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Día 1 de Inktober 2018 / Poison
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Beautiful nature photography from Anna Kozak
Available prints featured above:
I’m in love again | Road trip | Noir | Forest | Fairytale Forest
Instagram: @crossconnectmag
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Mi mujer de cabellera de fuego de madera
Fotografía: “André Breton”, Christer Strömholm, París, 1951.
Mi mujer de cabellera de fuego de madera
De pensamientos de relámpagos de calor
De cintura de reloj de arena
Mi mujer de cintura de nutria entre los dientes del tigre
Mi mujer de boca de escarapela y de ramo de estrellas de última magnitud
De dientes de huellas de ratón blanco sobre la tierra blanca
De lengua de ámbar y de vidrio frotadas
Mi mujer de lengua de hostia apuñalada
De lengua de muñeca que abre y cierra los ojos
De lengua de piedra increíble
Mi mujer de pestañas de palotes de escritura infantil
De cejas de borde de nido de golondrina
Mi mujer de sienes de pizarra de techo de invernadero
Y de vaho que empaña los cristales
Mi mujer de hombros de champaña
Y de fuente con cabezas de delfines bajo el hielo
Mi mujer de muñecas de cerillas
Mi mujer de dedos de azar y de as de corazones
De dedos de heno cortado
Mi mujer de axilas de marta y de haya
De noche de San Juan
De ligustro y de nido de escalares
De brazos de espuma de mar y de esclusa
Y de mezcla del trigo y del molino
Mi mujer de piernas de cohete
De movimientos de relojería y de desesperación
Mi mujer de pantorrillas de médula de saúco
Mi mujer de pies de iniciales
De pies de manojos de llaves de pies de calafates que beben
Mi mujer de cebada no perlada
Mi mujer de garganta de Valle de oro
De cita en el lecho mismo del torrente
De pechos de noche
Mi mujer de pechos de topera marina
Mi mujer de pechos de crisol de rubíes
De pechos de espectro de la rosa bajo el rocío
Mi mujer de vientre de despliegue de abanico de los días
De vientre de garra gigante
Mi mujer de espalda de pájaro que huye vertical
De espalda de azogue
De espalda de luz
De nuca de canto rodado y de tiza mojada
Y de caída de un vaso en el que acaba de beberse
Mi mujer de caderas de barquilla
De caderas de lucerna y de plumas de flecha
Y de tronco de plumas de pavo real blanco
De balanza insensible
Mi mujer de nalgas de gres y de amianto
Mi mujer de nalgas de espalda de cisne
Mi mujer de nalgas de primavera
De sexo de gladiolo
Mi mujer de sexo de yacimiento de oro y de ornitorrinco
Mi mujer de sexo de alga y de bombones antiguos
Mi mujer de sexo de espejo
Mi mujer de ojos llenos de lágrimas
De ojos de panoplia violeta y de aguja imantada
Mi mujer de ojos de sabana
Mi mujer de ojos de agua para beber en prisión
Mi mujer de ojos de madera siempre bajo el hacha
De ojos de nivel de agua de nivel de aire de tierra y de fuego
-Poema de André Breton.
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Sam Bosma x INPRNT.
The sensational artwork of artist Sam Bosma is available as fine art prints in his INPRNT Shop!
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i am SO happy about this.
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¡¡¡El piso es cumbia!!!
Texto: Iván Martínez
Fotografías: Rodrigo Serna
*miembros activos del colectivo SintagmaMx , organizadores del evento Cumbión Macabrón.
Una “multitud compuesta mayormente por chavos y chavas [ellos] son los que tienen más tiempo almacenado en su favor, más tiempo corporal, más tiempo festivo”, así solía expresarse Carlos Monsiváis respecto a los bailes contemporáneos de cumbia donde el común denominador sigue siendo la multitud juvenil que ejerce su legitimo derecho a purgar con música sus más profundos sentimientos.
