#estampa cotidiana

[albertotal]

De isla a isla

#estampa quotidiana #estampa cotidiana #estampa estiuenca #2 del 9 #fuerteventura

[elvendedordetierra]

Krishnamurti

Krishnamurti, de Carina Sedevich, está escrito entre la primera primavera y el segundo otoño de la pandemia, atravesado por la lectura de textos de Jiddu Krishnamurti y caminatas cotidianas a la orilla del río. La magistral poética de su autora, Carina Sedevich, logra que cada lector haga de Krishnamurti su propio mundo, un lugar que abriga en su dimensión espiritual.

Se presentó por primera vez en la Feria de Editores de 2022. Características de la encuadernación: 21 x 14 cm., papel bookcel ahuesado de 80 gramos, en cuadernillos plegados y cosidos a mano, tapas cartón gris de 2 mm. enteladas, papeles de guardas coloreadas a la masa, sellos en interior, estampa en cubierta, tirada de 50 ejemplares.

#CarinaSedevich #krishnamurti #poesía

[ciudaddopada]

Otoño secreto

Cuando las amadas palabras cotidianas pierden su sentido y no se puede nombrar ni el pan, ni el agua, ni la ventana, y la tristeza ha sido un anillo perdido bajo nieve, y el recuerdo una falsa esperanza de mendigo, y ha sido falso todo diálogo que no sea con nuestra desolada imagen, aún se miran las destrozadas estampas en el libro del hermano menor, es bueno saludar los platos y el mantel puestos sobre la mesa, y ver que en el viejo armario conservan su alegría el licor de guindas que preparó la abuela y las manzanas puestas a guardar.

Cuando la forma de los árboles ya no es sino el leve recuerdo de su forma, una mentira inventada por la turbia memoria del otoño, y los días tienen la confusión del desván a donde nadie sube y la cruel blancura de la eternidad hace que la luz huya de sí misma, algo nos recuerda la verdad que amamos antes de conocer: las ramas se quiebran levemente, el palomar se llena de aleteos, el granero sueña otra vez con el sol, encendemos para la fiesta los pálidos candelabros del salón polvoriento y el silencio nos revela el secreto que no queríamos escuchar.

De Para ángeles y gorriones, 1956

Jorge Teillier.

#JorgeTeillier

[viajeenmoto]

Marcelo Hidalgo Sola : de motos y antiguos aljibes porteños

Hoy visitaremos un aljibe de la época de la colonia que está ubicado en pleno centro de la ciudad. Un pequeño tesoro de la vida cotidiana de la antigua Buenos Aires que nos remonta al pasado y nos cuenta sus secretos.

Buenos Aires es siempre una fuente que emana tesoros escondidos. Sólo el ojo atento podrá descubrir en el transitar cotidiano de la ciudad, algunas piezas únicas, de museo que a plena luz del día comparten el espacio con edificios modernos de arquitectura desafiante. Por ello, una vez más nos subimos a la moto para llegar hasta un rincón de Buenos Aires que guarda el recuerdo de tiempos pasados como ningún otro. La época colonial sigue presente hoy, allí donde quedaron restos de sus construcciones típicas y desde estos mojones del pasado, viene a contarnos su historia.

Por ejemplo, este es el caso que nos convoca hoy al visitar un viejo aljibe, el único que sigue en pie en las calles de la ciudad. Está ubicado en el barrio de Recoleta, en la esquina de las calles Guido y Uruguay. Una verdadera rareza si uno analiza su estar a la intemperie,mudo y silencioso, emplazado con todo su ornamento de época: la base de mármol, los diseños barrocos en los hierros del soporte de un antiguo cántaro que se hundía para extraer el agua los arroyos subterráneos.

Sin dudas una verdadera joya que nos habla de la antigua vida cotidiana de Buenos Aires , que sacude el calendario y nos lleva de un tirón al corazón del siglo XVIII.Ciertamente, muy pocos aljibes sobrevivieron a su época de esplendor. Quedan en pie muy pocos, todos bajo resguardo , al interior de las antiguas construcciones urbanas a las cuales prestaban su función. Tan sólo este ejemplar -explica Marcelo Hidalgo Sola- hoy de esquina, desafía las inclemencias del tiempo y luce su tranquila fisonomía en plena calle, a la vista de quien desee detener la mirada unos momentos en su fina estampa.

Joyas de la antigua Buenos Aires a la vuelta de la esquina

En realidad, este viejo aljibe guarda un secreto: es una réplica del original que estaba en la misma esquina y fuera retirado para su resguardo . La réplica conserva la memoria del lugar exacto en donde estaba el pozo de agua de una casona antigua, cuando Recoleta era todavía una zona de chacras y quintas. Un lugar que gozaba de la paz y el remanso del silencio lejos del bullicio de la incipiente Buenos Aires. Pasó el tiempo, los lotes se dividieron, cambió la fisonomía del barrio, se sucedieron las generaciones de porteños y el aljibe se mantuvo ahí, ya como testimonio de una época luego de que fueran prohibidos, en 1880, con la llegada del servicio de agua por red.

Si bien muchas de las personas que pasan por esta equina siquiera se percatan de su señorial presencia, fueron los vecinos de la cuadra, más precisamente los del edificio que tiene entrada por Uruguay 1391, los que impulsaron de una protesta para que se devolviera a el aljibe a su lugar luego de que fuera levantado por la municipalidad. El original no volvió a su esquina de siempre, pero las autoridades hicieron una réplica para que los vecinos y el barrio pudieran seguir orgullosos de su tesoro de los tiempos de la colonia.

Es que, ciertamente , a los vecinos les pareció más simbólico como pieza viva de la historia, que el aljibe estuviera en una esquina a que terminara arrumbado y olvidado en alguna dependencia pública. Afortunadamente, los vecinos quedaron encantados con la puesta en valor del patrimonio cultural, con una réplica del aljibe y con el hecho de que las autoridades porteñas mudaran al patio de la Sociedad Argentina de Escritores el original para su mejor conservación.

Más alijbes ocultos, más tesoros por descubrir en Buenos Aires

También, hay otros aljibes coloniales , hoy famosos, que guarda la ciudad de Buenos Aires en varios puntos de su geografía. Estos tienen el crédito de ser “originales” y de estar aún en pie , gracias a la suerte del destino que los ubicó en edificios ilustres que no han sido modificados por la voracidad edilicia del progreso urbano. Como reliquia y testimonio de tiempos pasados, varios de ellos se encuentran en espacios que funcionan como museos (hay un ejemplar en el Museo Fernández Blanco, otro en el Museo Histórico Nacional, también se exhibe uno en el patio interno de la Casa Rosada). La Santa Casa de Ejercicios Espirituales tiene también uno en sus jardines. Este un modelo con diseño muy austero, funcional y escueto ,sin rimbombancias , hecho para pasar desapercibido. Aunque desangelado de todo, sin gracia para el ojo, es un tesoro que se alza desde que Buenos Aires era puro barro y charco.

Luego, también el patio del Cabildo conserva su aljibe intacto y en Recoleta sobreviven dos más: uno en el Centro Cultural y el otro en un rincón del patio trasero de la iglesia del Pilar.

Por ello, quien quiera diseñar su propia búsqueda del tesoro colonial, bien puede hacer esta interesante recorrida por la ciudad tras las huellas de los aljibes ilustres, ,mojones de la historia que hoy se prestan a develarnos la historia de la vida cotidiana de los antiguos habitantes de Buenos Aires. Un paseo diferente, lleno de curiosidades y de historia.

Originally published at on https://viajeenmoto.com.ar  May 17, 2023.

#aljibe colonial #Buenos Aires #historia de la ciudad

[zonaescena]

​Homenaje a la litografía, muestra donde el Taller Gráfica Espiral rinde tributo a esta técnica convertida en arte

** Será inaugurada el jueves 25 de mayo, a las 19:00 horas, en el Centro de Arte Bernardo Quintana, en el Centro Histórico de Querétaro

La Universidad Autónoma de Querétaro, la Secretaría de Extensión y Cultura Universitaria y el Centro de Arte Bernardo Quintana (CABQA) organizan la exposición Homenaje a la litografía, muestra donde el Taller Gráfica Espiral rinde tributo a esta técnica convertida en arte, ya que pronto cumplirá 200 años de haberse establecido en México.

Homenaje a la litografía será inaugurada el jueves 25 de mayo, a las 19:00 horas, en el Centro de Arte Bernardo Quintana, ubicado en Río de la Loza Núm. 23, esquina 16 de Septiembre, Centro Histórico de Querétaro.

