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locuradelibrosblog · 2 years

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#Repost @mi_libro_de_papel ♥️ ・・・ 7/2022 El corazón de los ahogados Daniel Fopiani @espasaeditorial 🛳Que ganas teníamos de este encuentro con @danielfopiani ,le seguimos la pista desde sus anteriores novelas,La Carcoma y La melodía de la oscuridad, esta es su ultima novela ,un homenaje a la gran dama del crimen Agatha Christie🔪 y su obra Los diez Negritos. 👉��desliza para ver sinopsis. La sargento Julia Cervantes, 👩‍✈️Infante de Marina experimentada, es enviada para investigar lo sucedido , junto con 9 compañeros a la isla de Alborán (un islote habitado solo por un reducido destacamento de la Armada española) tras un macabro descubrimiento ,una cabeza, rodeada de ciertos elementos colocada en el diminuto cementerio de la isla. La desgarradora historia de Doudou y Nayah,🚣dos migrantes, que ponen en juego su vida por intenta tener una vida mejor, dos tramas que avanzan en paralelo con el mar y la muerte como compañeros . Como se nota con esta novela lo que Dani ha crecido como escritor, como se nota su pasión por su trabajo ,sargento de Infantería de Marina ,y su pasión por escribir, nos hemos sentido solos en la isla, hemos sufrido las inclemencias del tiempo, pasado frio y como no ,miedo, hemos viajado en patera … 👉🏻Un thriller altamente recomendable.🔝🔝 ¿Habéis leido algo de este autor? Os leo en comentarios. El encuentro esta disponible en el canal de Youtube https://www.youtube.com/c/LocuradelibrosPepaMuñoz Gracias como siempre a @pepa_locuradelibros @espasa y @danielfopiani por hacer posible esta lectura . EncuentrosZoom #EncuentrosZoomClubDeLecturaLL #ClubDeLectura #ClubDeLecturaLL #EncuentrosConEscritores #Fopianista #novelaNegra (en Club de Lectura LL) https://www.instagram.com/p/CaDJbflFiS4/?utm_medium=tumblr

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tamta24 · 7 years

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“Πέρα από τα σύνορα” | Η Μαρία Φαραντούρη στο Ωδείο Ηρώδου Αττικού στις 22/6!

Στο μουσικό αυτό ταξίδι, συναντώνται μουσικές παραδόσεις της Ανατολής, με μουσικά ρεύματα της Δύσης, όπως μεσαιωνική, μινιμαλιστική, κλασική και τζαζ μουσική. Σ’ αυτόν τον μοναδικό συγκερασμό ηχοχρωμάτων, συμπράττουν εκλεκτοί σολίστ διεθνούς φήμης, όπως η Anja Lechner (βιολοντσέλο), Meri Vardanyan (κανονάκι), Χρήστος Μπάρμπας (νέι), İzzet Kızıl (κρουστά) και ο συνθέτης του έργου Cihan Turkoglu (φωνή, σάζι και κοπούζ).

Στο δεύτερο μέρος, η Μαρία Φαραντούρη συναντά στη σκηνή την διάσημη Kαταλανή τραγουδίστρια Maria del Mar Bonet σε τραγούδια Ισπανικά, Καταλανικά, καθώς και σε τραγούδια του Μίκη Θεοδωράκη και Μάνου Χατζιδάκι. Συμμετέχουν οι μουσικοί: Dani Espasa (πιάνο και ακορντεόν), Jordi Gaspar (κοντραμπάσο), Tobal Rentero: (αρχιλαούτο και μπαντουρία), Antonio Sanchez (κρουστά).

Το κοντσέρτο θα ηχογραφηθεί Live στο Ηρώδειο από την παγκοσμίου φήμης Γερμανική δισκογραφική εταιρεία ECM, με την προσωπική επιμέλεια του ιδρυτή της, Manfred Eicher.

Η συναυλία είναι μια παραγωγή του Φεστιβάλ Αθηνών και Επιδαύρου 2017.

