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¿Hawaii o Kawaii? Capítulo 2: Anohana y Amaral
Tengo que reconocer que este camino que he comenzado me está saliendo caro. Ya no me quedan pañuelos por casa y en el supermercado he conseguido incluso que lo suban de precio. Es un sinvivir. Pero debo ser consecuente con el propósito que me he marcado y seguir adelante, por muchos sentimientos que puedan aflorar. Hoy traigo mi primera incursión en una serie de anime con la cual creó que todavía mantengo una sonrisa.
La primera canción que escuché de Amaral me retrotrae a mis cuatro o cinco años. Aquellos versos de Sin ti no soy nada que recuerdan al momento más potente de la tendencia Emo me hicieron preocuparme en demasía por la persona que cantaba aquello canción. Mi sorpresa llegó años después cuando pude escuchar una de mis canciones favoritas en la actualidad y que te deja un mood de lo más alegre. Siempre la había conocido como Son mis amigos pero resulta que no, que su nombre original es Marta, Sebas, Guille y los demás. En cualquier caso, una canción divertida y optimista que incluso te puede llevar a pensar que tienes amigos.
Justo la misma sensación que te deja Anohana. En los primeros minutos de esta ficción te das cuenta de que, con gran seguridad, vas a acabar llorando a moco tendido o, al menos, te vas a emocionar con algún momento de la serie. El personaje de Menma te pone sobre aviso y la dinámica entre el resto del elenco lo refuerza. Anohana es una serie que rezuma amistad por todos sus poros. Una real, verdadera pero no idílica. Durante diez capítulos la serie te marca la historia de ese grupo de amigos, como tuvieron su época más intensa donde estaban siempre juntos hasta el momento en el que Menma murió para, posteriormente, convertirse casi en unos desconocidos. Es sorprendente como siendo una serie con claros toques fantásticos, consigue anclarse en la realidad más cotidiana.
Pero Anohana no sólo va de la amistad y de como siempre se puede volver a recuperar. Porque entonces llega el último capítulo, donde todo acaba por romperse. Es un final que te coge por sorpresa, no lo ves venir y detroza todas las perspectivas que tienes. Te encariñas con sus personajes y entonces les ves como realmente son. En realidad, es algo que siempre ha estado ahí pero lo has achacado a la mala suerte, a algo puntual que podría haber sido completamente diferente. Pero no. Anohana habla sobre la culpa y el resentimiento, las heridas que nunca llegan a cerrarse y permanecen latentes, incluso con aquellos que más queremos. La idea de resarcirse que, al final, acaba resultando algo casi imposible.
Y digo casi porque la serie acaba dejandote la sonrisa que aún mantengo a día de hoy. Un final que emociona por todo lo construido anteriormente, por la identificación que adquieres con cada uno de los personajes, en especial, con Jintan. Porque al igual que el no quiere que Menma se marche, tu no quieres que esos personajes se vayan. Anohana es una serie hecha para despertar en el espectador sus mejores sentimientos sin dejar de lado aquellos no tan buenos que pertenecen al ser humano. Interpela directamente al receptor de esta historia y le lleva a sus mejores recuerdos sin necesidad de idealizarlos. A mi, personalmente, me llevo a pensar en quienes son mis amigos, en las horas que pasábamos en la calle o en la Fcom. En que, por encima de todas las cosas, serán mis amigos.
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Filmin estrena ‘Press’, una nueva serie sobre el periodismo del siglo XXI
Del creador de Doctor Foster, esta semana Filmin estrena en exclusiva Press
Ben Chaplin, en una escena de Press
Fake news, Click-bait, Social Media,…palabras que encontramos o mencionamos cada día más en nuestro día a día. Nuevos desafios que los medios de comunicación tradicionales han de enfrentarse en su lucha por sobrevivir en un mundo cambiante.
Los retos del periodismo del siglo XXI llegan a Filmin gracias a la nueva serie de BBC que la plataforma estrena en exclusiva esta misma semana, Press. Creada por Mike Bartlett (Doctor Foster) y compuesta de seis capitulos, esta ficción nos traslada a las redacciones de dos diarios ficticios, el progresista “The Herald” y el tabloide sensacionalista “The Post” para ver de primera mano la lucha entre ambos medios para ganarse el favor de los lectores a través de miradas muy distintas sobre una misma actualidad.
Press se introduce de lleno en la industria de la prensa moderna . Explorando el panorama periodístico en los medios de comunicación en todos sus formatos a través de los ojos de varios profesionales y periodistas, y cómo es la moralidad y el sensacionalismo que se oculta tras de ellos, a veces un tanto perturbador. La serie cuenta en su reparto con actores como Ben Chaplin (Mad Dogs), Charlotte Riley (Peaky Blinders), Priyanga Burford (London Spy), Paapa Essiedu (La casa de las miniaturas) y David Suchet (Poirot), entre otros.
La miniserie está producida por Deep Indigo, Lookout Point y BBC Studios. Además, colaboran en el proyecto como productores ejecutivos Fairh Penhale, Bethan Jones y Rebecca Eaton.
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Oscars 2019: ‘Bohemian Rhapsody’ se corona con 4 premios de la Academia.
El mexicano Alfonso Cuarón consigue su segunda estatuilla a mejor director y Green book, el Oscar a Mejor Película.
Los cuatro actores premiados este 2019 a Mejor Interpretación
Green book se hizo anoche con el gran premio de la 91ª edición de los Oscar, el de Mejor película. Roma, sin duda, la gran favorita de este año con 10 nominaciones, obtuvo el galardon a Mejor película de habla no inglesa, el primero en esta categoría para México, y su realizador Alfonso Cuarón, su segundo Oscar a la Mejor dirección tras Gravity, en 2013 y el premio a la Mejor fotografía.
Aunque junto a Roma, La favorita de Yorgos Lanthimos, era la cinta que acaparaba más nominaciones de este año, un total de diez, ha sido Bohemian Rhapsody, el biopic sobre el grupo de rock Queen la que más estatuillas ha cosechado, un total de cuatro. Aunque solo uno de ello, el de Mejor actor protagonista para el joven interprete Rami Malek, correspondía a las candidaturas principales.
La actriz Olivia Colman fue galardonada como Mejor actriz por La favorita, el único premio que esta cinta ha obtenido. Regina King y Mahershalá Alí se alzaron con los premios a Mejor actor y actriz de reparto por El blues de Beagle Street y Green Book.
