#davide ribalta

[useless-catalanfacts]

On April 11th 1993, a group of neo-Nazis saw an 18-years-old Valencian boy wearing a t-shirt that identified him as an antifascist and pro-independence. The neo-Nazis murdered him while shouting Spanish supremacist and fascist slogans and songs. This boy was Guillem Agulló (who we have talked about in more detail before). But today we’ll talk about another murder.

On December 4th 1993, a social centre in València was celebrating an anti-militarist conference. Then, a group three Nazis (two Austrian and one Swiss men) started shouting to interrupt the session. Davide Ribalta, who spoke German, went to calm them down, but they stabbed him.

Who was Davide?

Davide Ribalta was born in Galicia. When he was a child, he and his parents emigrated to the Valencian Country, and later to Germany. He returned to València, where he was involved in the anarchist movement and some of the same antifascist organizations as his friend Guillem Agulló.

When neo-Nazis murdered Guillem, Davide took part in the protests against the humiliating trial in which the judge clearly took the Nazis’ side and said that it was not politically- or hate-motivated, but a simple fight between teenagers.

The Spanish nationalist newspaper Las Provincias published pictures of Davide indicating where he could be found, such as demonstrations and socials centres he attended. Spanish supremacist fanzines also pointed at him, and the words “Davide, you’ll be next” could be seen spray painted around the city. Of course, none of this was considered politically-motivated and no protection was ever given to him from anyone besides his comrades.

The murder

Davide was 24 years old that night. When he went to make the neo-Nazis leave, one of them stabbed him in the lungs. Davide was taken to the hospital, where he died soon. His corpse stayed for 5 days in València’s forensic institute until his family managed to bring together the 500,000 pesetas (money) needed to take the coffin to Galicia.

The police said that, just like in Guillem’s case, there was no political motivation and it was not a hate crime, adding that Davide had been killed by a drunk. But we remember.

#davide ribalta #david ángel ribalta #història #valencianophobia #catalanophobia #país valencià #antifascism #antifascist #recent history #1990s #guillem agulló #anarchist #anarchism #death cw #antifa #working class history

[sparviero44]

Morto David Soul, il detective Hutch della leggendaria serie tv “Starsky & Hutch”

La coppia di detective è diventata un'icona della cultura popolare, e il successo dello show ha contribuito significativamente alla fama di Soul

David Soul, nato David Richard Solberg, è stato non solo un volto iconico della televisione, ma anche un talentuoso cantautore e regista nel corso della sua carriera. Oltre al suo ruolo indimenticabile in “Starsky & Hutch“, Soul ha recitato in altre produzioni di successo come Star Trek e “Una 44 Magnum per l’ispettore Callaghan” con Clint Eastwood. L’attore statunitense è deceduto giovedì 4 gennaio, lasciando un vuoto nel cuore dei suoi fan e nel mondo dello spettacolo. La moglie ha comunicato che Soul ha affrontato con coraggio la sua battaglia per la vita circondato dall’affetto della famiglia.

La carriera di David Soul è stata versatile e apprezzata. Inizialmente, ha intrapreso la strada della musica folk, esibendosi insieme a grandi nomi come Frank Zappa e i Byrds. Tuttavia, è stato il passaggio alla recitazione che lo ha portato alla ribalta, con ruoli in telefilm di successo negli anni ’60 e ’70. Il clou della sua carriera è stato, senza dubbio, il ruolo di Hutch accanto a Paul Michael Glaser in “Starsky & Hutch“. La coppia di detective è diventata un’icona della cultura popolare, e il successo dello show ha contribuito significativamente alla fama di Soul.Negli anni successivi al successo televisivo, Soul ha continuato a stupire il pubblico tornando alla musica, raggiungendo la vetta delle classifiche con brani come “Don’t Give Up On Us” e “Silver Lady”. Nonostante le sfide personali, tra cui un periodo di incarcerazione negli anni ’80 per aggressione alla moglie di allora, Patti Carnel Sherman, Soul è riuscito a rialzarsi e a contribuire ancora al mondo dell’intrattenimento.

David Soul, known for playing the iconic detective Kenneth Hutchinson of the duo Starsky and Hutch, has died at the age of 80. The American gossip magazine TMZ broke the news. He was born in Chicago but had English citizenship. In addition to the popular TV series also "Salem's Lot", "Star Trek" and the cult "A 44 Magnum for Inspector Callaghan" alongside Clint Eastwood.

How David Soul died

David Soul died on Thursday in a hospital in London following a battle with cancer. According to what was reported by TMZ, the actor had been suffering from it for some time as well as numerous health problems suffered in old age. In particular, David Soul suffered from chronic bronchopneumonia, due to more than 50 years as an avid smoker: "he smoked three packs of cigarettes a day", says the newspaper.

The career of David Soul

David Soul became an absolute pop icon in the 70s thanks to Starsky and Hutch. He was the blond-haired, icy-eyed detective next to Detective Dave Starsky, played by Paul Michael Glaser. David Soul appeared in all 92 episodes of the series, spanning a four-season span from 1975 to 1979 and also directing some episodes. Other popular shows also include "Salem's Lot", the first miniseries based on the novel of the same name by Stephen King and directed by Tobe Hopper in which he played the protagonist Ben Mears and which in Italy was released with the title "The Last Days of Salem ", merged into a single 112-minute version. Before his great popularity with the series, he had gained recognition in the role of Agent Davis in the film A 44 Magnum for Inspector Callaghan. David Soul had also established himself as a singer by releasing five studio albums and seven collections between 1976 and 2020

#starsky and hutch #80's #detective #serie tv #action #hutch #dave starsky #starsky #david soul #kennet hutch

[abr]

vissuto due decenni in California dove ha lavorato come architetto, autore di vari saggi che spaziano dall'architettura alla fede religiosa, dall'ambientalismo alla storia degli insediamenti umani.

L'Armageddon ambientalista è un libro AUTOPUBBLICATO su temi di scottante attualità come i cambiamenti climatici, la gestione delle risorse energetiche, la sostenibilità. L'autore prende di petto gli aspetti più controversi e, dati alla mano, ne ribalta le conclusioni mettendo a nudo distorsioni e pregiudizi.

Il prologo è incentrato sul mea culpa di un ambientalista doc che chiede pubblicamente scusa per l'allarmismo creato e per aver alimentato paure a danno del buon senso.

L'autore mette in rilievo la natura anomala del movimento sin dai suoi albori: una ristretta élite di tecnocrati riuniti sotto l'egida del Club di Roma. Illuminanti le considerazioni sul ruolo svolto dal Club con David Rockefeller in posizione dominante nel promuovere quelle politiche ambientaliste che avevano, e hanno oggi, l'obiettivo di RIDURRE FORZATAMENTE LA POPOLAZIONE MONDIALE.

Un capitolo è dedicato a Greenpeace. Il profilo di questa organizzazione-corporazione è tracciato con l'ausilio delle dichiarazioni e degli scritti di membri che l'hanno abbandonata per le sue posizioni estreme. Un altro aspetto messo in evidenza è l'orchestrazione della grancassa catastrofista sotto l'ala protettrice dei burocrati dell'Onu, un organismo oramai alla mercé della Santa Alleanza ambientalista.

Il libro si chiude con un'analisi, non senza una punta d'ironia, delle presunte alternative suggerite dagli ambientalisti: dalla sostenibilità alle energie rinnovabili, dal biologico al riciclaggio e alla raccolta differenziata. Insomma, un viaggio nel paese di Bengodi.

[thegreenwallrabbit-blog]

Explaining one of VTMB paintings (pt 10)

Cain and Abel (Spanish: Caín y Abel) oil on canvas (18th century) by José Vergara Gimeno

José Vergara Gimeno ( Valencia , June 2 , 1726 - Ibídem , March 9 , 1799 ),  was the most outstanding Valencian painter of the second half of the 18th century. With an enormous pictorial work, both in fresco and on easel, he evolved from Late Baroque to Neoclassicism . He is the founder of the Royal Academy of Fine Arts of San Carlos in 1768.Despite his great popularity in Valencian lands, since his prolific work is present in a good part of its geography, a certain artistic critic has unfairly underestimated him based on merely subjective prejudices that also extend to a good part of Valencian painting of the seventeenth century. Fortunately, the recent studies of Miguel Ángel Catalá Gorgues and especially David Gimilio Sanz, who dedicated a splendid monographic exhibition to him at the Museum of Fine Arts in Valencia in 2005, have begun the recovery of this painter with a strong personality, without a doubt the greatest exponent of academic sensibility in the Valencia of the Enlightenment. [1] 

The painter José Vergara began his artistic training under the tutelage of his father, the sculptor and architect Francisco Vergara , first by copying the Primer of José de Ribera , and later in the drawing academy of the painter Evaristo Muñoz , which in turn continued from that of Juan Conchillos, a school in which, according to an innovative discipline, students were trained in drawing from life in view of copying male models or statues. According to Orellana, his knowledge, talent and ability were such that at the age of 7 he was already drawing figures copied from life in the aforementioned academy, and at the age of 13 he painted "al fresco an allegory that was in a clock on the corner of a house, in the street of San Vizente in front of San Gregorio”. This work must have had a certain resonance, since, according to the aforementioned manuscript, he was then commissioned two medallions with passages relating to scenes from the life of Santa Catalina martyr, located on both sides of the main altarpiece of the parish church of Santa Catalina, as well as the vault of the lower part of the organ of that same temple. A few years later, around 1744,Collegiate Church of Játiva representing the four Biblical Heroines, a work that disappeared when the dome collapsed in 1866 and for which he received 200 pounds. These were the foundations and the first works on which the progress he made later in his profession was founded, due more to his genius and study than to the teachings received. According to classical historiography, José Vergara did not miss any opportunity to take advantage of his advances, paraphrasing Ceán , he was always painting, drawing and experimenting with different techniques in order to master them, which tells us about a restless and interested in learning. The weight of the Valencian pictorial tradition made him copy certain works by Juan de Juanes , Francisco Ribalta and José de Riberaof enormous iconographic and artistic significance in Valencia, these reproductions, made either by personal admiration of Vergara himself, or by express wish of the client, as is the case of the Juanesque variations of Ecce Homo and the Eucharistic Savior.The fact that José Vergara never left his closest environment (confirmed in the handwritten biography), forces us to specify a type of learning in situ based on the Valencian pictorial tradition; in the prints and engravings that he no doubt used in his compositions; in the art treatises that he consulted and in the examples of the great foreign artists that existed in Valencian lands. All this led to a new way of conceiving painting from a classicist sense that will be the basis of Valencian academicism.[1] 

Below is an explanation of the Cain and Able story from real life and in the context of VTM. This is the same for all the Explained Cain slaying Able paintings in VTMB posts I’ve done so feel free to skip if you’ve already read this as it’s long.