La muestra reúne trabajos de los fundadores del Taller Gráfica Espiral: Raúl Cabello Sánchez y Ana María Iturbe, y sus integrantes Constantino Cabello Iturbe (†), Gauguin Cabello Iturbe y Abby Cabello Flores.

El maestro Raúl Cabello Sánchez (San Juan del Río, Querétaro, 1942) ha sido uno de los principales impulsores y promotores de la litografía en México. En 1974 fundó el Taller Gráfica Espiral, espacio fundamental para la difusión, enseñanza y desarrollo del arte litográfico en México.

Cabello Sánchez ha sido recientemente reconocido por la Tercera Bienal Internacional de Litografía en Belgrado, la cual se realizó de diciembre de 2022 a enero de 2023, donde recibió mención honorífica y expuso al lado de artistas de todo el mundo, en representación de nuestro país.

Raúl Cabello, fundador junto con Ana María Iturbe del Taller Gráfica Espiral –el cual celebrará en 2024 su aniversario número 50-, no solo ha hecho de la litografía su lenguaje de expresión, creando un cuerpo de obra de gran belleza, trascendencia y dominio técnico, sino que ha impulsado dentro de su práctica docente numerosos talleres para la experimentación gráfica en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), la Universidad Obrera, la Escuela de Diseño-INBAL, la Facultad de Artes y Diseño (FAD) y en diversas ciudades del interior del país.

 VIGENCIA Y RENOVACIÓN

La técnica litográfica como herramienta de impresión fue traída a México por el italiano Claudio Linati, quien fundó El Iris en 1826, primer periódico crítico-literario ilustrado con litografías.

Durante estos dos siglos ha aportado a las artes un riquísimo campo de exploración, creando aplicaciones y lenguajes. La litografía durante el siglo XIX estuvo presente en ediciones de costumbres y vida cotidiana, productos, periódicos políticos y causas sociales.

Como expresión artística ha sido utilizada por creadores nacionales y extranjeros, quienes legaron testimonios en imágenes impresas en hojas volantes y álbumes difundidos por todo el mundo.

Esencial fue, en 1937, la fundación del Taller de Gráfica Popular por Leopoldo Méndez y Pablo O,Higgins, quienes realizaron carteles y estampas que plasmaron luchas sociales. En los años sesenta, Adolfo Mexiac y Luis García Robledo, maestros en la Academia de San Carlos, adquirieron prensas y piedras litográficas desechadas por la industria; con ello dio inicio la enseñanza de esta técnica en esa institución.

Raúl Cabello Sánchez pertenece a la generación 1967-70 de la Academia de San Carlos, durante su formación fue alumno de Adolfo Mexiac y se convirtió en ayudante de su taller. Durante más de 40 años ha sido titular de la materia de Litografía en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) y la Facultad de Artes y Diseño (FAD).

En 1980, Cabello Sánchez adquirió una prensa litográfica Charles Brand y piedras calizas alemanas y comenzó la producción de estampas litográficas de su obra personal. En el Taller Gráfica Espiral investiga y experimenta el uso de nuevas matrices, materiales y procesos litográficos que comparte en la enseñanza de esta técnica para producir imágenes múltiples.

Con más de 40 años de exploración litográfica en el Taller Gráfica Espiral nada se detiene, ahí se han realizado impresiones en todos los formatos, desde el pequeño hasta el de gran tamaño, sobre superficies y herramientas que no solo se circunscriben a la piedra y al lápiz litográfico. El Taller Gráfica Espiral ha abierto fronteras y lenguajes a decenas de artistas.

Esta exposición es un tributo a una técnica centenaria que llegó a México y cambió la forma de mirar la estampa y que continúa reinventándose como una expresión gráfica contemporánea.

#Litrografía #Litografía200Años #TallerGráficaEspiral #Arte #Piedra #Gráfica

[thedecolifepickycova]

Estilos de decoración en tendencia

El diseñar una casa busca resaltar, a través de la correcta elección de objetos, materiales, texturas y colores, la personalidad de quienes viven en ella. Y esas terminaciones en el armado de un hogar se realizan fusionando varios estilos para lograr que ese lugar se llene de la impronta y el carácter de quien la habita. Si bien llevan la marca personal de cada uno, estas decisiones se basan en tomar lo que más nos representa de los distintos estilos en el diseño y llevarlos a la realidad. Aquí detallaremos algunos de ellos:

Nórdico o Escandinavo: nace en los años 50 en países como Suecia, Dinamarca, Finlandia y Noruega donde los inviernos son muy largos y las horas de luz son escasas, por lo que este estilo busca llevar luminosidad y calidez a los ambientes. Espacios simples donde los muebles se concentran en su función y practicidad. Como dijimos que su objetivo es reflejar la luz los colores elegidos son claros tanto para paredes como para el tono de la madera en muebles. Se complementa también con tejidos de fibras naturales y con el verde de las plantas de interior, colgadas de un estante o en macetas en el piso. Sus modelos de sillas hoy en día son muy cotizados y se fusionan muy bien con otros estilos, como los diseños de las sillas wishbone o las tolix.

Industrial: su clave es dejar expuesta la arquitectura dejando a la vista vigas estructurales y cañerías, paredes de ladrillo y pisos y techos de hormigón. Tiene sus inicios en Nueva York, en la década del 50, cuando jóvenes artistas se mudaron a fábricas abandonadas, con espacios de buen tamaño, donde podían combinar su vida cotidiana con el trabajo. Se relaciona con las viviendas tipo loft con espacios integrados. Se utilizan muebles de hierro gastados u oxidados, de cuero, y también de madera idealmente clara, para aportar la calidez al ambiente. No hay presencia de colores estridentes ya que los colores son sobrios y neutros por estar la atención puesta en la estructura y sus materiales.

Minimalista: “Menos es más” es su frase de cabecera, ya que destaca la simpleza de los espacios al elegir solamente lo necesario. La ausencia de ambientes sobrecargados con pocos muebles y con accesorios precisos son los que definen esta tendencia. Con muebles de diseño simple y líneas rectas, su origen nos traslada a la década de los años 60 en Estados Unidos.

Art Deco: es un estilo que comenzó en París y cuyo apogeo se dio entre 1925 y 1935. Sus principales características son el uso de formas geométricas que podemos encontrar en empapelados y en las curvas y detalle de su mobiliario. Los colores negros y dorados son un must y se contrastan con colores llamativos y fuertes, como el rojo, el verde y el azul. Materiales ostentosos como el carey, espejos y telas brillantes completan este estilo.

Romántico: le da un aspecto elegante y sofisticado al ambiente con sus muebles de formas suaves y redondeadas. Los muebles suelen ser tapizados con colores pasteles o neutrales, con telas que simbolizan el lujo como el terciopelo o la seda, que también pueden verse en cortinas y almohadones. Para un look romántico no deben faltar también las flores en estampas o naturales, y detalles en metal, como el cobre.

Farmhouse: este estilo surge inspirado en las casas de campo de los agricultores americanos. En él, la madera tiene gran protagonismo ya que puede verse en muebles, paredes revestidas y techos. Sus muebles, grandes y resistentes, de madera envejecida o con alguna pátina, combinan con objetos vintage. Los colores utilizados en el Farmhouse son los colores claros y las telas con estampas a cuadros o rayas.

Étnico: es conocido por incorporar tradiciones y objetos de culturas de otros países como podría ser la africana o la asiática, entre otras. Elementos trabajados de manera artesanal, de mimbre y cestería, objetos de madera, máscaras tribales, todos conviven en el espacio haciendo de él un ambiente exótico. Sus telas con estampa con formas geométricas, tribales y colores llamativos se pueden ver por ejemplo en alfombras, almohadones y ropa de cama. También en tapices colgados en la pared.

Náutico: el objetivo de este estilo es generar ambientes que nos recuerden a la tranquilidad de encontrarnos en una playa, admirando el mar. Ideal para las casas de playa, los objetos como barcos y faroles en miniatura, textiles con motivos marineros, cuadros con dibujos o fotos de playa o veleros, y caracoles exhibidos son los detalles que traerán al mar y la arena dentro de nuestra casa y nos ofrecerán un espacio relajante. Los colores que mayormente se utilizan son el blanco y el azul, aunque puede también aparecer el rojo. Se debe tener cuidado de no llenar la casa de estos elementos porque puede resultar excesivo.