Εισιτήρια: Άνω Διάζωμα: 10 – 13,5 ευρώ Ζώνη Γ: 14 – 18 ευρώ Ζώνη Β: 21 – 27 ευρώ Ζώνη Α: 28 – 36 ευρώ Ζώνη VIP: 35 – 50 ευρώ

Προπώληση Εισιτηρίων: Greekfestival.gr, 210 32 72 000,

Κεντρικά Πανεπιστημίου 39 (εντός στοάς Πεσμαζόγλου) Ώρες λειτουργίας: Δευτέρα – Παρασκευή: 9:00 – 17:00, Σάββατο: 9:00 – 15:00

Ωδείο Ηρώδου Αττικού Πεζόδρομος Διονυσίου Αρεοπαγίτου, Μακρυγιάννη Ώρες λειτουργίας: Καθημερινά: 9:00 – 14:00 και 18:00 – 21:00 Επίσης στα Καταστήματα RELOAD και στα Βιβλιοπωλεία Ευριπίδης

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trinxat-blog · 12 years

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Sogna fiore mio, sogna e riposa,

Chiude sta vocca che pare na rosa.

Sogna e chiude gli occhi tunne tunne,

Ca quanne sogni tu sogna gliu munne.

Chiude gli occhi e nun parlare,

Sogna gliu funne di gliu mare,

Chiude gli occhi e nun avè paura,

Sogna nu munne fatta a sunature.

Sogna lu ventu e sogna la tempesta,

Sogna gliu mare e sogna la foresta,

Ca la musica de st'organetto

te riempe ‘ncore e te scaveta ‘mpette.

E raziulella mia nun parlare,

Nun''è cchiù tempe ‘de rifiatare,

Oggi hai finite de disperare,

Dopedimani jamma a faticare

Ch gl'amma da fare nu gran castelle,

Piene de tante cose belle,

Gl'amma da fare d'ore e d'argente,

c'hanna abitare tutta la gente.

E ogni jorne sarà allegria,

E ci sarà pure mamma mia,

E la fatia nun sarà cchi'ù amara,

Pecchè saremo allora tutti quanti uguale.

Sogna fiore mio sogna e riposa,

St'occhi toi so' comme li rose,

Sogna tutti sti cose belle.

Gliu cielo, gliu mare e tutte li stelle,

E sogna sogna e nun tardare.

E falla subito reposare,

E scegne sogne e se non vo'venire,

Co chesta musica falla addormire.

#Lidia Pujol #Dani Espasa #La Cerimònia de la llum #Iaie #Els amants de Lilith #Música tradicional #Sogna fiore mio #El Candil

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elmartillosinmetre · 1 year

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"No es fácil pasar del violín moderno al barroco"

[Anna Urpina con los dos violines empleados en la grabación / MICHAL NOVÁK]

Anna Urpina debuta como solista en un disco en el que alterna violín barroco y moderno para un repertorio que va del siglo XVII al XXI

Conocida sobre todo en el ámbito barroco, Anna Urpina (Vic, 1988) tuvo una primera formación como violinista convencional, pero luego pasó por Italia, donde estudió con Enrico Onofri y Fabio Biondi, y por la Esmuc, donde lo hizo con Manfredo Kraemer y Emilio Moreno, todos ellos reconocidos maestros del violín barroco. Acaba de publicar su primer disco como solista en el que alterna violines (barroco y moderno), acompañantes y repertorios. "Era una necesidad vital para mí conectar esos dos períodos de la historia de la música. Comencé haciendo este programa en formato concierto junto a Dani Espasa, gracias a Juventudes Musicales de España, que patrocinaron unos recitales por auditorios de Cataluña con un repertorio muy similar. Tuvo una gran acogida del público, que se acercaba al final a preguntarnos cosas. Noté la inquietud de la gente, incluso me sorprendió, y por eso me pareció buena idea dejarlo registrado".

–¿La música antigua conecta con la música actual saltando por encima del repertorio clásico-romántico?

–Totalmente. Vivaldi es un poco rock. En cualquier modo crea que hay una continuidad y todo está conectado.

–En el CD toca con dos acompañantes diferentes. Eso es más raro en concierto...

–Es más cómodo tener un intérprete que pueda tocar clave y piano, pero en España hay pocos que puedan hacerlo. Por cuestiones de fechas no pudimos cuadrarlo con Dani. Lo hice con Eva y Alberto en un concierto del Palau de la Música de Barcelona hace justo un año, un poco como el preestreno de este cedé. Funcionó muy bien.

–¿Lo hicieron alternando instrumentos como en el disco?