Diego Iván Gutiérrez, nacido en Oaxaca, crecido en San Miguel de Allende, Gto., y con estancia en New York, me habla de su pasión por la cumbia, volcada a su trabajo artístico como diseñador y músico bajo el nombre de Talacha. Acompañado de Román Zepeda, mejor conocido como Turbo Sonidero –o El Turbo–, un nómada del ritmo, coleccionista implacable de vinilos y promotor de la cultura de la cumbia. Con residencia en San José California, pero con raíces bien sembradas en México –patria que reconoce como suya–, Román y Diego llegan a San Andrés Cholula como quien llega a ese hogar primigenio al que siempre se quiere regresar: calor de hogar, recibimiento, encuentro. Ambos han pasado una semana “hippie” –me comentan con un toque de humor– en Tepoztlán, grabando partes de lo que será su nuevo LP en casa de Afrodita, “la Diosa de la cumbia”, bajo la producción del israelí Arrabalero, en medio de montañas y arboles más viejos que nuestros padres.
Al llegar a “Cholulita la bella” –como la llama El Turbo–, ya los espera Raúl Orihuela, productor poblano quien por su trabajo ha sido reconocido ampliamente bajo el nombre de Orihuela MSS. Raúl pareciera hilvanar una conexión metaespacial con seres de otro planeta cuyo lenguaje en común sería la cumbia. Los tres, tienen las llaves de ese paraíso dionisiaco donde se baila y se goza, comúnmente llamado CUMBIA. Una territorialización del suelo apropiado por cuerpos que se mueven al compás de los tambores, el güiro, el acordeón, los teclados y el saludo. La elocución de la cumbia se hace presente en esa sincronía música-cuerpo y el reconocimiento propio en boca del ejecutor: saludos a toda mi gente bonita.
“Las reglas son para romperse”, frase que se sostiene por su propio peso en cualquier calle, esquina y mente, un mantra que me comparte Talacha, el primero en persignar la pista del Gallo Negro y encargado de inaugurar el ritual del Cumbión Macabrón. Los cuerpos responden bien a la fina selección de Diego Iván Gutiérrez, temas del Grupo Jujuy, el Kual?, los Daddys, toreados con un poco de wepa potosina: “traigo más de 4 horas de repertorio pero lo que más me gusta es poner temas de productores jóvenes, los chavos son los que están llevando la delantera en la cumbia actual”, me responde Talacha al preguntarle acerca de lo que más le apasiona de la cumbia, y a quien sólo queda agradecerle por su entrega a la pista y al movimiento cumbiambero, movimiento que no termina de sorprenderle al ver el brote potencial del mismo: “no hay lugar a donde la cumbia no llegue y conquiste”.
Una vez encendido el motor, no hay tope que frene este ritmo que no se limita a la tierra, pues recién subido a la pista, Orihuela MSS nos conecta con seres de otra galaxia. “Sale Vai” parece ser la última frase de un viajero que sabe está a punto de abandonar este planeta. Antes que se demostrara la relatividad espacial, este género ya nos había demostrado que “cuando se escucha una cumbia, todo el mundo se emociona” y se refracta en el tiempo. De un momento a otro, hay un quiebre telepático, si bien nuestros cuerpos giran como astros alrededor del gravitón (partícula elemental del campo gravitatorio), nuestras mentes están esparcidas cuando “Loma Bestia” o “Cumbia de los Ajos” suenan. Sólo habremos regresado a tierra cuando suena “Sólo Esperar”, canción que cierra su presentación y un tema respaldado por la admiración y respeto –ganado a pulso– por el mítico grupo de cumbia poblana Los Télez.
Pasadas las 12 horas, comienzo a ver que la pista del Gallo Negro se asemeja más a una milonga como las que Cortázar narraba, una pista de baile que ya no es una simple pista de baile sino que pasa a la categoría de una “puerta al cielo”. Las gotas de sudor, producto de la refrigeración corporal parecían ser la perfecta resistencia de la gente para no abandonar el lugar. Era el turno del capo de la cumbia, a la pista estaba llamado el padrino y orquestador de la cumbia macabra, el responsable de unir dos culturas de aguante y resistencia suburbana como el hip-hop del Este de los Ángeles, y la cumbia sonidera del Bajío, Centro y Sur de México. Román Zepeda, a.k.a. Turbo Sonidero, dedicaba unas palabras de agradecimiento al lugar que le regaló el último elemento de esa alquimia sonora llamada Tumbia electrónica.
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RASPANDO EL PISO: FIESTAS POR EL PURO PLACER DE LA CUMBIA
Por: Sintagma Mx
Raspando El Piso surgió con un propósito: activar en su conjunto lo mejor de la escena en cuanto a cumbia digital contemporánea en Puebla se refiere.