Wabi Sabi: de origen oriental, wabi-sabi se basa en la veneración de lo imperfecto, en lo natural, rescata todo aquello donde el paso del tiempo ha dejado huella. Podemos encontrar belleza en paredes con grietas o telas y objetos con rugosidades o pliegues naturales. Es el respeto por los materiales sin tratar, ya sean maderas, piedras o cerámicas. Los ambientes son sencillos, con pocas piezas bien seleccionadas. Las paredes sin adornos en su mayoría, en tonos neutros y atemporales.

Estos son algunos ejemplos de estilos en decoración, existen otros ya que la lista es larga, pero la intención es presentar los que se pueden reconocer más fácilmente por sus distintas características. Como dijimos al principio, lo importante es tomar lo que más nos gusta y representa de cada estilo y combinarlos, marcando nuestro propio sello. De esa manera lograremos transmitir la calidez y la sensación de pertenencia que toda persona desea para su casa.

Originally published at on https://thedecolife.com/ January 10, 2023.

#Estilos #Tendencias #Diseño De Interiores #Minimalista #Art Deco

[yoymialterego]

Cine al menguar la pandemia: Apollo 10 1/2: A Space Age Childhood

No creo exagerar al afirmar que la nueva animación de Richard Linklater "Apollo 10 1/2: A Space Age Childhood" guarda una singular fascinación desde muy diversos puntos de vista, pero en especial desde la perspectiva de la evocación, de la perdurabilidad de los recuerdos, de la perenne memoria viva, esa que nos imbuye la añoranza más honda, más trascendente, más penetrante.

Y es que Linklater, dentro de su escueto pero radiante formato animado basado en la técnica del viejo rotoscopio, realiza una pieza monumental que hace honor a la nostalgia, y traza con emotivo detalle el dibujo de toda una época.

Más allá de la fantástica historia sobre un estudiante de escuela primaria que es contratado por la NASA para llevar a cabo una misión ultra secreta, y que se convierte en el primer ser humano que visitó la Luna, la esencia autobiográfica del filme perfila sensaciones sugestivas y definitivamente adorables. Los contemporáneos de Linklater, aquellos que vieron en su tiempo a "Los Beverly ricos", "La ley del revólver", "La familia Munster", "Bonanza", "Hechizada", "Viaje a las estrellas", "El superagente 86", "Batman", "La isla de Gilligan", "Mi bella genio", "Los locos Addams", "El Show de Dick Van Dyke, "El avispón verde", "Misión imposible" -y toda la lista que el narrador en off nos ofrece en un determinado momento de la película- y que además se criaron con las series de suspenso frente a la pantalla del televisor, o en el cine de tres funciones, o en el autocinema, seguro encontrarán un aliento de emoción concentrada en este ensueño afable y lúcido que tiene además un estupendo trabajo en el diseño de producción.

En ese sentido, es muy bello el símil que Linklater intenta sobre el evento real del lanzamiento y alunizaje del Apollo 11 con el fantasioso Apollo 10 1/2, y más que nada con los eventos de la actualidad cotidiana de esos días de 1969, para convertirlos en una estampa mágica del final de los años sesenta, donde el director pondera alto a sus artistas y eventos favoritos (Janis Joplin o Joni Mitchell por mencionar dos ejemplos).

Desde luego que esos acontecimientos fantásticos sobre el niño pionero descritos en el guión de Linklater nunca sucedieron, pero de la misma manera puedo apostar a que los recuerdos que vierte el director en la historia tampoco transcurrieron tal como los cuenta, por más verosímiles que parezcan, sino que se trata de la selectiva memoria del autor, aquello que implica lo que deseamos recordar versus lo que decidimos eludir.

La mamá del chico lo apunta impecable en una de las escenas finales: "Ya sabes cómo funciona la memoria", le dice a su esposo mientras éste carga al joven Stanley hasta su cama, después de que se queda dormido en el sillón de la sala viendo en la TV el histórico alunizaje, "incluso si estaba dormido creerá que lo vio todo…".

Y sí, en efecto, lo que nos queda a todos es una especie de memoria fabricada, de recuerdos hechos a la medida, como apuntó en su momento Gabriel García Márquez en su auto-biografía, porque "la vida no es la que uno vivió, sino la que recuerda y cómo la recuerda para contarla". Richard Linklater lo ha hecho para su cinta "Apollo 10 1/2: A Space Age Childhood", y bien que la ha quedado, carajo…

#Apollo 10 1/2: A Space Age Childhood #Richard Linklater

[joseandrestabarnia]

Vasnetsov Apollinary (1856-1933)

VIEJO MOSCÚ. MEDVEDCHIKI

1911

Tamaño - 49x61

Material - cartulina

Técnica: acuarela, cal, carboncillo

Número de inventario - Р-3652

Dar I. N. Arzhannikova. 1984

Desde la década de 1890 hasta los últimos días de su vida, Apollinary Vasnetsov trabajó sobre el viejo Moscú, tema principal de su obra. Las pinturas le dieron fama no solo como pintor, sino también como historiador, arqueólogo e investigador de la vida popular. El artista completó un amplio ciclo de paisajes arquitectónicos en acuarela y pintura al óleo, dedicado al aspecto histórico de la ciudad. La belleza y la poesía de la antigua capital, los eventos asociados con ella, se han reflejado repetidamente en la pintura rusa. En los lienzos de V. Surikov, A. Ryabushkin, se asignó el papel principal a los grandes eventos históricos y las escenas cotidianas. Apollinary Vasnetsov se sintió más atraído por la arquitectura antigua y la vida misteriosa de la antigüedad. Entre las obras históricas del artista, se puede destacar una serie independiente en la que buscó reflejar el lejano mundo medieval con sus creencias, costumbres y creencias espirituales. El maestro vio el espíritu popular como "básicamente rebelde, combinando a menudo los elementos más contradictorios, que, sin embargo, son tenaces y se desarrollan". Representando la vida de las personas, el autor recurrió audazmente a la tradición de la hoja de pared pintada y las estampas populares.

En 1984, I. N. Arzhanikova donó a la Galería Tretyakov una de las mejores obras gráficas de Vasnetsov: “Old Moscow. Medvedchiki. La acuarela presenta un fenómeno interesante de la cultura rusa asociado con el culto pagano a la bestia. Los personajes principales, guías con un oso, Vasnetsov representados en una calle estrecha de la ciudad rodeada de edificios de madera. La trama se desarrolla en Skorodome, una fortaleza de Moscú que rodeó la ciudad en un anillo hasta mediados del siglo XVIII. Todo el espacio de una pequeña acuarela está cubierto con una ligera neblina plateada. Para dar el efecto de la antigüedad, Vasnetsov utiliza su técnica y coloración favorita: elabora el tono de color ocre con una línea áspera en carboncillo y un lápiz italiano. Los guías con música y gritos salen del patio, rodeados de una multitud de espectadores: el espectáculo con los osos doctos ha terminado, y los "artistas" siguen en busca de nuevos espectadores. Medvedchiki es un fenómeno cultural antiguo independiente que surge de la época pagana. Las actuaciones con una bestia poderosa, en cuya imagen se adivinaron las características del dios pagano Veles desde la antigüedad, fueron populares en Rusia y existieron durante mucho tiempo. Estos últimos se notaron en Moscú a fines de la década de 1920. Numerosos rituales y creencias están asociados con el oso, era la encarnación de las buenas fuerzas que traen prosperidad y fertilidad. A instancias de los guías, el oso podía caminar por la casa, bailar en el patio, ahuyentar los problemas y sanar. Estos últimos se notaron en Moscú a fines de la década de 1920. Numerosos rituales y creencias están asociados con el oso, era la encarnación de las buenas fuerzas que traen prosperidad y fertilidad. A instancias de los guías, el oso podía caminar por la casa, bailar en el patio, ahuyentar los problemas y sanar. Estos últimos se notaron en Moscú a fines de la década de 1920. Numerosos rituales y creencias están asociados con el oso, era la encarnación de las buenas fuerzas que traen prosperidad y fertilidad. A instancias de los guías, el oso podía caminar por la casa, bailar en el patio, ahuyentar los problemas y sanar.

El minucioso enfoque científico de Vasnetsov para trabajar en las reconstrucciones artísticas de la antigua Moscú predeterminó en gran medida su relevancia duradera, obtuvo una evaluación positiva de los científicos: arqueólogos, historiadores e investigadores de la vida popular.

Información e imagen de la web de la Galería Tretyakov.