–No. Lo hicimos por bloques. Primero, las cuatro piezas barrocas. Pausa. Cambio de instrumentos y música contemporánea. Por logística era locura ir cambiando de instrumento, pero sería genial poder hacerlo. Lo discutimos también para el disco. Le dimos muchas vueltas al orden de las piezas, porque por ejemplo la obra de Guix está inspirada en la folía y estaba claro que iba al lado de Corelli, pero el orden en general fue difícil de decidir. Finalmente decidimos ir alternando, creo que es más interesante comparar los instrumentos, los cambios de afinación, de carácter, de ornamentación, de estilo. Para los próximos conciertos voy a pensar a ver si se puede hacer algo así.

–¿Guix escribió su obra para usted?

–Sí, es estreno mundial. Yo conocía su música. Me encanta cómo trabaja las resonancias, los timbres, las texturas. Me puse en contacto con él. Fue muy amable. Ha escrito una auténtica perla.

–Enlaza muy bien con la obra de Arvo Pärt.

–Exacto. Lo de Pärt es una meditación que se va repitiendo, minimalista, con las ocho notas de la escala que tiene el violín. No está lejos del estilo de Guix. Su obra se titula Esbozo, porque insinúa muchas cosas, pero luego no las termina.

–Eso también es muy de Webern.

–Sí. Sus cuatro piezas de la Op.7 son tan cortas, pero pasan tantas cosas en ellas... Son muy difíciles de interpretar, que se pueda escuchar y entender todo es increíble.

–El Movimiento de Turina es acaso la más diferente del repertorio contemporáneo.

–Es la primera obra de su catálogo, escrita cuando era estudiante y estaba en el curso de Santiago de Compostela. Él ha sido una figura importante en mi carrera. Le tengo mucho cariño desde mis tiempos de la Jonde, para la que José Luis hizo un trabajo extraordinario. Miré su catálogo, y no tiene tantas piezas para violín. Está por supuesto el concierto y una pieza basada en un tema de Mozart, pero se había grabado ya. Sin embargo, Movimiento no estaba grabada. Se basa en notas largas que de golpe cogen movimiento. Se nota que es su primera obra. Luego ha evolucionado mucho. Él me hacía la broma de que era sencillita, pero de eso nada, tiene sus cositas.

[El pianista Alberto Rosado / D.S.]

–En el repertorio antiguo hace un repaso por todo el barroco...

–Sí, quería seguir la evolución, desde el barroco más antiguo con esa Sonata de Castello que he tocado mucho y que para el público es muy agradable. La quería comparar con Biber, hombre clave en la evolución del estilo. Sus sonatas son muy virtuosísticas. Corelli es una figura crucial también en la escritura para el violín, y escogí la más conocida de sus sonatas, la de la Follia, lo cual es un riesgo, porque hay tantas versiones... Me planteé grabar las piezas barrocas con un continuo amplio, pero luego pensé que era mejor hacer la comparación estricta, dos instrumentos antiguos y dos actuales. Es una Follia única, por grabarla sólo con violín y clave, que no sé si se habrá hecho mucho en disco. Y luego Telemann me sirve para hacer algo de violín solo. Sus Fantasías se tocan poco, pero son realmente muy difíciles también, se pueden equiparar a Bach. Cuando las escuchas parecen muy fáciles, pero eso sólo es porque están muy bien escritas, son muy idiomáticas para el instrumento.

–¿Hay mucha diferencia en la técnica de interpretación entre un violín barroco y uno moderno?

–Son técnicas muy diferentes. Ya desde la cogida. En el barroco estás sin barbilla y sin almohadilla. Ya no puedes coger el violín igual. Lo tienes que coger más centrado. El arco barroco es más ligero y corto. Las cuerdas de tripa son más blandas, por lo que puedes entrar más en la cuerda, y el peso y la velocidad de arco que usas son diferentes. El arco barroco no se coge tanto por el extremo sino algo más arriba. Eso te da más ligereza y facilidad para los pasajes más virtuosísticos, puedes ir más rápido. Cuando tocas con arco moderno te basas en conectar todas las notas, que todas tengan el mismo peso, consistencia, sonido; buscas sobre todo homogeneidad. En el barroco buscas cómo aligerar, arco abajo mucho peso, pero arriba tiene que ser ligero, no pueden ser los dos igual, porque pierdes el carácter, la esencia del Barroco. Hay que cambiar el chip. Cuando tocas el moderno buscas ese sonido que no se corta nunca. No es fácil pasar al barroco, en el que apenas usas vibrato, pero por tu instinto como violinista moderno es algo que te sale casi sin pensarlo. Al principio es muy difícil, pero con la práctica tienes la agilidad mental y física necesarias para poder cambiar.

