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lafilosofiadelosvideojuegos · 17 days

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La filosofía de los videojuegos.

A veces pienso acerca de la filosofía. ¿De dónde la encuentro? Desde las preguntas políticas con sus leyes hasta la ética con preguntas de bien y mal, y las estéticas cuestionando la belleza. Pero hoy veré la popular que siempre observas.”

La filosofía es una disciplina que se ocupa de una serie de problemas teóricos y prácticos a través de la crítica, la reflexión, la interpretación textual y el ejercicio de la razón en todas sus formas. Los problemas de estudio de la filosofía se dan en torno al conocimiento, la existencia, el lenguaje, el ser, la vida, el arte, la verdad, la razón, la teología y la mente, entre otros. Por cada uno de estos problemas existe una rama específica que los aborda, como la metafísica, la gnoseología, la estética, la lógica o la ética. Al ser una disciplina problemática en sí misma, la filosofía es difícil de caracterizar. Cada filósofo define su práctica filosófica según el problema al que se dedique. Sin embargo, al ser considerada como madre de todas las ciencias, muchos filósofos abordan distintos problemas y áreas de la filosofía. No es extraño ver que algunos filósofos incursionen incluso en áreas que, en principio, son ajenas a la disciplina, como las matemáticas, la biología o la bioética.

La palabra “filosofía” proviene del griego “philosophia” (φιλοσοφία), que se traduce literalmente como “amor a la sabiduría”. Así como “philos” significa “amante”, también es “amor”. El filósofo es el amante de la sabiduría, su amigo, su compañero. Sin embargo, esta traducción es discutida, y aún hoy son muchos los debates que se dan en torno a cuál es el sentido original de la palabra “philosophia”.

La filosofía tiene una rica historia que se remonta a la antigua Grecia, con figuras como Sócrates, Platón y Aristóteles. A lo largo de los siglos, ha evolucionado y se ha dividido en diferentes períodos, como la filosofía antigua, medieval, moderna y contemporánea. Cada período ha aportado nuevas perspectivas y enfoques a la disciplina.

En resumen, la filosofía es un viaje intelectual que nos lleva a explorar las preguntas fundamentales sobre la existencia, la verdad, la moralidad y la realidad. Es un camino hacia la comprensión más profunda del mundo y de nosotros mismos. FUENTES -> 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7. (PARA ACCEDER A LAS FUENTES CLIQUEA EL NÚMERO)

A continuación, te llevaremos a una experiencia en donde los videojuegos nos hablaran acerca su punto de vista sobre "qué es la vida", vamos a verlo.

Como podemos ver en el diálogo de Jas y Harvey de Stardew Valley, se habla de una vida en donde tú eres la felicidad de otros con tu ayuda, como Aristóteles sostiene que vivir de manera injusta, egoísta o irresponsable no solo afecta a los demás, sino que también impide nuestro propio desarrollo y bienestar. Según Aristóteles, la felicidad no se encuentra en placeres momentáneos o bienes materiales, sino que se alcanza a través del desarrollo de nuestras capacidades y virtudes. En otras palabras, buscar el bien común y actuar virtuosamente es fundamental para encontrar la verdadera felicidad.

FUENTE -> Cliquéame

Sans y Papyrus son hermanos, Papyrus es muy de creer todo lo que escucha, pero esta vez Sans le comenta que es la vida para él, la cual se parece mucho a la teoría del huevo es una metáfora que nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de nuestras almas. Según esta perspectiva, nuestras almas son como yemas de huevo, existiendo en un estado eterno y multidimensional, similar a un vasto banco de huevos. En este enfoque, nuestras acciones y conexiones trascienden las fronteras del tiempo y el espacio, dejando un impacto profundo en el tejido mismo de la existencia.

FUENTE -> Cliquéame

Magolor y Kirby se conocieron en Kirby's to Dream Land, Magolor se ve inofensivo, pero realmente tiene planes bastante poco éticos, el argumento que da Kirby nos recuerda mucho a la frase de Sussie del increíble Mundo de Gumball cuando dice: "La vida es sobre el viaje, y hacer amigos en el camino, el verdadero significado de la vida es encontrar tu propia manera de disfrutarlo." (El increíble mundo de Gumball, 2016)

Fuente -> Cliquéame

Para contextualizar la historia de Isaac está inspirada en el relato bíblico del Sacrificio de Isaac. En el juego, controlamos a Isaac, un niño cuya madre cree que está corrompido por el pecado. Ella toma medidas drásticas para salvarlo, quitándole sus pertenencias y encerrándolo en su habitación. Llega un punto de locura de su madre donde escucha a "Dios" y le pide que lo sacrifique debido a que está corrupto por el pecado, hay muchos casos como los de Isaac, donde podemos darnos cuenta como las personas se vuelven fanáticas religiosas, como una noticia publicada por el regular la cual relata como una madre asesinó a sus 2 hijos por su fanatismo religioso, las personas que siguen dogmas de las religiones no siempre pueden estar mentalmente sanas. FUENTE -> Cliquéame

¡Espero hayan disfrutado de nuestra investigación y nos vemos en otra oportunidad! :D

#stardew valley #kirby #the binding of isaac #tboi #filosofia #stardew harvey #sdv #jas stardew valley #magolor #sans undertale

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ggohannn · 10 months

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Tal vez no me quede acá pero parece un buen lugar para publicar Aus o teorías lasargas, aparte es re bonita la estética

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notasfilosoficas · 9 months

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“Somos avatares de la estupidez pasada”

Fernando Pessoa

Fue un poeta, escritor, crítico literario, dramaturgo, ensayista, traductor, editor y filósofo portugués nacido en Lisboa en junio de 1888. Descrito como una de las figuras literarias más importantes del siglo XX y uno de los grandes poetas en lengua portuguesa.

Fue hijo de un funcionario público del Ministerio de Justicia y critico musical de un diario portugués, y su madre natural de Azores.

La familia Pessoa vivió con su abuela que era enferma mental y con dos criadas ancianas.

Varios hechos marcaron su infancia, su padre murió a los 43 años víctima de tuberculosis cuando Pessoa contaba con 5 años y su hermano murió antes de cumplir un año, por lo que la madre se ve obligada a subastar parte de los muebles de su hogar y mudarse a una casa mas modesta.

Es en ese mismo año que Fernando escribe su primer poema con el epígrafe corto titulado “A mi querida mamá”.

Su madre se casa por segundas nupcias en 1895 con un comandante cónsul de Portugal en Durban, viéndose obligados a mudarse a Sudáfrica, en donde Pessoa recibe una educación británica, lo que le proporciona un profundo contacto con la lengua inglesa.

Teniendo que compartir la madre la atención con los demás hijos del padrastro, Pessoa se aísla, lo que le permite tener momentos de introspección, leyendo autores como William Shakespeare, Edgar Allan Poe, John Milton y Lord Byron.

En 1905 Pessoa deja Durban y se regresa a Lisboa solo viviendo con su abuela y dos tías, y en 1906 se matricula en la actual facultad de Lisboa abandonando al primer año por una huelga, continuando su producción literaria, e iniciando su actividad ensayística y de crítica literaria.

Su obra es una de las más originales de la literatura portuguesa, siendo uno de los introductores de su país de los movimientos de vanguardia.

A partir de 1914 proyectó su obra sobre tres heterónimos: Ricardo Reis, Alvaro de Campos, y Alberto Caeiro, para quienes inventó personalidades divergentes y estilos literarios distintos.

Bajo la personalidad de Alberto Caeiro, expresa una espontaneidad sensual, mientras que bajo el heterónimo de Ricardo Reis trabaja minuciosamente la sintaxis y el léxico, inspirándose en los arcadistas del siglo XVIII. Por otra parte, Álvaro de Campos evoluciona desde una estética próxima a la de Walt Whitman.

