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Tristan Ridel - Wiener Staatsballett - photo by Fabien Montique

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Ballet Review: Wiener Staatsballett’s Giselle with Hyo Jung Kang and Brendan Saye

9 October 2023 — Coming out of the Vienna State Opera House, all I could think of was how Wiener Staatsballett has not gotten the recognition it absolutely deserves. This is a top company that should be talked about as much as Mariinsky, Royal Ballet, and Paris Opera.

Watching their production of Giselle, you could tell that their principal dancers and corps de ballet were world-class. It is one thing to perform a well-known choreography, and another to have dancers feel like characters coming out of a storybook. It was a privilege to watch this company and from now on, I will be posting their content as much as I can.

Hyo Jung Kang and Brendan Saye's partnership was full of chemistry. They were not just in sync with each other but were also fully invested in the characters they were playing. The courting scene during the first act was so heart-warming (of course, ignoring the intentions of Albrecht.) Then, the betrayal and Giselle's pleas towards Albrecht, were heartbreaking.

The pas de deux from the second act was just magical. The lifts were so seamless that Giselle looked like she was floating. Hyo Jung Kang relished every movement in the pas de deux from start to finish and Brendan Saye made them look so effortless. This was, as the kids would call it, a biblically accurate pas de deux.

Hyo Jung Kang's Giselle felt like a perfectionist's interpretation of Giselle. There was stark difference between acts I and II. Her innocence and naïveté was evident, and you could easily sympathize with her and her vulnerability. Then, the deviation from naive Giselle to a mad and hysterical one was heartbreaking.

Hyo Jung Kang is also a very technical dancer. Every movement was controlled not in a limiting way, but a clean way. The way she would hold every arabesque and every balance was unique as well. They weren't long holds that go beyond what the music allows. They were a few seconds longer than usual, enough to make you hold your breath, and within the music, she then releases her pose. I believe these were moments where she added some personal touches.

Her Giselle in act II was also ethereal. In a lot of interpretations, Giselle is usually just ghostly. Facial expressions are usually controlled (sometimes even deadpan, pun absolutely intended) and the main focus are having airy jumps. Her Giselle, in contrast to most, still had a lot of passion.

The standout of this production, for me, was Brendan Saye. This is the most convincing Albrecht I have seen since David Hallberg. When we first meet him in act I with his squire, he was boyish and playful. Then, his persona changes once he shares the stage with Giselle. He is, all of a sudden, persistent and quite intimidating. His unwavering looks towards Giselle were absolutely in character. There was an evident call and response between his stares and Giselle's shyness. Then, his interpretation reached another level of complexity once he was juxtaposed with the villagers. He may be dressed as one of them, but his regal quality is ever present.

His entrance in act II was just breathtaking. The iconic cape entrance is usually a highlight for me but Brendan Saye's stage presence was just unparalleled that he made this entrance even more haunting.

On the technical side, he always braced himself in fifth and also stuck his landings in fifth. A lot of male dancers, even principal dancers from top companies, miss this - so seeing this pulled off in every jump and turn was just an absolute sight to behold.

Lastly (and honestly), a bit randomly, let's talk costumes. In all of the stagings of Giselle I have seen, the peasant costumes are largely unchanged. Having never seen the Wiener Staatsballett production, I was pleasantly surprised by their costumes that drew inspiration from lederhosen and dirndls. I thought this was a nice touch considering that these are the traditional attire of the region.

Act II, in contrast, was too modern for my taste. Tube tops, pleats, no sleeves, and ears exposed. My initial reaction was that this (too closely) resembled Serenade more than Giselle. It was only Giselle who had the traditional romantic hairstyle we all know and love. This costume interpretation evoked the same emotion I had for the romantic tutus used in the Royal Ballet's Swan Lake from a few years back.

On a positive note, I wholeheartedly approve of Queen Myrtha's costume with the long sleeves. This made it easier for viewers to put two and two together that we are seeing the queen of doomed brides. This is a wedding dress and she is a ghostly villainous bride. This is not always apparent in other companies' interpretation of the costume. I just wish all the other wilis had long sleeves too or just the traditional wilis romatic tutus.

Their next dates for Giselle: 22 October 2023 and 27 October 2023.

Photo Credits: Ashley Taylor company photographer of Wiener Staatsballett

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Davide Dato | Vienna State Ballet (Wiener Staatsballett) | Photo by Ashley Taylor

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Aleksandra Liashenko in "La Bayadère", Wiener Staatsballett

Photographer Raphaël Rautureau

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Susanne Bisovsky, Austrian fashion and costume designer. 