Por otra parte, el cortometraje Madre, del recientemente director ganador del Goya Rodrigo Sorogoyen, se fue de vacío tras ganar el premio en esta candidatura Skin, de Guy Nattiv, un codiciado premio que al cine español se le resiste desde su primera nominación, allá por 1996.
PALMARÉS OSCARS 2019
MEJOR PELÍCULA: Green Book
MEJOR DIRECCIÓN: Alfonso Cuarón por Roma
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Olivia Colman por La favorita
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Rami Malek por Bohemian Rhapsody
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Regina King por El blues de Beale Street
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Mahershala Ali por Green Book
MEJOR GUION ORIGINAL: Nick Vallelonga, Brian Currie & Peter Farrelly por Green Book
MEJOR GUION ADAPTADO: Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott & Spike Lee por Infiltrado en el KKKlan
MEJOR FOTOGRAFÍA: Alfonso Cuarón por Roma
MEJOR MONTAJE: John Ottman por Bohemian Rhapsody
MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL: Ludwig Goransson por Black Panther
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: Shallow (Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando & Andrew Wyatt) por Ha nacido una estrella
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Black Panther
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: El vicio del poder
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: Black Panther
MEJORES EFECTOS VISUALES: First Man
MEJOR MONTAJE DE SONIDO: Bohemian Rhapsody
MEJOR MEZCLA DE SONIDO: Bohemian Rhapsody
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Spider-Man: Un nuevo universo (Rodney Rothman, Bob Persichetti & Peter Ramsey)
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Free Solo (Jimmy Chin & Elizabeth Chai Vasarhelyi)
MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: Roma (Alfonso Cuarón; México)
MEJOR CORTO DE ACCIÓN REAL: Skin (Guy Nattiv)
MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN: Bao (Domee Shi)
MEJOR CORTO DOCUMENTAL: Period. End of Sentence (Rayka Zehtabchi & Melissa Berton)
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Oscars 2019: La quiniela de 35 Milímetros
Esta noche, el Dolby Theatre de Los Angeles desplegará la alfombra roja para acoger a las estrellas de Hollywood un año más. A escasas horas de la noche de los Oscar, en 35 Milímetros tenemos muy claro cuales son nuestras películas favoritas de este año. Y por ello, otro año más, hemos elaborado nuestra quiniela cinéfila con los posibles ganadores de esta edición número 91.
Roma de Alfonso Cuarón y La favorita de Yorgos Lanthimos se posicionan como las películas con mayor número de nominaciones de este año.
En las candidaturas de interpretación masculina, Rami Malek lidera las encuestas tras lograr hacerse con un globo de Oro por Bohemian Rhapsody. Y por otra parte, Glenn Close y la debutante Lady Gaga se enfrentarán por el galardón a Mejor Actriz, un premio al que también optan otras interpretes como Olivia Colman y Melissa McCarthy.
Eso si, apoyamos firmemente la nominación de Rodrigo Sorogoyen a Mejor Cortometraje por su trabajo Madre, un premio que se sigue resistiendo al cine español desde el año 1996.
¡Echa un ojo a nuestras conjeturas y dinos cómo de equivocados podemos llegar a estar! ¿Cuáles son tus favoritas para los Oscars 2019? No olvides repasar todas las películas nominadas pinchando aquí.
Mejor película: La favorita
Mejor dirección: Alfonso Cuarón por Roma
Mejor actriz protagonista: Glenn Close por La buena esposa o Yalitza Aparicio por Roma
Mejor actor protagonista: Rami Malek por Bohemian Rhapsody
Mejor actriz de reparto: Rachel Weisz por La favorita
Mejor actor de reparto: Mahershala Ali por Green Book
Mejor guion original: Roma
Mejor guion adaptado: Ha nacido una estrella o La balada de Buster Scruggs
Mejor fotografía: Cold war
Mejor montaje: Bohemian Rhapsody
Mejor banda sonora: Black Panther
Mejor canción original: ‘Swallow’ (Ha nacido una estrella)
Mejor diseño de producción: Black Panther
Mejor maquillaje y peluqueria: María, reina de Escocia
Mejor diseño de vestuario: La favorita
Mejores efectos visuales: Vengadores: Infinity war
Mejor montaje de sonido: Bohemian Rhapsody
Mejor mezcla de sonido: Bohemian Rhapsody
Mejor película de animación: Spider-Man: Un nuevo universo
Mejor película documental: Free Solo
Mejor película de habla no inglesa: Roma
Mejor cortometraje: Madre
Mejor cortometraje animado: One small step
Mejor cortometraje documental: End game
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Martini con Liria (XIV): Ese narrador llamado cámara
Los medios, a lo largo del tiempo, han ido variando y evolucionando en función de las necesidades de la sociedad y los avances tecnológicos. Pasamos del juglar, a la prensa escrita, que añadió la ventaja de la imperdurabilidad (se podía releer y parar en la noticia tantas veces como se quisiera). El siguiente paso fue la radio, con su característica del sonido. Siempre que se poseyera un dispositivo, era posible sintonizar la antena deseada. Y, antes del gran invento de Internet, llegó la imagen.
Todo implosionó. La gente asistía a una sala de cine y cuando veía a un tren aproximarse hacia ellos en la pantalla, huían despavoridos. No estaban preparados para tal avance porque no habían experimentado la ficción de una manera tan incursiva hasta la fecha.
Los primeros años potenciaron al máximo, dada la falta de equipos de grabación de sonido, la característica del cine: la imagen. Todo lo que se mostraba debía ser entendido por el espectador y como último recurso, sólo se podían usar cartelas con mensajes aclaratorios (como recordamos en las películas mudas de Chaplin).
En los estrenos más recientes parece haberse perdido la cualidad de la imagen. Se difumina en diálogos insulsos, efectos digitales excesivos, interpretaciones exageradas… Una falsa espectacularidad. La cámara ha perdido su lugar. Se sacrifica el poder de la imagen como narrador visual (que es el principal valor del medio imagen) por sólo palabras.
La narración visual es un arte que pocos maestros son capaces de alcanzar con acierto. Requiere un conocimiento absoluto del funcionamiento de la cámara y de montaje. Podemos recordar al Scorsese de los ’70 y su Mean Streets (1973), con aquella secuencia en el bar, donde Harvey Keitel, Robert de Niro y otros se pelean con el dueño del local y sus empleados. Primero, la escena está perfectamente diseñada y es realista: la pelea es patética. Hombres tropezándose, golpes al aire, juego sucio… Ese caos y patetismo que quiere transmitir Scorsese lo potencia con una steady cam agresiva, desorientada, que no para de temblar y poco le importa un plano perfecto. Cuando termina el momento, estamos cansados y magullados. Pareciese como si la paliza la hubiéramos recibido nosotros.