Nuestra ciudad es un referente para el movimiento sonidero a nivel internacional. Esto ha potenciado toda una generación de selectors, dj´s y proyectos que en cierta forma hace suya dicha entidad cumbiera en Puebla, donde juegan e implementan esos sonidos y atmósferas a su estilo personal.
Con unos elementos mínimos logramos permanecer activos en lo que va del año. Gracias a las alianzas con productoras, músicos, colectivos artísticos, marcas autosustentables, prensa y talento emergente en Puebla que comparten este interés, se logró generar una fuerza de trabajo para ofrecerle al público una alternativa que siempre ha estado latente en la ciudad pero carecía de un apoyo extra.
Con la promoción de fiestas donde el común denominador fuese el baile y gusto por la cumbia, el proyecto fue evolucionando paulatinamente. Respetando la propuesta de cada talento, se convocó al público a partir de Rounds donde fuesen ellos los que con su voz y voto seleccionarán al rey de la cumbia digital en la pista de baile.
De esta manera, lo que está en juego no es la trayectoria personal de cada talento sino la respuesta del público. Es la gente la que decide quién avanza y quién no. A partir de estas premisas, la respuesta tanto del público como de los músicos es un grato reflejo de la necesidad que en este campo cultural se demandaba: Fiestas por el puro placer de la cumbia, un espacio donde los pasos de baile, la unión de un gremio o el ritmo, hablen y expresen más que las propias palabras.
Flyer Raspando El Piso Round 1
El viernes 3 de marzo, en un algún lugar de C.U., Raspando el Piso presentaba su Round 1 con dos batallas que hicieron cimbrar el suelo: Niño Perdido vs. Coladera D, y Ritmo Bestial vs. Stereo Revuelta. El flujo subsónico en el que se batieron estos cuatro representantes de la escena sigue presente hoy día. De esta ceremonia, Niño Perdido y Ritmo Bestial fueron los primeros semifinalistas elegidos por el público.
Flyer Raspando El Piso Round 2
El escenario del Round 2 no pudo ser mejor. Se duplicó la asistencia y se reafirmó la propuesta. El viernes 5 de mayo -fecha icónica-, el público tuvo la oportunidad de gozar dos batallas épicas: Secta Selectah vs. Bushaink, y Sonido Mamalón vs. Zayas. El sabor y calidad de los versus hicieron las delicias del público al organizar auténticos círculos de baile. La gente se entregó completamente a los cuatro maestros del ritmo esa noche, siendo Secta Selectah y Sonido Mamalón los elegidos para conformar la segunda semifinal, en una elección acalorada y reñida.
Raspando el Piso: Round Final. Lo que viene…
Este viernes 25 de agosto cerramos un ciclo. Estamos muy emocionados por la confianza que nos ha brindado la gente y los proyectos que se han sumado al nuestro. Hemos ido creciendo a la par. Atendiendo a las peticiones valiosas que nos han hecho, aterrizamos en Conejo Blanco (15 poniente #309) para devolverle al movimiento cumbiero digital en puebla el lugar que lo vio nacer, el centro histórico de la ciudad de Puebla.
La dinámica de la noche la activará el público con sus pasos de baile. Las dos semifinales establecidas son: Niño Perdido vs. Ritmo Bestial, y Sonido Mamalón vs. Secta Selectah, cuatro íconos del movimiento. Fundadores y representantes de la cumbia digital poblana. De cada duelo se elegirán a los dos finalistas que se batirán en un Round Final al término de la noche, para al fin conocer quién es el ganador de Raspando El Piso edición 2017.
Hacemos una atenta invitación para esos seres que les gusta persignar la pista, todxs aquellxs que les mueve la cumbia, la fiesta, el baile, el ritmo y el sabor, a unirse a esta celebración por el puro placer de la cumbia. Nosotros ya estamos puliendo la pista de baile, lustrando los zapatos, afinando las bocinas y ya pusimos a enfriar los tragos porque la noche del 25 de agosto será épica.
