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¡Bienvenides! este es un espacio donde invitamos a la reflexión y la autocrítica.

Requerimos de mentes abiertas y muchas ganas de abolir estereotipos.

¿Preparades?  

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¿QUÉ ES LA APROPIACIÓN CULTURAL? Haz click aquí ⇩⇩⇩

https://www.youtube.com/watch?v=mlzBim36Buk

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Zara y las mujeres de Aguatenango

Las mujeres de Aguatenango denunciaron ser víctimas de plagio por parte de la empresa de Amancio Ortega de sus bordados tradicionales en sus blusas. 

Una de las tejedoras informó a eldiario.es de que un grupo de empresarios chinos compraron varios de sus modelos y, tiempo después, aparecieron en la temporada de Zara. 

La denuncia fue hecha por la ONG Impacto y las artesanas; María Méndez, una de las artesanas, aseguró que las trabajadoras tardan más de 50 horas en tejer la prenda para venderla a 200 pesos, mientras que Zara la fabrica en un par de horas y la vende por 600. 

“Hay una protección al patrimonio individual con los derechos de autor, pero no al colectivo que lleva cientos de años: la ley no las protege”, explica Impacto. 

Por supuesto, detrás de la apropiación hay un beneficio económico que se quedan esas clases altas y que las culturas víctimas de esta apropiación no ven nunca. Las culturas que son apropiadas no ven ni beneficios económicos ni reconocimiento social, se convierten en un instrumento tanto de entretenimiento, como de beneficio económico. 

“Nos afecta bastante porque la gente ya no nos compra a nosotras porque lo pueden encontrar en una tienda o ya nos dicen que son parecidos. Perdemos ese beneficio, que es nuestro principal sustento en el hogar”, cuenta María, de 39 años y madre de siete hijos. 

⇩ Aquí la entrevista a las mujeres de Aguatenango ⇩

https://www.youtube.com/watch?v=dn6ZlPbzJZo

Los símbolos que bordan estas mujeres forman parte de su cosmogonía, de su manera de interpretar el mundo: “Es una falta de respeto porque esos bordados son de nuestros ancestros, que nos enseñaron nuestros abuelos cuando fuimos creciendo, y así de generación en generación. Es una tradición, no es justo que la copien.” 

Además, hay una incongruencia en pagar precios muy altos en una tienda y no querer pagarlos en una comunidad indígena. 

La culpa también es de los compradores, que deben informarse sobre esos abusos, hacerse conscientes y tener respeto y practicar un consumo responsable. Siempre reclamamos autenticidad y al final compramos copias, no vemos ni nos interesa el trasfondo. 

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El bolso de Christian Dior que reabrió el debate

En uno de sus números publicados a lo largo del año 2018, Vogue México publicó toda una página dedicada a un determinado bolso, completamente bordado con motivos mexicas y con el nombre de la marca ocupando claramente una franja naranja en el centro de diseño. Si bien este hecho pasó inadvertido durante un tiempo, fue una conocida bloguera e influencer quien alzó la voz a través de su amplia plataforma social, posteando una foto del bolso y de las pulseras que lo acompañaban en la pasarela, acusando abiertamente a la conocida marca de apropiación cultural. 

Los diseños empleados por Dior resultan sospechosamente parecidos al arte de los huicholes, una etnia que se sitúa en la zona de la Sierra Madre Occidental. Cabe destacar que el arte huichol tiene un sentido espiritual y religioso, debido a que algunos de los patrones que diseñan representan a dioses e incluso ayudan a los miembros del poblado a comunicarse con ellos. 

El hecho de que Dior decidiera “inspirarse” en la estética de esta etnia terminó siendo muy discutido en las redes sociales, ya que la marca ni siquiera contó con artesanos locales para realizar los productos, que eran fabricados en un taller industrial en Italia. 

Muchos internautas consideran que el problema no se habría solucionado ni resultaría menos grave de haberse dado el caso de que Dior trabajase con artesanos huicholes, ya que de esta forma la marca estaría reforzando la jerarquía de poder en la que la marca europea considera al artesano extranjero como un simple medio para obtener mano de obra barata. 

#dior #apropiación cultural #cultural appropriation #fashion #haute couture #huicholes

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Isabel Marant

La diseñadora de moda francesa Isabel Marant se vio envuelta en el año 2015 en un escándalo relacionado con la apropiación cultural, causado por la reproducción casi exacta de una blusa tradicional mexicana que sacó al mercado la firma que lleva su mismo nombre para su colección primavera-verano, “Étoile Isabel Marant”. El plagio comenzó a tomar la atención del público a partir de un tweet escrito por la cantante oaxaqueña Susana Harp, y fueron estas mismas declaraciones el punto de partida de la movilización de la comunidad indígena en la lucha por los derechos sobre la prenda.