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El anterior es un ejemplo de narración visual que sirve como impulso para una idea preestablecida (la violencia y caos de la pelea en el billar). Pero demos el salto a uno más puro, más profundo. Y déjenme hacer trampa hablando de uno de los grandes maestros: John Ford.
The Searchers (1956) relata la historia de un vaquero (John Wayne) que, junto a su ayudante, cabalgan a través del Oeste americano en busca de su sobrina, que ha sido secuestrada por unos indios comanches. La historia reflexiona sobre la ruptura de la naturaleza (los indios) y la civilización (los vaqueros), la venganza, el sentido de la responsabilidad y, el más importante: la pertenencia a una familia, a un grupo social.
Exactamente en la última escena de la cinta, y sin ningún diálogo en ella, John Wayne llegan con la niña, entregándola a su familia. La cámara se sitúa dentro de la casa. Travelling hacia atrás. La adolescente mira a sus parientes con cara de extrañeza. No los conoce; no conoce esa vida. Entran. Se convierten en sombras. El interior de la cabaña no tiene ninguna iluminación, es absoluta oscuridad. John Wayne sigue fuera, en el porche. De un lateral, aparece su ayudante y su pareja, dos jóvenes enamorados. Entran en la casa. El vaquero se limita a observarles. Sin dudar, da media vuelta, al desierto, y se marcha.
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¿Qué significa esto? La cabaña, la familia, la pareja, simboliza la civilización, la vida estable. Él no entra en la casa porque no es su lugar, no es su mundo: su mundo está ahí fuera, en la luz, en el desierto, en la crudeza, en lo salvaje. John Ford nos lo relata todo con una secuencia de dos minutos en absoluto silencio. Habla a través de las imágenes. Narra con interpretaciones, gestos, colores. No le hace falta más.
Todos estos valores, inteligencia, conocimientos, de maestría de cámara ya no los vemos con tanta abundancia como solían en las carteleras en su mayoría, aunque siempre podemos añadir una lista infinita de excepciones: la escena del Velociraptor buscando a los niños en el laboratorio en Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993), Butch descubriendo a Vincent en su apartamento en Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994), cuando David Dunn despierta tras el accidente de tren del que es el único superviviente, mientras no puede separar la vista de la operación fallida enfrente suya en Unbreakable (M. Night Shyamalan, 2000), la violación de Natalia por parte de Sergio que es presenciada por el payaso triste en Balada Triste de Trompeta (Álex de la Iglesia, 2010).
Son pequeñas perlas, pequeñas obras maestras que son capaces de transmitir componiendo el plano. Como Velázquez capturaba el ambiente de la escena, como Stephen King cuando nos produce una descarga en la espina dorsal… Como cuando el cine es consciente de su potencial y lo explota hasta el éxtasis del alma humana.
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El protagonismo absoluto de la música en ‘Taal’
El compositor A. R. Rahman es el artífice del protagonismo indiscutible de la música en Taal.
El género del musical se define principalmente por el establecimiento de una nueva realidad en la que los personajes comienzan a cantar con naturalidad en situaciones cotidianas. En el imaginario popular de la industria cinematográfica de la India, esta realidad es la habitual en sus películas más tradicionales, si bien es cierto que en los últimos años el modelo se asemeja cada vez más al occidental. Taal (1999) da un paso más que todas sus compañeras de generación, y establece una puesta en escena más cercana al teatro musical que al cine.
Incluso desde su introducción, el director Subhash Ghai parece invitar al espectador a que se acomode en un amplio teatro, mientras Aishwarya Rai, acompañada por un coro de bailarines, protagoniza una danza de lo más perturbadora al son de una rítmica cacofonía. No tiene importancia narrativa aparente, todo parece ser un sueño de Mansi (personaje de Rai en la ficción). A destacar la fragilidad de los primeros planos de la actriz, que es capaz de transmitir toda emoción deseada con tan solo una mirada.
Mansi, la hija de un cantante pobre de montaña, se enamora de Manav (Akshaye Khanna), heredero de un importante hombre de negocios, pero no pueden casarse debido a la negativa de sus padres por la diferencia social entre ambos. Cuando su historia de amor parece haber terminado, Mansi conoce al excéntrico productor musical Vikrant Kapoor (Anil Kapoor), quien le ofrece convertirla en una superestrella de la canción.
Aunque la historia que narra Taal no tiene mayor complejidad, puesto que no deja de ser un sencillo triángulo de amores imposibles, el toque original es el ofrecido por el compositor A. R. Rahman, que en 2008 se alzaría con dos premios Oscar por su trabajo en Slumdog Millionaire, capaz de establecer una melodía tan reconocible como para convertirse en un protagonista más de la historia, además del hilo conductor de la misma.
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Namaste, amigos.
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Crítica – ‘Van Gogh, de los campos de trigo bajo cielos nublados’
Título original: Van Gogh: Tra il grano e il cielo
Año: 2018
Duración: 70 min
País: Italia
Dirección: Giovanni Piscaglia
Guion: Matteo Moneta
Música: Remo Anzovino
Fotografía: Lorenzo Giromini
Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Marco Goldin, Eva Rovers
Productoras: 3d Produzioni srl / Nexo Digital
Género:Documental, arte, pintura
Fecha de estreno: 25 de febrero de 2019 (España)
El año pasado Loving Vincent conquistó el cine de animación con el ambicioso proyecto sobre la vida del autor contada con más de 55.000 fotogramas compuestos por pinturas al óleo. En la nueva película sobre el pintor, Willem Dafoe interpreta a este en Van Gogh, a las puertas de la eternidad, que próximamente se estrenará en España. Pero la representación de la vida del autor va más allá, colándose esta vez en el género del documental. Giovanni Piscaglia presenta en salas su primer documental: Van Gogh de los campos de trigo bajo los cielos nocturnos. En él, el director muestra la colección del mayor admirador del pintor, Helene Kröller-Müller.
La coleccionista privada construyó el Museo Kröller-Müller, tras la compra de casi 300 obras de Van Gogh. Desde que llegó a sus manos la primera obra del autor, Helene sintió una conexión mayor que la propia admiración que podría sentir cualquier persona. Helene se sentía completamente conectada y embelesada por el artista, llegando a sentir una unión espiritual. Giovanni Piscaglia utiliza esta unión y amor de Helene, para presentar la vida del pintor como nunca antes se había mostrado, a través de los ojos de su mayor admiradora. Conectando los verdaderos escenarios de la vida del artista en Arlés con lo que representaba de los mismo en sus obras. El documental consigue que el espectador llegue a sentir la viveza de las obras, disfrutando de los mismos cielos y respirando el fresco olor a trigo.