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Baby Driver: el arte también está hecho para entretener y la música para conectar
Por: Iván Martínez
Twitter: @AngelMetasystem
Baby Driver (2017), el más reciente film de Edgar Wright (Scott Pilgrim, Shaun of the Dead) destaca por dos cosas: un soundtrack explosivo, lleno de canciones de culto que van haciéndose película, y dos, el mejor alias que un personaje pueda tener: BABY ¡best alias ever!
Thank you very much, ladies and gentlemen
Rignt now I got to tell you about the fabulous
Most groovy Bellbotoms! Bellbottoms! Yeah!
-The Jon Spencer Blues Explosion
La escena de apertura es magnífica. Los rines negros de un Subaru rojo toman posesión de la pantalla. Silencio absoluto. Acto seguido, una mano sosteniendo un iPod negro, le pone play a la brutal ‘Bellbottoms’ de Jon Spencer Blues Explosion, y se siente la descarga de adrenalina. Lo cual no es gratuito, por un lado, es la banda favorita de Edgar Wright la que nos da acceso a la acción de la película, por otro, es esta canción la que originó todo el proyecto 20 años atrás cuando una noche el director visualizó una escena al más puro estilo de Bullit (1968), con el ritmo frenético de esta canción. Pero que ‘Bellbottoms’ haya sido el germen del filme ya invierte la relación clásica de la formula, pues fue la música quien hizo posible la historia y no al revés. De ahí que el flujo diegético se sienta en otro nivel narrativo, más personal y por ende con una detonación sensitiva más profunda.
Baby (Ansel Elgort) nos sostiene la mirada detrás de esas Ray-Ban Wayfarer icónicas que nos recuerda a los desgarbados The Blues Brothers y todo el tarantinísmo. Se entrega al beat en una coreografía que tiene su origen en un video que Mint Royale hiciera icónico en los 90´s, cuando el Big Beat británico proporcionaba a la juventud occidental el pathos necesario para reactivar la revolución generacional contra las costumbres rígidas que el rock ya había combatido años atrás. Al más puro estilo de ‘Blue Song’, los guiños son una delicia que nos transmiten la frecuencia creativa en la que se mueven ciertos directores contemporáneos como Wright. Aquí el paréntesis es inevitable, pues hay quienes reprueban que se sigan haciendo este tipo de producciones masivas donde el fin último del arte cinematográfico sea el gastar un montón de dinero para entretener al espectador, y es verdad. Solemos perder de vista que uno de los fines del arte es de hecho entretener, además de que la banalidad es un elemento clave del arte de masas.
En lo personal, el tema de que sea el soundtrack el punto de captación entre director/obra/espectador no me desagrada. Hay que entender las dinámicas en las que se desarrolla nuestro consumismo, y Wright lo hace muy bien. Nos entrega dosis de adrenalina, nos purga con el sincretismo drama-canción, además de que entiende las formulas sensitivas que un personaje puede sintetizar para generarle al espectador una identificación efectiva.
Todo este desarrollo de guiños pop, de referencias a la cultura de masas de la cual estamos hechos no tiene desperdicio para una generación que le debe más conocimientos a Tarantino, John Hughes, Danny Boyle, Richard Kelly, o a MTV, en cuanto a música y cultura se refiere. Incluso, no es gratuito que directores como Wright o James Gunn estén rescatando y reapropiándose de canciones para hacerlas protagónicas en sus proyectos cinematográficos. Muestra de que son hijos de una sociedad que creció con walkmans, Transpotting, El Vengador Tóxico y Sandlot. Destacaría de su selección la genial aplicación que hace de joyas como ‘Neat Neat Neat’ de los Dammed ¿guiño a Scott Pilgrim?, ‘Brighton Rock’ de Queen, o el arroz de todos los moles: ‘Tequila’ de los Champs.
En realidad la historia es simple, Wright no se arriesga en ese aspecto. Nos entrega una trama lineal. Baby Driver es la historia de un huérfano en busca de figuras paternas que tiene un talento para manejar automóviles, más cercano al arte, a la locura, a un devenir máquina que a un simple transportador de delincuentes. Comprometido en una relación laboral complicada con su jefe a quien llama Doc (Kevin Spacey siendo Kevin Spacey), se enamora del prototipo materno personificado por Debora (Lily James), una mesera que le recuerda a una canción de los enormísimos T-Rex, aunque parezca en realidad salida de un relato de Raymond Carver o una pintura de Edward Hopper. Siguiendo la fórmula clásica de todo romance action-fiction, a mayor incremento de pasión, mayor conflicto entre los partenaires. Al final, las fantasías de todo adicto a James Dean se cumplen sin riesgo. Conocemos la formula, no me detendré en este punto.