[rodadecuia]

#LOOKSDAPRINCESADIANAQUEPODEMSERUSADOSNOSDIASDEHOJE #LOOKSPRINCESADIANA #PRINCESADIANA

[jardimdomundo]

As peças essenciais para o seu guarda- roupa cápsula de primavera/verão

A prática do consumo consciente na moda está crescendo cada vez mais através de movimentos como o do Slow Design. Com isso, as pessoas estão mais atentas sobre os itens que adquirem para o seu guarda-roupa, já que além dos impactos da produção, a questão do descarte correto também é muito importante.  Roupas essenciais de primavera e verão Desse modo, é possível gostar de moda e se vestir com estilo ao mesmo tempo que se diminui o consumismo desenfreado e seus danos ao meio-ambiente. Por isso, o conceito do armário cápsula vem sendo adotado pouco a pouco pelas pessoas. Nesse tipo de guarda-roupa com uma quantidade reduzida de itens, versatilidade e atemporalidade são elementos cruciais para a escolha das peças, visto que com elas deverá ser criado uma série de looks diferentes que não saem de moda a cada nova temporada. 

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Para montar um guarda-roupa cápsula que atenda às suas necessidades é preciso levar em consideração diversos aspectos de sua vida cotidiana como o estilo de vida, a profissão, os hobbies, o gosto pessoal, além do clima de sua cidade, sendo que pessoas que vivem em lugares onde as estações são mais definidas irão ter que expandir o armário capsula para que funcione durante o ano inteiro.  No entanto, existe uma base para se guiar caso haja dúvidas sobre os itens necessários para compor um guarda-roupa cápsula eficiente, então confira a seguir uma lista com as peças essenciais para produzir looks estilosos da temporada primavera/verão, que se inicia em breve no mês de setembro. Mas, lembre-se que apesar de esse guia ser concebido pensando no público em geral, se determinado item não lhe é útil por algum motivo, não há necessidade de adquiri-lo. 

Camiseta

Uma peça prática e confortável como uma camiseta é indispensável para qualquer pessoa, já que pode servir de base para muitos visuais casuais. Cerca de três itens do tipo talvez sejam suficientes em seu guarda-roupa, sendo que podem ser de modelos bem básicos como uma t-shirt clássica aos mais diferenciados como uma muscle tee. A escolha das cores e/ou estampas deve seguir de acordo com as outras peças que elas serão combinadas, considerando que tons neutros facilitam a composição dos looks. Contudo, isso não significa que se tiver preferência por cores mais vibrantes, elas não podem fazer parte do seu armário, até porque é mais aconselhável ousar em peças da parte de cima do visual que nas de baixo, contanto que sejam itens que irão realmente ser utilizados e tenham qualidade para durar em seu guarda-roupa por um longo tempo.  

Camisa social ou Blusa

Muitos consultores de moda consideram a camisa social branca como um item essencial, entretanto essa dica não serve para todas as mulheres, que podem não ter utilidade para a peça, uma vez que ela talvez não faça parte do seu estilo pessoal, nem haja necessidade do uso em compromissos profissionais.  Todavia, mesmo que não faça sentido ter uma camisa social em seu guarda-roupa, para ocasiões mais formais se faz necessário blusas com um design mais sofisticado, sendo um número próximo de quatro o ideal para o conceito cápsula. Apesar de peças do tipo, geralmente, seguirem mais as tendências do momento, lembre-se que peças minimalistas são atemporais e nunca saem de moda.            

Vestido Básico

Vestidos básicos são uma ótima opção para o dia a dia, por isso é bom ter por volta de dois em seu guarda-roupa cápsula enquanto para ocasiões especiais é preferível alugar modelos mais extravagantes, visto que eles tendem a ser utilizados pouquíssimas vezes e ficam esquecidos no armário. Com a quantidade limitada de peças, é melhor optar por peças que possuam designs bem diferentes um do outro. Existe uma ampla gama de modelos que variam conforme o comprimento, caimento, tipos de manga, golas e decotes, basta descobrir quais serão mais úteis para compor seus visuais de acordo com o seu gosto pessoal e sua rotina.   

Calça Jeans

O jeans é um dos itens que mais traz impactos para o meio-ambiente com a sua produção, contudo é inegável que a peça se faz muito presente no guarda-roupa da maioria das pessoas devido a sua praticidade e versatilidade. Por isso, vale a pena investir um pouco mais em peças que tenham uma qualidade maior para que durem mais tempo no seu armário, já que com dois pares será possível criar muitos looks diferentes. Além disso, procure escolher modelagens que não somente lhe agrade esteticamente, mas que também seja confortável e caia bem. Seja ele corte reto, skinny, flare, mom ou wide leg há sempre um jeans que é a sua cara.        

Calça de tecido

Recebem a denominação calça de tecido, as peças que são feitas de outros materiais que não sejam o denim, incluindo as sociais e de alfaiataria. Entretanto, ainda que não haja necessidade de tamanha formalidade em seu guarda-roupa, é conveniente ter pelo menos dois pares como alternativa para aquelas ocasiões em que o jeans não é tão adequado. Até mesmo porque dependendo do tecido e da modelagem da peça, ela pode ter um estilo mais despojado. Os tecidos utilizados podem ser mais estruturados como o linho ou leves como o algodão, enquanto há também uma grande variedade de modelagens, indo das mais ajustadas até ao oversized.    

Shorts

Para os dias mais quentes, shorts são uma excelente escolha, por isso é importante ter no mínimo dois em seu guarda-roupa. Eles podem ser bem descontraídos como um shorts curto jeans ou ter uma cara mais sofisticada com um corte alfaiataria e um comprimento maior. De acordo com as suas necessidades, pode ser preciso ter apenas um ou os dois estilos no armário, de qualquer forma é uma peça coringa que permite criar muitos looks diferentes de primavera/verão.  

Saia

Esse clássico que faz parte do guarda-roupa feminino há tanto tempo, também é muito versátil, podendo ser utilizado tanto em visuais formais quanto nos bem despojados. Dessa maneira, é útil ter não menos que dois pares em estilos diversos, uma vez que uma minissaia, por exemplo, pode ser ótima em looks casuais ao mesmo tempo que uma saia lápis mídi pode fazer parte de um conjunto de terno social feminino. Então, considere quais modelos serão mais aproveitados no seu armário cápsula e aposte nesse item para compor seus visuais.       Read the full article

#consumoconsciente #estilo #moda

[gazeta24br]

A Ceusa é a nova patrocinadora do principal festival de moda, arte sustentabilidade, inovação, conhecimento e tecnologia do país: A SPFW+IN-Pactos, que acontece na capital paulista. A edição vem para reforçar o papel da cidade como o mais importante centro de vanguarda e criatividade do hemisfério sul. O festival começa com a edição híbrida N53 – de 31 de maio a 04 de junho- e termina em novembro. A ação da Ceusa é totalmente focada me elementos que fazem parte do DNA da marca, que aposta no que é surpreendente, na criatividade e na inspiração que o universo da moda tem na hora de vestir a casa das pessoas. A Ceusa estará presente no Komplexo Tempo, recém-inaugurado em um antigo galpão do século passado na Móoca, com a ocupação de espaço histórico na moda, um bairro pioneiro na indústria têxtil e que hoje é um polo de inovação na cidade. No espaço, os convidados para os desfiles vão participar de uma ação interativa, na qual um painel com as iniciais do evento (SPFW) vai se transformar completamente. Num jogo lúdico, os convidados vão receber uma peça de cerâmica Ceusa numerada e, eles mesmo vão fazer parte da montagem desse grande quebra-cabeças que vai virar instalação artística e ficará em exposição na parede externa do evento. Vídeos da ação e dos desfiles também ganharão espaço nas redes sociais da marca, trazendo a união da moda com arquitetura para todos verem. A cerâmica Ceusa escolhida para estrelar a ação é a coleção Bubbles, inspirada nas criações handmade do universo da moda. Cheio de personalidade e ousadia, o chamado ‘feito à mão’ está na essência do processo criativo da linha, onde bolhas de sabão foram produzidas e pigmentadas manualmente, e então aplicadas sobre a placa cerâmica. Fabiana Melo, Gerente de Branding, Comunicação, Digital e CRM da Ceusa explica que a parceria com a SPFW faz parte de um universo amplo de estratégias de marca. “Trabalhamos para trazer ao consumidor essa experiência na qual o estilo pessoal pode e deve ser um traço presente também no morar, indo muito além da forma e da função. Investimos nessa parceria com a São Paulo Fashion Week para extravasar essa ideia e mostrar que moda e estilo se fazem também dentro de casa. Esse é nosso foco prioritário com a comunicação de Ceusa e a guia principal que seguiremos para o futuro da marca”. “Moda é criatividade. Ceusa é criatividade. É força criativa para além do design, fala com as pessoas, é para as pessoas. Assim como o SPFW, Ceusa respira dessa potência criativa, transforma e surpreende”, completa Paulo Borges, criador do evento. “A Sua Casa Veste o Que?” Assim como na moda, a casa também é uma forma de expressão de personalidade, e tanto a ser externalizado como expansão de quem se é. As cores vibrantes e estampas de Ceusa representam essa expansão da expressão e surpreendem ao levar novas oportunidades de exploração do ambiente. Esse é o foco da comunicação de Ceusa. Com o tema Pulse, debruçado nos conceitos: Maximalismo Estimulante, Lúdico Futurista e New Vintage, a Ceusa lançou 24 novas coleções este ano. Nas esferas cotidianas, o anseio por expressão e espontaneidade convida à diferenciação, a experimentar e valorizar todas as formas de agir, pensar, se vestir e “vestir a casa”. Outra iniciativa foi ao lado da estilista Isabela Capeto, que estreou sua atuação no segmento de arquitetura e decoração em parceria de peso com a Ceusa. As coleções de porcelanato assinadas pela profissional trazem a sinestesia entre os universos das passarelas e do design de interiores, celebrando o artesanal, a cor e a valorização da cultura brasileira.  