Fotograma del documental: Van Gogh de los campos de trigo bajo el cielo estrellado
Por medio de una guía didáctica sobre las distintas etapas del artista en la pintura, el director consigue trazar una línea fácil de seguir de una obra a otra. Dejando suaves pinceladas de las vivencias y la enfermedad de Van Gogh en los momentos claves para profundizar lo justo y necesario en su vida personal. La visión de la dimensión religiosa y la pasión por el absoluto del pintor conecta a la perfección con las dudas sobre la existencia de un Dios y la atracción hacia la búsqueda del arte y la comprensión de uno mismo de la coleccionista. En ese momento, el documental de Piscaglia pasa a ser un intento casi desesperado por unir de la única forma posible a estas dos personas que en vida les fue imposible encontrarse.
A pesar de la delicadeza con que el director trata el documental, y el tema del mismo, en algunas ocasiones puede llegar a dar la sensación de la inconclusión de ciertas ideas. La rapidez de una etapa a otra sin dejar que esta se asiente correctamente, como si faltase tiempo y necesitase cierta prisa para llegar al final. Aun así, el cariño que desprende la obra en su conjunto y la grandiosidad y pureza de las almas de Van Gogh y Kröller-Müller convierten en una auténtica delicia ver el arte y la pasión por la vida de los mismos en la gran pantalla.
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Lo mejor: Poder disfrutar de las obras del artista en la gran pantalla.
Lo peor: La falta de algunas obras importantes o etapas del autor.
Nota: 8/10
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Crítica – ‘No te supe perder’
Póster de No te supe perder
Año: 2018
País: España
Duración: 94 minutos
Director: Manuel Benito de Valle
Guion: Salvador Navarro y Manuel Benito de Valle
Música: Álvaro Rodriguez Barroso
Reparto: Hieman Casado, Marisol Membrillo, Elena Larios, Aníbal Soto, María Luisa Barrera, Rubén Carballés
Productora: LoveTheFrame
Género: Drama. Thriller
Ficha en Sensacine
El realizador sevillano Manuel Benito de Valle se estrena en el largometraje con No te supe perder, adaptación de la homónima novela escrita por el novelista Salvador Navarro (autor del libreto junto al director) que gira en torno a los conflictos y ensombrecidas relaciones de varios personajes por culpa de la violencia de género.
La idea inicial de la que parte el filme es interesante. La cinta trata tema de la violencia machista desde el punto de vista del maltratador. Explorando, de primera mano y de forma pausada, la capacidad manipuladora y victimista de uno de los personajes principales de forma que el espectador pueda, no sentir empatia con él, pero si encontrar cierta lógica para pensar que los motivos por los que una persona pueda convertirse en un maltratador. Sin embargo, esta premisa cae en saco roto, desaprovechandose en gran medida debido a una serie de faltas constantes a lo largo de la película.
En primer lugar, cabe destacar en este sentido la confusión que genera el montaje, abrupto e irregular, sobre la historia. La existencia de varias historias intercaladas ensombrece el mensaje de la película al entremezclar las tramas de forma que el espectador en ocasiones se pierda entre la amalgama de personajes principales y secundarios, dialogos insustanciales que no aportan mucho, y varios planos cortados e intermitentes.
La actriz Marisol Membrillo en una escena de No te pude perder
La existencia de una estructura capitular, basada en el uso de frases o citas que los personajes van a comentar en un momento u otro, tampoco ayuda a ordenar la historia, aunque el recurso en sí es interesante y es habitual verlo en otras producciones. La fotografía destaca por momentos, con el uso de espejos en determinadas escenas para reflejar los conflictos internos y dualidades, o dejando estampas de algunos rincones curiosos de la capital andaluza y la costa de Cádiz. Aunque el hecho de estar rodadas muchas secuencias por la noche resta la capacidad de aprovechar mejor el entorno a favor de la historia.
Las interpretaciones dejan bastante que desear. Los actores Marisol Membrillo y Anibal Soto son los únicos miembros del reparto cuyo trabajo puede destacarse al caer gran parte del peso de la historia sobre ellos y tener más experiencia a sus espaldas. Ambos interpretes logran transmitir con soltura los sentimientos y conflictos que mantienen sus roles a diferencia del resto del reparto, el cual se muestra en gran medida sobreactuado, forzado y poco natural, especialmente en momentos de tensión.
Todo ello hace que No te supe perder, pese a ser una película que resulte llamativa por los temas sociales que aborda, muy necesarios de tratarse en la actualidad, brille en menor medida de la que podría hacer debido a su calidad técnica, una desordenada forma de presentarse y unas actuaciones mejorables.
Lo mejor: La premisa de la que parte la historia que trata.
Lo peor: Las actuaciones, muy mejorables, su montaje y puesta en escena.
Nota: 5
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Freddy Highmore protagonizará ‘Way down’, la nueva película de Jaume Balagueró
Way down es un thriller de acción cuyo rodaje en inglés arrancará el próximo mes de abril en España
Tras una cuidada labor de preproducción de más de seis años, uno de los proyectos cinematográficos más ambiciosos del cine español ultima ya los detalles para el inicio de su rodaje y su presentación al mercado internacional: Way down, una de las producciones más esperadas de Telecinco Cinema, Ciudadano Ciskul, Think Studio y El Tesoro de Drake AIE, con la participación de Mediaset España y Movistar+.
La película, un thriller de acción basado en el minucioso plan de Thom Laybrick, un joven y brillante ingeniero reclutado para atracar a contrareloj un banco aparentemente inexpugnable durante la celebración de un partido de fútbol, estará protagonizado por el actor británico Freddie Highmore (The Good Doctor) bajo las órdenes de Jaume Balagueró (REC, Mientras duermes).
Reconocido con numerosas nominaciones y premios en todo el mundo, Balagueró asegura que “siempre he querido embarcarme en una historia de golpes, bancos e infiltraciones. Puro género. Pero este proyecto ofrecía mucho más. Un banco inexpugnable. Una historia de piratas. Un tesoro legendario perdido. Y una gran final de fútbol. Todo junto y bien agitado. Imposible decir que no”.
Sobre la participación de Highmore como protagonista, el director, que ha estado al frente de filmes como Frágiles, Darkness o Los sin nombre, afirma que “con Freddie sintonicé desde la primera vez que hablamos. Compartimos desde el primer momento la misma visión sobre su personaje.”.