Lo que yo destacaría del filme, y en específico de la construcción de un personaje como Baby, sería la estela que su psicología deja en toda la diégesis: un ser dotado para un lenguaje artificial, en segundo grado, que difícilmente puede comunicar algo que no tenga que ver con canciones icónicas o ruedas. En efecto, es un artista del volante - menos oscuro que el Drive (2011) de Winding Refn- que no puede construir un discurso para otro sin la mediación de una grabadora, un iPod o un automóvil. Su historia personal se desprende de un drama familiar: un padre difuso, tirano y una madre amorosa (un cuadro que raya en el Animal Instinct de Cranberries). De su madre heredará el único objeto con el cual puede tener contacto con algún paradigma de amor en la vida: un reproductor de música.
Es claro que la música lo aísla de toda la violencia y caos del exterior, un equipo fobo-obsesivo que le proporciona la distancia necesaria para apropiarse de la sinergia cotidiana, haciendo de la vida un playlist. Desde luego que este mismo equipo será la pieza que pueda transferir todo ese amor por la madre a Debora. Pero Baby y ese pequeño objeto saturado de canciones nos recuerda también que frente a la caída de los grandes meta-relatos en la posmodernidad como los valores familiares, políticos y humanos, lo que entró en crisis fueron los medios con los cuales esos relatos se transmitían, es decir, que allí donde el sermón y el castigo reinaban, la censura del habla se volvió música. El iPod y el soundtrack son el verdadero discurso de Baby, mediante esa colección de canciones él se esta comunicado. La película tal cual se nos va presentando es desplegada y narrada gracias a este pequeño aparato. Es la música el verdadero protagonista de Baby Driver, el elemento que desencadenó una de las mejores películas de acción por la iconicidad y dirección. Refresca la cartelera de verano, pero también me deja en claro que esta generación se comunica con el mundo mediante la música, esta es su canal y su valor vital Algo que aplaudo a Edgar Wright es no perder de vista esto, sólo así se hace efectiva la interacción con el público.
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Okja, cine en la era del streaming y el gesto subversivo de Bong Joon-Ho
Por: Iván Martínez
Twitter: @AngelMetasystem
El pasado fin de semana al fin vi Okja (2017), el nuevo filme de Bong Joon-Ho y estas son mis impresiones. Éste texto no contiene spoilers.
Confieso que no conocía mucho del contexto de la película hasta enterarme de la polémica que suscitó en los círculos canónicos de cineastas -Pedro Almodóvar y medio Cannes estaban contra Bong-, esto a propósito de ser Okja contenido original de Netflix. Cosa que no es nueva, anteriores producciones de la franquicia ya se habían proyectado en el festival, pero su caso merece atención al haber sido Selección Oficial por la Palma de Oro, sin necesidad de llegar a una sala de cine. El filme de Bong Joon-Hu partió radicalmente las opiniones, por un lado, la ovación que recibió en el festival fue notable, por otro, la inconformidad de ser un filme hecho para la “televisión” y no para el cine ha causado un gran debate sobre el futuro del filme en la era del streaming. Aunque no ganó ningún premio en Cannes, su impacto recién comienza y no es gratuito, Okja es una película subversiva, altamente política y un llamado urgente a la reflexión de nuestra identidad como seres humanos.
El espectador que lee la descripción que la plataforma hizo de la cinta, descubrirá una trama más compleja de lo que parece. No sólo es la historia “de una enorme criatura y la niña que la crió”; la historia de Mija (An Seo Hyun) y Okja (un cerdo de 2 toneladas) es la superficie “fantástica” del estado actual de la industria alimenticia, nuestra conciencia de consumo, y la opacidad del discurso tanto “científico” como “humano”. El propio Bong Joon-Hu, ha dicho que Netflix fue la única productora que le dio total libertad creativa y cero censura, punto a favor del streaming.