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The tale of Cain murdering his brother Able are nearly identical in Jewish, Christian and Islamic texts with the oldest known version coming from the Dead Sea Scroll from the first century BCE. Cain was the the first born son of Adam and Eve and became a Farmer while Able was the second born son and became a shepherd. Both brothers made sacrifices to God, but God favored Abel's sacrifice instead of Cain's. In Islam the reason for their offerings is to decide which brother would marry Adam and Even’s first daughter who was also Cain’s twin sister. Able also had a twin sister and Adam wanted the brothers to marry the others twin. In multiple religions each brother has a twin sister but there is no consistently with the names as Cain’s twin sister being named Aclima, Kalmana, Lusia, Cainan, Luluwa, or Awan, and  Able’s twin sister is named Jumella, Balbira or to make it more confusing Aclima (though even when she is called this Able’s twin sister is never the one the brothers are competing to marry) depending on the source. In the Islamic text Able’s offers his fattest sheep while Cain offered only a bunch of grass and some worthless seeds. In Jewish and Christian texts the reason for the sacrifices and the exact nature of their offerings are merely described as the first born of Ables heard and products from Cain’s fields.[3] The most description we get is in Genesis when God sees that Cain is upset that his offering was not chosen God tells Cain “: Why are you angry? Why are you dejected? If you act rightly, you will be accepted; but if not, sin lies in wait at the door: its urge is for you, yet you can rule over it.”(Genesis 4:6-7)  Cain then told Able to meet him in his fields where he then murdered his brother out of jealousy by hitting Abel in the head with a stone. When God asks Cain where his brother Cain, “I do not know! he answered. Am I my brother’s keeper?”(Genesis 4:9) to which God replies   “What have you done! The voice of your brother’s blood is calling to me from the ground. From now on you’ll get nothing but curses from this ground; you’ll be driven from this ground that has opened its arms to receive the blood of your murdered brother. You’ll farm this ground, but it will no longer give you its best. You’ll be a homeless wanderer on Earth.” (Genesis 4:10-12)  When Cain objects saying the punishment is to great and that whoever finds him wandering shall kill him which then God says “No. Anyone who kills Cain will pay for it seven times over.” God put a mark on Cain to protect him so that no one who met him would kill him.” (Genesis 4:15). Cain then leaves east of Eden to wander in No-Mans-Land with his wife (who is not named in Genesis but is assumed to be his Twin sister in all tellings regardless of what name is given to her). Their first born Child was named Enoch, and Cain named the first city he built after his son. After Abel’s Death Adam and Eve had a Third son named Seth and when eve gave birth to him Eve said “God has given me another child in place of Abel whom Cain killed.”(Genisis 4:25-26). In some texts Seths wife and sister is named Azura. Their son is named Enosh it is through Seth’s line that humanity stems from, though both Cain and Seth had multiple decedents and confusingly used the same names (see family tree below). None of Cain’s decedents suffered the curse of their father Cain but where still seen as sinful and apart from God and where killed in the great flood. How Cain died is not as an agreed upon topic. He was ether crushed to death by the stone house he built, an irony as he used a stone to slay his brother or in some versions part of the Mark of Cain had him grow horns and his descendent Lamech (not to be confused with Lamech who decedent from Seth and was the father of Noah) who was a blacksmith and had two wives(this is viewed as sinful) killed him mistaking him for a wild animal and killed his own son Tubal-cain in the process.

While in the lore of Vampire the Masquerade the tale of Cain killing his brother able as told in the Book of Nod stick to the original tale regarding the murder of Able but starts to differ in God’s punishment. "Father" cursed him with a mark, and cast him out to wander in darkness in the Land of Nod alone. There is no mention of a wife or if he was still cursed to be unable to farm however it is clear that Cain was not  yet cursed to be a vampire by God. The Land of Nod was a place of utter darkness, with no source of light, where Caine was afraid and alone. There he found Lilith where they began a relationship and Cain realized that she possessed magical power and begged her to share them with him. While hesitant Lilith prepares an Awakening ceremony by cutting herself with a knife, bleeding into a bowl, and giving it to him so that he may drink. After Caine partakes of Lilith's blood, he is visited by three angels who are agents of God. Each angel offers Caine a chance to repent for the murder of Abel, but Caine rebuffed them out of pride. Michael, when denied, cursed Caine and his childer to fear his living flame. Raphael cursed Caine and his childer to fear the dawn, as the sun's rays would burn like fire. Uriel then cursed Caine and his childer to cling to Darkness, drink only blood, eat only ashes, and be frozen at the point of death, cursed so all they touch would crumble into nothing. A fourth angel, Gabriel, then appeared to offer the way of Golconda, the only way to "light", by the mercy of God. After the experience, Caine becomes officially "Awakened", possessing the following Disciplines: Celerity, Potence, Fortitude, Obfuscate, Dominate, Presence, Protean, Animalism, and Auspex. Caine then became aware of the Path of Blood, the Final Path from which all paths stem. And with all these powers, but now being cursed to be a vampire he breaks his bond with Lilith and leaves her.[2] While Cain never biologically fathers any children it is clear that their names of those he embraced and their decedents are inspired by the biblical names in his line though with massive changes. For instance the first city is founded by Cain in the land of Nod and and called Ubar and is explicitly stated to be settled by “Children of Seth” with the human king being Enoch at the time Cain settles there. Enoch still becomes his son as he is embraced by Cain. Another example of the reuse of a biblical name of Cain’s line is Zillah (which in Hebrew means shade or protection). In the original story she is one of Lamech(decedent of Cain) two wives( the other named Adah). After both wives discover that Lamech unwittingly kills Tubal-Cain(one of Lamech and Zillah’s sons) they both refuse to have sex with him because of the deaths he caused, on the pretext that they do not desire to give birth to cursed offspring. The three go together to the tribunal of Adam; Adam rules that they must obey their husband since he killed unwittingly. This midrashic tradition portrays Adah and Zillah as respected women, whose position is considered in all seriousness by the court. [3] In VTM Zillah was a human woman who lived in Udar so beautiful, Caine could not resist the Embrace. According to Nosferatu Zillah is the one of Cain’s second generation who sired their Antediluvian. Interestingly, even after the Embrace, Zillah did not desire him. It frustrated Caine to the point that he was ripping his hair out of his head. He did anything and everything to make her desire him. Yet, she would not have him. Finally, Caine sought the Crone's magic, who ultimately tricked him into a blood bond, she forced the First Vampire to Embrace her. The Crone sent her new thrall away, telling him that his blood would have the power to bond others as Caine himself was bonded to the Crone. The discovery of the blood bond was what finally made Zillah agree to marry her sire Caine. [2]

[1] “José Vergara Gimeno.” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 26 Apr. 2022, https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Vergara_Gimeno. 

[2] “Caine.” White Wolf Wiki, https://whitewolf.fandom.com/wiki/Caine.

[3] Kadari, Tamar. “Zillah: Midrash and Aggadah .” Jewish Women's Archive, https://jwa.org/encyclopedia/article/zillah-midrash-and-aggadah#:~:text=Zillah%20was%20a%20wife%20of,he%20unwittingly%20kills%20Tubal%2DCain.

#VTMB #vampire the masqurade bloodlines #cain and abel #josé vergara gimeno #Valencian pictorial tradition #Valencian academicism #Explaining one of VTMB paintings #Four painting for the price of one #book of nod

[freelance-informatique]

Qu'est-ce que l'arrivée de Benatia apporterait à l'OM ?

Mehdi Benatia, ancien international marocain, s'apprête à prendre une nouvelle direction dans sa carrière en devenant le nouveau directeur sportif de l'OM. Cette nouvelle a fait grand bruit dans le monde du football, et nous allons explorer les conséquences de cette décision et son impact potentiel à Marseille. Benatia à l'OM : un choix clair : Pablo Longoria a clairement exprimé sa volonté de remodeler l'organigramme du club après les départs de Javier Ribalta et David Friio. Cette réorganisation interne vise à insuffler un nouveau souffle et à renforcer la stratégie sportive de l'équipe. La première décision majeure de Longoria, après la récente tension avec les supporters, semble être la nomination de Mehdi Benatia. Lire aussi : - Vente de l'OM aux Saoudiens : Nouvelles révélations sur le dossier Arrivée imminente ! Benatia, ancien défenseur bien connu, n'a peut-être jamais occupé de telles fonctions auparavant, mais il est le choix numéro un de Longoria. Selon Fabrice Paratici, une autre figure bien connue du football, Benatia possède les qualités nécessaires pour réussir en tant que directeur sportif à Marseille. Cette nomination devrait être officialisée dans les prochains jours, avec quelques détails administratifs encore à régler. Un début de saison contrasté pour l'OM L'arrivée de Benatia intervient à un moment crucial pour l'OM, qui a connu un début de saison en dents de scie. Après un bon départ, l'équipe a enchaîné plusieurs revers, notamment contre le PSG, qui les a éloignés du sommet du classement. Actuellement, l'OM se trouve à la 6e place en Ligue 1, à 5 points du leader Monaco. En Ligue Europa, le club occupe la deuxième place de son groupe après deux matches nuls. Benatia à l'OM : Un mercato estival en perspective Pablo Longoria a également annoncé son intention de mener des mouvements importants lors du prochain Mercato estival. Quatre joueurs, à savoir Guendouzi, Malinovskyi, Ben Seghir, et peut-être Mughe, pourraient quitter l'OM, rapportant ainsi des sommes importantes qui pourraient être réinvesties. Voir ensuite : - Départ surprise à l'OM : Une révolution signée Pablo Longoria ! Vente du club : L'OM aux portes de l'Arabie Saoudite ? Des insiders bien informés, tels que l'influenceur Bengous et le journaliste Thibaut Vezirian, affirment que la vente de l'Olympique de Marseille à l'Arabie Saoudite est imminente. Thibaut Vezirian, en particulier, a précisé qu'il ne pouvait pas donner une date précise pour cette vente, mais il est convaincu qu'elle se produira à moyen terme. Les dirigeants du club et les acheteurs potentiels maintiennent la date de la vente secrète, alimentant ainsi les spéculations. ________ Pour retrouver toute l'actu foot, rendez-vous sur notre page Facebook ou sur notre page Twitter ! Read the full article

[espacioph]

Bibliografía y webgrafía

https://fotonoviembre.org/

https://fotonoviembre.org/fotonoviembre-2021/mediateca/

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http://www.americansuburbx.com/

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BARTHES, Roland: La cámara lúcida. Nota sobre la fotografía, Gustavo Gili, Barcelona, 1982.