Sobre estos desdoblamientos, Pessoa refleja sus distintos “yos” conflictivos en tanto que su poesía supone un intento de superar la dualidad entre la razón y la vida.

La obra ortónima de Pessoa fue profundamente influenciada en varios momentos por doctrinas religiosas como la teosofía y sociedades secretas como la masonería. El resultado de su poesía tiene un cierto aire mítico, heroico y por veces trágico.

Su obra permaneció inédita hasta su muerte, la cual fue recogida en los volúmenes de obras completas I. Poesías de Fernando Pessoa, poesías de Álvaro de Campos (1944), Poemas de Alberto Caeiro (1946) y Odas de Ricardo Reis en (1946), Poemas dramáticos y Poesías inéditas (1955-1956).

Su obra ensayística fue publicada en 1966 bajo el título de “Páginas íntimas y de autointerpretación”, y en 1967 Páginas de estética y de teoría crítica literarias. En 1968 textos filosóficos.

Pessoa es internado en noviembre de 1935 con el diagnóstico de “cólico hepático”, falleciendo a causa de complicaciones hepáticas, asociadas a una posible cirrosis, provocada por el excesivo consumo de alcohol a lo largo de su vida.

Muere a la edad de 47 años en noviembre de 1935. En los últimos momentos de su vida se dice que pide sus gafas y clama por sus heterónomos.

En 1982 apareció el “Libro del desasosiego”, compendio de apuntes, aforismos, divagaciones y fragmentos del diario de Fernando Pessoa dejó al morir.

Fuentes: Wikipedia y biografiasyvidas.com

#portugal #fernando pessoa #citas de reflexion #frases de reflexion #citas de escritores #filosofos #escritores #notasfilosoficas #ensayistas #durban #citas de filosofos #filosofando #filosofia de la vida #frases de escritores

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adolfovasquezrocca · 7 months

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Adolfo Vasquez Rocca

Universidad Complutense de Madrid, Filosofía IV (Estética, Teoría del Conocimiento e Historia del Pensamiento), Adjunct

Revista Observaciones Filosóficas, Journal for contemporary philosophy, Managing Director

Pontificia Universidad Catolica de Valparaiso, Facultad de Filosofía y Educación, Adjunct

https://ucm.academia.edu/AdolfoVasquezRocca

#Filosofía #arte #poesía #literatura #nihilismo #gótico #pintura #anarquismo #deconstrucción #psicología #look #fashion #performance #antropología #arte conceptual

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9976123 · 1 year

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El tema de la estética.

La experiencia estética es el objeto de estudio de la filosofía estética o simplemente Estética. Se cuestiona principalmente sobre lo bello. ¿Qué es lo bello?

El Dr. Johnson definió la belleza como el conjunto de las gracias y proporciones que agradan al ojo. Añádase a esto "al oído y a la imaginación". (¿Qué papel juega la imaginación en lo bello?) Las experiencias estéticas son, por lo general, agradables. Sin embargo no toda experiencia agradable es estética. ¿Qué clase de cualidades pertenecen o provocan experiencias estéticas? Colores, formas, sonidos y sus combinaciones o módulos (¿a qué se refiere con módulos?), olores, sabores y hasta sensaciones táctiles. Existen diferentes experiencias además de la estética, ya sean morales, volitivas o apetitivas e intelectuales. 2. ¿Cuál es el problema de la Estética? Los criterios con que se aborda el tema, el prejuicio intelectual y el grado de necedad en las bifurcaciones del filósofo quien busca, con sesgo, dar por aceptada su teoría estética aún a sabiendas de su propio error. La gran mayoría de las reglas eran formuladas a priori. En las experiencias estéticas ordinarias la asociación y el contexto son mucho más importantes de lo que se les cree.

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al-achunte · 9 months

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Porque el ideal de la mujer blanca, seductora pero no puta, bien casada pero no a la sombra, que trabaja pero sin demasiado éxito para no aplastar a su hombre, delgada pero no obsesionada con la alimentación, que parece indefinidamente joven pero sin dejarse desfigurar por la cirugía estética, madre realizada pero no desbordada por los pañales y las tareas del colegio, buen ama de casa pero no sirvienta, cultivada pero menos que un hombre, esta mujer blanca feliz que nos ponen delante de los ojos, esa a la que deberíamos hacer el esfuerzo de parecernos, a parte del hecho de que parece romperse el crisma por poca cosa, nunca me la he encontrado en ninguna parte. Es posible incluso que no exista. - Virginie Despentes (2006). Teoría King Kong (pág. 16)

#cajita feminista #virginie despentes

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kvbrvkvnchv · 9 months

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Influencias del Constructivismo Ruso en el Diseño Gráfico Contemporáneo

Aaron Gallardo A.

Escuela de Arte Corriente Alterna

En este ensayo explicaré el impacto que el Constructivismo Ruso ha tenido en los principios y del diseño gráfico producido en el siglo XXI. Comenzaré explorando el contexto histórico y los elementos clave para interpretar obras Constructivistas, lo cual nos permitirá entender cómo este movimiento ha moldeado y actualmente inspira el campo del diseño gráfico de este tiempo. Finalmente, analizaré paralelismos conceptuales y gráficos para ilustrar la relevancia y permanencia del Constructivismo Ruso, enfocándome en la obra de Aleksandr Rodchenko, en el lenguaje visual del Diseño Gráfico actual.

Contexto Histórico

Las agitaciones políticas en Rusia de los años anteriores estallaron en la Revolución de Octubre de 1917, donde Lenin y los Bolcheviques consiguieron tomar el poder político del país. Como en toda Revolución, se construyeron nuevas ideologías y se inauguró un nuevo gobierno con Comisariatos de soviets con planes específicos para el Arte y sus funciones para el Partido Comunista.

Particularmente, el decreto Sobre los Monumentos de la República de 1918 enumera las intenciones de Lenin de servirse de las artes plásticas para realizar propaganda política a gran escala que organice las masas y reeduce las juventudes. Este Decreto contemplaba, entre otras cosas, la restitución de obras zaristas por nuevos monumentos dedicados a la propaganda del Partido (Bark 1995) y la expansión cultural del nuevo arte ruso a toda la URSS.

En este contexto, el nuevo arte no podía seguir obedeciendo a las estéticas burguesas del pasado herederas del naturalismo impresionista y romanticista, sino tenía que extender su visión hacia el presente, teniendo como pilar la propaganda para la organización y movilización de los trabajadores, y también hacia el futuro, creando nuevas estéticas para una identidad comunista mundial.

Con ese fin, las ideas del artista ruso Malévich y los suprematistas tuvieron una influencia importante en el desarrollo del nuevo arte ruso. Malévich planteaba una teoría no-objetiva del arte a partir de la abstracción total de las formas con el fin de elevar la conciencia espiritual a través del arte.

Imagen 1. Kazimir Malévich, Composición Suprematista (1916).

Las pinturas suprematistas se caracterizan por el uso de formas geométricas de colores sólidos flotando sobre un fondo blanco. La pintura ya no es una mímesis que representa objetos del mundo, sean estos naturales o creados por el hombre. Las pinturas ya no representna personas y no exigen una interpretación narrativa sino sensorial a través del innovador uso del color y la composición.

En palabras de Malévich (1927/2003) [traducción propia], “el suprematismo es el redescubrimiento del arte puro que, a través el tiempo, se ha oscurecido por la acumulación de ‘cosas’. Me parece que, tanto para los críticos como para el público, las pinturas de Rafael, Rubens, Rembrandt, etc., se han vuelto nada más que un conglomerado de ‘cosas’ que ocultan su valor real: el sentimiento que causan.”