[albertotal]

#estampa quotidiana #estampa cotidiana #28 del 4

[depravity-translations]

Entrevista: The GazettE desvendando pensamentos sobre Família, fãs e amigos.

Caminhando pelas ruas chuvosas de Londres, nos fez pensar como The GazettE sentiu sobre a chuva de boas-vindas ao retornar à cidade após muitos anos. Tivemos a oportunidade de encontrá-los pela segunda vez neste ano - a primeira em Nova York - e foi um dia depois de sua performance em Londres, em 11 de junho no Electric Ballroom em Camden Vestidos em moletom minimalista e camisetas com estampa simples ou designs bordados, os membros sentaram-se um do lado do outro com uma janela atrás. Como a chuva ainda continuava, o som calmante dos pingos de chuva e o cheiro de café preencheu a sala aconchegante enquanto nos sentávamos diante deles.

Esta é a segunda vez que vocês tocam em Londres, bem-vindos de volta. Como foi o show da noite passada? 

Ruki: Foi bom. 

[Todos riem] 

Já se passaram 12 anos, não é? Houve algo significativamente  diferente desde a última vez que tocaram aqui?

Ruki: No show anterior (em 2007), a maioria da audiência era feminina, mas desta vez era metade por metade. Mais homens apareceram e que fez uma grande diferença, e eu realmente aprecio ver isto. Me sinto melhor.  

Sim? Vocês estão surpresos por esta mudança?

Ruki: Nós estivemos em alguns países agora, não apenas no Reino Unido, e notamos a popularidade de fãs homens por lá também. Como também somos homens, parecia haver um melhor entendimento entre a banda e o público, é assim que nos sentimos. 

Ano passado, conhecemos alguns roadies (apoio técnico) de bandas visual kei. Eles aparentemente trabalhavam de graça para obter experiência que mais tarde seria usada em suas próprias bandas. Como foi para vocês no início? 

Ruki: Nenhum de nós experienciou ser roadie de outra banda. Desde o início, éramos uma banda profissional. O significado de “roadie” no Japão tem uma diferença em comparação com aqui. No oeste, eles são vistos como profissionais e músicos altamente qualificados em guitarras, bateria, baixo, teclado e outros enfeites, enquanto no Japão é o tipo de função de “corredor” ou assistente pessoal. Eles podem realmente ver o que está acontecendo nos bastidores, essa é a recompensa. A experiência é o pagamento, assim como fazer conexões. 

Reita e Uruha costumavam jogar futebol, certo? Então, como vocês fizeram a transição do esporte para a música, e como vocês conseguiram manter sua amizade por tanto tempo?

Uruha: No Japão é muito comum ter atividades escolares extracurriculares (beisebol, futebol , e vôlei por exemplo), obviamente não poderíamos nos tornar atletas depois que as atividades da escola acabassem. Esse é o motivo pelo qual escolhemos nos tornar músicos. 

 Também é uma coisa boa porque agora vocês estão juntos na banda. 

[Todos riem]

Como conseguiram se motivar daquela época até agora, para se tornarem músicos?

Reita: Quando estava na segunda série do colégio, ia para a casa do Uruha e ficávamos apenas tocando CD’s e covers das músicas. Era muito divertido. Foi quando decidi que queria ser músico.

O que normalmente passa pela cabeça antes da turnê? O líder Kai assume a liderança na visão de tudo?

Kai: Não é realmente minha decisão, nós sempre falamos sobre - nós cinco. Primeiro, decidimos o conceito e pensamos sobre o álbum, o criamos e então pensamos sobre como trazer o conceito a vida esse conceito para os palcos. Planejamos o máximo que podemos, mas apenas vemos o que funciona e o que dá errado quando tocamos. 

Já fizemos muitos shows, um após outro. Depois de um tempo, as coisas se tornam mais claras, assim entendemos através das experiências. Incluindo o álbum e a turnê, estamos sempre indo para o show final com o objetivo de completar e aperfeiçoar nosso trabalho. 

Isto muda se é uma turnê mundial ou uma turnê doméstica? Se sentem mais nervosos se é uma turnê mundial?

Ruki: Não sei. Não tem muita diferença entre turnê mundial e doméstica para nós. Obviamente, podemos utilizar nossos próprios equipamentos se é uma doméstica. Essa é a verdadeira parte que nos deixa nervosos. Ter certeza que tudo funcione bem tanto quanto trazer tudo.  Para os shows no exterior, nós  temos que nos contentar com o que recebemos do local ou da empresa. Então é isso que realmente nos preocupa. Sempre há uma equipe que está correndo por aí para garantir que tudo funcione, tudo o que precisamos está lá - não sei se a equipe está mais estressada com isso ou não?

Então seria como coisas inesperadas?

Ruki: Sim. 

Shows são vitais para o The GazettE, qual a essência disto? Por que vocês performam?

Aoi: Claro, queremos mostrar para a audiência algo que se diferencia das suas vidas cotidianas, e é nos apoiando por virem em nossos shows. Nós queremos levá-los para um novo mundo que usualmente não existe. Esse é o nosso motivo. No meu caso, eu pessoalmente me divirto vendo os outros membros no palco. Ver eles tendo um ótimo momento, tendo uma boa performance, isto é o que me motiva. Todos trabalham duro, fazendo o seu melhor. Eu não posso ficar para trás, tenho que continuar com eles. 

Vocês consideram a turnê final um tanto mais especial? Pode nos explicar o motivo?

Ruki: Hmm, a primeira ou a turnê final - não me importo com isso. O último show significa que eu tenho que encontrar algo que não aconteceu no começo, então eu fico um pouco nervoso comparado com os outros shows. Mas não parece que haja nada de especial. 

Mas assistimos seus DVDs e vocês sempre estão mais emotivos no show final. Especialmente o Reita, nós os vimos chorando. 

Reita: Era tudo CG (computação gráfica) [risos]

É incrível [risos]! E sobre o fim da turnê? Você tem depressão pós-turnê? 

Reita: Acontece comigo após cada turnê, não sou o único, né? Todos nós cinco estamos vivendo e viajando juntos em turnê. E de repente, estou sozinho, apenas fico um pouco triste. Eu estava chorando um pouquinho noite passada [risos]. 

 Sério? [risos] Como você sai dessa? 

Aoi: Nosso empresário me tira da tristeza. No outro dia, ele fica me ligando e me pedindo para me alegrar porque temos uma agenda lotada, então não tenho tempo para ficar depressivo. 

 Você faz parecer fácil [risos] 

Kai: Não costumava ser assim, mas hoje em dia começamos a dar dicas para a próxima turnê ou visão da banda. Vou aproveitar essa emoção para ter algo pelo qual ansiar. 

Gosta de se animar? 

Kai: Sim, sim. 

O pai de Ruki foi inicialmente contra ele estar em uma banda até que eles aparecessem nas paradas musicais. O que sua família sente sobre sua escolha de carreira hoje?

[Todos riem] 

Ruki: No começo eu era fã de outras bandas, tinha pôsteres deles na parede.

LUNA SEA?

Ruki: X JAPAN! Em nossa geração, as bandas eram vistas como estranhas. Os meninos maus. É por isso que meus pais ficaram preocupados, mas quando viram que estávamos tendo sucesso, começaram a entender. 

Podemos ouvir sobre os outros membros também?

Uruha: Meus pais eram realmente contra. Principalmente meu pai. “Pare de ser músico”, “Pare de estar na banda” e outras coisas. Sempre esperei que um dia aprovassem o que estou fazendo. 