BENJAMIN, Walter: Sobre la fotografía, Pre-textos, 2005. ·

MELLADO, José María. Fotografía digital de alta calidad, Artual, Barcelona 2006.

SONTAG, Susan: Sobre la fotografía, Edhasa, Barcelona, 1981. ·

VARIOS AUTORES. Enciclopedia focal de la fotografía, Omega, Barcelona, 1975, 3a edición

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BRIGHT, Susan: Fotografía hoy, Nerea, 2005.

DUBOIS, Philippe: El acto fotográfico. De la representación a la recepción, Paidós, Barcelona, 1986.

EGUIZABAL, Raúl: Fotografía publicitaria, Cátedra, Madrid 2001.

FLUSSER, Villem: Una filosofía de la fotografía, Síntesis, Madrid, 2001.

FONTCUBERTA, Joan.: El beso de Judas. Fotografía y verdad, Gustavo Gili, Barcelona 2002.

FONTCUBERTA, Joan. Estética fotográfica, Blume, Barcelona, 1984.

JACOBSON, Ralphe.: Manual de fotografía. Omega, Barcelona 1996

LANGFORD, Michael: Tratado de fotografía. Omega, Barcelona 1999.

PICAUDÉ, Valérie y ARBAÏZAR, Philippe: La confusión de los géneros en fotografía, Gustavo Gili, Barcelona, 2004.

PRÄKEL, David: Principios de fotografía creativa aplicada, Gustavo Gili, Barcelona, 2011.

RIBALTA, Jorge (eds.): Efecto real, debates postmodernos sobre la fotografía, Gustavo Gili, Barcelona, 2004.

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SHORE, Stephen: Lección de fotografía. La naturaleza de las fotografías, Phaidon, Barcelona, 2009.

SHORT, Maria: Contexto y narración en fotografía, Gustavo Gili, Barcelona, 2013. T

AYLOR-HAW, Calvey: La iluminación en el estudio fotográfico, Omega, Barcelona, 2009.

VARIOS AUTORES: Vitamin Ph. New Perspectives in Photography, Phaidon, 2006.

[lamilanomagazine]

Modena: “Cyrano de Bergerac” al Teatro Storchi dal 16 al 19 marzo

Modena: “Cyrano de Bergerac” al Teatro Storchi dal 16 al 19 marzo. Cyrano De Bergerac arriva al Teatro Storchi di Modena dal 16 al 19 marzo (giovedì e venerdì ore 20.30, sabato 19.00 e domenica 16.00) con la regia di Arturo Cirillo, anche nel ruolo del protagonista. Una produzione MARCHE TEATRO, Teatro di Napoli – Teatro Nazionale, Teatro Nazionale di Genova, Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale. Cyrano, il poeta-soldato nato più di un secolo fa dalla fantasia di Edmond Rostand, è radicato nell’immaginario collettivo e, come tutti gli archetipi, è stato oggetto di numerose reinterpretazioni nei diversi linguaggi. Il pubblico avrà, inoltre, occasione di incontrare il regista Arturo Cirillo e la sua compagnia, sabato 18 marzo alle ore 17.00 durante l’appuntamento con “Conversando di teatro” promosso da ERT e Associazione Amici dei Teatri Modenesi in collaborazione con il Dipartimento di Studi Linguistici e Culturali dell’Università di Modena e Reggio Emilia. A moderare l’incontro, a ingresso libero, Angela Albanese, professoressa associata di Letterature Comparate presso l’Università di Modena e Reggio Emilia, Dipartimento di Studi Linguistici e Culturali. Grazie alla collaborazione con FIADDA Emilia-Romagna, la replica di domenica 19 marzo è sovratitolata per permettere alle persone con ipoacusia o sordità di poter seguire il lavoro nella sua completezza. «Cirillo rappresenta un imprescindibile trait d'union fra l’arte del grande attore italiano e la nuova scena, capace di essere sempre popolare» come lo definiva il giornalista e critico Renato Palazzi. Nelle sue mani, il classico di Rostand diventa uno spettacolo dove non mancano risate, canzoni e costumi sfavillanti, dietro cui si cela un’anima sofferente; pailettes, colori, suoni e luci di ribalta, in un’atmosfera da teatro varietà, evocano suggestioni di un mondo ormai lontano ma ancora capace di suscitare emozioni, nostalgie e ricordi. Un richiamo autobiografico e un ritorno all’adolescenza, quando il regista vide per la prima volta un musical con Domenico Modugno e Catherine Spaak al Politeama di Napoli: «riandare con la memoria a quella esperienza di giovane spettatore – commenta Arturo Cirillo – è per me risentire, forte come allora, l’attrazione per il teatro, la commozione per una storia d’amore impossibile e quindi fallimentare, ma non per questo meno presente, grazie proprio alla finzione della scena. Lo spettacolo che almeno trentacinque anni dopo porto in scena non è ovviamente la riproposizione di quel musical, ma una continua contaminazione della vicenda di Cyrano di Bergerac, accentuandone più il lato poetico e visionario e meno quello di uomo di spada ed eroe della retorica, con delle rielaborazioni di quelle musiche, ma anche con elaborazioni di altre musiche, da Èdith Piaf a Fiorenzo Carpi. Un teatro-canzone, o un modo per raccontare comunque la famosa e triste vicenda d’amore tra Cyrano, Rossana e Cristiano attraverso non solo le parole ma anche le note, che a volte fanno ancora di più smuovere i cuori, e riportarmi a quella vocazione teatrale, che è nata anche grazie al dramma musicale di un uomo che si considerava brutto e non degno d’essere amato. Un uomo, o un personaggio, in fondo salvato dal teatro, ora che il teatro ha più che mai bisogno di essere salvato». Arturo Cirillo si è avvicinato al teatro attraverso lo studio della danza, sia classica che contemporanea. Si diploma, come attore, all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico di Roma nel 1992. Ha lavorato come interprete con Massimo Castri, Pierpaolo Sepe, Davide Iodice, Annalisa Bianco e Virgilio Liberti, Tito Piscitelli, Massimiliano Civica e, soprattutto, con Carlo Cecchi, restando nella sua compagnia dal 1993 al 2002. Tra i premi ricordiamo: numerosi Ubu sia come regista che come interprete, il Coppola-Prati, l’Hystrio, il Vittorio Gassman, il Vittorio Mezzoggiorno, il Franco Enriquez e l’ANCT in più occasioni. Successivamente si dedica anche alla regia teatrale: Mettiteve a fa’ l’amore cu me! di Eduardo Scarpetta, Le cinque rose di Jennifer, L’ereditiera e Ferdinando tutti di Annibale Ruccello, Fatto di cronaca di Raffaele Viviani a Scampia, La piramide di Copi, L’inseguitore di Tiziano Scarpa, La morsa di Luigi Pirandello, Il vantone di Plauto/ Pasolini, Lo zoo di vetro e La gatta sul tetto che scotta di Tennessee Williams, Liolà di Luigi Pirandello, Miseria e nobiltà di Eduardo Scarpetta e Lunga giornata verso la notte di Eugene O’Neill. Nel cinema ha lavorato come attore con Mario Martone, Silvio Soldini, Wilma Labate, Tonino De Bernardi, Francesco Suriano. Per la lirica firma le regie di L’Alidoro di Leonardo Leo e direzione di Antonio Florio; Napoli milionaria! di Nino Rota da Eduardo De Filippo con la direzione musicale di Giuseppe Grazioli; La donna serpente di Alfredo Casella, condotta da Fabio Luisi e successivamente da Gianandrea Noseda; La cenerentola di Gioachino Rossini diretta da Lin Yi-Chen. Nel 2018 porta in scena La scuola delle mogli di Molière, una co-produzione MARCHE TEATRO, Teatro dell’Elfo, Teatro Stabile di Napoli. Nel 2019 debutta al Napoli Teatro Festival Italia con Orgoglio e Pregiudizio di Jane Austen con l’adattamento di Antonio Piccolo, produzione MARCHE TEATRO e Teatro di Napoli-Teatro Nazionale. Ancora per MARCHE TEATRO porta in scena nel 2021 Il gioco del panino di Alan Bennet e nel 2022 Cyrano de Bergerac insieme a Teatro di Napoli – Teatro Nazionale, Teatro Nazionale di Genova, Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale.... #notizie #news #breakingnews #cronaca #politica #eventi #sport #moda Read the full article

[lostinaflashforward]

LIAFF SPECIAL #3: - Child’s Play: Quando l’horror non si prende sul serio

Carissimi lettori, ben ritrovati con un nuovo appuntamento con LIAFF SPECIAL, la rubrica dedicata all’approfondimento di personaggi e temi nel mondo dell’intrattenimento. Per la nostra prima battuta su Tumblr abbiamo pensato di portarvi un approfondimento su un franchise dell’horror slasher che meriterebbe più attenzione, non tanto per il contenuto quanto per la sua natura imprevedibile e sovversiva per il genere. Stiamo parlando di Child’s Play, la saga incentrata su Chucky, la bambola assassina, un personaggio di incredibile fascino e che sembra rappresentare una versione simpatica e caricaturale del mondo del sottogenere slasher. Se volete saperne di più, continuate la lettura...

