#Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica

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Presentaron documental de Educación Intercultural Bilingüe

#Jujuy #Educación | Presentaron documental de #EducaciónInterculturalBilingüe

El Ministerio de Educación presentó el documental “La Educación Intercultural Bilingüe y sus trazos en la historia: una mirada desde Jujuy”.El documental desarrollada en el marco del proyecto “Proceso de construcción de la Educación Intercultural Bilingüe en la Provincia de Jujuy: desde sus orígenes hasta la actualidad”, estuvo a cargo de la Coordinación de Educación Intercultural Bilingüe (EIB)…

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#Andrea Bellone #Consejo de Organizaciones Aborígenes de Jujuy #Cristina Martínez #docente indígena #Documental #Educación Intercultural Bilingüe #EIB #ENERC #Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica #Instituto Educativo Superior Indígena #Lorena Montes #Mario Acho #NOA #Otilia Subia #pueblos indígenas #Roy Easdale

[whileiamdying]

Pablo Buratti, el argentino que dibuja lo que Almodóvar imagina para sus películas

4 septiembre 2023

Presentación del libro Storyboarding Almodóvar, de Pablo Buratti en la librería madrileña La Mistral. EFE/Ailén Montes

Por Ana Báez

Madrid (EFE).- El guionista gráfico hispano-argentino Pablo Buratti lleva más de una década dibujando lo que el director español Pedro Almodóvar imagina para sus películas antes de rodarlas.

El ilustrador formado como diseñador gráfico y cineasta en la escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) en Buenos Aires, explica a EFE en una entrevista que su trabajo intenta “interpretar la mente de un director y bajar (las ideas) a un formato concreto que es el dibujo”.

“Me siento con Almodóvar y empezamos a visualizar un poco las secuencias que hay que dibujar. Él tiene muchas cosas bastante claras, la mayoría de ellas. Otras estamos en un proceso de búsqueda tratando de encontrar a través del guion gráfico o de otros recursos propios del proceso de producción lo que él necesita”, relata.

Interpretando a Almodóvar

Buratti (Corrientes, Argentina, 1975) refleja esa capacidad de “interpretación” del “storyboard” o guiones gráficos hacia “la necesidad visual” del realizador en “Storyboarding Almodóvar”, publicado por Dolmen Editorial y presentado recientemente en la librería madrileña La Mistral.

El libro compila cinco películas en las que colaboró con Almodóvar: “Los abrazos rotos”, “La piel que habito”, “Los amantes pasajeros”, “Julieta” y “Dolor y Gloria”, más “La voz humana”, un cortometraje protagonizado por la británica Tilda Swinton.

Presentación del libro Storyboarding Almodóvar, de Pablo Buratti en La Mistral de Madrid. EFE/Ailén Montes

El autor reconoce que “participar en el proceso creativo” del director español le ha permitido aprender todo de “primera mano”.

“Almodóvar me invita a participar en el lugar en donde van a suceder las cosas, ir a los ensayos, ir a las localizaciones con el reparto”, agrega.

“No hay nada más colectivo que el cine”

Además de Almodóvar, Buratti también ha trabajado para directores de la talla del español Alex de la Iglesia, el iraní Asghar Farhadi o la estadounidense Reed Morano, y comenta que el diseño del guion gráfico “es diferente según cada realizador”.

“Uno tiene que entrar en los códigos. Hay directores que son mucho más visuales y hay otros que son más narrativos, entonces la cabeza (del guionista gráfico) tiene que decodificar y adaptarse al perfil”, subraya.

Para el ilustrador correntino “no hay nada más colectivo que el cine”, ya que esta “decodificación” de la imagen es un “trabajo casi de simbiosis en la que no solo participa el guionista gráfico, sino también el equipo de producción, de arte y técnico”.

“Definir tu diferencial”

No hay “un manual” de introducción al mundo del cine, pero de acuerdo con el guionista gráfico del cortometraje “Extraña forma de vida” lo importante es que cada uno “defina su diferencial”.

“En mi caso no era el dibujo, como dibujante yo dejaba mucho que desear y probablemente siga siendo así. Pero mi capacidad de utilizar el dibujo en el cine (…), de que los directores me dijeran que a partir de mis dibujos podían ver la película que tienen en su cabeza con mucha antelación, me permitió generar ese diferencial”, argumenta.

Presentación del libro Storyboarding Almodóvar, de Pablo Buratti en la librería La Mistral de Madrid. EFE/Ailén Montes

En cuanto a la demanda del guion gráfico en la industria del cine, Buratti tiene la sensación de que “esta herramienta está siendo cada vez más reclamada en todo tipo de producciones” y está logrando salir del “nicho de los contenidos publicitarios y de acción”.

Como parte de la gira de su libro, Pablo Buratti se presentará al interior de Argentina, además de la ENERC.

Su texto podría tener un “segundo volumen con las películas que se quedaron fuera” y trabaja en acuerdos con editoriales locales para que su obra se publique en América Latina.