Eles aprovam agora? 

Uruha: Não tenho certeza, é uma situação delicada, mas quando começamos a aparecer na TV, meus pais começaram a gravar os programas. Quando vi isso, fiquei aliviado. 

Eles se tornaram fãs! Eles ainda têm essas fitas? 

Uruha: Sim, eu acho que sim? [risos]

Kai. Ouvindo as histórias de todos, minha experiência foi completamente oposta. Na verdade, não tive o apoio de meus pais, mas eles não eram particularmente contra. Minha mãe estava envolvida com música, então ela meio que entendia o que estava acontecendo. Quando eu disse a ela que abandonei a escola sem contar a ninguém, ela ficou realmente chocada, mas aceitou a situação, como “Bem, o que está feito está feito e dizer qualquer coisa será inútil, então podemos também seguir em frente.”

Kai parece um ‘bad boy’. 

Kai: [risos] 

Que tipo de música sua mãe fazia?

Kai: Ela era professora de piano, mas seu hobby era jazz piano.

Já pensou em fazer alguma colaboração com ela?

Kai: Só toquei piano uma vez com minha mãe.

Reita: Quanto a mim, meus pais não eram contra isso. Na verdade, eu só morava com a minha mãe e minha irmã mais velha e não tínhamos muito dinheiro na época, então eu estava pensando comigo: “Está tudo bem se eu não estiver trabalhando?”. Eu realmente me senti culpado e com pena da minha mãe, mas ao mesmo tempo minha paixão por formar uma banda era muito forte, então continuei. 

Uruha: Ah, é mesmo? 

Ruki: Foi isso que aconteceu? [risos] 

Então nós temos um bom Reita, e temos o bad boy Kai. 

[Todos riem]

Aoi: Bem, eu não cresci em Tóquio. Eu morava em uma cidade pequena e assistia programas de música tarde da noite na TV. Eu vi algumas bandas e pensei casualmente “Eu também posso fazer isso!”, então decidi ir para Tóquio. Meus pais realmente não disseram nada sobre isso.

Achei que poderia fazer melhor do que aquelas bandas da TV, e na verdade fiz! Talvez agora eu esteja influenciando os jovens em suas TVs, assim como eu antes?

As Olimpíadas acontecerão em Tóquio em 2020. Até 1948, a música e arte, com a escrita de poesia, eram eventos olímpicos. Se você pudesse apresentar qualquer atividade, o que aconteceria? 

Ruki: Você quer dizer se pudéssemos escolher? [risos]

Sim.

Reita: Não poderíamos escolher um vencedor se fosse uma competição de música, então talvez uma atividade física - tipo, quem poderia fazer headbang por mais tempo? 

Nós [Uruha e eu] realmente representaremos o Japão nesta categoria!

Isto é muito impressionante!

Reita: Faremos o nosso melhor.

[Todos riem]

Vocês tocam música há tanto tempo, de que forma mudou em suas atividades musicais, em termos de personalidade?

Ruki: Fiquei um pouco mais ansioso.

Por que? 

Ruki: Eu faço muitas coisas sozinho por causa da música - compor, fazer produtos, até folhetos - tenho que gerenciar muitos aspectos e garantir que não haja erros. Não posso me permitir confiar tanto nas pessoas e deixar todo o trabalho para elas. Por causa disso, sinto mais pressão e tenho tendência a ficar ansioso. 

E você Kai? 

Kai: Eu não acho que mudei fundamentalmente - personalidade não é algo que você pode mudar tão facilmente. Mas todos nós juntos estamos criando músicas que gostamos, e eu acho que nossa atitude, nossa abordagem em relação à música mudou em comparação a quando começamos. Ela se aprofundou.

Você ainda cozinha para a banda?

[Risos]

Kai: Bem, não tanto quanto antes.

Ruki: Mas você não cozinhou para nós recentemente, macarrão?

Kai: Ah, isso mesmo, pepperoncini (um prato de espaguete com alho, azeite e pimenta!) 

Podemos fazer a pergunta ao Uruha?

Uruha: O que foi mesmo? 

[Todos riem]

Estávamos conversando sobre a influência da música em sua personalidade.

Uruha: Ah sim. Quando joguei futebol, não tive oportunidade de me afirmar. Joguei como zagueiro, então não estava em posição de tomar iniciativa, então costumava recuar e ficar para trás. Quando comecei a tocar música realmente gostei, e acabei me tornando mais extrovertido e direto, realmente me surpreendeu. 

E você Reita? 

Reita: Há muito tempo atrás, eu não era muito bom em ficar de pé na frente do público. No ensino fundamental, por exemplo, durante as apresentações, eu era tão tímido que não conseguia parar de tremer os joelhos. Mas, eventualmente, eu me acostumei e gostei de me apresentar no palco. Acabei superando esse medo. 

Na verdade, amamos a maneira como você se move no palco!

Reita: Sério? Valeu. 

Podemos ouvir sobre o Aoi? 

Aoi: Eu era o mais novo dos meus irmãos, então eu era meio mimado e um pouco egoísta, de alguma forma a música me animava e eventualmente meu egoísmo desapareceu um pouco. 

Qual a tecnologia mais legal que você já usou na música?

Aoi: Provavelmente o DAW (Digital Audio Workstation). Contribuiu muito para a música recente, então as gravadoras podem economizar muito dinheiro graças a isso, já que não precisamos ficar muito tempo no estúdio. De certa forma, o Daw nos dá mais liberdade para fazer o que queremos. 

Também ouvimos que você costumava usar um software com o EZ Drummer?

Aoi: É claro que estou usando muito esse tipo de software. 

Você tem alguma recomendação?

Aoi: Bem, usamos esse software para demos e, obviamente usamos a bateria do Kai quando gravamos as faixas. 

                                                     ° ° °

Obrigado ao The GazettE, JPU Records, a equipe e gerenciamento pela oportunidade.

Entrevistada feita por edoh+ e NBT, pela JrockNews. 

#the gazette #ruki #aoi #kai #reita #uruha #traduções

[obrasdeartecomentadas]

NOTAS SOBRE KETSUEKI KOIBITO

Las imágenes de Ketsueki Koibito (c. 2001) están marcadas por una negativa. Quizá, la sensación de estar fuera de lugar, de no pertenecer. 

                                                           ☆

Si el artista renegado no puede o no quiere amoldarse a ningún código social, su trabajo, en consecuencia, presenta lenguajes visuales irreconciliables. Así, en el repertorio de Koibito confluyen la sintaxis del imaginario suburbano mexicano y la del manga japonés. Inventa imágenes desarraigadas que le permiten articular su identidad personal, sus caprichos y obsesiones en un universo extraño, agresivo, ensimismado. Operando desde márgenes geográficos, simbólicos y sociales, el trabajo de Ketsueki —acuarelas, dibujos digitales y análogos— es, además, sumamente expresivo del estado de la producción visual mexicana actual.

                                                          ☆

Sus ilustraciones circulan por el internet como artefactos virales. Son, acaso, la culminación de cierta tendencia lúdica en la pintura nacional reciente, que incorpora logotipos de Farmacias Similares, OXXO y diversas marcas de productos mexicanos. Habría que comprender esta oleada como un estilo humorístico que coquetea con la posibilidad de volverse viral. Por lo mismo, produce rechazo entre los sectores artísticos bienpensantes. Se le considera un truco efectista, pasando por alto la posibilidad de que no solo se trata de una moda, sino de una relectura consecuente (a veces irónica, a veces frívola) del paisaje nacional y de la vida cotidiana. 

                                                          ☆

La apropiación paródica de la iconografía popular se vuelve una estrategia que incrementa la posibilidad de circulación de la obra, haciéndola accesible para un público no especializado. Sin duda, un gran número de artistas jóvenes moviliza su obra a partir de un impulso viral, el cual, sin importar el soporte, pretende establecer una interlocución humorística con el espectador, agilizando la circulación de la pintura-meme.

                                                          ☆

Por otro lado, la difusión de una pieza ya no se supedita al formato de exhibición convencional, físico, sino que puede darse en múltiples puntos geográficos gracias a su publicación en redes sociales. Conforme se trastocan las reglas del juego, el arte resulta innegablemente sellado por la era del prosumidor (1). ¿Cómo puede el artista divulgar su trabajo sintiéndose desligado del circuito artístico tradicional? Si a ello sumamos una ligera desconfianza ante los mecanismos del establishment, acentuada por tendencias antisociales, la visibilidad virtual es la batalla continua del productor visual contemporáneo: síntoma de una lógica mercantil que precariza y mira con condescendencia al artista en busca de la consolidación.