La mente: chi è Don Mancini

Don Mancini, all’anagrafe George Donald Mancini, nasce il 25 Gennaio 1963 in una città non specificata degli Stati Uniti, da una famiglia di discendenza italiana. Mancini ha frequentato la St. Christopher School a Richmond, in Virginia, la California University e la Columbia University, dove fra i suoi insegnanti vi era Brad Dourif, colui che avrebbe dato la voce e le movenze al famigerato Chucky. Appassionato di cinema horror sin da bambino, Mancini esordisce nel 1988 sotto il pseudonimo Kit Du Bois, scrivendo il film Cell Dweller, un horror a basso budget incentrato su un fumettista che evoca accidentalmente uno spirito maligno nella cantina di casa sua. Oltre ad essersi occupato della stesura di tutti i film del franchise Child’s Play (ad eccezione del reboot del 2019, il quale è a tutti gli effetti un film standalone), Mancini ha anche contribuito ad altre opere nel corso degli anni, scrivendo un episodio di Tales from the Crypt e co-producendo degli episodi della serie Hannibal e dell’antologia horror Channel Zero.

L’opera: come nasce il franchise

L’idea per questa bizzarra saga nasce proprio dalla passione del cineasta statunitense per l’horror, in particolare del sottogenere incentrato sulla figura della bambola come strumento demoniaco e di morte, ispirandosi in particolar modo al film antologico Trilogy of Terror (1975) e all’episodio di The Twilight Zone “Talky Tina”, esprimendo il suo interesse nel realizzare un film di questo tipo usando l’animatronica, tecnica che vede l’uso di pupazzi, chiamati appunto animatronic, che si muovono con dei componenti robotici, ampiamente usata nell’industria cinematografica. Quando era studente all’Università della California, Mancini si appassionò particolarmente all’isteria generata dalla serie di bambole di pezza Cabbage Patch Kids, vendute agli inizi degli anni Ottanta del secolo scorso e divenute virali in pochissimo tempo, in particolare ai furti nei negozi di giocattoli legati a queste bambole e alle liti familiari connesse all’eccessivo desiderio dei bambini di mettere mano su una di loro. Questo, aggiunto al fatto che il padre di Mancini lavorava nell’industria dei giocattoli, diede al regista una solidissima base per creare una cupa satira basata sul potere del marketing e sul consumismo, in particolare verso i bambini, portando alla stesura del primo lungometraggio della saga.

Child’s Play (1988)

Il primo film del franchise nacque, come menzionato sopra, da questo interesse di Mancini per il marketing legato all’industria dei giocattoli, da lui conosciuto grazie a suo padre, con cui non aveva un bel rapporto, a causa della sua omosessualità, motivo per cui Mancini decise di incentrare il film su un bambino e sua madre, escludendo la presenza di una figura paterna. Influenzato dal sottogenere horror sulle bambole demoniache, dal filone slasher, portato alla ribalta con il franchise A Nightmare on Elm’s Street, e da pellicole horror più cupe come Poltergeist e Magic, Mancini unisce le forze col produttore David Kirschner, il quale avrebbe poi prodotto tutti i film della saga, spinto anche lui dalla passione per le bambole demoniache. La sceneggiatura iniziale del film doveva essere molto più complessa; infatti vedeva Chucky, una bambola con del sangue finto, attivarsi grazie all’unione fra il suo sangue e quello di Andy, la cui rabbia soppressa veniva rappresentata dalla bambola stessa, la quale avrebbe preso di mira i suoi nemici. Il film avrebbe dovuto avere un approccio alla “whodunit”, vale a dire volto a capire per tutto lo svolgimento dello stesso chi era il vero assassino, con riferimenti al mondo della televisione della pubblicità e avrebbe dovuto creare ambiguità sull’identità del killer. Dopo che la sceneggiatura fu accettata dalla United Artists, fu riscritta da John Lafia, portando Andy ad essere un personaggio più facilmente apprezzabile dal pubblico e dando un origine diversa a Chucky, dove l’anima del killer Charles Lee Ray veniva trasferita a una catena di montaggio dopo essere stato giustiziato sulla sedia elettrica. Lafia voleva inizialmente dirigere il film, ma a causa della sua inesperienza come regista fu scartato e, dopo una serie di colloqui con registi più o meno noti, venne scelto Tom Holland, grazie alla raccomandazione di Steven Spielberg, che lavorò con lui nella serie antologica Amazing Stories. Per il ruolo di Charles Lee Ray fu inizialmente considerato John Lithgow, ma Holland puntò su Brad Dourif poichè aveva già lavorato con lui nel film Fatal Beauty (1987). Dopo una serie di revisioni e dei tagli fatti a seguito del test screening, si arriva al film così come lo conosciamo, il quale divenne il secondo film ad incassare di più nella storia della United Artists e ricevette un accoglienza mista dalla critica dell’epoca. Purtroppo il film fu al centro di una controversia causata da un nutrito gruppo di persone, le quali hanno protestato negli uffici della MGM poichè ritenevano la pellicola incitasse la violenza nei bambini, polemica che sarebbe continuata anche nei capitoli successivi del franchise.

Child’s Play 2 (1990)

Come di consueto, la United Artists sfruttò il successo della prima pellicola per lavorare su un sequel, le cui riprese erano previste per l'Ottobre 1989, ma il presidente della United Artists Richard Berger annunciò a David Kirschner che lo studio stava per essere acquisito dal gruppo australiano Qintex, il cui presidente voleva bandire la produzione di film horror da parte del suddetto. E così i diritti del film furono contesi dalle maggiori produzioni, finchè la Universal (con l'aiuto di Steven Spielberg) riuscì ad aggiudicarseli. Inizialmente il film prevedeva come introduzione una scena in una corte di tribunale, dove la madre di Andy, Karen, veniva internata a causa degli eventi del primo film, e che sia Catherine Hicks che Chris Sarandon, interpreti rispettivamente di Karen e del detective Norris, sarebbero dovuti tornare, ma le loro scene furono tagliate per motivi legati al budget, rendendo questo secondo film il più corto del franchise (la scena del tribunale sarebbe stata poi riutilizzata come finale per Curse of Chucky). Il film fu diretto da John Lafia e scritto sempre da Mancini e all'uscita ebbe un discreto successo, specialmente per gli amanti dell'horror slasher, anche grazie al romanzo tie-in scritto da Matthew J. Costello, che approfondiva i personaggi di Chucky e Andy e conteneva elementi che sarebbero stati riutlizzati nei film successivi.

Child’s Play 3 (1991)

La Universal chiese a Mancini di iniziare a stendere la sceneggiatura per un terzo film prima dell'uscita di Child Play's 2, causandogli una certa pressione, e il successo del secondo capitolo portò la Universal a dare il via libera al sequel, con l'uscita prevista nove mesi più tardi. Mancini voleva introdurre il concetto della moltitudine di Chucky già in questo capitolo, ma per motivi di budget l'idea fu scartata, per poi essere riutilizzata in Cult of Chucky. Il film doveva aprirsi con una scena che vedeva un addetto alla sicurezza della fabbrica di Good Guys, interpretato da John Ritter (che in seguito sarebbe apparso in Bride of Chucky), il quale spaventa un gruppo di ragazzini raccontando loro delle storie spaventose su Chucky. Mancini decise che in questo film Andy avrebbe avuto sedici anni e a questo scopo, voleva scritturare Jonathan Brandis, ma optò per Justin Whalin, mentre alla regia Mancini avrebbe voluto Peter Jackson, ma la scelta ricadde su Jack Bender, allora un regista emergente. Come per il film precedente, Costello scrisse un romanzo anche per questo film, cambiando alcuni elementi della trama. All'uscita il film non incassò moltissimo e, mentre era ancora apprezzato dai fan del genere, il film fu criticato per la trama, ritenuta piatta (lo stesso Jack Bender affermò che il film in se' era sciocco), mentre fu elogiato nel progresso legato alla tecnologia usata per creare Chucky. Il film viene purtroppo ricordato perchè collegato all'omicidio di James Burger, un bambino di due anni, avvenuto il 12 Febbraio 1993 per mano di due ragazzini di dieci anni, poichè, secondo quanto emerso dalle fonti d'epoca, uno degli assassini avrebbe visto il film con suo padre, fatto che fu smentito dopo anni d'indagini, ma nonostante ciò, il film è a tutt'oggi ritenuto problematico, specialmente in Europa.

Bride of Chucky (1998)

Dopo l'uscita di Child's Play 3, Mancini e Kirschner ritennero che il franchise aveva bisogno di una nuova direzione ed erano contrari a far tornare il personaggio di Andy Barclay. La produzione del film iniziò nel 1996 e a quel tempo Mancini affermò che il genere horror girava letteralmente su se stesso e che l'uscita di Scream aveva dato nuova linfa, portandolo a studiare nuovi scenari e a reinventare completamente il franchise e assieme a Kirschner, mise insieme un concept che mescolava l'horror con la commedia, il genere sentimentale ed elementi da road-movie. Come regista fu scelto Ronny Yu, il cui lavoro nel wuxia The Bride with White Hair (1993), nonchè la sua libertà creativa erano molto ammirati da Mancini e Kirschner. L'idea di creare una fidanzata per Chucky venne a Kirschner dopo che questo aveva visto una copia di Bride of Frankenstein (1935) in un negozio e così Mancini concepì il personaggio di Tiffany, scegliendo Jennifer Tilly per interpretarla per via del suo lavoro in Bullets over Broadway (1994) e Bound (1996). In merito a tale scelta Mancini commentò dicendo che Jennifer Tilly aveva portato una sfumatura comica unica per il franchise e che rappresentava un traguardo importante per la comunità LGBTQ+, oggetto di grandissimo interesse anche per i successivi capitoli della saga. Il film ebbe un buon successo e fu pubblicizzato notevolmente sia nel mondo del wrestling, con l'apparizione di Chucky in un episodio della WCW, sia nel mondo della musica, con una colonna sonora composta da artisti di fama, fra cui Blondie, Rob Zombie, Judas Priest, Slayer e Motörhead, ma la critica lo bocciò per via del suo misto di generi, a loro avviso non funzionante per la trama.