2021 IN SEVENTH HEAVEN

SUSANNE BISOVSKY – BALLET, 2021

Photographer: Wolfgang Pohn / Model: Nora Einwaller / 

Hair&Makeup: Nicole Pessl-Jaritz

Staatsballett – Wiener Staatsoper

https://www.bisovsky.com/

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Nina Tonoli, demi soloist with Wiener Staatsballett.

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Nikisha Fogo as Sylvia, and huntresses.

Sylvia, Manuel Legris production, Wiener Staatsballet (2018)

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Nikisha Fogo and Davide Dato in Sylvia

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Martina Arduino, Claudio Coviello and Nicola Del Freo [1] in Sylvia (La Scala Ballet/Wiener Staatsballett, 2019)

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Brendan Saye - Wiener Staatsballett - photo by Daniel Gossmann

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Marianela Nunez and Vadim Muntagirov in Marguerite and Armand (Nureyev Gala 2018)

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Victor Cagnin | Vienna State Ballet (Wiener Staatsballett) | Photos by Nina Cagnin

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Ioanna Avraam as Tatyana Larina and Andrey Teterin as Prince Gremin, "Onegin", choreography by John Cranko, based on the novel in verse "Eugene Onegin" by Alexander Pushkin, music by Pyotr Tchaikovsky, stage and costume by Elisabeth Dalton, Das Wiener Staatsballett Vienna State Ballet, Vienna, Austria.

Photographer Ashley Taylor

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Vaganova Students in Vienna

Vaganova Ballet Academy students performed at Wiener Staatsballett last week, as Tsiskaridze continues to build VBA’s relationship with Europe.

A post shared by Maria Khoreva (@marachok) on Dec 13, 2017 at 10:44am PST

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[ウィリアム・クリスティ＋レザール・フロリザン、ヘンデル『アリオダンテ』]

 ウィーン国立歌劇場では、本日3月8日をもってクリスティが振るヘンデルのオペラ、『アリオダンテ』が最終公演となる。

ピットに入るのは、クリスティ自身が率いるパロックアンサンブル、レザール・フロリザン。2月末のプレミア後、5回にわたって上演されたヘンデルオペラは、1800人収容の巨大なハコの問題は別にして、しばし、ウィーンの歌劇場を18世紀の世界に引き込むことになった。

古楽の巨匠、クリスティによる極度に抑制の効いた解釈、レザール・フロリザンの最上級のピリオド演奏、そして古楽分野でレパートリーを積んできた歌手陣。現在の段階で、これ以上の条件でのヘンデルオペラは望めないのでは、と思えるほどの豪華キャストである。エリザベス女王からデイムに叙されているサラ・コノリーがタイトルロールのアリオダンテ。恋人役のジネーヴィラをチェン・レイス、侍女ダリンダをヒラ・ファヒマ、そしてアリオダンテとジネーヴィラに横恋慕する悪役ポリネッソは、昨夏、ザルツブルクのバルトリのアリオダンテでも同じ役を思い切りブラックに演じたクリストフ・デュモーである。

バロックオペラならではの複雑に絡み合う恋愛模様と、主人公の狂乱、そして唐突なハッピーエンド。アントニオ・サルヴィによるリブレットを、一種のドタバタ恋愛喜劇として演じたのが昨年のバルトリ・プロジェクトだったとするなら、今日の公演はその逆を行く、非常にクリーンでクールな演奏だったといえるだろう。オリジナルの作品にはバレエシーンも多く、そこには当然ウィーン国立歌劇場バレエ団が投入されるので、舞台自体は華やかなのだが、クリスティが作る音楽のコンセプトは極めて冷静で、ある種の理性を感じさせるものだった。

イケメンの雰囲気をかもしだすアルトのコノリーは、タイトルロールとしてそれほどキャラをプッシュしてこない。むしろおとなし目の役に仕上げられているが、やはり歌のうまさはピカイチである。チェン・レイスとの二重唱はもうなんとも少女漫画風の端麗なカップルだ。一部の批評ではコノリーがキャラ立ちしていなくて弱い、という指摘があったようだが、私は少なくとも、多くの超絶アリアをこなすアリオダンテ役を、あまり全体に悪目立ちさせないという指揮者と演出のコンセプトが反映されていたのではないかと思う。例えば、アリオダンテが歌う終幕の長大な英雄的アリアが、全く英雄的には仕上がっていなかったのだ。むしろ初盤から歌手もアンサンブルも超弱音で曲に入り、そして、テンポもとってもゆっくりしている。曲として素晴らしいだけではなく、物語のハッピーエンドにつながる大事なアリアなのだが、クリスティが心に抱く最後のアリアの理想は、とにかくとてもおとなしいものなのだ。この解釈はおそらく、音楽の中に無理くりにでもクライマックスを見つけ出そうとする現代の感覚から積極的に抜け出していくというクリスティのアイデアなのでは、とも思った。