A partir de las ideas suprematistas, así como el arte naciente Futurista y Cubista y las teorías sobre la forma y el color de Kandinsky, el Constructivismo Ruso se impone como el principal movimiento artístico y educativo que lleva los ideales comunistas al plano de la vida material de las personas, con el fin de reeducar y organizar al proletariado en función a las necesidades de su reorganización social.

2. Principios Clave para el Constructivismo

Una institución clave para el posicionamiento del Constructivismo como el principal movimiento artístico del Partido fue el Instituto para la Cultura Artística (INKhUK, por sus iniciales cirílicas), dirigido por Kandinsky, a partir del cual se creó el Grupo de Constructivistas integrado por Aleksandr Rodchenko, Varvara Stepanova y los hermanos Gabo y Pevsner, quienes en su Manifiesto realista (1920) proponen:

“1. En la pintura renunciamos al color como elemento pictórico: el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia más íntima del objeto. Afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica.

2. Renunciamos a la línea como valor descriptivo: en la vida no existen líneas descriptivas; la descripción es un signo humano accidental en las cosas, no forma una unidad con la vida esencial ni con la estructura constante del cuerpo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración gráfica, es decoración. Afirmamos que la línea solo tiene valor como dirección de las fuerzas estáticas y de sus ritmos en los objetos.

3. Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con el volumen, como no se puede medir un líquido con un metro. Miremos el espacio: ¿Qué es sino una profundidad continuada? Afirmamos el valor de la profundidad como única forma espacial pictórica y plástica.

4. Renunciamos a la escultura en cuanto masa entendida como elemento escultural. Todo ingeniero sabe que las fuerzas estáticas de un cuerpo sólido y su fuerza material no dependen de la cantidad de masas, por ejemplo: una vía de tren, una voluta en forma de T, etc. Pero vosotros, escultores de cada sombra y relieve, todavía os aferráis al viejo prejuicio según el cual no es posible liberar el volumen de la masa. Aquí, en esta exposición, tomamos cuatro planos y obtenemos el mismo volumen que si se tratase de cuatro toneladas de masa. Por ello, reintroducimos en la escultura la línea como dirección y en esta afirmamos que la profundidad es una forma espacial.

5. Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos, según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas. Afirmamos que en estas artes está el nuevo elemento de los ritmos cinéticos en cuanto formas basilares de nuestra percepción del tiempo real.”

En el Primer Programa del Grupo Constructivista, producido en 1921, los tres pilares centrales de la producción constructivista son: la tectónica, la fakturay la construcción, es decir, la estructuración, el manejo y la organización del material. La meta era lograr la expresión comunista en el plano de las estructuras materiales y también lograr una síntesis entre lo ideológico y lo formal (Fer 1989).

Los Constructivistas se consideraban más creadores industriales que artistas, y no se limitaban a las experimentaciones estéticas en las artes plásticas como la pintura y escultura, sino también exploraron a fondo el diseño industrial y fueron pioneros en el diseño gráfico a través de propagandas de agitación (agitprop), pósters de películas y anuncios publicitarios.

3. Constructivismo y Diseño Gráfico Contemporáneo

Cuando hablamos del diseño gráfico constructivista, uno de los creadores más versátiles y prolíficos fue Aleksandr Rodchenko, artista plástico, fotógrafo, publicista, diseñador industrial y diseñador gráfico.

En 1925, Rodchenko presentó en la exposición 5x5=25 el tríptico Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo, con la que inauguró una nueva era en la historia del arte. En sus propias palabras: “Reduje la pintura a su conclusión lógica y exhibí tres canvas: rojo, amarillo y azul. Y afirmé: ‘Este es el final de la pintura’.

Imagen 2. Rodchenko, Aleksandr. Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo (1921)

En esta pintura, Rodchenko parte de las obras no figurativas de Malévich, como su Cuadrado Negro (1915), para explorar las propiedades físicas y conceptuales de los colores en la pintura. Al reducirla a sus recursos más básicos —los tres colores primarios—, Rodchenko acorrala a la pintura y no le deja otra salida más que mutar en otro tipo de arte en el que las artes plásticas dialoguen con el pueblo y con otras tecnologías como la tipografía, la fotografía y el cine. En este nuevo arte prepondera la innovación en la composición visual de las obras.

Así, Rodchenko empieza a experimentar con el fotomontaje y el diseño editorial. Ilustra varias portadas del famoso poeta soviético Vladimir Maiakovsky, su cercano amigo, en las que mezcla tipografía experimental y fotomontaje con los retratos que él tomaba de Maiakovsky.

Imagen 3. Rodchenko, Aleksandr. Portada para el libro A Sergei Esenin, de Vladimir Maiakovsky (1926).

En esta composición, Rodchenko utiliza como fondo tres rectángulos negro, blanco y cian, que por sí mismos podrían ser pinturas abstractas suprematistas, que sirven para contrastar la cabeza recortada de Mayakovsky y su mirada severa. Alrededor de su cabeza está la Tierra, a la que le dan vueltas tres avionetas soviéticas. La metáfora es simple y directa: Mayakovsky es un poeta mundial en un mundo industrial. Es un mensaje llamativo, claro y entendible para personas no instruidas en historia del arte. Claramente, Rodchenko no está haciendo arte para ser expuesto en las paredes descontextualizadas de un museo ni para los ojos especializados de los críticos de arte. La producción visual del artista está pensada para el entendimiento del espectador ante todo. Al mismo tiempo, Rodchenko está construyendo la imagen del artista soviético: duro, masculino, industrial e imaginativo.

Posteriormente, junto a Maiakovsky también crea la primera agencia publicitaria en el mundo llamada En Reklam-Konstruktor, con la que publicitan relojes, aerolíneas estatales, e incluso postres:

Imagen 4. Rodchenko, Aleksandr. Empaque para marca de galletas Aviador Rojo (1923).

En este diseño resalta la elegante simpleza del logo hecho a partir de rectángulos, círculos y líneas que representan un avión en vuelo, así como el patrón geométrico que sirve de fondo para el empaque. Este tipo de ilustración es muy contemporánea y bien podría funcionar como el logo de una aerolínea actual. Veamos el siguiente concepto para una aerolínea canadiense:

Imagen 5. Truk, Jordan. Concepto de identidad gráfica para Cardinal Airlines (2019).

En este caso, el diseñador gráfico utiliza la figura de un pájaro nativo de Canadá para ilustrar un avión en vuelo a través de líneas y curvas simples. No dudo de que el diseño publicitario de Rodchenko ha influenciado en la lógica y el estilo con que lxs diseñadores creamos logos: el uso de vectores simples y escalables que funcionen en varias superficies, desde empaques a pósters hasta impresos en superficies enormes, como aviones.

Rodchenko es también reconocido por haber hecho un póster con la actriz Lilya Brik vociferando la palabra “¡Libros!” a través de un megáfono compuesto por tipografía y rectángulos en perspectiva.

Imagen 6. Rodhenko, Aleksandr. ¡Libros (Por favor)! En todas las ramas del conocimiento (1924).

Este póster, comisionado por la Casa Editorial Estatal de Leningrado, tuvo como propósito resaltar el compromiso del Gobierno Soviético con la educación y la alfabetización. El póster tiene la intención de ser legible incluso para personas que no saben leer, a través de una comunicación directa y efectiva con formas, fotos y colores. Actualmente, esta composición es parte importante de la iconografía visual contemporánea y ha influenciado múltiples diseños desde su concepción.

Imagen 7. Scher, Paula. Póster para obra teatral The Diva is Dismissed (1994).