El rodaje en inglés de la película tendrá lugar desde abril hasta julio en distintas localizaciones de Madrid capital y provincia, zonas de costa españolas e Inglaterra. Cuenta con Sandra Hermida y del propio Highmore como productor.
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Crítica – ‘Destroyer (Una mujer herida)’
Título original: Destroyer
Año: 2018
Duración: 123 min
País: Estados Unidos
Dirección: Karyn Kusama
Guion: Phil Hay y Matt Manfredi
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Julie Kirkwood
Reparto: Nicole Kidman, Sebastian Stan, Tatiana Maslany, Toby Kebbell, Scoot McNairy, Bradley Whitford, James Jordan, Toby Huss, Jade Pettyjohn, Shamier Anderson, Jan Hoag
Productora: 30West / Automatik Entertainment
Género: Thriller | Drama
Si hay algo que a Hollywood se le da muy bien eso son las historias de venganza, ya sea como tema principal en una película o como motivación personal para un personaje. Karyn Kusama, prolífica directora aunque con una carrera bastante irregular (Girlfight, Æon Flux, Jennifer’s Body, La invitación), nos trae Destroyer, subtitulada en España como “Una mujer herida” y protagonizada por la siempre maravillosa Nicole Kidman.
De nuevo saliéndose de cualquier camino preestablecido, Kusama vuelve a sorprendernos esta vez con un thriller policial. Kidman interpreta a Erin Bell, una detective de la policía de Los Ángeles que, tras una fracasada operación en un grupo mafioso que se dedicaba al atraco de bancos, quedó para siempre herida emocional y moralmente. Las sospechas ante el reactivamiento de la banda hacen que Erin decida seguir las pistas de un caso que que le hará retomar el contacto con algunas personas de su pasado que ya en su momento prefirió dejar atrás.
Sin duda, el punto fuerte de Destroyer está en su protagonista. Kidman nos muestra a una mujer destruida por las decisiones que ha tomado a lo largo de su vida e incapaz de salir del agujero emocional en el que está metida. La culpa la carcome por dentro y el resentimiento ante las injusticias que la llevaron a ser víctima de todo ese sufrimiento no le deja dormir. A pesar de que su brusca caracterización pueda distraer un poco al espectador, no deberíamos restarle mérito al trabajo de interpretación que realiza la australiana. Es duro y honesto y está lleno de matices. Kidman vuelve a demostrar que es una de las actrices más versátiles de su generación atreviéndose a interpretar a personajes complejos, diferentes y provocadores.
La trama general de la película, por otro lado, acaba cayendo en la reiteración, con secundarios que calan bastante poco y giros que no presentan nada nuevo o especial para el género. Ciertamente se trata de un thriller bien construido y con una protagonista brutal, pero quizás todo esto acaba sabiendo a poco. El planteamiento es bueno pero su ejecución va perdiendo el interés a medida que la cinta avanza y, llegados al final, la historia carece de cualquier tipo de emoción. En conclusión, Destroyer es una película ligera en su narración, pero bastante más compleja en sus intenciones que cuenta con una grandísima protagonista que carga sin problemas con todo el peso del film.
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El Festival “Los domingos se hacen cortos” regresa al Palacio de la Prensa con un especial “Sin Valentín”
La iniciativa, que arrancó el mes pasado, nace con el objetivo de promocionar el mundo del cortometraje y el cine alternativo de calidad.
Este fin de semana, el próximo 24 de febrero, a las 12.00 horas, regresa a los cines Palacio de la Prensa de Madrid el Festival de cortometrajes “Los domingos se hacen cortos”, una iniciativa única, organizada en colaboración con Feelsales y Cortogenia, dirigida a promocionar el mundo del cortometraje en las salas de cine que continuará hasta el mes de diciembre de este año.
De esta forma, cada último domingo de cada mes, el cine de la Gran Vía dará visibilidad, de forma exclusiva, a cinco cortos clasificados por temáticas y vinculados con temas de actualidad, destacados por su palmarés o su calidad técnica, creativa o artística.
Concretamente los cortos seleccionados para esta segunda sesión son: Como yo te amo, de Fernando García Ruiz; Inocente, de Álvaro Pastor; Apolo 81, de Óscar Bernácer; Vida en Marte, de Jose Manuel Carrasco, y El amor me queda grande, de Javier Giner.
Actores de la talla de Ana Rayo, Luis Callejo, Mariola Fuentes, Marina Salas, Aarón Gómez, Carlos Areces, Jordi Aguilar o Silvia Alonso protagonizan reencuentros, historias de amor juvenil, anhelos y esperanzas, estereotipos y etiquetas en las relaciones sentimentales, etc.
Con este festival, el Palacio de la Prensa ofrece un contenido alternativo a estrenos y cartelera y posibilita el acercamiento del gran público, de todas las edades, gustos e intereses, al mundo del cortometraje, muchas veces inaccesible, y hacerlo en el mejor escenario posible: una sala de cine.
Entradas a la venta en taquilla y en super8.es
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¿Hawaii o Kawaii? Capítulo 1: Your Name y Nolan
Que nadie se altere, se perfectamente que Christopher Nolan ni siquiera se ha pasado a saludar durante la realización de esta película. Y si así hubiera sido, ya nos habríamos enterado por Twitter. Además, no es menester quitarle ni un ápice de mérito a Makoto Shinkai por el peliculón que se ha sacado de la manga. Pero, antes de nada, toca presentar este artículo hablando un poco de mi situación.
Desde hace bastante tiempo, he tenido esa espinita por no acercarme al anime. Siempre estaba ahí la idea, pero nunca se daba. Hasta que, firme en mi postura, me dispuse a sentarme en mi sofá favorito (el único que tengo), puse esta película en el televisor y me maravillé.
Bueno, vamos a ser sinceros. Previamente ya había disfrutado de la increíble Wolf Children, pero creo que era necesario empezar con Your Name. ¿La razón? Ninguna en particular. Más bien es un sentimiento, algo de lo que rebosa este largometraje. Y algo que le falta al director que le acompaña en este titular.