Seed of Chucky (2004)

Due giorni dopo l'uscita di Bride of Chucky, Mancini iniziò a lavorare a un nuovo capitolo del franchise, che non avrebbe avuto Ronny Yu come regista a causa di altri impegni di quest'ultimo. In quanto omosessuale, Mancini voleva esplorare i temi legati al mondo LGBTQ+ all'interno del film e, ispirato dal film Glen and Glenda (1953), scrisse una sceneggiatura incentrata sul figlio di Chucky e Tiffany, che soffre di disforia di genere. Mancini decise anche di continuare a dare al franchise uno stile più comico, poichè a suo avviso il tipico assassino slasher a la Freddy Krueger non faceva più così paura, man mano che tali personaggi erano più noti al pubblico. La Universal respinse la sceneggiatura di Mancini, definendola troppo gay e contraria alle loro aspettative, ma alla fine la Focus Pictures, sfruttando il successo di Cabin Fever (2002), la accettò e il film fu girato interamente in Romania (location che diede modo al regista di rifarsi alle atmosfere degli horror stile Brian De Palma o Dario Argento), al contrario dei precedenti capitoli, e fu distribuito dalla Rogue Pictures. Prima di scritturare il rapper Redman, Mancini dichiarò di aver contattato Quentin Tarantino per recitare nel ruolo di se stesso, ma questi rifiutò. Il film ebbe un discreto successo e fu naturalmente bocciato dalla critica per via dell'approccio a loro dire assurdo portato avanti nel film, per non citare altri motivi ben più gravi.

Curse of Chucky (2013)

Nell'Agosto 2008, Mancini e Kirschner parlarono della possibilità di un remake per il franchise, una scelta fatta come risposta al volere di quei fan che desideravano rivedere un Chucky più spaventoso e un ritorno all'horror propriamente detto. In seguito Mancini spiegò che tale remake sarebbe stato una versione più cupa e spaventosa dell'originale, pur non allontanandosi da esso. Nel 2009, Brad Dourif confermò il suo ritorno come voce di Chucky, viene introdotta nel franchise Fiona Dourif, figlia di Brad, nel ruolo di Nica Pierce, e  fu confermata anche la produzione di un seguito e di un eventuale spin-off. Il film fu girato in Canada e fu rilasciato in direct-to-video nel 2013, con la critica che promosse il film, elogiando il ritorno alle radici e definendolo uno dei titoli più remunerativi nel mercato home video di quell'anno, ricevendo anche uno spazio dedicato all'Halloween Horror Nights del 2013.

Cult of Chucky (2017)

Nel Dicembre 2013 Mancini annunciò di essere al lavoro su un sequel di Curse of Chucky, ma iniziò a stenderne la sceneggiatura soltanto nel 2015. Mancini incluse nella trama il concetto della moltitudine di Chucky e avrebbe voluto anche includere un riferimento a Glen/Glenda, purtroppo tagliato in seguito. Il film segnò il ritorno di Jennifer Tilly nel ruolo di Tiffany e di Alex Vincent nel ruolo di Andy (il quale era già apparso in una scena post-credit in Curse of Chucky), nonchè di Fiona Dourif nel ruolo di Nica Pierce. Le riprese si svolsero nuovamente in Canada e il film fu rilasciato in direct-to-video nel 2017, venendo ampiamente promosso dalla critica per aver portato il franchise in una nuova ed intrigante direzione.

Chucky (2021-)

Nel 2019, la SyFy annunciò di essere al lavoro su una serie TV collegata al franchise e un anno dopo, l’emittente ordinò la serie, curata da Mancini e Kirschner. Mancini espresse preoccupazione per il film reboot del 2019, temendo che un eventuale successo avrebbe minato alla continuità del franchise, ma il film non ebbe successo e la serie originale rimase intatta. Mancini iniziò a lavorare in televisione con Hannibal e, usando tale esperienza, intendeva reinventare in qualche modo il personaggio di Chucky usando la televisione ed eventualmente, espandendone il fandom. Per scrivere il personaggio di Jake, Mancini ha attinto dalle sue esperienze personali in età adolescenziale e dai problemi avuti per via della sua omosessualità. La serie è un diretto sequel di Cult of Chucky, in cui Chucky vedeva la sua anima trasferita nel corpo di Nica, altro modo per esplorare il tema dell’identità di genere nel franchise, come anche la presenza di Jennifer Tilly/Tiffany, e vede il ritorno di Alex Vincent nel ruolo di Andy e di Christine Elise nel ruolo di Kyle. Mancini scrisse tutti gli episodi della prima stagione e diresse il primo, usando il primo ciclo per esplorare il passato di Charles Lee Ray. La prima stagione ebbe un buon successo, portando SyFy e USA Network a rinnovare la serie nel 2021, con il secondo ciclo che avrebbe fatto da seguito a Seed of Chucky, vedendo il ritorno di Glen/Glenda, interpretate entrambe da Lachlan Watson (già interprete di un personaggio queer in Chilling Adventures of Sabrina), Meg Tilly, Gina Gershon, Joe Pantoliano e Sutton Stracke che interpretano se stessi in un episodio della stagione e un cameo della star della WWE Liv Morgan. Per scrivere la seconda stagione, Mancini si ispirò al filone del genere horror a sfondo religioso, come The Exorcist (1973) e The Omen (1976), e alla sua esperienza personale, in quanto lui è cresciuto in un ambiente cattolico, volendo esplorare un contesto in cui una relazione omosessuale, come quella fra Jake e Devon, era vista in maniera negativa. Anche la seconda stagione ebbe un buonissimo successo, portando all'uscita di scena di Andy e Kyle e a un nuovo capitolo per il franchise, che diverrà realtà grazie al rinnovo della serie per una terza stagione, annunciata in questi giorni.

Cosa ci riserva il futuro?

Con la terza stagione in lavorazione, le cui riprese sono previste per il mese prossimo, ci si aspetta parecchio per il futuro del franchise. Mancini ha già iniziato a stendere la sceneggiatura dei futuri episodi, preannunciando che saranno molto più spaventosi e che vi saranno altri ritorni di personaggi apparsi nei passati film. Probabilmente vedremo la nuova stagione per la fine dell'anno, ma non possiamo che essere fiduciosi su quello che Mancini ha in serbo per lo spietato Chucky e gli altri protagonisti. In una saga così poliedrica come Child's Play possiamo aspettarci davvero di tutto...

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Visioni Sarde: all'Istituto di Cultura di Londra otto cortometraggi Made in Sardegna

Visioni Sarde: all'Istituto di Cultura di Londra otto cortometraggi Made in Sardegna Di Redazione In24 Dal 18 al 24 luglio l'Istituto Italiano di Cultura di Londra proietta su Vimeo Visioni Sarde, otto cortometraggi Made in Sardegna. Visioni Sarde: dal 18 al 24 luglio sul canale Vimeo dell'Istituto italiano di Cultura di Londra Approda nel Regno Unito Visioni sarde, la rassegna cinematografica in otto cortometraggi Made in Sardegna che saranno trasmessi da lunedì 18 a domenica 24 luglio, per sette giorni consecutivi, sul canale Vimeo dell'Istituto Italiano di Cultura di Londra. La rassegna offre un rappresentativo assaggio della effervescenza che caratterizza n questo momento il cinema sardo. La rassegna è sostenuta dalla Fondazione Sardegna Film Commission con l'intento di promuovere e far conoscere la cultura cinematografica sarda fuori dall'isola. Gli impegni organizzativi del tour in Italia e all’estero sono assolti dall’associazione Sardi in Torino "Antonio Gramsci" e dall'associazione cinematografica bolognese "Visioni da Ichnussa". Visioni sarde: in otto cortometraggi in lingua voci e immagini della Sardegna che si apre al mondo Alcuni titoli sono stati selezionati per l'efficacia espressiva, altri per il singolare stile narrativo, altri ancora per la creatività e originalità con la quale sono descritti eventi, situazioni, personaggi, emozioni e sentimenti. In 121 minuti di proiezione saranno mostrati in rapida sequenza film che, con diverse declinazioni stilistiche, propongono voci e immagini che superano i confini della Sardegna per rivolgersi ad altre realtà e culture. In lingua originale e sottotitoli in inglese saranno presentati: - "Margherita" di Alice Murgia. Un'adolescente in vacanza in Sardegna fa l’amore per la prima volta con il bagnino; - "Il volo di Aquilino" di Davide Melis. Com'era bella Cagliari. Il commosso dialogo in cagliaritano tra l’anziano scrittore e un fenicottero giunto sulla sua terrazza; - "L’uomo del mercato" di Paola Cireddu. Cagliari. Mario in un mercato raccoglie le cassette di frutta per rivenderle per pochi centesimi. Sogna un'apixedda; - "Il Pasquino" di Alessandra Atzori e Milena Tipaldo (MIRA). Dalla stop motion all’animazione con lo stile dei cinegiornali Luce, la storia della celebre rivista satirica e di alcuni autori sardi che ne assunsero la direzione; - "Marina, Marina!" di Sergio Scavio. Sassari. Il primo difficile amore tra due giovani compagni di classe, tra litigi e serenate; - “Di Notte C’erano le Stelle” di Naked Panda. Il primo episodio della web-serie partita dalle ricerche condotte nell'Università di Cagliari. In un futuro lontano la Terra è profondamente inquinata ed il cielo perennemente annebbiato; - "L’ultima habanera" di Carlo Costantino Licheri. Cagliari 1945. Due giovani creano scompiglio durante la diretta radiofonica, quando arriva improvvisamente una notizia: la guerra è finita; - "Un piano perfetto" di Roberto Achenza. Due amici squattrinati si improvvisano ladri e tentano una rapina in un bar. Ma niente accade come dovrebbe. "Visioni Sarde" è nata nel 2014 nell'ambito dello storico Festival "Visioni Italiane" della Cineteca di Bologna, considerato la migliore ribalta per i registi del futuro.     ... @ItalyinLDN Continua a leggere su Read the full article