[La clavecinista Eva del Campo. / PABLO ROCES]

–Está inmersa en una gira con Les Musiciens du Prince-Monaco, el conjunto de Cecilia Bartoli.

–Sí. Cecilia nunca para. Ahora tenemos gira española: Barcelona, Madrid, Valencia, luego Toulouse. Y más adelante, París, Hamburgo, Zúrich, Praga… Así hasta 2023.

–¿Se ve en el futuro así, como violinista de orquesta?

–Me gusta mucho tocar en orquesta pero también con mi grupo, un ensemble que acabo de formar y que se llama Polifem Consort. Después de tocar tantos años con esta orquesta o con el Ensemble Artaserse de Jaroussky, de aprender tanto del maestro Onofri, vas absorbiendo y pensé llegado el momento para hacerlo. Tenía muchas ganas de crear mi grupo. Lo hago junto al contratenor Jordi Domènech, que ha dejado de cantar para centrarse en el clave y en el conjunto. Nos estrenamos en enero en Vic con la soprano Aurora Peña y un programa que se titula La sombra de Farinelli e incluye arias de Haendel, Vivaldi, Hasse, Porpora. Estaremos también con tres conciertos en el Festival de Música Antigua de los Pirineos. Y además seguiré con mis recitales y la promo del CD. Me gusta combinar las tres facetas, solista, cámara y orquesta, así nunca me aburro.

–¿Qué previsiones tiene para la promoción del disco?

–Sale el 7 de noviembre en plataformas. El 10 de noviembre lo hacemos en el auditorio La Atlántida de Vic, que es donde se grabó. El 14 lo haremos en el Palau de la Música Catalana. Está previsto luego presentarlo en febrero en Madrid y seguramente Granada. Más adelante, Bélgica, Suiza e Italia, pero eso se tiene que ir concretando.

[Diario de Sevilla. 6-11-2022]

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elmartillosinmetre · 2 years

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Haendel o el belcanto

[El tenor Juan Sancho (Sevilla, 1982) vuelve al Turina para cantar música de Haendel. / OKSANA BEZSMOLNA]

El tenor sevillano Juan Sancho vuelve al Espacio Turina para ofrecer junto a la contralto italiana Sonia Prina y el conjunto Vespres d'Arnadí un recital con música de Haendel

Aunque hablar hoy de belcanto es hacerlo casi invariablemente de la ópera italiana de principios del siglo XIX, en realidad las raíces del estilo y su auténtica naturaleza descansan en el período barroco, en especial, en la primera mitad del siglo XVIII cuando los grandes cantantes (sobre todo, castrati y sopranos) dominaron las escenas europeas e impusieron sus virtuosísticas maneras para seducir a un público ávido de pirotecnias vocales. La mayoría de los compositores cedieron al impulso de escribir música para el exhibicionismo de los caprichosos divos, aunque los más grandes fueron capaces de conjugar esa pulsión virtuosística con la hondura expresiva. Entre ellos, Haendel fue sin duda el más importante de todos.

El Espacio Turina ha preparado para el próximo sábado a las 20:00 un duelo singular, porque no es tanto el de dos cantantes mostrando sus habilidades a través de la música del compositor germano cuanto el contraste entre las dos almas conceptuales del belcantismo: la bravura y el lirismo. Para ello se ha reunido a un equipo excepcional: el tenor sevillano Juan Sancho, la contralto italiana Sonia Prina y el conjunto catalán Vespres d'Arnadí dirigido por su fundador, el clavecinista Dani Espasa.

En programa, arias no demasiado difundidas de Haendel. "Seleccionamos el repertorio pensando en cosas que no están muy grabadas. Pero es que Sonia está en la cresta de la ola desde hace 20 años. Lo tiene grabado casi todo ya", comenta Juan Sancho. Salvo un aria de Giulio Cesare (Empio dirò tu sei), el resto de piezas que cantará la contralto italiana no son en efecto demasiado célebres. Todas ellas fueron destinadas en su día a Senesino, uno de los castrati que más colaboró con Haendel en sus gloriosos años londinenses de la década de 1720. Son piezas de las óperas Radamisto (1720), Rodelinda (1725) y Siroe (1728).