La relación del escritor de este artículo con el director británico ha sido cuanto menos extraña. De considerarlo un maestro del séptimo arte a denostarlo por completo ante su estilo hiper trillado, su última película consiguió reconciliarme en cierto modo con su cine. A Nolan le gusta hablar mucho sobre las personas o, al menos, sobre lo que el considera que son las personas. Todos sus personajes están marcados por una serie de problemas con algún allegado. No obstante, más que un planteamiento sobre emociones, en multitud de ocasiones sus películas parecen más un ensayo sobre el comportamiento del ser humano en según que situaciones, todas trazadas desde un filtro similar, carente de sentimiento. La excepción se sitúa en Interstellar, donde realmente Nolan abre un poco su corazoncito y nos permite explorar la verdadera condición de la relación entre sus personajes. Previamente, lo máximo que teníamos era un Leonardo DiCaprio que nos quería hacernos creer que todo lo del Titanic era un sueño, manipulando la mente de Marion Cotillard.
Pero como todos ya sabemos, porque Nolan es de todos, existe otro elemento capital en la filmografía de este director: el tiempo. Su tratamiento ha sido sumamente interesante. Sus películas han tratado de situarlo desde diversos puntos de vista. En Memento, Origen e Interstellar forma parte fundamental del argumento, mientras que en Dunrkerque su uso es mucho más sutil y al mismo tiempo, bastante más potente. Es algo que se puede apreciar incluso en la duración de sus películas, donde el tiempo pasa a complicar la trama. Sin embargo, en su último largometraje la duración disminuye y el sentimiento de angustia está mucho más concentrado.
La trilogía del Caballero Oscuro probablemente marque la excepción con todo lo que comentó. Para empezar, la idea del tiempo queda supeditada a ciertos momentos puntuales en la saga en los que se convierte en elemento de peligro. Por otro lado, todo lo concerniente al aspecto del ser humano tiene su particularidad. Y es que en esta ocasión todo depende de la tradición que posee el personaje. Con esta trilogía, Nolan trato de acercarse al Batman más oscuro, por lo que mucha parte de su cosmovisión a la hora de crear personajes quedo a un lado. Con ello consiguió crear lo más cercano a personas reales que ha logrado en toda su filmografía (si, lo sé, Interstellar) y aun así siguen faltando mucho recorrido, merced de lo que proponen los cómics del personaje.
¿Y que tiene que ver todo esto con Your Name? Bueno, al fin y al cabo, sus dos temas esenciales son el tiempo y el amor. Ambos han aparecido en la trayectoria de Nolan, pero su visión es muy diferente. Y es algo cuanto menos curioso. Un director cuya obra se ha caracterizado temáticamente por trazar una percepción sobre los seres humanos en la que se pierde considerablemente uno de los aspectos más importantes: su corazón. Todos estos personajes están vistos desde muy lejos, mientras que en Your Name lo principal es la conexión, no sólo entre los protagonistas, sino con el espectador. Creo que es de las pocas veces que he deseado que todo acabará bien en la película, que ambos acabarán juntos a pesar de las dificultades que han vivido.
Y esto se extiende también al tiempo. Mientras que para Nolan es una manera de complicar la trama con nuevos giros argumentales, para Shinkai es una herramienta muy original de reforzar su premisa inicial. La película pasa por diversas fases pero nunca abandona el amor como punto principal, cocinando a fuego lento pero sin pausa una historia inicial llena de sentimiento. Se que me repito mucho con esta palabra, pero es que creo que no hay mejor manera de describir Your Name. Es una película con una de esas escenas que tendré por siempre en mi memoria, por la sonrisa que me saco, por las lágrimas que tuve que contener y por el nudo en la garganta que me dejó.
Con todo esto, no quiero decir que no me guste nuestro querido amigo Nolan. Disfruto mucho sus películas, me entretienen y me encantan sus bandas sonoras. Pero siempre me falta algo para conectar con todo lo que plantea porque parece que, aunque detrás de todas esas capas de espectacularidad me esté hablando como ser humano, esos personajes no se parecen en nada a lo que yo siento o sentiría. Por otro lado, a Makoto Shinkai solo le ha hecho falta situarme en diversas situaciones en las que me reconozco como individuo, plantearme anhelos que mantengo durante mi vida y desear que ese desenlace tan mágico acabé cumpliéndose.
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Crítia – ‘Green Book’
Título original: Green Book
Año: 2018
Duración: 130 min
País: Estados Unidos
Dirección: Peter Farrelly
Guion: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga
Música:Kris Bowers
Fotografía: Sean Porter
Reparto: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini
Productora: Universal Pictures / Participant Media / DreamWorks SKG / Innisfree Pictures / Wessler Entertainment
Existe todo un subgénero cinematográfico de películas basadas en hechos reales que acaban con una de serie de textos en los créditos finales que aclaran que los protagonistas acabaron siendo amigos para toda la vida. Basta con ver el tráiler o incluso el cartel de Green Book para saber que esta es una de esas películas.
Esto no tiene por qué ser algo malo. Muchas de las críticas negativas que está recibiendo el filme de Peter Farrelly van enfocadas precisamente a que su historia es demasiado previsible. No todos los guiones con tramas sorprendentes o con giros inesperados son buenos, ni son malos si carecen de esos elementos.
Green Book no destaca por su trama (ni falta que le hace) pero sí por sus diálogos. Es cierto que la relación entre un refinado pianista clásico negro y su chófer, un buscavidas italoamericano, a principios de los sesenta promete; pero en esas bocas hay que poner las palabras adecuadas y Green Book lo hace, consiguiendo llevar toda la película a través de las conversaciones entre sus dos protagonistas.
Estos personajes requerían una interpretación de cierto nivel para que la película fuese realmente infalible, para eso están Mahershala Ali y Viggo Mortensen. El primero se aleja de personajes que le han dado la fama como Juan en Moonlight o Cottonmouth en Luke Cage e interpreta de manera muy precisa a Don Shirley, un genio con una cultura infinita que no sabe cuál es su lugar fuera de los grandes auditorios. Por otro lado está Viggo Mortensen, que acostumbrados a verle interpretando a personajes aventureros, misteriosos o de moral ambigua aquí le da vida (con barriga cervecera incluida) a Tony Lip, un hombre sencillo con buen fondo pero a veces con formas dudosas y un maravilloso acentazo italoamericano.
Tony y Don, como podrá imaginar el espectador, cambiarán sus perspectivas gracias al otro. Uno acaba siendo menos racista y el otro menos clasista, solo falta que suene Ebony and Ivory. El problema es que por muy previsible que sea cuál va a ser el final de ambos, el proceso que siguen es algo errático. A Tony se le presenta al principio como alguien bastante racista a través de un par de gestos, pero una vez empiezan su relación este trata a Don como a un igual excepto en un par de momentos. Sin embargo la película transmite que Don tiene más que aprender de su chófer supuestamente racista que al revés, llegando al punto en el que el pianista ejerce más de institutriz que de otra cosa mientras que Tony ayuda a que este baje de su trono para que disfrute de la vida y vea que todos somos iguales.