                                                         ☆

Las imágenes de Ketsueki han conseguido sortear aquellos obstáculos e imposiciones, dándole la espalda a las maniobras del sistema del arte. Sus ilustraciones no están mediadas por la mirada paternalista del museo, tampoco por el cobijo mercantil de una galería, sino por la tan despreciada vox, el like, expresión vacua para la autoridad crítica que, aún carente de un enfoque sociológico, tacha de banal la circulación de una imagen artística mediante shares o likes. 

                                                        ☆

No menos significativo es el hecho de que el estilo de Ketsueki, por el uso dispar de referencias, la invención de narrativas alucinantes situadas en contextos periféricos y la representación enfática del imaginario femenino adolescente, no se adecúe a las exigencias del Arte Hegemónico en mayúsculas: solemne, discursivo, sin infantilismos.

                                                        ʕ·ᴥ·ʔ

Indomabilidad y ambigüedad que se intensifican si recordamos que el único marco interpretativo que disponemos para leer este corpus sea las redes sociales de su autora, sin ninguna otra parafernalia o complemento. Insisto en el uso del término “lectura”, pues ellas poseen una cualidad narrativa innegable, no solo por nutrirse del manga y adoptar el uso de onomatopeyas y cajas de texto en japonés, sino porque, debido a la inserción de siglas, leyendas, letreros, frases, fragmentos de canciones en español, varias funcionan como iconotextos, es decir, plantean una fusión plena entre el lenguaje verbal y el visual (2). 

                                                        ♥

Ketsueki cuenta relatos a dos planos, con/fundiendo la realidad nacional mexicana y sus personajes célebres con la ficción del manga, como ocurre en la reinterpretación de Cepillín basada en Uzumaki. 

Curiosamente, en otro estado del país, otro joven artista, Gusano Local, imagina a nuestro presidente como ciborg de Inuyashiki. La educación sentimental que provee la animación japonesa, aunado a la notable destreza manual para mimetizarla, nos introduce al mundo psico-social del otaku, quien recurre al “animanga” como válvula de escape ante una realidad en ocasiones insatisfactoria. Los adultos son su propia caricatura.

                                                         ♥

Ketsueki narra un relato de formación (coming-of-age), la crónica huraña del incómodo ingreso a la adultez y el aferramiento a la infancia tardía: no es gratuita la insistencia en reapropiarse de personajes como los Teletubbies o Melody.

                                                          ♥

La agresiva realidad suburbana se convierte en una fantasía edulcorada. Una figura redentora sobresale en la mayoría de sus ilustraciones: San Judas, el Doctor Simi, el Niño Dios o la Virgen de Guadalupe. A propósito, Ketsueki imagina una Virgen ornamentada cuya cabeza es reemplazada por la de un robot de Evangelion, devolviendo a la imagen su potencia sincrética. 

Para Serge Gruzinski, la Virgen de Guadalupe se erige como una poderosa imagen barroca donde se superponen distintas capas de relatos marianos, así como las heteróclitas devociones de la Colonia (3). Ídolos animados suplantan a la imagen religiosa novohispana (4). Ejemplo de ello es la Guadalupana Hatsune Miku, obra de Jazmín Tzuc Pech, joven artista radicada en la península de Yucatán. No parece arriesgado afirmar que, a su corta edad, el estilo de Ketsueki ha hecho escuela.  

                                                          ♥

Pero su mirada transmite mayor franqueza cuando se trata del género paisajístico. En una ilustración destaca un carrito de tortas con el rotulado típico del comercio informal con Seated Ballerina (2017) de fondo, monumento kitsch inflable de Jeff Koons instalado el año pasado afuera del Museo Jumex. Estampa de una modernidad absurda, Plaza Carso emerge como un sitio donde alta y baja cultura colapsan en una escenografía blanqueada y excluyente.

                                                       (◠︿◠✿)

Otro dibujo anuncia el rotulado de un concierto de la boyband surcoreana BTS. Frente a él, un estudiante solitario ha detenido su trayecto para observar por un instante el desolador muro. Por medio de irrupciones humorísticas sobre el paisaje, Ketsueki satiriza el fanatismo k-pop experimentado desde los márgenes de la urbe mexicana. Reportaje animado sobre la ola Hallyu propagándose, a causa de una globalización estridente, de la misma forma que la música grupera. En la obra de Ketsueki, la cultura fandom y sus inagotables manifestaciones audiovisuales son un mecanismo de resistencia/existencia para distorsionar una realidad contradictoria y chocante.

Juan Pablo Ramos (@elguaruradelucero)

Referencias:

(1) Martín Rodríguez Gaona define a los prosumidores como “productores y consumidores de textos (e imágenes) que mezclan, sin ningún tipo de prejuicios, afanes publicitarios y artísticos, el discurso público y lo íntimo, la actualidad política y lo lúdico, la individualidad y la máscara”. Véase La lira de las masas: internet y la crisis de la ciudad letrada: Una aproximación a la poesía de los nativos digitales, Madrid, Páginas de Espuma, 2019, edición Kindle, s/p, cap. “Internet y la crisis de la ciudad letrada”.

(2) Retomo de los estudios intermediales el término “iconotexto”, acuñado por Peter Wagner. No son pocos los fenómenos iconotextuales en la cultura visual mexicana. Véase María Andrea Gioivine, “Poesía e imagen en México: De los caligramas de José Juan Tablada a los trabajos de intervención tipográfica de Carlos Amorales”, A Contracorriente: Revista de Historia Social y Literatura en América Latina, vol. 16, no. 1, 2018, p. 7.

(3) Serge Gruzinski, La guerra de las imágenes. De Cristobal Colón a “Blade Runner” (1492-2019), México, FCE, 2013, p. 108.

(4) Una ilustración de Ketsueki reformula el tema cristiano de la Piedad, suplantando a María por un Doctor Simi y al Jesús doliente por una colegiala de cabello pintado. Otros ejercicios de suplantación iconoclasta presentan al niño dios vestido con la indumentaria del OXXO, o sustituido por un Teletubbie.

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Juan Pablo Ramos (1993) vive y escribe en la Ciudad de México. Es Maestro en Letras Españolas con mención honorífica por la Universidad Nacional Autónoma de México. Su investigación se enfoca en las tendencias autobiográficas y experimentales en la narrativa española a partir de los años sesenta. Se ha hospedado en instituciones como el Centro de la Imagen, Sala de Arte Público Siqueiros La Tallera y la Universidad de los Andes (Bogotá, Colombia). Actualmente gestiona proyectos curatoriales para MASHIMON y UNIÓN (espacio para artistas).

#arte contemporaneo

[drabcl]

Jorge Teillier

“Si alguna vez mi voz deja de escucharse

piensen que el bosque habla por mí

con su lenguaje de raíces”

(J. T.)

OTOÑO SECRETO Cuando las amadas palabras cotidianas pierden su sentido y no se puede nombrar ni el pan, ni el agua, ni la ventana, y la tristeza ha sido un anillo perdido bajo nieve, y el recuerdo una falsa esperanza de mendigo, y ha sido falso todo diálogo que no sea con nuestra desolada imagen, aún se miran las destrozadas estampas en el libro del hermano menor, es bueno saludar los platos y el mantel puestos sobre la mesa, y ver que en el viejo armario conservan su alegría el licor de guindas que preparó la abuela y las manzanas puestas a guardar. Cuando la forma de los árboles ya no es sino el leve recuerdo de su forma, una mentira inventada por la turbia memoria del otoño, y los días tienen la confusión del desván a donde nadie sube y la cruel blancura de la eternidad hace que la luz huya de sí misma, algo nos recuerda la verdad que amamos antes de conocer: las ramas se quiebran levemente, el palomar se llena de aleteos, el granero sueña otra vez con el sol, encendemos para la fiesta los pálidos candelabros del salón polvoriento y el silencio nos revela el secreto que no queríamos escuchar.

[pensamientoelectronico2020b]

(Objeto Digital)

CUENTOS DEL OLIMPO

Lore Olimpus o Cuentos del Olimpo es un web cómic que trata de trasladarnos al mundo de los dioses del panteón olímpico, creado por la artista Rachel Smythe (@usedbandaid en Instagram), que se empezó a publicar semanalmente desde marzo de 2018 en la plataforma online de webtoon.