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Le foto dell'ex naufrago dell'Isola che rovista tra i cassonetti per vivere

Le foto dell’ex naufrago dell’Isola che rovista tra i cassonetti per vivere

Si tratta di Davide Di Porto, ex personal trainer, diventato famoso nell’edizione 2010 condotta da Simona Ventura. Il suo… Quando i riflettori si spengono, la vita dei personaggi televisivi che hanno vissuto la ribalta può diventare molto complessa. E’ il caso di Davide Di Porto, ex personal trainer… Read MoreVipToday

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[abr]

(L)’ammissione finale, la confessione, la “pistola fumante” dell’inganno la fornisce lo Stato stesso. L’11 luglio del 2021, (...) in (una) nota, l’Avvocatura dello Stato afferma che (...) i numeri “classificano tra deceduti tutti coloro i quali avevano il virus al momento del decesso e non – come avvenuto da altri Paesi (…) – soltanto coloro i quali sono deceduti a causa del virus stesso”. (...) Una notizia (che) ribalta tutta la narrazione spaventosa del virus, smonta la legittimità e la logica di qualsiasi misura restrittiva e dell’obbligo strisciante di vaccinazione. Da marzo 2020, chiunque osi criticare la politica sanitaria e liberticida dei governi italiani viene accusato di complottismo e gli vengono gettate in faccia, come ricatto morale, le centinaia di migliaia di vittime. Ora, ciò che emerge avrebbe dovuto occupare le prime pagine e le aperture di tutti i telegiornali, ed invece nulla, il silenzio e la prosecuzione del terrore con lo spauracchio delle varianti del virus. D’altra parte, (...) in una mail del marzo 2020, Fauci affermava che il 99 per cento dei morti in Italia erano persone affette da altre gravi patologie (...). Anche in quel caso, silenzio pressoché assoluto dai media di regime. Nel frattempo (...) il presidente della Repubblica francese, Emmanuel Macron (...) ha annunciato (...) misure draconiane verso chi non si sottopone al rito salvifico: in Francia viene introdotto l’obbligo di vaccinazione per i sanitari e il divieto di accesso ai locali pubblici come bar e ristoranti, ai cittadini non vaccinati. Non solo, senza il vaccino non si potrà accedere ai trasporti pubblici: niente treno, autobus o aereo. Divieto anche per cinema e teatri. Il generale Figliuolo ha subito applaudito e si è detto favorevole all’introduzione di certe misure anche in Italia (...). Addirittura Fabio Ciciliano, membro del Comitato Tecnico Scientifico, si spinge oltre: “Bisogna offrire vantaggi a chi si vaccina o agli immunizzati, ormai c’è da ragionare in termini di premialità. Non basta sbarrare la strada a teatri o cinema. Occorre fare indagini sociologiche per ogni fascia di età per capire le preferenze”. Indagare (...) per colpirli dove fa più male. Qui non solo è stata fatta carta straccia della Costituzione “più bella del mondo” e dello stato di diritto, ma pure di qualsiasi tipo di etica e di convivenza civile. La dittatura sanitaria si presenta ormai a volto scoperto. (...).

Davide Rossi, via http://www.atlanticoquotidiano.it/quotidiano/numeri-covid-gonfiati-ecco-la-pistola-fumante-e-piace-la-stretta-di-macron-sui-non-vaccinati/

Di che vi lamentate, v’han lasciato in pace per gli Europei, no? Vi han detto che L’ITALIA RIPARTE. Seee come no: si riparte dal via, di marzo 2021.

[corallorosso]

La bimba cilena che fa la linguaccia tra i poliziotti è il simbolo della rivolta mondiale contro gli oppressori Di Luca Telese La ragazza cilena, bella e sorridente, stretta tra due gendarmi, fa una linguaccia mentre viene portata via a forza, e diventa immediatamente simbolo: la trasgressione che si fa simpatia. Le geometrie della lingua che può parlare senza bisogno di parole. Guardate bene quello che è a fuoco nell’immagine. il potere è di spalle e in divisa, la protesta sta chiusa dentro l’ovale incantevole di donna, e sembra che non si mai stata così giovane, mai così bella, di fronte all’immagine avvizzita degli oligarchi che intonano arrugginiti slogan patriottici. È questa linguaccia l’icona accattivante, il ritratto che immancabilmente è destinato ad entrare nei libri di storia. È la ribellione disarmata per cui chiunque non sia privo di senno non può far altro che simpatizzare. È – ancora una volta – Davide che vince contro Golia. Ora sul campo di battaglia in Cile ci sono sia le moltitudini che il fotogramma. Un milione e mezzo di persone che compaiono sulla scena dal nulla, e per un giorno trasformano Santiago, la capitale del Paese, nella più grande piazza mediatica del mondo. (...) Protagonisti della prima fiammata sono stati i giovani. Studenti, sottoproletari che infiammano il web e diventano la scintilla primogenita della protesta. Ma poi questo innesco fa detonare una miscela dirompente: ingiustizia sociale, nuova povertà, lavoratori che non sbarcano il lunario anche lavorando trenta giorni al mese....Sono periferie di emarginati che si sollevano contro un governo di centrodestra che fino a ieri si sentiva sicuro, ma che dietro una spolveratura di modernità cela i volti di sempre. È un turbine di contraddizioni questo retropalco del Potere, una ribalta che pullula di uomini autoritari e fantasmi Pinocchettisti, ex giovani con il sorriso d’angelo, oggi rugosi, che facevano da chierichetti al generale assassino, e che oggi guidano le forze dell’ordine con la vecchia idea fissa della repressione, dei calci in faccia ai ragazzi a terra, delle baionette esibite insieme alle medaglie. Buoni borghesi conservatori, graduati e aristocratici che prima chiedono il coprifuoco come misura (illusoria) di igiene sociale, e che poi improvvisamente, dopo aver mostrato i muscoli, rivelano la loro debolezza e restano come interdetti: stupiti, se non spaventati, dalla forza della reazione di popolo che loro stessi hanno innescato, con i loro miopi automatismi, legge-e-ordine, e poi ovviamente Dio-patria-y-famiglia. Tutto questo, la retromarcia dopo la minaccia, rientra in un copione recitato mille volte, sui palcoscenici della storia. Quello che non era mai accaduto era che una folla oceanica paragonabile a questa potesse convocarsi in piazza così, quasi per magia: senza un partito che organizzasse la protesta, senza un sindacato che diventasse infrastruttura del malcontento, senza un leader che incantasse le folle. Senza neanche uno slogan, senza nemmeno un simbolo, senza una sola bandiera politica...È un grande bagno di emozioni senza premeditazioni. Senza ideologia. Senza piattaforme programmatiche. La strategia è: cogli l’attimo...Questa ragazza di Santiago che fa la linguaccia, trascinata via dai gendarmi di questa piazza di un milione e mezzo di persone, non è una cosa del passato: è l’anteprima di una racconto ancora da scrivere, una profezia di futuro.

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #107 - Malo, Malo, 1972

Quando nel 2000 la Latin Academy of Recording Arts & Sciences decise di istituire i Latin Grammy, con gli stessi meccanismi di assegnazione dei Grammy Awards, molti gridarono all’esagerazione. Ma a conti fatti, nel ventennale dell’istituzione del premi, la musica latina (cioè registrata o in spagnolo o in portoghese o altre lingue di paesi ispanofoli e lusinofoli) rappresentano il maggior numero di registrazioni dell’Intero pianeta, più di quelle in lingua inglese. La storia di oggi è quella di una band sconosciuta da noi ma che in due periodi, dal 1971 al 1974 e, dopo una pausa di 7 anni, dal 1981 fino ad oggi, ha rappresentato uno degli esempi musicalmente più interessanti e coinvolgenti del rock latino. Sebbene abbiano cambiato in tutti questi anni una quarantina di componenti, i Malo (prendendo in considerazione quelli del primo periodo) sono l’ennesimo gioiello del fervore artistico e musicale della San Francisco a cavallo dei due decenni ‘60 e ‘70. I Malo nascono dal desiderio di  Richard Bean, Arcelio Garcia, Pablo Tellez e Jorge Santana di continuare a suonare insieme dopo lo scioglimento dei The Malibu, il loro gruppo precedente. Ai più attenti, il cognome di Jorge ha fatto ricordare il grande e leggendario Carlos Santana, e la sua magica chitarra: avete visto bene, dato che Jorge è suo fratello minore, e fa il chitarrista. A questi quattro si aggiungono Abel Zarate, Roy Murray, e Richard Spremich, che suonavano nei The Naked Lunch, per formare un gruppo a sette, che aveva due chitarre soliste, una sezione di percussioni latino-americane (timbali, congas, bongos) e  una sezione fiati (sax, tromba, flauto). In pratica si voleva creare l’atmosfera musicale di gruppi come i Blodd, Sweat & Tears o i Chicago, che proprio in quegl’anni salivano alla ribalta, ma con innesti di musica latina. Il risultato è a tratti favoloso, come dimostra il loro primo disco, Malo, che esce nel 1972. Prodotto da David Rubinson, uno dei più capaci ingegneri del suono del periodo (con collaborazioni con i Moby Grape, Taj Mahal, una storica collaborazione con Herbie Hancock e  produttore delle musiche di Apocalypse Now) per la Warner Bros., il disco ha 6 brani pirotecnici e stupendi. Di questi, 4 sono cantati in spagnolo e 2 in inglese. Si inizia con l’allegria di Pana (che indica il tessuto di velluto a coste), che in quasi sette minuti mette sul piatto tutto gli ingredienti della musica del gruppo: tecnica strumentale sopraffina, intrecci jazz, rock, interventi puntuali e illuminanti della sezione fiati, il dialettico confronto tra voce solista e cori, tipico di tutta la musica di ispirazione latino-caraibica. Just Say Goodbye inizia slow blues, poi piano alza il ritmo fino a diventare un samba rock bellissimo; il bel refrain di Cafè lascia più spazio alla chitarra di Jorge Santana, che nell’assolo assomiglia davvero tanto a quella del suo più famoso fratello maggiore; Nena ha un ritmo jazz stomp, con meraviglioso lavoro delle percussioni, soprattutto nell’intro, sofisticato e tecnicamente validissimo, poi si evolve quasi come una jam session; Suavecito fu una grande hit del periodo, arrivando addirittura nella Top Ten dei Singoli più venduti nel 1972, ed è il brano più dolce e più pop del disco, rimanendo il loro maggior successo negli anni a venire; Peace è il brano più ambizioso, quasi un southern rock ancora più a Sud della Florida, con l’organo Hammond in evidenza, e con meravigliosa parte centrale con assolo di tromba. Contribuiscono alla meraviglia dei nostri 7 alcuni grandi musicisti, come Richard Kermode alle tastiere (suonerà con Janis Joplin e nella band di Carlos Santana), Coke Escovedo, della famosa stirpe degli Escovedo musicisti e cantanti (tra gli altri, Pete, storico percussionista e Sheila E. la corista fidata di Prince) e Victor Pantoja. Il disco anche trascinato dal successo di Suavecito arrivò molto in alto in classifica: ma questo successo non impedì una prima piccola scissione, soprattutto nella sezione dei fiati. Questo però non impedì la pubblicazione di un secondo grande disco, Dos, che mantiene il livello eccellente della musica, con hit come Oyè Mama e Hela. La band durerà altri due dischi, poi si sciolse definitivamente. Nel 1981 alcuni musicisti riprendono il logo e il nome della band per riprendere a suonare come Malo fino ai nostri giorni. A tal proposito, vorrei spendere due parole per copertina e logo di Malo: la copertina riprende un dipinto di uno dei pittori nazionali messicani, Jesus Helguera, che ha come protagonisti un principe Azteco e la sua amata; in alto a destra, c’è il logo dei Malo, una lucertola fatta con le fattezze meravigliose dell’arte scultorea azteca. Fu disegnata da John Casado e sua moglie Barbara, che negli anni ‘70 furono autori di molte copertine leggendarie per la Warner Bros (tra cui le prime 4 dei The Doobie Brothers e quella di The Last Waltz della The Band), i quali passeranno alla storia anche per aver disegnato il primo logo dei Pc Macintosh. L’album è reperibile facilmente su tutte le piattaforme musicali ma vale la pena cercarlo, è una musica gioiosa, che rende un po’ più allegri dopo il suo ascolto.