La famosa diseñadora gráfica neoyorquina Paula Scher, encargada de la dirección gráfica para el Public Theather de Nueva York, se inspiró en Rodchenko para realizar este póster publicitario de un unipersonal de la comediante Jenifer Lewis. Igual que el póster de Rodchenko, la tipografía es utilizada para complementar el mensaje y el movimiento del diseño. La iconografía es la misma: una artista famosa vociferando un mensaje directo. El receptor se siente sorprendido e interpelado por la fuerza del contraste, el tamaño de las letras y la mirada de la actriz.

Imagen 8. Fotografía propia. Póster para Sindicalízate.com (2023).

La influencia de ¡Libros! de Rodchenko también ha llegado al Perú del 2023 a través de esta gráfica social-publicitaria para la promoción de la sindicalización en la ciudad de Lima. Aquí vemos a dos jóvenes, ninguno de ellxs famoso, que miran sonrientes hacia arriba vociferando la palabra “¡Sindícalizate!” Y más abajo se lee: “Por una chamba con derechos”.

Esta iconografía se ha permeado en la cultura popular y encontramos sus iteraciones en portadas de álbumes de rock, publicidad de marcas de ropa de lujo e incluso dibujos animados. Si consideramos que “los memes se han convertido en unidades semánticas capaces de evocar los significados a los que están asociados. Es el proceso de evocación y la eficacia del meme como disparador de atención, recuerdo y repetición del significado adscrito, lo que los vuelve relevantes” (Lissack 2004), ¿podríamos decir que ¡Libros! de Rodchenko fue uno de los primeros memes del siglo XX?

En un nivel más general, otras características visuales del arte constructivista, no solo de Rodchenko, sino también de otros artistas como El Lissitzky, también han influenciado en el lenguaje visual del diseño gráfico contemporáneo. Un ejemplo importante es el uso de tipografías sans serif para la comunicación de mensajes políticos simples, contundentes y directos.

Imagen 9. Arenas, Maria. Póster para la campaña política de Alexandra Ocasio Cortez (2018).

Imagen 10. Kulagina, Valentina. Póster para el Día Internacional de la Mujer Trabajadora (1930).

En ambos pósters, la composición utiliza la figura predominante de una mujer al lado izquierdo que es balanceada con el uso abundante de tipografía hacia el lado derecho. La tipografía utilizada es una sans serif delgada utilizada en diferentes tamaños. Este tipo de letras se popularizaron con el naciente Futurismo ruso y posteriormente en los pósters y libros de artista de los constructivistas rusos, y son utilizadas para comunicar mensajes inmediatos, modernos y legibles en diferentes formatos, desde una pequeña postal hasta una pantalla.

Por otro lado, la paleta de colores característica del Constructivismo Ruso utiliza el rojo sólido con gradaciones de negro, como la siguiente composición abstracta de El Lissitzky:

Imagen 11. Lissitzky, El. Proun (1922-23).

El constante uso del rojo no es una casualidad, sino que responde a la identidad visual de la U.R.S.S., que se caracterizó, desde su bandera, por el uso abundante del rojo como símbolo de la revolución comunista.

Imagen 12. N/A. Póster para al Aniversario de la Derrota Estratégica de la Armada Americana B-52 Bomber. N/A.

La motivación patriótica/política en la elección de colores se hace evidente en este póster que conmemora la victoria vietnamita frente a las fuerzas imperialistas estadounidenses. En este caso, la mano roja con una estrella representa la bandera de Vietnam, mientras que el fondo azul y la bomba negra representan a Estados Unidos a fin siendo vencido.

4. Conclusiones

A lo largo de este ensayo hemos analizado algunas obras gráficas del Constructivismo Ruso en búsqueda de su influencia sobre el lenguaje visual del Diseño Gráfico Contemporáneo en términos de estilo, composición, iconografía, uso del color y tipografía.

Nos hemos enfocado en la figura y la producción gráfica de Aleksandr Rodchenko, pues ha jugado un papel muy importante en la consolidación del Diseño Gráfico como una profesión artística popular preocupada por la transmisión de mensajes visuales a través de códigos claros, directos y eficaces que tienen en cuenta al receptor desde la concepción de la obra.

Se hace evidente la permanencia de los principios constructivistas en la producción gráfica contemporánea a escala mundial. Hemos visto ejemplos de arte gráfico canadiense, estadounidense, peruano y vietnamita claramente influenciados por el constructivismo ruso.

Finalmente, si bien es cierto que en muchos casos la influencia constructivista en el diseño actual es más prevalente en un nivel estético más que ideológico, es crucial que las nuevas organizaciones de izquierda o comunistas en el mundo reflexionemos sobre el rico legado gráfico constructivista y lo sigamos reinterpretando bajo nuestros contextos de creación identitaria y lucha anticapitalista. El valor del Constructivismo en la historia del Mundo radica en el poder de construir una estética radical, particular para la lucha comunista internacional, y su lenguaje visual puede ayudarnos en la creación de realidades postcapitalistas.

Imagen 13. Diseño propio. ¿Qué pasaría si el logo del partido izquierdista Perú Libre se hubiera inspirado en el constructivismo ruso? (2023).

Referencias Bibliográficas

Bark, Wendy (1995). Constructivist costume, textile & theatrical design, 1917 - 1934: a study of constructivism set in the socio-cultural, political and historical context of post-revolutionary Russia, Durham theses, Durham University, Inglaterra.

Gabo, Naum & Pevsner, Antoine (1920). El Manifiesto Realista. Extraído de https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/ 02/manifiesto-realista-1920.pdf.

Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) (2018). Catálogo para la exposición Caso de Estudio. Ródchenko y un futuro en construcción. Institut Valencià d’Art Modern, España.

Lissack, M. R. (2004), The redefinition of memes: ascribing meaning to an empty cliché, Journal of Memetics-Evolutionary Models of Information Transmission, núm. 8, EE.UU..

Malevich, Kazimir (2003). The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism. Dover Publications, EE.UU.

#constructivism #graphic design #rusia #arte #historia del arte

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dolceminerva97 · 1 year

Note

Que vergüenza escribir esto jaksj pero estuve estudiando la teoría del color en las pelis/arte y me veo en la necesidad de decir que me encanta cómo está implementado en Tina lol. Yo supongo que es a propósito, pero veo que varias veces la dibujas con ropa rosa o celeste, lo cual pega mucho con la personalidad melancólica y enamoradiza con la que la describis, además de que le queda lindo en general, y no lo digo solo como simp de Tina jaksj (también el blanco en algunos paneles que son como de su pasado¿ donde usa esos vestidos viejos que tmb podrían representar la inocencia e ingenuidad que tiene sobre lo desconocido y hasta sobre el Arturo)

Anyways hay que subirse a la agustineta para una mejor vida💪

Se siente muy satisfactorio cuando la gente se fija en esos detalles, me hace sentir que vale la pena el esmero que pongo en las cosas que hago y que no todo el mundo scrolea por dos segundos mis dibujos en sus feeds <:'))) aaa qué bonito tu comentario me alegró mucho de verdad, gracias

Y sí, es intencional! primero por estética, me gusta que los colores claros hagan que su piel se vea más cálida y bronceadita, pero también tienen esa función simbólica, en especial los vestidos blancos. Y va a tener una presencia significativa en mi cómic ese contraste del negro y el blanco como contraste entre inocencia y madurez! :B

#llorando con lo de la agustineta sjjsaassjd tkm gracias

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pangraphia · 7 months

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Social

Presentación

'Social' es un proyecto artístico que consiste en la generación de un proceso colectivo de creación pictórica contemporáneo ideado y gestionado por los artistas Intiñan y Carloz. Los autores entienden a la pintura como un espacio de encuentro, unión, alegría y de transformación social. La acción colectiva, referenciada en la teoría de una estética relacional (Bourriaud), enfatiza las interacciones humanas y su contexto social por sobre las acciones individuales y privadas. La apertura de su proceso lo asemeja al lenguaje mural o la naturaleza de la urbe, donde la pintura se presenta como una experiencia de intercambio entre sus integrantes y la disolución de sus individualidades.