Es una historia que gira alrededor del mito acerca de como se originaron las estaciones del año. En este mito relatan que el dios Hades cae perdidamente enamorado de Perséfone, la hija de Zeus y Deméter quien es la diosa de la agricultura. Hades no esperaba tener la aprobación de su madre así que decide secuestrarla y llevarla al inframundo con él. Aunque hay varias versiones del mito, en una Perséfone también está enamorada de el y lo acompaña voluntariamente. En otra, para no tener conflictos con su hermano Zeus da su consentimiento. Al darse cuenta de la desaparición de su hija, Deméter cae en una profunda depresión que hunde a la tierra en un invierno total y amenaza con no volver a hacer crecer las plantas si no le devuelven a su hija. Zeus convence a Hades de devolverla, con la condición de que no coma nada en el inframundo, sin embargo, Hades le da unas semillas de granada para el camino, de las cuales come seis. A consecuencia de esto Perséfone tiene que pasar un mes al año junto a Hades en el inframundo por cada semilla que consumió, y el resto del año junto a su madre en la tierra. Es por eso por lo que, según los griegos, el otoño e invierno, son los meses que Perséfone pasa con Hades, por lo que Deméter entristece, se secan las plantas y hace frio, y la primavera y verano, son los meses que pasa junto a ella.

Si bien, el comic esta basado en esta historia, la ambientación, sobre todo en el olimpo y el inframundo esta basada en el mundo actual, siendo representadas como grandes ciudades además de incluir objetos que también hacen referencia a este, como son teléfonos inteligentes, computadoras, automóviles y vestimentas.

Una de las cosas que hacen especial a este comic es la construcción de los personajes, ya que al brindarles personalidad, actitudes, sentimientos y problemas propios contribuye a su desarrollo y de esta manera logra hacerlos más realistas y a su vez permitir que los lectores se puedan sentir identificados con determinados personajes. Otra de las cosas que me parece que sobresale del comic, es su arte, las ilustraciones, el diseño de los personajes, que se aleja completamente de lo que conocíamos y se nos había presentado sobre los dioses, brindarle colores a cada uno dependiendo de su personalidad y estado de ánimo me parece un completo acierto. Además, que han sabido utilizar el medio (webtoon) tomando el formato vertical o de cascada como una ventaja para crear fondos y transiciones preciosas que logran conectar la historia con las emociones que van surgiendo en los personajes, que a su vez hacen que la lectura en teléfonos móviles o tabletas sea una experiencia más disfrutable.

Este comic me recuerda de alguna manera a otra aplicación bastante famosa, watpad -esta aplicación se hizo famosa o conocida por que ahí se podían o pueden encontrar fanfics de casi todo-, porque de alguna manera podemos interpretar a cuentos del olimpo como una especie de Fanfic del mito clásico. Y es que no está demás decir que tiene muchos parecidos con estos, puesto que “Un fanfic está plagado de locuras, amores prohibidos, escenas eliminadas, historias del día a día, argumentos revueltos, personajes en nuevos entornos...” (Patricia, 2015) y en gran parte esto es lo que caracteriza y hace especial a la historia de este comic. Porque nos cuenta como se relacionan los dioses entre sí, como hacen cosas cotidianas como, cenas familiares, tomar clases o ir al trabajo. Tratan al mito como una historia clásica de romance estadounidense.

El fenómeno en que se convirtió este comic me parece realmente único, puesto que cuenta con un gran fandom alrededor del mundo, gente haciendo cientos de fanics, fanarts, fancasts y cosplay con respecto a la historia y los personajes.

En general la aplicación de webtoon es maravillosa tanto para creadores como para lectores, hay comics muy divertidos y otros cuantos, con historias muy buenas, tanto que una de ellas fue producida y adaptada en una serie live action por Netflix. Pero ya hablando particularmente sobre “Cuentos del olimpo” creo que es una muy buena historia en especial para los aficionados a la mitología griega puesto que es una manera nueva y refrescante de releer uno de los mitos más reconocidos. Pero también para las personas que no son afectas a este tipo de temas puede ser un buen primer acercamiento, no tan teórico a la mitología. Además de que está tan bien contado y es tan fácil de digerir que te termina atrapando y no puedes parar de leer, hasta que te das cuenta de que ya terminaste todos los capítulos y tendrás que esperar una semana más para saber que les espera a los protagonistas.

GLOSARIO (Objeto Digital)

1. Ambientación: Se llama ambientar a crear un ambiente (una atmósfera, un entorno) apropiado a partir de la iluminación, la decoración y otros elementos. (Porto, 2020)

2. Cosplays: la afición de vestirse y pretender ser un personaje de una película, programa de televisión, cómic, etc. (Cambridge.org, s.f.)

3. Fandom: un grupo de fans de alguien o algo, especialmente los muy entusiastas (Cambridge.org, s.f.)

4. Fanfiction: El término fanfic o fan-fiction pertenece a la lengua anglosajona y puede traducirse como “ficciones de fans”. Frecuentemente se encuentra abreviado como fanfic (esta abreviación es la más percibida como una sola palabra en el ciberespacio) o de forma simple, fic. Se trata de una ficción creada por fans y para fans, la cual toma un texto original o persona famosa como punto de partida. Se crea, por lo general en una comunidad o fandom y es distribuido, principalmente, en línea, aunque antes del internet se imprimían. (Wikipedia, 2020)

5. Ilustración: El término permite nombrar al dibujo, estampa o grabado que adorna, documenta o decora un libro. (Merino & Perez Porto, 2010)

6. Online: es una palabra inglesa que significa “en línea”. El concepto se utiliza en el ámbito de la informática para nombrar a algo que está conectado o a alguien que está haciendo uso de una red (generalmente, Internet). (Merino & Perez Porto, 2010)

7. Transiciones: Transición, del latín transitĭo, es la acción y efecto de pasar de un estado a otro distinto. El concepto implica un cambio en un modo de ser o estar. Por lo general se entiende como un proceso con una cierta extensión en el tiempo. (Merino & Perez Porto, 2010)

8. Watpad: Es una comunidad tanto de lectores como escritores, el sistema operativo proporcionado para el Wattpad web es funcional como un operador. Los usuarios tienen la posibilidad de publicar artículos, relatos, poemas, blog, fan-fictions (ficciones de fans), romance, suspenso, entre muchas otras. En su contenido hay obras de autores que son conocidos así como desconocidos, todos los usuarios pueden comentar las historias y unirse a grupos que estén asociados a Wattpad web. La plataforma comenzó en 2006. (Definición XYZ, 2019)

9. Webtoon: Se conoce como webtoon a un formato de webcómic (historieta que puede leerse en Internet) surgido en Corea del Sur y caracterizado por desarrollarse en una única imagen vertical. De esta manera resultan ideales para su consumo en teléfonos móviles (celulares). (Porto, 2020)

10. Web cómic: cómics realizados expresamente para su lectura en un entorno web (Serrano, 2016)

Referencias

Cambridge.org. (s.f.). https://dictionary.cambridge.org/. Recuperado el 06 de 01 de 2021, de https://dictionary.cambridge.org/es/diccionario/ingles-espanol/fandom

Definición XYZ. (02 de 2019). Definición XYZ. Recuperado el 06 de 01 de 2021, de https://www.definicion.xyz/2019/02/wattpad.html

Merino, M., & Perez Porto, J. (2010). Definicion.de. Recuperado el 06 de 01 de 2021, de https://definicion.de/online/#:~:text=Online%20es%20una%20palabra%20inglesa,red%20(generalmente%2C%20Internet).

Patricia, L. J. (13 de 11 de 2015). Medium. Recuperado el 06 de 01 de 2021, de https://medium.com/espanol/qu%C3%A9-es-un-fanfiction-a9942d6321ae#:~:text=Fanfiction%2C%20fanfic%20o%20fic%3A%20son,ocurrieron%20en%20la%20historia%20original.

Porto, J. P. (2020). Definicion.de. Recuperado el 06 de 01 de 2021, de https://definicion.de/webtoon/

Serrano, J. A. (2016). WEBCÓMICS EN ESPAÑA HOY: BREVE GUÍA DE CAMPO . En J. I. BAO, CÓMIC DIGITAL HOY.UNA INTRODUCCIÓN EN PRESENTE (pág. 155). Barcelona: ACDCómic. Recuperado el 06 de 01 de 2021, de http://www.acdcomic.es/comicdigitalhoy/

Wikipedia. (2020). Wikipedia. Recuperado el 22 de 12 de 2020, de https://es.wikipedia.org/wiki/Fanfiction#:~:text=El%20t%C3%A9rmino%20fanfic%20o%20fan,o%20de%20forma%20simple%2C%20fic.

-Valeria Cruz Hernández