Okja se conforma por tres núcleos narrativos entrecruzados: la historia de Lucy Mirando (Tilda Swinton) y los experimentos genéticos de Mirando Corporation (que incluyen al cuasi-malvado Giancarlo Esposito); la amistad de Okja y Mija y la lucha social del ALP, grupo de activistas donde podremos ver a Steven Yeun (Glenn de TWD), Paul Dano, entre otros. Siendo la primer historia, el soporte de las otras dos. De hecho, aunque las acciones se lleven a cabo en un “2017” ficticio, la historia comienza en Nueva York, en 2007, con el Corporativo Mirando y su nueva directora, Lucy Mirando, dando un discurso a los medios acerca de los niveles de hambruna alarmantes que sufre el mundo, puro pretexto para lo que vendrá. Además de acentuar la mala reputación que tiene el corporativo, la nueva CEO acusa a sus predecesores de haber tenido una “mala ética para los negocios e ignorar el lado humano en su producción”, tachándolos de “monstruosos”. Claro que el espectador pronto comenzará a sentir los efectos de su discurso, y para cuando acabe la película, gran parte de lo que ella dice al inicio es lo que nos dará una imagen más detallada del cuadro que Bong Joon-Hu está pintando.
Habrá que colocar especial atención a las frases que Lucy Mirando emplea para darle validez a su discurso. Ahí, gran parte de la crítica del filme se concentra: “eco friendly”, “madre naturaleza”, “cero modificaciones genéticas”, etc, frases comunes hoy en día, son usadas por ella para darle validez al “descubrimiento” de una nueva especie de súper cerdos: animales que crecen más rápido, más grandes, que comen y defecan menos, el sueño de toda industria alimenticia. Con éste pretexto, la corporación convoca a un concurso global: 26 granjeros alrededor del mundo, incluido el abuelo de Mija, tendrán la “oportunidad” de criar uno de estos “milagrosos cerditos” con sus métodos y tradiciones, en el marco del Best Super Pig, hoosteado por el “simpático” y oscuro Dr. Johnny Wilcox (Jake Gyllenhaal o Donnie Darko para los cuates). Éste es el prólogo de la película, de aquí se da paso a la historia de Okja y Mija.
Después de vivir diez felices años en las montañas de sur corea, es 2017 y Mirando Corporation exige lo “suyo”. Una vez más, la metáfora del invasor está expresada a todas luces con una ligera sátira al detrás de cámaras de todo espectáculo, ni el Dr. Johnny´s, ni el abuelo de Mija, se salvan de su poder. El desvelamiento que hay detrás del marketing eco friendly, se pone cada vez más oscuro. A medida que la épica se va desarrollando, Mija y Okja nos muestran involuntariamente una imagen muy explícita de lo que verdaderamente son nuestras causas, usos y costumbres en la ciudad. Bong Joon-Hu nos confronta una vez más con nuestros demonios más cercanos, los que habitan en los lugares comunes, y ni el activismo animal se salva. Veremos qué poco queda de ciencia o “eco-friendly” al final de la película, una vez que conocemos lo que hay detrás de los laboratorios, de una mentira o de una salchicha.
No contaré más de lo que debo, los que ya han visto el filme sabrán a lo que me refiero, y los que aún no la han visto terminarán por saberlo, y es que en esta historia “fantástica” hay mucho terror por parte del ser humano. En su trama se oculta un núcleo duro de preguntas que incluso fragmentan la propia idea de ser humano y la manera en que éste se relaciona con los demás seres en el mundo. Ahí radica el gesto subversivo de Bong Joon-Ho, nos muestra a partir del contraste entre naturaleza y cultura que la verdadera crisis actual pasa por un tema de incomprensión e invasión al otro.
Cuando terminé de ver Okja, me pregunté por el significado que tiene el otro en mí, lo que me representa alguien que no soy yo, el tipo de fuerza que hay entre ese «otro» y «yo», aún cuando nuestros cuerpos, nuestro lenguaje, nuestro origen sea totalmente distinto, la posibilidad de amor y comprensión que puedo encontrar en él -ese es el valor de la historia de Okja y Mija. Por otra parte, también me pregunté qué puede significar lo otro para mí, entendido como aquello que me es familiar pero marca un límite, aquello que creo conocer pero del que sé muy poco: una idea, una ciudad, un alimento, la muerte incluso –esa es la inquietud que me deja la historia de Mirado Corporation.