A pesar de que la colección hace alarde de una cierta “inspiración indígena” en varias de las prendas que la componen, fue la copia descarada en una blusa de una serie de motivos típicos de la comunidad indígena mixe (asentada en Santa María Tlahuitoltepec, Oaxaca) la que inició la polémica.

La comunidad de Santa María Tlahuitoltepec barajó la posibilidad de demandar a la firma francesa, mas el caso no pudo ser llevado a juicio, ya que los indígenas desconocían que debían haber registrado previamente sus diseños para tener derecho a denunciar a cualquier empresa o particular que plagiara sus productos. Al contrario, el caso terminó por resolverse cuando el ayuntamiento de Tlahuitoltepec recibió un comunicado manifestando que la empresa de Marant había obtenido la patente de la prenda antes que ellos, y que por consiguiente, si la comunidad deseaba comercializar su propia blusa tradicional debería pagar previamente.

#apropiación cultural #cultural appropriation #isabel marant #mexico #tlahuitoltepec

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El estilo étnico

Un ejemplo de apropiación cultural en el mundo del diseño de interiores es el conocido como “estilo étnico”. 

Este tipo de decoración se basa en mezclar elementos de culturas dispares para crear un ambiente exótico. Las influencias son principalmente africanas, orientales, árabes y latinoamericanas. Es decir, se emplean elementos culturales típicos de un colectivo étnico despojándolos de todo su significado y banalizando su uso original. Ejemplo de todo esto sería la propuesta de Deseo Interior donde se mezcla un bargueño español del siglo XIX con una serie de figuras precolombinas junto a otras africanas. 

En los artículos de decoración se ofrecen consejos como: “Los accesorios y los detalles complementarios son piezas esenciales en este estilo [...]. Al hablar de detalles complementarios lo hacemos de máscaras de tribus africanas, alfombras orientales, objetos totémicos de antiguas civilizaciones, etc”.

El estilo étnico implica una visión supremacista occidental. México es una de las referenciasfundamentales para este estilo, especialmente aquellos elementos que recuerden al desierto o a la cultura inca o azteca.

#interior decor #interior design #decoración de interiores #apropiación cultural #cultural appropriation #aztec #azteca

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Apropiación cultural con etiqueta de “haute couture”

La apropiación cultural ha invadido constantemente la industria de la moda. 

Entre los casos más recientes está el de Mango. En octubre de 2017, la compañía multinacional de indumentaria, también de origen español, fue acusada de copiar los diseños únicos de bordado de artesanos del Estado de Hidalgo, en México. 

Los artesanos del municipio de Tenango de Doria acusaron a la firma de piratear sus patrones, pero no les sorprendió “porque se ha convertido en algo común”, según el portal Mexico News Daily. Asimismo, denunciaron que antes varias otras compañías mexicanas y extranjeras habían plagiado su trabajo. 

La compañía española se pronunció al respecto, declarando que sus diseñadores “habían tomado los diseños de internet” y que “desconocían que fueran realizados por un pueblo indígena”. Finalmente, a causa de la presión sufrida a través de las redes sociales, la marca accedió a eliminar todos los jerséys con dicho diseño tanto de su tienda web como de las tiendas físicas. 

#mango #apropiación cultural #cultural appropriation #mexico

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Loewe y la comunidad ecuatoriana

La marca de moda española Loewe incluyó en su colección de Primavera-Verano 2018 -lanzada el pasado septiembre- blusas y bolsos con estampados muy similares o prácticamente iguales a los diseños de la comunidad ecuatoriana, desatando la polémica. 

En una entrevista con la revista Vogue, Jonathan Anderson, director creativo de Loewe, decía que la nueva colección estaba inspirada en distintos puntos del mundo; sin embargo, nunca mencionó a Ecuador entre estos. 

Fue la diseñadora cuencana Joshe Ordóñez quien inició una petición abierta a través de la plataforma Change.org, para exigir a Loewe que “respete la propiedad intelectual de los pueblos indígenas de Ecuador”. En el texto de presentación de su causa, Ordóñez asegura que la marca española plagió el diseño tradicional de la comunidad otavaleña, y la ha presentado en su catálogo de muestra propia. 

Ajuntamos link de la petición, a pesar de que ya está cerrada, a fin de que cualquiera pueda comprobar que finalmente el caso careció tanto de repercusión como de resultados. 

https://www.change.org/p/help-to-take-down-loewe-designs-that-are-a-copy-of-ecuadorian-crafts

#loewe #ecuador #cultural appropriation #apropiación cultural

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Givenchy y las cholas latinas

El primer caso de apropiación/apropiación cultural que presentaremos en nuestro blog trata sobre la marca Givenchy: las cholas victorianas o “Chola Victorian” de la temporada otoño/invierno de 2015 de Riccardo Tisci para Givenchy que se hizo pública a principios de marzo en el año 2015. 