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San Vito dei Normanni (BR), premiati i campioni di Ju Jitsu

San Vito dei Normanni (BR), premiati i campioni di Ju Jitsu. Una serata all'insegna della gioia e dell'entusiasmo quella vissuta giovedì 17 al Teatro dell'ExFadda di San Vito dei Normanni, dedicata ai ragazzi dell'associazione sportiva Wushu Club reduci dall'impresa sportiva ottenuta al Ju-Jitsu World Championship di Abu Dhabi, organizzato dalla Federazione Internazionale di Ju-Jitsu (JJIF). Un evento sportivo, giunto alla sua ventisettesima edizione che ha visto circa 2 mila concorrenti provenienti da 70 paesi nel mondo. Il Sindaco, prof. Silvana Errico ha così commentato la serata: "L'Amministrazione comunale ha voluto fortemente festeggiare i 13 atleti medagliati e il maestro Vittorio Carlucci, cintura nera 6 dan – coach Nazionale Italiana di Duo, che con i loro successi hanno portato il nome della Città di San Vito dei Normanni alla ribalta sportiva. Siamo orgogliosi del risultato ottenuto dai nostri ragazzi, un evento storico per la nostra città, un successo che può solo fare bene agli atleti del Wushu Club ma anche a tutti gli altri ragazzi che da oggi avranno un ulteriore stimolo a fare sempre meglio." Alle parole del Sindaco si sono aggiunte quelle del Consigliere Comunale delegato allo Sport, dott. Luciano Cavaliere: "Quando una ragazzo si avvicina allo sport bisogna essere felici, ha scelto di crescere con valori importanti, quando poi lo stesso si trova a portare il nome della tua città fuori dai confini nazionali, bisogna essere grati per la passione che ci metterà per fare il massimo, se poi a questo seguiranno medaglie e riconoscimenti allora bisogna solo applaudire." Raganato Arianna 3 medaglie d'oro; Ruggiero Desirè 3 medaglie d'oro; Cipulli Paolo 2 medaglie d'oro e 1 argento; Raganato Andrea 2 medaglie d'oro e 1 argento; Roma Angelo 1 medaglia d'argento e 1 bronzo; Ardone Sara 1 medaglia d'argento; Cipulli Davide 1 medaglia d'argento; Ligorio Marco 1 medaglia d'argento; Tedesco Samuele 1 medaglia d'argento; Tinella Melissa 1 medaglia d'argento; Moliterni Francesca 1 medaglia di bronzo; Roma Silvia 1 medaglia di bronzo; Vitale Giada 1 medaglia di bronzo; Maestro Vittorio Carlucci - Trofeo miglior Team Duo Under 21 e miglior Team Duo Under 18.... #notizie #news #breakingnews #cronaca #politica #eventi #sport #moda Read the full article

[pangeanews]

Quando Mick Jagger e David Bowie si appropriarono di “Arancia meccanica”. Storia di un romanzo sfuggito al controllo del suo autore

Un testo con la “fedina penale” sporca. È difficile separare il romanzo di Anthony Burgess del 1962, Arancia Meccanica, con la notorietà acquisita dall’adattamento cinematografico di Stanley Kubrick del 1971. La brutale rappresentazione del delinquente Alex e della sua banda che violentano e saccheggiano la futuristica Londra sulle note di Elgar, di Purcell e della nona sinfonia di Beethoven, faceva parte della nuova violenza cinematografica emersa dopo un allentamento della censura avvenuto a fine anni ’60. Subito dopo l’uscita, l’incriminazione di un quattordicenne accusato di omicidio colposo alludeva all’influenza di Arancia Meccanica sul crimine. Il film è stato inoltre collegato a un altro omicidio adolescenziale e a uno stupro di gruppo, poiché si riteneva venissero recitate scene del film. Corroso da una forte pressione, il regista ha ritirato il film dalla circolazione nel Regno Unito, e ha osservato questo divieto con severo vigore giuridico fino alla sua morte, avvenuta nel 1999. Si poteva vedere il film solo in proiezioni illegali o, in seguito, per 27 anni, su copie video abusive. Per tutto quel tempo, Arancia Meccanica ebbe il fremito di ciò che turba, una implacabile suggestione.

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Burgess detestava il film (come Stephen King detestava ciò che Kubrick aveva fatto a Shining). Burgess pensava che Kubrick avesse completamente frainteso la premessa del libro. Ma già dai primi anni ’70, l’autore deve aver iniziato a capire che la lettura errata del libro gli avrebbe garantito, per paradosso, l’unica narrativa intramontabile in una ricca e variegata carriera editoriale. Già Mick Jagger dei Rolling Stones (una band che Burgess disprezzava quasi quanto i Beatles) aveva espresso interesse per le riprese cinematografiche del libro. Burgess ha riportato che Jagger era apparso come la “quintessenza della delinquenza”. David Bowie si appropriava di elementi del libro per i suoi spettacoli teatrali fino al 1971. Eppure questa era la cultura pop che il conservatore ed elitario Burgess intendeva castigare. Il modo in cui la lingua e l’iconografia del libro continua a saturare la cultura popolare oggigiorno, avrebbe davvero spaventato l’autore.

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Origini e primi contesti. Arancia Meccanica ha le sue origini in un orribile incidente durante la Seconda guerra mondiale, quando la moglie di Burgess, Lynne, fu aggredita e violentata da quattro disertori americani a Londra durante un’incursione aerea nel 1940. Il romanzo è ambientato in un futuro distopico – genere che ribalta la lunga tradizione dell’utopia idealizzata e che sarebbe potuto nascere solo durante le atrocità del XX secolo. L’immediato futuro è presentato in una città triste e anonima in cui le bande di giovani vagano alla ricerca di possibilità di “ultra-violenza”; pertanto l’opera tratta di una serie di ansie postbelliche.

La superficie del mondo che è rappresentata contiene echi di 1984 di George Orwell, con il suo sistema sociale per blocchi abitativi standard in rovina, uniforme, vagamente comunista con rigide politiche sociali. Al contrario della rappresentazione del controllo totalitario di Orwell, Burgess riprende il discorso sulla delinquenza giovanile e sul collasso generazionale tipico del panico morale che conquistò la stampa e i politici negli anni ’50. Mentre gli Stati Uniti erano preoccupati per i giovani cittadini che indossavano lo zoot suit e per le bande di motociclisti che creavano disordini sociali, l’Inghilterra aveva cresciuto i Teddy Boys e gli scontri perenni tra Mod e Rocker. Sociologi e psicologi hanno ampiamente discusso di cosa significassero queste rivolte: questi furono i primi sintomi dell’eruzione della cultura giovanile degli anni ’60, in cui Arancia Meccanica prosperò inaspettatamente, poiché non solo derise la conformità socialista, ma anche le indulgenze delle democrazie occidentali liberali.

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Teologia di fronte alla questione criminale. In effetti, nonostante la sua reputazione, il nucleo del libro è in realtà un dibattito religioso piuttosto serio sul destino dell’anima nella modernità del dopoguerra. A differenza degli inquietanti e ambigui pensieri cattolici obsoleti di Graham Greene, Arancia Meccanica è un’opera relativamente ortodossa e incontestabile. Questo è un didattismo che sorge spesso con i generi di utopia e distopia.