La finalidad del proyecto es generar dinámicas artísticas de creación y flujo colectivo que escapen de la cotidianeidad dentro de un contexto que, por lo general, entiende a la pintura como un proceso individual o privado; y a las relaciones sociales dentro de los parámetros comerciales de las redes sociales. Para los gestores no existe una distinción entre arte y vida, sino una linealidad constante entre uno y otra que la obra refleja como un lugar de coincidencia, pero también de disputa, en donde las libertades personales colisionan y se retroalimentan para formar una imagen impredecible (regulada en si misma por las personas y el contexto en las que fue creada). La dinámica generada sería una especie de antena que captura determinados puntos de aquella linealidad, no para representarla, sino para descubrir posibles caminos inexplorados de relaciones sociales múltiples y viables.

“Porque el modernismo está inmerso en un “imaginario de oposiciones”, retomando la expresión de Gilbert Durand, que actuaba separando y oponiendo, descalificando de buena gana el pasado y valorando el futuro; se basaba en el conflicto, mientras que en el imaginario de nuestra época se preocupa por las negociaciones, por las uniones, por lo que coexiste. Ya no se busca hoy progresar a través de opuestos y conflictos, sino inventar nuevos conjuntos, relaciones posibles entre unidades diferenciadas, construcciones de alianzas entre diferentes actores. Los contratos estéticos y los contratos sociales son así: nadie pretende volver a la edad de oro en la Tierra y sólo se pretende crear modus vivendi que posibiliten relaciones sociales justas, modos de vida más densos, combinaciones de existencia múltiples y fecundas. Y el arte ya no busca representar utopías, sino construir espacios concretos.”*

Metodología

Es simple en sus formas, el comando es de expresión libre y está determinada por las influencias del contexto sobre los participantes. Los autores facilitan los materiales y el estímulo para que los participantes se atrevan a pintar (muchas veces se encuentra reticencia en algunos participantes resultados de prejuicios acerca del concepto de lo que significa saber pintar/dibujar). El soporte es papel tabaco** de grandes dimensiones que recubren el entorno arquitectónico. El desarrollo de la obra se extiende por varias sesiones con diferentes actores. Dependiendo del caso, la actividad termina con la saturación del área del papel y la superposición de varias capas traslucidas de pintura. El tiempo está determinado por los artistas y la convivencia entre la obra y los autores. No existe una direccionalidad definida en la forma. El comando artístico es simple y los resultados indeterminados. Al final se registran los nombres de las personas involucradas en la creación durante el proceso.

*Estética relacional, Nicolas Bourriaud, pag. 54-55

**Material de uso comercial que se haya con ese nombre en la zona del mercado central de Lima. Es vendido por metros y tiene un ancho de 1.60 m aproximadamente.

Carloz, Lima, octubre 2023.

#2023 #social #inti #drawing #contemporary drawing #contemporary art #art

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marielasuarez2 · 11 months

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Edificio de Ciencias de la Universidad de Columbia, en Nueva York- Rafael Moneo

Teoría Crítica: Reflexión #11

Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia, en Nueva York

El Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia en Nueva York, diseñado por el renombrado arquitecto Rafael Moneo Vallés en colaboración con Belén Moneo y Jeffrey Brock, es una obra maestra de la arquitectura contemporánea que refleja el enfoque distintivo de Moneo en el diseño arquitectónico. Este edificio, completado en 2011, se destaca por su elegante simplicidad y su adaptación cuidadosa al contexto de su ubicación.

La simplicidad elegante es otro aspecto característico del estilo de Moneo, y se puede apreciar claramente en el Edificio de Ciencias. La forma del edificio es limpia y pura, sin ornamentos innecesarios. Moneo enfatiza la geometría y la proporción, creando una estética atemporal que trasciende las modas arquitectónicas efímeras. Esta apuesta por la simplicidad permite que la estructura se destaque por sí misma y resalte la belleza de su diseño. Moneo presta una atención especial a los detalles y las proporciones en sus diseños. Los elementos arquitectónicos están cuidadosamente concebidos para crear una armonía visual y una sensación de equilibrio. Los volúmenes, las ventanas y los materiales se combinan de manera cuidadosa y precisa, creando una estética arquitectónica coherente y atractiva.

Una de las características destacadas de la arquitectura de Moneo es su habilidad para crear edificios que se integran armoniosamente en su entorno. En el caso del Edificio de Ciencias, Moneo ha logrado diseñar una estructura que se adapta a la perfección al paisaje urbano y al contexto histórico de la Universidad de Columbia. El uso de materiales y formas que resuenan con la arquitectura existente en el campus crea una sensación de continuidad y cohesión arquitectónica. Otro aspecto distintivo de la arquitectura de Moneo es su enfoque en la funcionalidad y la experiencia del usuario. El Edificio de Ciencias está diseñado pensando en las necesidades de los estudiantes y profesores, proporcionando espacios luminosos, abiertos y flexibles que fomentan la colaboración y la interacción. La disposición interior se ha cuidado meticulosamente para crear un ambiente propicio para el aprendizaje y la investigación, al tiempo que se promueve una sensación de comunidad y pertenencia.

En resumen, el Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia es un ejemplo sobresaliente de la arquitectura de Rafael Moneo Vallés, Belén Moneo y Jeffrey Brock. Su diseño arquitectónico se destaca por su integración contextual, su simplicidad elegante, su funcionalidad y su atención meticulosa a los detalles. El edificio es una muestra del talento y la visión de Moneo y su equipo, y representa una contribución significativa al paisaje arquitectónico de la Universidad de Columbia y de la ciudad de Nueva York.

Referencia:

García-Setién, Diego. “Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia en Nueva York Rafael Moneo Vallés con Belén Moneo y Jeffrey Brock”. Tectónica. https://static1.squarespace.com/static/522d0844e4b09d456b0a2ea6/t/643fcd1f48af5c2085cad1a1/1681902903907/Edificio+de+Ciencias+en+la+Universidad+de+Columbia+en+Nueva+York.pdf

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htca2 · 1 year

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CASA VANNA VENTURI

OBRA: CASA VANNA VENTURI

ARQUITECTO: ROBERT VENTURI

LOCALIZACIÓN: PHILADELPHIA, PENSILVANIA, ESTADOS UNIDOS

CRONOLOGÍA:

INICIO DE PROYECTO: 1962

FIN DE LA CONSTRUCCIÓN: 1964

Biografía del Arquitecto:

Robert Venturi nació en Philadelphia en 1925. Fue un Arquitecto y profesor estadounidense, y uno de los arquitectos teóricos mas influyentes del siglo XX.

Estudió arquitectura en la Universidad de Princeton en New Jersey donde se licenció en 1947 y posteriormente a ello, pasó tres años como becario en la Academia Americana situada en Roma. Tras ello recibió un MFA de Princeton en el año 1950.

En el año 1958 trabajó en el estudio de los arquitectos Eero Saarinen y Louis Kahn

En el año 1964 fundó su propio estudio junto al arquitecto John Rauch. El fue uno de los impulsores del postmodernismo a principio de la década de los años 70.