Sancho muestra su entusiasmo por su primera colaboración con la cantante. "Coincidimos en el Orfeo del Real en 2008. Ella ya hacía de Messagiera y yo del Pastor II, el rol más pequeño de la ópera de Monteverdi. Pero entonces me dijo: 'Escucharemos hablar de ti'. Yo siempre he admirado su dramatismo, esa fuerza que tiene y el dominio de la coloratura, que es una cosa de otro planeta. Como yo también estoy muy en la órbita de la coloratura, le dije que teníamos que hacer un programa de mucho virtuosismo, pero que a la vez contrastara con la parte más lírica, porque un programa entero de coloratura al final se hace insoportable. Así que lo planteamos como un duelo entre virtuosismo y virtud, entendida esta como el lirismo, la línea, la elegancia de la música de Haendel".

Si para voz de alto hay muchísimo donde escoger en la producción lírica de Haendel, no pasa lo mismo con la voz de tenor. Acaso sea el papel de Bajazet en la ópera Tamerlano el más lucido de todos, "pero yo tengo grabadas ya sus arias, así que me he ido a Partenope, que acabo de hacer en el Real y tiene también unas arias maravillosas. El aria de Lotario (D'instabile fortuna) es la más virtuosística que yo he cantado de Haendel en mi vida. Es una coloratura que no acaba nunca, es una locura. Haendel la usó para una reposición de Rinaldo en los años 20, tal cual, sin cambiarle el texto, y así lo grabé en su día para el canal Mezzo, pero dentro de Rinaldo. Y luego yo quería hacer también un par de arias que exploraran una línea más noble, más lírica, por eso he puesto el Un momento di contento de Alcina, que es una obra maestra, y Vil trofeo d’un’alma imbele de Poro, una ópera que casi no se hace".

[Dani Espasa al frente de Vespres d'Arnadí en un recital de mayo pasado en Barcelona. / LORENZO DUASO]

Mas difícil es aún hallar dúos haendelianos para las dos voces. Está el de Il trionfo del tempo e del disinganno, el primer oratorio italiano de Haendel, escrito en Roma en 1707, con el que se cerrará el recital, "y uno de El Mesías, que no pegaba nada aquí. Entonces se me ocurrió coger un aria para tenor de Il trionfo y otra de alto para La resurrezione [oratorio también italiano de 1708] y hacer un pasticcio con ellas. Hemos bajado el aria de tenor medio tono y tonalmente encajan a la perfección. El motivo musical de la parte A de ambas arias es el mismo, aunque la de La resurrezione lleva oboes y su parte B ya cambia, porque es un adagio. Se lo pasé a Dani Espasa y le gustó la idea".

Después de un Rinaldo de hace tres años, el tenor sevillano no había vuelto a colaborar con el conjunto de Espasa, "de lo mejor que hay en España. Ya tenía ganas de hacer con ellos un programa de este tipo. Por suerte, el apoyo del Espacio Turina ha sido para mí extraordinario. Están siempre abiertos a mis propuestas, y acogieron esta con interés. Gracias a eso, en abril lo haremos en el Palau de la Música de Barcelona. Es este un año muy haendeliano para mí, vengo de la Partenope del Real y haré también Alcina en Laussana y Belshazzar en Gotinga, además de algún concierto del programa a dúo que tengo con Nuria Rial".

[Diario de Sevilla. 14-01-2022]

#juan sancho #sonia prina #vespres d'arnadí #dani espasa #georg friedrich haendel #nuria rial

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elmartillosinmetre · 4 years

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Fantasías barrocas

[Lina Tur Bonet y Dani Espasa. La foto es de Michal Novak]

La violinista Lina Tur Bonet y el clavecinista Dani Espasa alternan en su primer álbum como dúo, publicado por el sello Aparté, sonatas de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Haendel

Haendel y Bach nacieron con dieciséis días de diferencia y a menos de 200 kilómetros de distancia el uno del otro, pero jamás se conocieron personalmente. "Haendel se fue joven de Alemania, y pasó la mayor parte de su vida en Londres. Volvió a Halle, su ciudad natal, al menos tres veces, en las que quizás los dos podrían haberse encontrado", comenta la violinista Lina Tur Bonet. "La primera, Bach se acercó para conocerlo, pero llegó tarde; Haendel se había marchado. La segunda, Bach estaba enfermo y envió a uno de sus hijos para pedirle a Haendel que se acercara a Leipzig, pero Haendel o no pudo o no le interesó. La tercera, Bach había ya muerto. Nos queda la constancia del interés de Bach, pero no sabemos si ese interés era compartido por Haendel".