ザルツブルクでも聴いたカウンターテナー、クリストフ・デュモーのポリネッソは、悪役をきわめてダーティに作り込んでいいて、本当に素晴らしかった。最後の幕の決闘前のアリアなどは、舞台の端にすっくと立って歌うのだが、もうそのブラックな魅力がすごくて、バロック時代、カストラートの高音超絶技巧に、コルセットで胴を締め上げたドレス姿で平土間に立って鑑賞した貴婦人たちが悩殺されて次々と失神した、というエピソードがリアルに想像できるほどだった。(とはいえ、史実からいえば、本作『アリオダンテ』においてカストラートが歌ったのはタイトルロールだけで、ヘンデルはポリネッソを女性歌手に歌わせていたようだ。)

演出はスコットランドのデイヴィド・マクヴィカー。舞台やコスチュームはバロックと19世紀イギリス/スコットランド、そして少しばかりグロテスクな未来的・SF的な雰囲気のミクスチャーである。特に、コスチュームにはさりげなく民族衣装のキルトが取り入れられていたりと、演出家自身の文化圏が顔を覗かせていたのは興味深かった。全体としては視覚的に美しい舞台なのだが、前述のようにバレエ部分が時間的にも長くて重要な作品なので、ダンスが現代的、かつグロテスクで難解に過ぎたのは残念だった。

そしてなんといっても素晴らしいのはクリスティとアンサンブル。ウィリアム・クリスティは74歳。オーケストラボックスの真上の席で見ていたのだが、この四時間近くのオペラを、曲間のポーズを除いては一度も腰をかけず、背筋をすっと伸ばしたまま、力強く振りきった。指揮棒は使わず、両手をまるで空中に文字を書くように表現豊かに使って指示を出すが、気心の知れた自身のアンサンブル、多くの箇所で、腕組みして笑顔で立ったまま、奏者に演奏を任せっきりにしていたのはなんとも微笑ましかった。そして、初演のメディア批評で、全体にテンポが遅いと指摘されたのを気にしたのかどうか、三幕以降では、振りながら何度か腕時計を覗いていたのが個人的に気になった。明らかに時刻を確認していたのではなく、曲の長さをはかっていたのだろう。

そしてもうレザール・フロリアンの音楽が素晴らしすぎて…。オリジナルのオーボエ、ファゴットが6本、舞台ぎわに並んだのは壮観である。もうどの奏者も本当にうまくて、特にコンマスのクロサキ・ヒロさん。バイオリンソロを含む部分では、ヘンデルの世俗音楽の魅力をこれでもかと前面に押すような、ビブラートのかかったハイテンポな演奏は聴いていてドキドキしたし、合奏部分でもその独特の艶を帯びた音は突出して耳に飛び込んできた。同じように輝かしかったのがテオルボのアラッシュ・ノーリ。彼だけは、譜面がiPad だったのも、最初から目を引いた。演奏は、オーセンティックでありながらときどきおおっ、というほど飛び出してくる。ポリネッソとルルカニオの決闘シーンでは、テオルボをまるでフォークギターのようにジャンジャカジャカジャカ、とかき鳴らしていたのが、もうかっこよすぎた。そして、フルートトラベルソやナチュラルホルンももはや美音としか言いようがない。二人のホルン奏者のうち、ジル・ラパンはなんとホルンをトランペットに持ち変えるという超人ぶり。今回はじつに、古楽の世界で最高峰のレザール・フロリザンの底力を、いやというほど納得させられた。

2010年の秋、マルク・ミンコフスキとグルノーヴル菅がピットに入って同じくヘンデルの『アルチーナ』を上演したとき、その演奏があまりにも素晴らしすぎて、この国立歌劇場でもうこんなに本格的なパロックオペラを見ることは一生ないだろう、としみじみ思ったものだった。しかし、音楽にはやはり「これで終わり」はないのである。心を動かすような名演奏との一期一会を、これからも大切にしたい。

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