Muchas de sus obras están hechas a partes iguales junto a Scott Brown. Además a dicha pareja se le atribuyó la frase “Less is Bore” como grito de guerra en contra de la arquitectura moderna.

Gracias a su carácter visinario, en el año 1991 recibió el Premio Pritzker gracias a su carácter innovador.

Descripción de la obra:

La casa Vanna Venturi es probablemente la primera obra importante que refleja la innovación de dicho arquitecto con la arquitectura postmoderna.

Situada en el barrio de Chestnut Hill, Philadelphia. Fue diseñada junto a su madre en un terreno situado junto al de su antiguo jefe y mentor Louis Kahn.

Esta obra materializa sus teorías de complejidad y contradicción usando recursos enteramente posmodernos.

La casa tiene una apariencia exterior muy sencilla y simétrica, pero sin embargo, sus espacios son muy complejos tanto en su forma como en sus relaciones.

El acceso a la casa es bastante difícil de identificar ya que en el porche por ell cual se accede no se identifica la puerta de entrada, ya que tras el porche existe una pared lisa, pero sin embargo el acceso al interior se encuentra por los laterales del porche.

Exteriormente podemos observar que las fachadas, tanta la delantera como la trasera, son mas pantallas que muros, aunque ambas tienen la misma función. Ambas acentúan la sensación de espacio cerrado, pero sin embargo transmiten un espacio de abertura. El muro lateral totalmente acristalado de la sala de estar está retrasado y configura un porche protegido por la fachada trasera; este recurso se repite, en versión más reducida, en los dormitorios del otro lado de la casa. La habitación del piso de arriba, iluminada por un luneto central, queda retrasada respecto al muro trasero y forma un balcón largo y estrecho. Una vez más, se pretende presentar el muro como una pantalla. "Estratificado" fue el término que empleó Venturi para describir este tratamiento de superficies y espacios, acuñando así uno de los clichés arquitectónicos del siglo.

Además, el propio Robert acentúa:

“La casa de mi madre fue diseñada cuando ella ya era una viuda anciana, con su dormitorio en la planta baja, sin garaje porque ella no conducía, y con habitaciones para una sirvienta y la posibilidad de tener una enfermera -además de ser también adecuada para sus bellos muebles con los que yo me había criado. Por lo demás, ella no realizó otras demandas al arquitecto, su hijo, relacionadas con el programa o su estética -ella era maravillosamente confiada”

Bibliografia:

hyperbole- Consultado el 22/12/2022

URL:https://hyperbole.es/2017/11/casa-vanna-venturi-chestnut-hill-philadelphia-1962-1964/

Urbipedia- Consultado el 21/12/2022

URL: https://www.urbipedia.org/hoja/Casa_Vanna_Venturi

Wikiarquitectura- Consultado el 21/12/2022

URL: https://es.wikiarquitectura.com/edificio/casa-vanna-venturi/

BuscaBiografías- Consultado el 22/12/2022

URL:https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3524/Robert%20Venturi

Urbipedia- Consultado el 21/12/2022

URL: https://www.urbipedia.org/hoja/Robert_Venturi

#S12 #ROBERT VENTURI #JVS

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kallitkalma · 1 year

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Se puede inscribir el cortometraje dentro del cine de autor debido a que posee características fundamentales del mismo. Se puede empezar por describir que es la mirada del autor, es decir el director, la que marca la línea del relato, es aquí de donde se desprende la mirada como visión orientadora. Este delimita bien los personajes principales para la narración y el hilo conductor de su historia.

Todo esto también con un fuerte sentido de una estética particular. Podría estar también encajando en estos aspectos de elecciones estéticas y significantes dentro de la teoría de Metz. Pero se termina de inscribir el corto dentro de la teoría del cine de autor cuando comprendemos que es la mirada estrictamente de los directores la que vemos y llega al espectador dado que no son solo directores (José Esteban Alenda, César Esteban Alenda) Si no también son los guionistas y productores. Esto último es clave.

A la segunda ola o también conocido como feminismo radical, que es pensamiento revolucionario levantado por las mujeres (seguido también por algunos hombres ya en ese entonces), en la década de los años 60, se le corresponde el mérito de haber revolucionado la teoría política al analizar las relaciones de poder que estructuran la familia y la sexualidad. Esta revolución partía de la necesidad de conocer la raíz de la desigualdad. Lo marcaron en un eslogan: lo personal es político. Consideraban que todos los varones y no sólo la parte élite, recibían beneficios económicos, sexuales y psicológicos del sistema patriarcal, pero en general acentuaban la dimensión psicológica de la opresión.

Más tarde en su manifiesto dirán: Pensamos que el fin de la dominación masculina es obtener satisfacción psicológica para su ego, y que sólo secundariamente esto se manifiesta en las relaciones económicas.

Desde esta perspectiva se puede vincular la mirada que exponen los autores en su obra, como hecho de visualización y protesta ante la desigualdad, en las marcas gráficas, y la semántica de los planos. En todo el principio del film muestra como el hombre está por encima de la mujer dentro de una esfera familiar, esto como un solo ejemplo de los muchos rasgos de significación que están presentes a lo largo de todo el cortometraje.

La obra entera sostiene un discurso de protesta en su totalidad y creo que lo que más vincula a esta con el feminismo de los ’60 tiene como palabra clave: Revolución. Ya que el texto fílmico puede adaptarse a casi todas las ideas feministas que fueron surgiendo a través de los años, exceptuando a la actual. Ya que la obra tiene rasgos de “Excusación al personaje que sería el hombre opresor”[1].

Si bien hay puntos de la mirada de Bazin que aplican en gran medida y que no hay que dejar de ver en este texto, creo que una de las características estéticas principales del texto de los Alenda se ve muy favorecido con la idea de ilusión. En cuanto a su mayor rasgo estético presente en el film, ya que coincidiendo con Hitchcock se produce un acrecentamiento del interés en las secuencias por la manipulación del tempo de estas, con el recurso de aceleración, tanto a nivel estético si no también, en este caso la importancia en lo narrativo. En “el orden de las cosas” es imperante ver el paso del tiempo y el manejo que se hace del mismo alude al concepto de ilusión de una manera limpia y estéticamente impecable. Y aunque se puede definir que el concepto de ilusión favorece a la obra, no se descartan algunos criterios de Bazin como el hecho de que un solo plano narra infinidad de diversas cosas. Esto es real y también está presente.

Se puede decir que en la generación actual ya no es necesario que el plano tenga una duración muy prolongada en el tiempo virtual cinematográfico, para que el espectador pueda hacerse de todos los signos y significantes dentro de un solo plano, tenga o no, este movimiento o sea un plano fijo. La globalización y el consumo de piezas audiovisuales permanentes hacen que la lectura narrativa de cada plano sea más rápida. El espectador es más receptivo a los índices y simbologías presentes del cine, claro que dependerá de diversas variables del espectador como, edad, cultura, etc., que ayudaran o desfavorecerán a la interpretación.

Por otra parte desde el psicoanálisis el Yo es entendido como la parte consciente de la mente, que debe satisfacer los impulsos instintivos e inconscientes del Ello, teniendo en cuenta las exigencias del mundo externo y de la propia conciencia -el Superyó, constituido por normas sociales interiorizadas.

El Yo o la identidad sería, por tanto, una instancia intermedia entre la biología de un individuo y el mundo que lo rodea. Según Freud sus funciones incluyen la percepción, el manejo de información, el razonamiento y el control de los mecanismos de defensa.

En esta breve descripción de lo que se conoce como el Yo ya se pueden ver reflejadas muchas de las ideas que Wollen plantea en su texto de la velocidad en el cine cuando se acerca las ideas de Balint en el capítulo de su libro “Parque de atracciones y emociones”.