Junto al clavecinista Dani Espasa, Tur Bonet acaba de publicar un disco en el que ese encuentro se hace realidad. Por supuesto no es el primer disco de estas características, ni será el último, pues Bach y Haendel son dos de los gigantes de la tradición clásica occidental. "Hemos tocado música de los dos compositores desde que empezamos a trabajar juntos hace cuatro años", cuenta Dani Espasa. "Por qué no juntarlos y ver los contrastes en este repertorio. Lo hemos probado en directo. Todo un concierto con música de Bach o de Haendel es interesante, pero puede ser algo fuerte. Nos parecía mejor combinarlos para cambiar de color, de atmósfera. Alternar a los dos compositores daba aire al programa. Creímos que con un disco podría pasar lo mismo, que podría trazarse una buena fotografía del momento compositivo y del diferente tratamiento que ambos daban a estos instrumentos".

"En realidad, los dos llevaron vidas muy diferentes: Haendel fue un cosmopolita, y Bach viajó poco; nunca salió de los límites del Imperio. Por eso hay quizás una tendencia más frívola y mundana en la música de Haendel y más doméstica, artesanal y religiosa en la de Bach", afirma la violinista murciana. Con respecto a las sonatas, comenta Espasa: "Las de Haendel están escritas para violín y continuo, lo cual difiere ya mucho de las sonatas con clave obligado de Bach tanto en cuestiones de sonoridad como por la mayor libertad que te permite siempre el continuo. Las de Bach están escritas hasta el último detalle, muy bien estructuradas. Haendel te ofrece mucha más libertad para recrearlas a partir del bajo". "Las sonatas de Bach son obras de gran envergadura, densas e intensas, con sus complicados movimientos en fugato. Y tienen una duración importante. Sin perder un ápice en calidad o valor artístico, las de Haendel son más ligeras y más cortas, sirven para desengrasar la concentración que suponen las de Bach. Los dos compositores dialogan perfectamente entre sí", añade Lina.

El carácter contrapuntístico de la música de Bach contrasta en efecto con la de Haendel, más melódica y cercana al estilo de Corelli. Como comenta el clavecinista barcelonés, "la articulación es desde luego diferente. El acompañamiento del continuo es más sencillo. Y es cierta esa mayor cercanía de Haendel a Corelli. A veces hemos intercalado obras de los dos en un concierto y es sorprendente lo bien que ligan. Detrás está por supuesto el estilo italiano. Se respira Mediterráneo en ambos casos. Algunos movimientos de las dos sonatas de Haendel que hemos grabado podrían ser perfectamente de Corelli. En Bach hay un contrapunto severo que hay que articular y frasear de otra manera".

Lina Tur Bonet dice escuchar el idioma de ambos compositores: "Haendel me habla todo el rato en italiano, en inglés; mientras que Bach me habla en alemán. A menudo me dicen que mi Bach es muy luterano. Puede que sea por mi formación alemana. Hemos tocado juntos mucho a Corelli y eso nos facilita la interpretación de Haendel. Nos sale una interpretación más vocal, mientras que en Bach es tal vez más hablada y más retórica".

Dani Espasa destaca en cualquier caso las conexiones que tuvo también Bach con la música italiana: "Sabemos que Bach admiraba a algunos maestros italianos y que en su música instrumental hay hilos que lo conectan con Vivaldi, Albinoni o Marcello. Esto también se nota en sus estructuras musicales. Así que también lo hemos ornamentado, aunque mucho menos que a Haendel, cuyas sonatas están escritas más como esqueletos y eso te permite hacer una interpretación más cercana a la de la ópera, en la que se pedía al intérprete sus propios adornos. En Bach estos adornos son a lo mejor un punto más sencillos, están más acotados, pero también los hemos hecho: por ejemplo, en el primer movimiento de la Sonata en do menor, Lina hace una variación por completo nueva. Y yo ornamento esos movimientos en los que hay repeticiones, sobre todo en la Sonata en sol mayor".