A pesar de ello Green Book cumple sus funciones como road movie, buddy movie, feel good movie y todas las movies, repitiendo la gran mayoría de sus clichés (ya sea para bien o para mal). Incluso ese final en el que hay que llegar a casa para la cena de Nochebuena la convierte un poco en una Christmas movie.
Green Book tiene claro que película es y que quiere que el espectador pase un buen rato y se sienta bien consigo mismo, lo cual no es necesariamente malo. Es cierto que en ella rebosan los clichés, que podría enfocar ciertas temáticas de otras maneras, que en algunos momentos es paternalista y autocomplaciente, que la dirección no es nada del otro mundo y que nadie refleja el ambiente italoamericano como ya lo hizo en su día Scorsese. Aún así Peter Farrelly regala 130 minutos estupendos, con dos actores inmensos y con una historia que merece la pena ver.
Lo mejor: la interpretación de los actores protagonistas y los diálogos.
Lo peor: su autocomplacencia y el exceso de clichés.
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5 razones para ver ‘The Umbrella Academy’
El regalo de San Valentín para cualquier buen seriéfilo ha sido el esperado estreno de ‘The Umbrella Academy’, la ficción deja sentimientos encontrados. ¿Por qué tendría que darle una oportunidad? Nos sumergimos en el apasionante mundo de una familia especial, literalmente.
1. Vanya
Aunque realmente podríamos decir que se posiciona, en los episodios finales, como el centro de atención, el personaje de Vanya, interpretado por Ellen Page tiene una psicología diferente a la de sus hermanos, una humanidad dada por sus traumas y por la relación que emprende al principio de la serie, que traspasa la pantalla y provoca una reflexión sobre las inseguridades y la autoestima.
2. Los poderes
No es un spoiler, el equipo de ‘The Umbrella Academy’ posee poderes especiales, la forma de contarlos es amena y dinámica, no obstante, solo se conoce en profundidad las capacidades de 5 y las historias de Klaus y Luther. Aunque los poderes son muy visuales y fundamentales para dar vida a esta serie, es cierto que quizá la gran falta de la nueva ficción de Netflix fue no darle tanto protagonismo a The Rumour.
3. La relación entre Allison y Vanya Hargreeves
Otro de los pecados de ‘The Umbrella Academy’ fue darle más protagonismo a Allison y Luther, y a los secundarios Hazel y Helena, la adorable señora de los donuts, antes que a una relación rota entre hermanas que, una vez son adultas, intentan recuperar esa amistad y cariño que fue apagado. A pesar de esto, los 3 últimos episodios nos regalan las escenas más brutales de la serie, por supuesto, liderada por Vanya y Allison.
4. La trama
Podría decirse que esta primera temporada ha sido una toma de contacto, con un tiempo y una estructura adecuada, en la que se da tiempo a conocer a los personajes, sus personalidades y la situación en la que se ven envueltos, siempre acompañados del drama que trajo consigo 5. De esta manera, la trama se presta a seguir profundizando en las relaciones personales de los hermanos, en aquellos que fallecieron y en el gran acontecimiento que guía a esta serie: el fin del mundo. No obstante, al existir muchas incógnitas el espectador debe ir advertido: o matarás por una segunda temporada o la esperaras con ansias sintiendo que no ha sido suficiente.
5. La estética
Craig Wrobleski y Neville Kidd, encargados de la fotografía, logran que poner la serie sin sonido siga siendo una delicia para la vista. Esta última razón solo puede ser acreditada con ejemplos:
Steve Blackman y ‘The Umbrella Academy’ han conseguido adaptar los cómics a la pantalla positivamente, disponen de una gran elenco, Ellen Page, Tom Hopper, Robert Sheehan, Emmy Raver-Lampman, David Castañeda, Aidan Gallagher, Mary J. Blige Cameron Britton y Colm Feore. El apoyo de una gran productora y el talento lo tienen y en esta primera temporada han esbozado las líneas de lo que podría ser una de las series más esperadas de los próximos años. Espero poder afirmarlo en la segunda toma de contacto y que no haya sido solo un rumor.
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SORTEO – 1 BLU-RAY de ‘Venom’
Esta semana sorteamos, gracias a Sony Pictures, 1 Blu-Ray de Venom, ‘spin of’ de la saga Spider-Man protagonizado por el actor Tom Hardy
Michelle Williams y Tom Hardy en una escena de Venom
Este mes, y gracias a Sony Pictures, sorteamos 1 Blu-Ray de Venom, la primera película en solitario sobre el archienemigo del popular superhéroe de Marvel Spider-Man y protagonizada por los actores Tom Hardy (Dunkerque) y Michelle Williams (El gran showman).
Dirigida por Ruben Fleischer (Gangster Squad) la cinta sigue los pasos de Eddie Brock (Hardy) un astuto reportero que investiga una empresa llamada Fundación Vida y descubre que Carlton Drake (Riz Ahmed), uno de sus científicos más eminentes, realiza secretamente experimentos ilegales en seres humanos y pruebas con formas de vida extraterrestres conocidas como ‘simbiontes’.
Durante una visita furtiva a la central, el periodista quedará infectado accidentalmente por uno de estos seres alienígenas y comenzará a experimentar extraños cambios en su cuerpo, adquieriendo una serie de poderes extraordinarios que lo convertirán en un despiadado y peligroso súpervillano.
Antes de participar, recuerda ver nuestras normas sobre concursos.
📢 ¡#SORTEO!
🎥 ¡1 #BluRay de la película #Venom!
➡ RT + FOLLOW + MENCIÓN con quien verías la peli.
⏰ Fin: 25/02 a las 10:00
👍 Síguenos: @SonyPicsVideo y @35milimetros_es pic.twitter.com/UVMlkvKgwG
— 35 Milímetros – Cine y TV 🎬 (@35milimetros_es) February 18, 2019
Para participar:
1. SEGUIR en Twitter las cuentas de 35 Milímetros y Sony Pictures Home Entertaintment.
2. Dar RETWEET a la publicación del concurso.
3. MENCIONAR en un comentario a un amigo con quien verías la película.
Duración del sorteo: Desde 18/02 hasta las 10 horas del 25/02.
Publicaremos el nombre de los ganadores en este mismo artículo y por redes sociales.
Si el ganador/a vive en SEVILLA, deberá recoger los premios presencialmente. En caso contrario, estos se les enviarán por correo ordinario a la dirección que faciliten.
