poches de perfusion remplies de peinture rouge et bleue qui dessinent goutte à goutte le drapeau américain de manière abstraite. L’artiste s’est inspirée de la démarche de Jasper Johns dans son œuvre «Three Flags», tout en laissant le résultat au hasard.

J’ai choisi cette œuvre car j’ai trouvé intéressant de détourner une technologie médicale pour en faire quelque chose d’artistique. J’ai également trouvé qu’il y avait un message fort avec ce drapeau américain créé par ce «sang» (remplaçant la peinture) qui coule des poches de perfusion. Cela pourrait mettre en évidence les aspects problématiques du système de santé aux États-Unis, sachant que le pays possède l’un des systèmes de santé les plus coûteux au monde, et que l’accès aux soins est très inégal en raison de l’absence d’assurance maladie pour tous.

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[midloumuller]

MONETS GARDEN

Monets Garden est le résultat d’une collaboration entre les laboratoires de création suisses Immersive Art AG et Alegria Konzert GmbH. Ce projet est une exposition immersive qui a pour but de raviver la flamme entre le public et l’artiste et d’apporter une seconde lecture à ses oeuvres. J’ai eu l’occasion d’aller voir ce projet en début d’année 2022 et fus particulièrement marquée par la première partie de l’exposition qui mettait différentes partie du tableau « Les Nymphéas » de Claude Monet en mouvement. La façon dont ce tableau a été retravaillé numériquement était très bien pensé. Brièvement, Monet était un peintre impressionniste; il jouait avec des très petites touches de couleurs déposées les unes à côté des autres afin que de loin, on aperçoit une sorte de fausse réalité, cette technique se nomme le mélange optique. Ici, le tableau nous apparaît tout à fait normal jusqu’à ce que chaque touche se mette en mouvement. Elles se déplacent comme une nuée d’étourneaux, bien synchronisées et très aléatoires à la fois. De plus, un faux cadre est numériquement représenté autour de ces tableaux. Il nous semble réel mais dès l’instant où l’animation commence, les touches de couleurs sortent du cadre comme si elle étaient vraies. L’immersion est réussie et fait d’autant plus de sens de par le travail de ces pointes de couleurs et la vision que Claude Monet portait à l’art dans sa généralité: « La tâche de l'artiste est de représenter ce qui se trouve entre l'objet et l'artiste, à savoir la beauté de l'atmosphère. »

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[liviopaupemid]

Hatsune Miku

PP-2023, PP-AV

Hatsune Miku est un personnage de fiction créé Crypton Future Media en 2007. Ce personnage fictif utilise VOCALOID, un programme de synthèse vocal permettant de recréer une voix à partir de texte.

Hatsune Miku a complètement brisé les barrières de la fiction. Elle performe sur scène sous forme d'hologramme, a son propre compte Instagram… mais elle est aussi mariée à un homme bien réel.

Hatusne Miku rencontre un fort succès mondial et elle donne des concerts un peu partout dans le monde.

L'impact qu'Hatsune Miku a eu est tel, que l'on peut se questionner sur notre rapport au personnage de fiction. Ceux-ci peuvent exercer une influence bien plus forte dans notre vie que ce que l'on peut penser. Ici, un avatar fait se déplacer des milliers de personnes pour voir un concert. Poussant les gens à se réunir autour d'un événement culturel et à partager un moment convivial.

Il ne faut pas non plus oublier que Hatsune Miku n'est que la surface et qu'il y a des humains derrière ce projet.

Je trouve intéressant leur manière d'amener la musique et de la romancer, finalement l'important est d'apporter du bonheur et du divertissement au public, peu importe la forme.

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[diegojuan]

Pixel

Pixel est une chorégraphie mêlant le réel du corps des danseurs à l’illusion du spectacle lumineux. En effet, les danseurs performent dans un environnement réactif à leurs mouvements à l’aide de jeux de lumières projetés sur un plateau en trois dimensions. L’ensemble crée alors une expérience troublante autant pour les spectateurs que pour les danseurs, ces derniers se trouvant alors totalement plongés dans une sorte de réalité virtuelle. Cette performance unique découle de la collaboration entre la compagnie Käfig, dirigée par le danseur et chorégraphe français Mourad Merzouki, et la compagnie Adrien M/Claire B pour l’installation lumineuse.

J'ai choisi cette œuvre en premier lieu car je ne me suis jamais trop penché sur le domaine des chorégraphies simplement parce que ça ne m'intéresse pas plus que ça. En trouver une qui se lie à la technologie était alors une bonne alternative, car cette performance m'a complètement impressionné, que ce soit l'opposition entre le réel du corps et le virtuel de l'installation lumineuse ou bien la force de l'illusion donnée par l'interaction entre les danseurs, l'ombre et la lumière. L'œuvre est hypnotisante et satisfaisante.

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[emmamorrii]

Mirage et Miracle

Mirage et miracle est une série d'installation créée par Adrien M & Claire B. Ces oeuvres sont toutes une coïncidence entre virtuel et matériel : dessins augmentés, dispositifs d’illusions holographiques, casques de réalité virtuelle, projections grande échelle. 

Au début ce projet me semblait ne m'a pas intéressé plus que ça. Mais lors de l'exposition quand la frontière entre le vrai et le faux se rond, cela devient un monde magique. Nous ne savons plus ce qui est animé ou inanimé. L'ensemble de projet prennent vient dans des scénarios improbable et prennent forme entre miracle et mirage.

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