Uniendo el concepto con las teorías de los autores, se puede decir que en todo film, el espectador va a experimentar diferentes vivencias que quizás en la vida real carece y tiene solo en el momento en que se pone en la piel del personaje. El espectador a partir de la necesidad de satisfacer sus impulsos naturales, estructurados por el superyó o la sociedad, elegirá que películas consumir a su gusto. Pero aunque se tenga la posibilidad de elegir, este siempre se verá guiado por una mirada anterior subjetiva que es la del director de la película.

Es así como la cultura va entrando en los ideales de las personas, cuando se ve un film; no se está todo el tiempo pensando en quien maneja los hilos de esa narración, y así hay alguien detrás que dice que vamos a ver, literalmente hablando. Cuál va a ser nuestro punto de vista desde lo estético y en lo narrativo ante una situación. La mirada es objetivada porque lo que vemos a su vez trae las huellas de alguien más. Con su punto de vista, con su postura, su política, su cultura, etc.

III

Como ya se tiene en cuenta el cine en todas sus presentaciones es un medio expresivo y comunicativo, donde convergen diferentes tipos de lenguajes como son los narrativos, sonoros, simbólicos, etc. Es por eso que para el análisis en base a los conceptos planteados, primero es importante aclarar que cada uno de estos, son irrevocablemente fichas de un análisis subjetivo ya se haga foco de estos conceptos sobre los personajes y su discurso, el espectador y su interpelación (aunque todavía no se haya visto el tema, uno subjetivamente hablando, no deja de ser un espectador) o incluso también desde la parte del realizador en cualquiera de sus roles como enunciador de un mensaje.

Desde el aspecto de la percepción e Intelecto con respecto a los personajes se tienen diferentes visiones bastante marcadas. Desde el lado masculino principal y secundarios (exceptuando al hijo), esto que se menciona antes de como el hombre hereda su rol de hacer lo que corresponde, en este caso, hacer uso del cinto, “aunque no se quiera”, “aunque se vea obligado a hacerlo” Por otra parte también es muy visible el punto fundamental de la teoría feminista de la década de los ’60 cuando hacen mención del ego masculino. Desde los personajes de mujer, acá ya hay dos rasgos de percepciones e intelecto; por un lado el carácter de ceder de las mujeres cansadas ya entregadas a un mundo que normaliza la violencia “sino, después es peor”, la mirada de rechazo de una mujer a la otra por no dejarse golpear. Y por otro el personaje principal femenino que está todavía en una lucha y oposición sobre el orden de las cosas. El hijo, primero niño sin entender bien la situación, pero con una percepción que quizás aunque no lo pueda poner en palabras hasta más tarde sabe que algo está mal. Con el paso del tiempo el hijo ya mayor, se lo muestra queriendo terminar con eso, pidiéndole a la madre que se vayan. El hombre dice que así debe ser, la mujer está estancada en la bañera no avanza ni retrocede hasta el final, y el niño observa, ninguno de los personajes hacen otra cosa en la mayor parte del texto porque es la percepción que tienen de la realidad. Ignoran, desde su intelecto, quizás con miedo, otro orden de las cosas.

Como espectador y como realizador se tiene cuenta de qué es lo correcto y qué no. Como espectadora es desagradable, incómodo y triste. Una de las razones más grandes por las que el cine es consumido en masa, fenómeno estudiado desde el psicoanálisis, es por la posibilidad de ponerse en la piel de los personajes con los que el espectador se siente identificado. Como realizador es importante tener en cuenta el percepto en una visión del acabado, para poder manejar uno a uno todos los símbolos dentro de cada uno de sus códigos cinematográficos, como también entender las diferentes culturas a las que envía su mensaje. Entender como la percepción varía en las distintas sociedades, para que acabada su obra el mensaje que sobreviva es el que quiso dar el realizador y no pase por alto.

Por otra parte, si bien están fuertemente ligados a los anteriores, pareció propio separar los otros dos conceptos restantes, que son conocimiento y alienación.

Estos en cuanto al rol de los personajes siguen representando en estas instancias lo mismo que antes, un fuerte grado de alienación de la mujer pasiva que prefiere estirar la situación y recibir los golpes, una mujer que no envejece ni sale de la bañera esperando limpiarse y que algún día dejen de pegarle. Un agresor que en su primer momento de duda termina por escuchar a otros agresores.

Conocimiento porque justamente es así “el orden de las cosas” y no podrían reaccionar de otra forma estos personajes. Por otro lado está el hijo, quien ve a la libertad romperse y su padre termina por quebrar delante sus ojos. Con el paso del tiempo es el joven quien quiere conocer otra forma, esto es en vano a la resistencia que provocan el conocimiento y alienación de los personajes de los padres.

En esta parte aprovecho a mechar los otros dos puntos de vista que son espectador y realizador, (y tengo que pasar a la redacción en primera persona). Ya no nos es noticia ver un corto, medio o largometraje con esta temática. Que mostrar, visibilizar, sea la forma de protesta y está muy bien. Está bien consumirlo como espectador y producirlo como realizador para así hacernos de la información, de los conceptos de donde se viene. Pero hay también un compromiso que se asume al tocar y tratar el tema. El cine se alianza con la sociología, historiografía y psicología al poner en cierto punto al agresor hasta como una víctima más. Víctima de una herencia, de una presión social, de algo ante lo que no tiene elección. Si bien esto es cierto, hasta cierto punto. Hay que dejar de justificar y excusar la violencia. Que el violador de 40 años, fue violado en su niñez. Que el padre golpeador, tuvo un padre aún más duro que él. Pero ¿qué pasa cuando se ven las estadísticas de las mujeres violadas y golpeadas? ¿Estas en su futuro repiten el crimen? Se ha demostrado que lo que pasa con esas mujeres es que suelen terminar en drogas, depresión, suicidio y una tasa muy baja suele seguir con su vida normalmente y una tasa más baja aún que esta última, se convierten en mujeres agresivas. Si bien el cine funciona como imitador (de ahí los estereotipos para los personajes, que tanto nos facilitan las cosas a la hora de desarrollar una historia), el cine también es un potencial CREADOR de modelos sociales Entonces, ¿cuál es el mensaje que se está dando y que se está recibiendo en cuanto al personaje del hombre? El film parece dejar todo en manos, como responsabilidad a la mujer. Que ella tiene que liberarse, ¡Muy bien!... Tiene que liberarse de un mal del que nunca tendría que haber sido parte. Entonces ¿cuál es el mensaje? Que si sos un hombre con enojo, lo saques porque otro te va a apoyar, no es tu culpa porque solamente lo heredaste porque el mundo es así… Creo que es tiempo de ver nuevos personajes, alrededor de estos personajes agresivos, es hora de que el cine le de herramientas a estos hombres y a las personas que los rodean de cambiar y tratarse, de reconocerse como persona independiente y ya no como un niño turbado sin poder de elección.

Como espectadora mi conocimiento y sentido de alienación (Argentina 2020), me hace preguntar, ¿qué paso después? Si el verdadero problema no se resolvió. Como realizadora me alienta a escribir series donde además de dar cuenta del problema se presenten algunas alternativas, donde haya nuevos personajes que recién en estos últimos años están naciendo, personajes que presenten un nuevo orden de las cosas.

Hay un fuerte uso de los signos y su simbolización en el film. Se puede decir que el principal es el cinto que representa la masculinidad, la violencia, el papel correcto de un hombre heredado, dolor y opresión. Es el único elemento que se ve en las tres variables semiológicas representado, escuchamos la palabra, su icono, se ve representado y dependiendo el conocimiento subjetivo de quien lo mire se pueden entender más o menos pero se entiende su símbolo y su discurso metafórico.