La figura centrale, il delinquente Alex, è una creatura bestiale che vediamo nella sua ostentazione immorale nella Prima parte. Alex è propriamente malvagio per Burgess, non è mai scusato come prodotto del suo ambiente. Nella Seconda parte, Alex viene imprigionato e scelto come soggetto sperimentale per un nuovo trattamento, la “cura Ludovico”, progettata attraverso tecniche di ipnosi e condizionamento per cancellare la sua capacità di commettere un crimine. Questo materiale si basa sulle teorie comportamentiste dello psicologo Burrhus Frederic Skinner, allora molto in voga. Come gli esperimenti di Ivan Pavlov sui cani nell’Unione Sovietica negli anni ’20, Alex è addestrato ad associare nausea e disgusto ai sentimenti violenti e sessuali: questo correggerà la sua devianza sociale. Eppure per Burgess, questo avviene solo per forzare l’anima. L’autore attacca la teoria del comportamento per la sua mancanza di interesse per i sentimenti dell’uomo, la vita personale, l’anima. Il comportamentismo, come suggerisce il nome, è interessato solo all’atto esterno, considerando l’interiorità come un semplice errore di proiezione psicologica. Mentre gli psichiatri di Alex vengono derisi, Burgess ha poca pazienza con i liberali che difendono i diritti umani. Alex viene liberato come cittadino modello alla fine della Seconda parte, solo per essere umiliato e tormentato dalle complete restrizioni che la moderna scienza comportamentale ha posto sulla sua anima.

In un saggio che Burgess ha scritto per The Listener nel 1972, l’autore ha messo in rilievo l’assenza di teologia nell’adattamento cinematografico fatto da Kubrick. Burgess ha sostenuto con forza che il comportamentismo era “in termini di etica giudaico-cristiana, e che Arancia Meccanica cerca di esprimere… un’eresia grossolana”. “Il desiderio di diminuire il libero arbitrio”, ha concluso lo scrittore, “è, dovrei ritenere, il peccato contro lo Spirito Santo”. Nella Terza parte la cura Ludovico viene ribaltata, ma questa non è una celebrazione dell’umanesimo liberare sul socialismo. Per Burgess quello che conta è la scelta morale e infine teologica di Alex se essere un criminale o meno. Che la prima edizione americana abbia eliminato l’ultimo capitolo, in cui Alex rinuncia alla violenza, ha danneggiato la narrazione teologica di Burgess mettendo in rilievo soltanto i timori della giovinezza non redenta. E questo è un altro esempio molto importante in cui Burgess ha perso il controllo del suo testo.

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Inventare la lingua: il Nadsat. Da quando il romanzo è stato oggetto di studio, il suo significato religioso è stato trattato a stento. In parte, ciò è dovuto al fatto che l’elemento più sorprendente di Arancia Meccanica sono le sue innovazioni linguistiche, e non i dibattiti filosofici. La lingua di strada di Alex e dei suoi ‘droog’ è scritta in un gergo inventato che deriva principalmente da influenze del cockney e della lingua tedesca, ma principalmente da quella russa (droog = amico, deng = denaro, veck = uomo, viddy = vedere e nadsat stesso, che qui significa adolescente, richiama l’uso del suffisso inglese “-teen” che sta per teenager). Burgess disse di aver sentito per caso la frase “un’arancia meccanica” in un pub dell’East End di Londra e pensò che catturasse perfettamente la collisione tra anima umana e controllo cibernetico.

L’esperimento nel linguaggio futuro non è radicale come La veglia di Finnegan di James Joyce (un libro che Burgess ha ammirato, studiato e desiderato emulare con le sue abilità di poliglotta), ma ha effetti più alienanti sul lettore rispetto alla Neolingua di Orwell in 1984, chiaramente uno dei modelli per pensare a come il linguaggio possa influenzare la trasformazione sociale e politica. Il lettore di Arancia Meccanica deve lavorare sodo per mettere insieme il significato in base al contesto. L’introduzione di un romanzo linguistico è una tattica comune di diffamazione nella fantascienza. Questo è forse il motivo per cui è stato criticato così fortemente, tanto che nella prima edizione americana è contenuto in fondo al libro un elenco di traduzioni: ha reso le cose troppo facili.

Attraverso la scelta del russo, Burgess suggerisce che il futuro, dal 1962, avrebbe potuto essere più sovietico che socialista, o che almeno i giovani si sarebbero rivolti al fascino di una completa rivoluzione sociale. In una certa misura, ha avuto ragione, dato che il dominio del partito conservatore in Gran Bretagna terminò nel 1964 e gli studenti radicali si ribellarono contro l’establishment nel 1968 in tutta l’Europa occidentale.

L’uso del Nadsat era di nuovo qualcosa che Burgess non poteva necessariamente controllare o prevedere. Nel 2016, uno dei brani dell’ultimo album di David Bowie, “Girl Loves Me”, è composto principalmente nella lingua inventata in Arancia Meccanica. Se si ascolta attentamente, viene il sospetto che si riesca a sentire in sottofondo il suono di Anthony Burgess che si rivolta a poco a poco nella tomba.

Roger Luckhurts

*L’articolo è pubblico sul sito della British Library come “An introduction to A Clockwork Orange”; la traduzione è di Caterina Rosa

L'articolo Quando Mick Jagger e David Bowie si appropriarono di “Arancia meccanica”. Storia di un romanzo sfuggito al controllo del suo autore proviene da Pangea.

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#Letteratura #news #Anthony Burgess #Arancia meccanica #Kubrick #Orwell #Romanzo

[tarditardi]

Ben Dj (AllaDisco / 10 cose su)

1/ DA VENT'ANNI AL TOP... SENZA HIT MA CON UN'ENERGIA SUPER

Dal 2000 o giù di lì Ben Dj fa scatenare feste importanti in mezzo mondo. Difficile citare tutte le situazioni top che ha fatto ballare: dai mitici party al Pacifico di Milano Marittima al Lio di ibiza, passando agli eventi legati a The Cal, il mitico calendario Pirelli. Oggi tra gli altri è simbolo musicale del Bullona di Milano e del Me Spectacular Restaurant a Roma. Ha prodotto dischi importanti, tra cui "Smile"... ma non è salito alla ribalta grazie a una hit. E' al top perché sa far scatenare tutti, vip e non vip.

2/ DINNER SHOW, CLUB, FESTIVAL: DI TUTTO

Molti dj, categoria di persone molto (troppo) competitive, di solito sottostima la capacità che ci vuole per far divertire un ristorante con musica. "E invece se la situazione non è quella giusta le persone dopo cena se ne vanno e non tornano più", dice giustamente Ben Dj. Che comunque non lavora mica solo in situazioni di questo tipo. E' protagonista in tanti club e quest'estate sarà in console pure in Sardegna al  Red Valley Festival, il 14 agosto con un certo David Guetta. Qui ritratto come mago sul tappeto volante è proprio nel suo centro... 

3/ GIRLS GIRLS GIRLS

Che deve fare un dj, dappertutto, ai festival nei club e ai dinner show? Far divertire le ragazze d'ogni età. Perché se ballano loro, è tutto a posto. Se non ballano loro, è un problema. Tutti ci annoiano Perché non si diverte nessuno. Il sound di Ben spesso è così, piace a chi vuol muoversi con le amiche.

4/ MUSIC (& HAPPINESS)

Se vai ad una serata di Ben Dj, che non è certo un dj techno / elettronico, non aspettarti la consueta sequela di mash up, il sound italiota che il 90% dei dj italiani propone. Il sound è diverso. E' personale. E' spesso melodico (ma non solo). Ti girano le p.? E' probabile che durante un set di Ben dei tuo problemi ti dimentichi. Certo, dopo tornano, ma per un po' si sta bene.

5/ AL LAVORO, SEMPRE

Ricordo una serata, in un locale che brevemente a Milano è stato il top (oggi non più). Era tardi ed era stata l'inaugurazione, una roba divertente, tanti "vip" rimbalzati perché non in lista. Ben stava litigando con un amico perché quest'ultimo l'aveva criticato per un singolo disco messo alle 4 e 30, a locale chiuso, perché l'ascoltasse un singolo cliente che aveva appena ordinato una bottiglia importante... A differenza di tanti colleghi ed espertoni, Ben sa che il sound di un party è il suo, ma soprattutto quello di chi si divertire. Mai giudicare un dj da un singolo disco. Ben Dj è juventino (brutta cosa) e qui lo vedete con un certo Alex Del Piero.

6/ ARABO, MILANESE, FRANCESE: CITTADINO DEL (BEL) MONDO

Avete presente "I Follow Rivers" di Likke Li nel remix di The Magician (questa: https://spoti.fi/2Xo5pql )? Ecco Ben Dj la suonava mesi & mesi prima che diventasse l'inno di Radio Deejay e mille altre radio e dj set. Perché siccome gira il mondo da trent'anni sui pezzi arriva quasi sempre prima degli altri. L'italiano, va detto, non lo parla mica benissimo. Però parla pure l'arabo, la sua lingua, parla francese, parla un po' di inglese ed è a suo agio ovunque, al mercato e in hotel 7 stelle. Tra l'altro, in un albergo ci lavorava, facendo il portiere. Mica male come ascesa, o no?

7/ SPORT

Che fa Ben Dj tutto il giorno, oltre a vivere di musica e party? Fa sport. Parecchio. Ecco perché dimostra almeno vent'anni di meno di quelli che ha davvero. Nuoto, crossfit, corsa, personal trainer, zero alcol: si può essere in forma anche facendo il dj? Certo che si.

8/ MAKE MONEY NOT FRIENDS

Non cito uno dei tanti sponsor / amici di Ben Dj... è che la vita di un artista, più precisamente quella di un dj, non è facile. Si è sempre soli contro il mondo, è necessario avere un'energia superiore alla media e conoscere il business. Ben in questo è eccellente, anche perché la sua energia è sempre positiva. Sempre.

9/ SOCIAL? UN PO': PR!

Come quasi tutti tutti noi, Ben Dj è decisamente ossessionato dai social. Solo che la sua ossessione è solo l'estensione di un'attività che ogni artista di livello medio non può non fare su se stesso: PR. Mi hanno sempre fatto ridere quelli che dicono che i dj non devono" portare gente". E' il contrario. Un dj che non porti almeno qualche amico a quasi tutte le sue serate, che non abbia qualche amico in ogni città, anche al polo, non è un dj. Qui lo vediamo con Michelle Hunziker e J-Ax, visto che partecipa al muro dei giurati di All Together Now, su Canale 5.

10/ SMILE!

Hai presente quel proverbio giapponese che dice: non sorridere quando ti sono successe cose belle, sorridi affinché succedano. Ecco Ben dj, tra energia, sport & musica è un riassunto vivente di tutto questo.

(Lorenzo Tiezzi)

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