¡Tenéis tan solo una semana para poder participar! ¿A que estáis esperando? ¡Corred insensatos!
Para este concurso solo admitimos una participación por usuario.
¡Gracias por participar y mucha suerte a todos!
(Próximamente)
Ganador:
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Ingrid García Jonsson, Verónica Forqué, Rosa Mª Sardá y David Verdaguer protagonizan ‘Salir del ropero’
Salir del ropero, una comedia familiar sobre el amor y el derecho a hacer lo que a cada cual le dé la gana
El pasado lunes 28 de febrero arrancó en Lanzarote el rodaje de Salir del ropero, ópera prima de Ángeles Reiné. Una comedia familiar diferente, sobre el derecho de cada cual a hacer lo que le dé la gana, que llegará a las pantallas en los próximos meses de la mano de Filmax.
Producida por el ganador de cuatro Goyas, Andrés Santana, y escrita y dirigida por Ángeles Reiné, Salir del ropero gira en torno a las relaciones entre los complejos individuos que forman una misma familia, que con el paso de los años, se han alejado los unos de los otros, e incluso de sí mismos. La insólita noticia de la boda gay de la abuela, les volverá vulnerables haciendo que comiencen, por fin, a abrirse y descubrir lo que en realidad llevan dentro.
Verónica Forqué y Rosa Mª Sardá protagonizan esta historia de amor, que Ingrid García Jonsson y David Verdaguer se empeñarán en impedir. Junto a ellos, Candela Peña, Mónica López, Álex O’Dogherty, Pol Monen, Malcom T. Sitté, María Caballero, Leander Vyvey, Liz Lobato y Toni Madigan completan un reparto internacional y multicultural.
“El deseo de hablar sobre tolerancia, la búsqueda de la felicidad y la fuerza del amor son las principales razones que me mueven a contar esta historia.” – afirma la directora.
Sobre Salir del ropero
Eva, una joven y prometedora abogada española afincada en Edimburgo, ve peligrar sus planes de boda con el heredero de una importante y ultraconservadora familia escocesa, cuando se entera de que su abuela, Sofía, ha decidido casarse… con su amiga del alma, Celia.
La decisión de Sofía, de casarse a sus 74 años con Celia, desafiando todos los convencionalismos sociales y religiosos, pone patas arriba la vida de Eva que intentará impedir por todos los medios que esa boda se celebre, con la complicidad de Jorge, el hijo de Celia, que se une a la causa de Eva por diferentes razones.
Pero Eva no cuenta con la reacción del resto de su peculiar familia, que lejos de ayudarla, apoya la decisión de las ancianas.
Entre enredos, mentiras piadosas, robos, atropellos, sensacionalismo mediático y situaciones delirantes, Eva poco a poco va comprendiendo qué es lo que verdaderamente importa en su vida.
Su primera película
Ángeles Reiné presenta con Salir del ropero su ópera prima cinematográfica. Directora de cine publicitario con experiencia nacional e internacional durante más de veinte años y directora de ficción tv con éxitos como Dr. Mateo. Estos últimos años dedicada a su faceta de guionista.
Con un equipo de profesionales de primera línea como el director de fotografía José Luis Alcaine, la directora de arte Natalia Llopis o la figurinista Ana López Cobos, la película se rodará durante seis semanas en diversas localizaciones de la isla de Lanzarote y la ciudad portuguesa de Oporto.
Salir del ropero será una coproducción hispano-lusa producida por Yaiza Films AIE, Salir del ropero AIE y Airam Films SL.y la portuguesa Take 2000 con la participación de TVE.
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‘Synonymes’ de Nadav Lapid, Oso de Oro en la Berlinale 2019
En esta Berlinale 2019, el director francés François Ozon recibe el Gran Premio del Jurado por su película Gracias a Dios, un filme en el que denuncia abusos sexuales cometidos por la Iglesia en su país.
Fotograma de Gracias a Dios
Tras diez días de proyecciones, entrevistas, encuentros y mucho, mucho cine, la Berlinale 2019 se despidió ayer hasta su proxima edición anunciando las películas ganadoras del evento. El realizador israelí Nadav Lapid, ha ganado el codiciado Oso de Oro con su tercer largometraje Synonymes, un drama semi-autobiográfico en el que el cineasta reflexiona acerca de la solidaridad y la inmigración a través de varias situaciones en la ciudad de París.
El director francés François Ozon (Frantz) se alzó con el segundo galardón más importante del festival, el Gran Premio del Jurado, por Gracias a Dios, una película de ficción inspirada en la historia de las víctimas del sacerdote Preynat en Lyon y en los inicios de la Asociación Palabra Liberada. Un largometraje que Ozon rodó en Francia, Bélgica y Luxemburgo, y lo ha contado, con la sensibilidad que le caracteriza, desde el punto de vista de las víctimas. El realizador declaró tras recibir este reconocimiento a los medios de comunicación “No sé si el cine puede cambiar el mundo, pero sí puede ayudarnos a entenderlo mejor”.
El Oso de Plata a la Mejor Dirección recae este año en una mujer, la alemana Angela Schanelec, por la cinta I was at Home, but, una drama en el que la cineasta explora la tensa relación que mantienen una madre y sus dos hijos. Por otra parte, los premios a Mejor Actor y Actriz fueron concedidos a los interpretes chinos Wang Jingchun y Yong Mei, pareja protagonista del filme So Long, My Son.
PALMARÉS BERLINALE 2019
Oso de Oro: Synonymes, de Nadav Lapid (Israel).
Gran Premio del Jurado: Gracias a Dios, de François Ozon (Francia).
Premio Alfred Bauer a la película que abre nuevas perspectivas: Systemsprenger, de Nora Fingscheidt (Alemania).
Mejor dirección: Angela Schanelec, por I was at Home, but (Alemania).
Mejor actriz: Yong Mei, por Son Long, My Son (China).
Mejor actor: Wang Jingchun, por So Long, My Son (China).
Mejor guion: Maurizio Barucci, Claudio Giovannesi y Roberto Saviano por La banda de los niños (Pirañas) (Italia).
Contribución artística: para el director de fotografía Rasmus Videbaek, por su labor en Out Stealing Horses.
Mejor documental: Talking about trees, de Suhaib Gamelbari.
Mejor ópera prima de todas las secciones: Oray, de Mehmet Akif Büyükatalay.
Mejor cortometraje: Umbra, de Florian Fischer y Johannes Krell.
Mejor película en la competición para la crítica internacional: Synonymes (Israel), de Nadav Lapid.
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