Por otro lado el agua, existen constantes referencias al agua como metáfora de la pureza y de la auténtica sabiduría: “Como el agua pura que vertida en agua pura permanece inalterable, así es el yo de un pensador iluminado”

Este dicho de una de las culturas espirituales más grandes como es la hindú/budista quienes son un hito de la simbología puede decirse que cabe perfecto en lo que pasa con el personaje de Julia, ella se mantiene aunque lastimada, pura dentro del agua. Desde su agua hacia el agua pura, consigue finalmente librarse, luego de su colapso termina iluminada, más sabia y desde allí hacia su libertad.

En la cultura judeocristiana d.C. el agua es interpretada como la mayoría la conocemos para representar la purificación, la creación, la destrucción, la regeneración e incluso el amor.

Desde esta perspectiva se pueden optar diferentes pragmatismos. En el texto fílmico vemos como el agua sube y baja, hasta al final desbordarse y colapsar. El agua la representa a ella misma pero también cuando entra en juego con algunos códigos cinematográficos como el sonido o montaje (en el siguiente punto se desarrolla) se puede interpretar al agua como la paciencia o resistencia del personaje.

La alianza por su parte evoca a la unión, unión inquebrantable, que ella se la quite muestra un desacuerdo con esa unión, una pérdida del “amor” o desacuerdo con el compromiso. Las gestualidades que acompañan el ver la alianza en el bode de la bañera desatan en los personajes otras significaciones como una provocación o una rebelión al orden de las cosas.

Después también está el avión de juguete, el avión se puede vincular con libertad, con escaparse, con tomar el control o en el contexto con la esperanza. El que es poseedor del juguete es el nene al que al entrar en la atmosfera que viven sus padres en un descuido el avión se cae y se rompe, más impactante aun, él se ve obligado a romperlo. Cuando lo toma el padre termina de quebrarlo. Y vemos en la ruptura de este juguete la antítesis de todas las representaciones antes mencionadas. Ya no solo con el vínculo de la pareja que es la trama principal si no también un quiebre en la relación padre e hijo.

La puerta siempre abierta como símbolo de falta de poder, de intimidad, de una vigilia constante. Quién decide que se quede siempre abierta y quién decide cerrarla, cuándo y para qué.

La copa de vino que es arrojada al piso, esperando que la mujer sumisa la junte la limpie da cuenta del status quo de la cosmovisión que se maneja en la diegesis del relato. El hombre por sobre la mujer, una mujer sumisa y también remarca como ejemplo para el personaje principal, como son y deben ser las cosas.

El lenguaje, tanto en la entonación tranquila distante, segura de que tiene el poder por parte del personaje principal masculino. La alteración de estas voces que suben el tono cuando pierden un poco el control. La elección de las palabras utilizadas. “mira lo que me haces hacer” “va a ser mejor si no lo complicas” “el cinturón era de papá y va a ser tuyo”, etc. La ausencia de palabras articuladas en el personaje de julia y las otras mujeres, la única que habla lo hace casi en un susurro.

La desnudez del personaje de Julia, También en vinculación con la cultura judeocristiana en el mito de Adán y Eva cuando son expulsados del paraíso y reconocen sus diferencias al estar desnudos sienten vergüenza. Eso por una parte, la vergüenza y humillación. Pero modernamente el desnudo se lo toma como algo erótico, sensual, provocativo que también puede representar quien cambiará las cosas.

Por último la apariencia de Julia siempre joven, si bien la juventud representa vitalidad, fuerza que es lo que evocará al final. También en el contexto anterior a que ella sea libre se lo puede interpretar como la vida de ella queda estancada en cierta etapa.

Creo que estos son los signos principales a destacar en el corto entre muchos otros como la ropa que se utiliza, los elementos que van apareciendo, etc.

Los códigos tienen 3 rasgos fundamentales de donde se puede partir a hacer un análisis: correspondencia, función de repertorio e Institucionalización y todos en sus cuatro variables están presentes en el film.

Se puede decir desde lo técnico que su soporte es digital, se desconocen especificaciones de las características de la cámara empleada para filmar como así también los equipos donde fue pos producido (hard y software).

La parte iconográfica queda en evidencia en todos los puntos anteriores donde ya se hace mención de las variables iconográficas en el texto fílmico.

En cuanto al código fotográfico se da cuenta de la planificación esto es la delimitación del espacio del cuadro, en el corto el raccord de las miradas hacia el fuera de campo, como cuando llora el bebé o con la entrada y salida de los personajes, se va construyendo el espacio, se completa en la imaginación aun cuando no se ve ni se sabe que la casa es más grande, se consigue esa impresión. Esto sirve para hacer hincapié sobre la movilidad que le es prohibida o limitada al personaje de Julia, siempre en la bañera. La mayoría de los planos son cerrados, planos detalle, primeros planos y planos medios cortos. Hay, en menos cantidad planos americanos y en menos cantidad plano general.

Un ejemplo de un plano americano, ambos estando sentados el sigue quedando arriba de ella en la composición del plano marcando poder sobre ella.

Desde la angulación y altura de cámara se marcan las jerarquías de poder. Las subjetivas de ellas son de cámara baja y contrapicadas mientras que las del esposo son normal picadas. Y normal baja para subjetivas de ella cuando el hijo todavía es menor.

La iluminación es plana con luz difusa y de una temperatura fría (5600).

Al igual que la paleta de los colores seleccionados en todo el corto, son todos colores fríos o neutros como son el blanco y negro. Los únicos dos elementos con colores cálidos son la remera del hijo cuando es menor que tiene una franja naranja y su juguete, el avión. Sabemos que las gamas de los azules que son los que imperan en el film, según la psicología del color, representan las emociones de tristeza, calma, quietud. Mientras que la gama de los rojos, o naranja evocan a sentimientos de amor, pasión, violencia. El único que porta los colores es el niño antes de ver los moretones de la madre, sirve para representar la dulzura y quizás el avión al crecer, la esperanza y la fuerza para pedirle a su madre que se vaya con él. Violencia al ver cuando el padre termina de quebrar el avión roto.

Por la parte de los códigos sonoros tenemos sonido diegético y extradiegetico. En el diegético colocamos todos los que son parte de la historia y los que los personajes perciben. En lo extradiegeticos se colocan la música indicial y los efectos de sonido, como por ejemplo en este cortometraje el sonido marca el tiempo, el cronométrico o físico y psicológico vivencial. Un ejemplo de esto es además, cómo se abre y acrecienta la música instrumental en conjunto con el montaje. Como también lo es el ruido de las gotas del agua y el ritmo al que caen para contar una elipsis temporal.

Por otra parte el efecto de reverberación cuando ella está bajo el agua puede transmitir el anhelo de abstracción del personaje de Julia.

Hay voces in y off. De hecho el primer dialogo lo oímos sobre un plano detalle. Esta tan descontextualizado que la frase “cariño ¿has visto mi cinto?” Nos remite a algo cotidiano o hasta “dulce”.

Luego hay otros tratamientos de la imagen como son la cámara dentro del agua, para marcar una mirada decodificada, atravesada por algo, lejana. Y La cámara acelerada también como recurso para narrar el paso del tiempo al ver cómo cambia de altura el agua dentro de la bañera. O incluso al final para hacer un pasaje de espacio de la bañera al mar.

[1] Excusa al opresor al presentar un guiño de violencia heredada, es decir en cierta parte del relato, se “romantiza” al victimizar al opresor por ser víctima de una herencia cultural y social. Hoy en día el feminismo se interroga hasta qué punto se sostiene desde otros campos de estudio esto. (se desarrolla más en el punto 3)

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