"La Sonata en do menor la habíamos tocado mucho juntos y yo quería incluir esas ornamentaciones. La Sonata en fa menor me fascina, en especial ese primer movimiento tan increíble. Y yo quería incluir también la Sonata en sol mayor, porque quería que Dani tocara ese movimiento central para clave solo". "Es un movimiento que he tocado con cierta libertad. Es la sonata más brillante de las tres. Los saltos del bajo me incitaban a hacer este movimiento en tempo Andante-Allegro, que sonara casi una música bailada. Lina estaba tan de acuerdo que me dijo que hasta le entraban ganas de bailar. El segundo movimiento, el anterior, es muy lento, muy estático, y el cuarto igual, meditativo, una maravilla de especulación, es incluso extraño. Así que tenemos tres movimientos muy luminosos, y los otros dos muy diferentes. Eso me incitó a llevar un tempo que se acercara a la danza".

De esa 6ª sonata, escrita en la tonalidad de sol mayor, se han conservado algunos movimientos alternativos. "En principio habíamos pensado en incluir al menos dos de ellos, pero la duración del disco no lo hizo aconsejable. ¿Completar con otro disco que incluya las tres primeras sonatas de Bach con otras de Haendel? Puede ser, hemos grabado las que mejor conocíamos, pero no lo descartamos. De momento, el próximo disco de MUSIca ALcheMIca saldrá en el mes de marzo y se titula La Belleza; es un recopilatorio de música del siglo XVII de toda Europa: Cima, Marini, Uccellini, Biber, Schmelzer, Weichlein, Matteis Jr, Marin Marais, Bertali, Falconiero, Buxtehude, Westhoff... Contamos con músicos del más alto nivel. Además de Dani, están Giangiacomo Pinardi, Rodney Prada, Valerio Losito, Andy Ackerman, Marco Ceccato, Marta Graziolino".

Si algo comparten estos dos músicos, aparte su interés por Bach y Haendel, es la diversidad de sus intereses artísticos. Lina Tur Bonet combina el violín barroco con el moderno, el repertorio antiguo con el contemporáneo. Su anterior grabación estuvo dedicada a los 44 dúos para violín de Bartók, que registró junto al italiano Enrico Onofri. "De Bartók acabo de tocar también el Concierto nº1. Y con MUSIca ALcheMIca hemos estado en San Petersburgo, tenemos ahora conciertos en Alemania y giras por Australia y Estados Unidos. Yo además vengo de tocar y dirigir los Conciertos de Brandemburgo con un conjunto israelí y dirigiré la Pasión según San Juan en el próximo cumpleaños de Bach".

Vespres D'Arnadí, el conjunto que fundó y dirige Dani Espasa, empezará este año "un ciclo propio en el Palau de la Música de Barcelona, que es muy importante para nosotros, porque nos permitirá tener un pie en Barcelona y poder asentarnos en nuestra ciudad, que es lo que necesitábamos desde hace tiempo. En marzo será el primer concierto, un recital Haendel con Xavier Sabata y Nuria Rial. El año pasado hicimos en el Festival de Peralada un Rinaldo en versión concierto que grabó Mezzo y eso nos ha dado relevancia. Nos hace crecer como grupo". Pero Espasa toca también el piano, es el arreglista y director musical de María del Mar Bonet desde hace quince años y trabaja intensamente para el teatro. "Estoy haciendo la música para El enfermo imaginario de Molière, que estrenará Josep María Flotats en Madrid en unos meses. Usaré algo de lo que hizo Charpentier, pero también música nueva, porque el montaje es moderno. Con Lluis Pasqual he trabajado mucho. En In Memoriam, una obra sobre la Batalla del Ebro, toda la música era de Monteverdi y Purcell, y creo que conseguimos un contraste curioso y emocionante. Los actores, que jamás habían hecho polifonía, acababan cantando un dificilísimo Crucifixus de Monteverdi justo al final de la obra. En ese caso fue música antigua sobre una historia del siglo XX".

[Diario de Sevilla. 27-01-2020]

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