Este hilo de preguntas que no ha cesado de deshilarse desde los créditos, me ha exigido cuestionar también mis hábitos en un mundo donde la distinción entre lo natural y lo artificial es opaca, también cuestionar los productos en una ciudad donde las Corporaciones son Imperios que modifican nuestra humanidad, y donde la humanidad no sabe de dónde viene ni a dónde va lo que consume, un sociedad donde la mayoría de las veces sólo tenemos acceso a una etiqueta, a ver sólo una marca comercial, sin saber quién o qué está detrás de nuestro dinero. También me ha hecho preguntar qué tanto sabemos de nuestras acciones e ideas, en una sociedad que actúa según lo que la pantalla le proyecta, y que las defiende, muchas veces, sin pensarlas. Al final me quedo como Okja, con esa mirada que parece haberlo visto todo sin entender casi nada. En tiempos raros, caóticos y enfermos, la salvación está en ese cuerpo que nos abraza, nos habla y escucha cuando le susurramos al oído.
Si te gustó mí punto de vista no dudes seguirme en mis redes sociales donde constantemente subo recomendaciones de películas, libros, música y todo lo que nos salve del horror.
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Imaginar que "despiertan" de su condición de enajenados, alienados, dormidos, prisioneros etc., y que logran salir del Set de TV (o la caverna), y sólo después de algún tiempo "ahí afuera", quizá, un día descubren que esa era otra caverna, otro set de TV mucho peor que el de Truman Show, y un día se lo piensan en que no hay una "diferencia" notable entre estar en un afuera o un adentro de la caverna, puesto que la caverna misma es la posibilidad y condición misma del que sea pensada: otro nombre de la idea, de la repetición. Que despiertos o dormidos están dentro de la caverna, que ese sol que ven como la señal positiva de que han salido de ese oscuro lugar "oscuro" es tan artificial como las sombras que se proyectaban en los muros. Lo que llamamos pensamiento, mente, ideas, significación, es-la-caverna, el set de grabación más viejo donde hay que proponer otros relatos antes de "desear" salir de la transmisión.
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¿A dónde van los seres salvajes cuando huyen?
Por ese entonces tenía 24 años y a un paso de los 25, había perdido sueños y esperanzas pero había ganado una patria*. Un lugar que me sacudió desde el inicio. No sé a dónde van los seres salvajes cuando huyen, no sé a dónde van los deseos no cumplidos, pero en lo profundo aún aparece su silueta. Mí patria, un precipicio que si no hubiese trastabillado en el momento de la caída, un vórtice que no hubiese cruzado si no hubiese tenido la certeza de trenzar sus manos, mí patria, aquella que posiblemente aún espejearía desde lo lejos en este mar negro) en el que por momentos me hundo, y en el que necesito seguir moviendo los pies, sin certeza del por qué los muevo, sin un rumbo a la deriva en el cual tenga que llegar. *Este texto está ligeramente basado en los "perros románticos", pero a su vez, está en su mayoria basado en la vacuidad de la nostalgia, en la desoladora imagen de lo que no fue y pudo ser. https://youtu.be/rVeMiVU77wo
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Amazing wall from the buddy @brendantheblob for #interurban with @landstudio . (at Cleveland, Ohio)
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Automata Graphics: Colossal Collabs
Automata Graphics aka Spencer is a student currently studying computer science for visual media at university. He is deeply involved in the GIF creators community. The colorful digital LSD above is the result of collaborations with 3 cutting edge artists who are elevating the GIF game to a fine art. They are:
Rosie Roche | FeatherFurl | XC’s own Pi-Slices.
Cross Connect on Facebook is the only drug you’ll ever need.
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[De la inestabilidad y confusión, el indígena aprendió a negar su propia identidad y valores culturales, entre ellos, la lengua (...) Así el indio terminó el siglo del llamado México independiente sin ninguna personalidad y soslayando su propia realidad en medio de un discurso mistificador de la identidad y la nacionalidad mexicana] -Rebeca B. Villanueva. #mexico #sangreypatria #monoculturalismo #mexicanindependenceday #mexicanflag #poscolonialism #poscolonialismo #mexicanculture #mexicancurious #ideology #aesthetics #patria #imdependenciademexico #marginalized
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