A lo largo de la historia social de Latinoamérica, estos grupos étnicos mestizos conformaron mayorías que se asentaron en las comunidades urbanas más humildes. El término “cholo” mutó posteriormente para señalar a las personas de los sectores más marginados (gente más pobre), así que posteriormente absorbió a las personas humildes de muchas urbes hispanoamericanas a los cuales se les llamaba cholos. Así pues, el criminal común de las urbes hispanas también terminó siendo señalado y asociado con el referido término. 

En su origen, esta palabra era utilizada por los colonizadores europeos para referirse a las personas indígenas o biraciales que vivían en América del Sur o América Central. En la década de los años 60, sin embargo, el término chola fue (re)utilizado como concepto tanto por la clase trabajadora mexicana afincada en Estados Unidos como por el movimiento Chicano Power para empoderar el término.

Ejemplos más sutiles y a los que estamos acostumbrados por el bombardeo iconográfico de la chola, se encuentran en el mundo de la música, estos son algunos de ellos:

#givenchy #cholas #apropiación cultural #cultural appropriation #mexico #mexican

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Aztec Pottery

The Aztecs or Mixtec dominated much of Mesoamerica from the 14th to 16th centuries. Like others before them, the Aztecs created and used pottery in their everyday lives. Their creations have been found all the way in central Guatemala, far from the Aztec capital of Tenochtitlan. A quirk of the Aztec cultural tradition allows archaeologists to learn a great deal about their pottery. At the end of every 52 year cycle, all the items in a house would be destroyed, so changing styles are quite obvious.

The style most indicative of Aztec design is known as “black-on-orange.” Named for the colors used, this Aztec style also used red and white to a lesser extent. Designs were often simplistic, made up of thin lines running parallel to each other. Over time these simple designs employing geometric shapes were replaced by the use of more naturalistic designs, such as animals and fish. 

While every Aztec family had their own pottery that was usually fairly plain looking, elites living in the capital city of Tenochtitlan required vessels of a superior quality. To fulfill this desire, they turned to the city of Cholula, known for the prowess of its artisans in creating beautiful vessels. Records show that the Aztec leader Moctezuma II would only eat off of Cholula pottery. The Cholula style employs many more colors, including yellow, brown, and blue-gray. Their designs were also more complex than the average Aztec bowl or plate. Cholulan artisans created stylized butterflies, feathers, patterns and figures of gods, similar to what you might find on a codex from this period.

Each Aztec village had its own distinct style of pottery, relying on local materials and inspiration for the design. This lead to a great diversity in form, yet a unified use of the orange clay. Aztec artists had no pottery wheel on which they could throw their pots, relying instead on their keen eye for detail as they layered strips of clay one on top of the other. The results were always beautiful as well as useful.

Sources:

http://www.aztec-history.com/ancient-aztec-pottery.html

http://www.mexicolore.co.uk/aztecs/artefacts/aztec-pottery

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Stone ballgame marker of the Maya.  Now in the Museo Nacional de Antropología e Historia, Mexico City.  Photo credit: Maunus/Wikimedia Commons.

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Aztec sculpture from Tenochtitlan

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Last month on Tumblr, we gave a behind-the-scenes look at the Brooklyn Museum’s Mesoamerican objects featured in Frida Kahlo: Appearances Can Be Deceiving. Now that the exhibition is open (with extended hours!) we can share some of their journey from lab to display. As we discussed before, conservators took photographs, inspected, and if necessary, treated or oversee the fabrication of custom mounts. (For more in depth details on our mount-making process read this post from last summer)

When it comes time for objects to be installed in their display cases, often conservators work with the museum’s art handlers to make finishing touches and adjustments. On the left, you see our objects as they entered the conservation lab. Several, including two Colima figures, this Olemic figure, and this Nayarit Female Figure, are laying flat since they cannot stand upright on their own. On the right, they are mounted and installed in the gallery.

For objects that don’t have mounts, pieces of Mylar or Melinex, an archival grade polyester sheeting, were cut to match the footprint of each object. The Mylar acts as a barrier layer between the objects and the shelves. In the during-installation image on the left, you can see it under the greenstone necklace while an art handler determines the angle of the mask to its left.

Ideally the mounts and mylar disappear once everything has been installed, although in some cases this isn’t possible because of the size or shape of an object.

While Kahlo’s paintings and costumes may take center stage in this exhibition, the New York Times described the important role the collection objects played. “In one gallery, the curators set out to re-create the vibe of Kahlo and Rivera’s home. Azure-painted walls and a case of Mesoamerican ceramic and stone sculptures and vessels, from the Brooklyn Museum’s permanent collection, evoke its spirit” said Rebecca Kleinman.

Installation view of Mesoamerican collection in Frida Kahlo: Appearances Can Be Deceiving. Photo: Vladimir Weinstein / BFA.com 

The exhibition is only up through May 12, so be sure to come and walk through our Blue House gallery yourself.

Posted by Sasha Drosdick

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Inca Headdress depicting dinosaurs (Larco Museum, Lima)