#Cinema #Pablo Buratti #Asghar Farhadi #Ana Báez #Pedro Almodóvar

[barilobarilonoticias]

Sector audiovisual: se viene una capacitación en presentación de proyectos

Hasta el viernes 21 de abril y con cupos limitados estará abierta la inscripción para participar de la capacitación virtual “Presentación de Proyectos Audiovisuales” que será coordinada por la Secretaría de Estado Cultura a través del Polo Audiovisual en articulación con la Coordinación de Extensión Académica ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica). La…

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[micaelaszmiguelav]

Construcción de un personaje distinto

Entrevista sobre la contruccción de personajes LGTBQ+, con Crhistian Busquier Guionista argentino. Egresado de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) como Guionista y del Centro de Investigación Cinematográfica (CIC) con el título de Realizador Integral de Cine y Televisión.

disfruta un pequeño fragmento acá, charlas de cuarentena

#Youtube

[tiempoapartecine]

Presentación

¡Hola! Mi nombre es Virginia Torterolo, tengo 21 años y soy estudiante de cine.  Vivo en Buenos Aires, Argentina. 

 En Mayo de 2022 escribí el guión de mi primer cortometraje “Extraños en la noche”, del género comedia, producido por mi productora independiente “Catarsis audiovisual”.  Actualmente el proyecto se encuentra en la etapa de montaje. 

Estudié en diversos talleres de escritura en la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), con la escritora de viajes Aniko Villalba y con el guionista y director de cine Fernando Salem. 

Actualmente estoy en proceso de desarrollo de dos guiones cortometrajes. 

En este blog, compartiré algunos textos, cuentos y análisis de películas. 

[noisesweetnoise]

Estanislao López, el productor que está moldeando la movida musical alternativa

El productor, músico e ingeniero de sonido oriundo de Capital Federal viene trabajando hace casi una década con las bandas más influyentes del underground argentino, una escena que “está empezando a calentar los motores para algo que está muy bueno”.

Estanislao López, director de una nueva generación del rock (Foto:Nicanor Maldonado)

Todo comenzó cuándo tenía 16 años, y un amigo lo invitó a operar sonido en vivo para artistas como Amelita Baltar en el mítico bar Clásica y Moderna. Hoy, dirige Casa del Puente Discos, uno de los sellos independientes más importantes de nuestro país, fundado por Cecilia Amenábar, la artista exesposa de Gustavo Cerati, y Pedro Moscuzza, de la icónica banda marplatense Altocamet. Produce a las bandas más importantes de la escena como Riel, Atrás Hay Truenos y Pyramides. Pero entre medio trabajó con el Flaco Spinetta, se codeó con los mejores productores estadounidenses y trabajó en el sonido para el cine y la televisión.

¿Cuál fue el primer contacto que tuviste con la música?

Cuando era chico, mi viejo escuchaba Depeche Mode, The Cure y The Police, y mi vieja tenía la compilación de rock nacional de la revista Noticias, con los que conocí a Calamaro, a Charly (Charly García) y a Los Abuelos de la Nada. Flasheé mucho con los Abuelos, fue el primer CD que me compré.

Instrumentos empece con la batería, a los 15 más o menos. Estudié un par de años en un conservatorio. Fue la primera vez que tocaba algo con más gente y veía que se genera cuando varias personas vibran juntas. Después, a los 16, estudié armonía aplicada a la guitarra con Sebastián Barbui,  hermano de la vida y tremendo guitarrista. Yo quería hacer canciones, quería una melodía. Ahí nos hicimos íntimos amigos, terminamos tocando juntos y laburando con Amelita Baltar y varias bandas de jazz y tango. Después estudié en Tecson, una escuela de grabación y post-producción de audio, y en el ENERC (La Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica).

¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Hay algún disco que te haya cambiado la vida?

Varios discos me cambiaron la vida. El primero fue Nevermind. Recuerdo escuchar Smells Like Teen Spirit en el programa de Ruth Infarinato, Conexión MTV, re de los ‘90. Esos acordes del principio junto con la bateria de Grohl que entra me explotaron la cabeza. No sabía lo que era, pero lo quería.

También la primera vez que fui a Cemento, con mi tío político, que es además un hermano de la vida. Él me invita a ver a la banda de un amigo, que era Darío “Pelado” López, bajista de Fun People. Con trece años, entrar a Cemento y ver a esa banda, el mosh, el pogo y la locura que hicieron. Me voló la cabeza.

Inevitable decir Loveless, de My Bloody Valentine, o Disintegration, de The Cure. ¿Cuántos bondis habré tomado escuchando esos discos? Podes estar millones de horas y es interminable el análisis, pero son las canciones. The Head on the Door, Pornography, 17 seconds… una carrera tan prolífica tiene The Cure. Y es la cabeza de Robert Smith. Acá los vi en River Plate, pero los volví a ver en 2018 en Hyde Park, Londres, por su aniversario. Había terminado una gira en Sudamérica y fui a Europa a hacer un par de laburos, y estaba justo en Londres. Fue una emoción tremenda. Cantaron los temas más clichés… digo, tocaron Boys Don’t Cry, ya casi al final, y viste cuando decís “¿cuántas veces habré escuchado este tema?”, pero arrancó y me emocionó. Volví a tener los 13/14 años que lo escuché por primera vez y me “fuckdeapeó” la cabeza.

Hablando así de influencias y de grandes ¿Qué se sintió ese encuentro que tuviste con Charly García? ¿Y aquel encuentro con el Flaco Spinetta?

Un flash. A Charly un par de veces ya me lo había cruzado, pero justo fue para el cumpleaños de una amiga que era el día siguiente, y ese día era mi cumpleaños también. Escuchamos los demos de su disco nuevo un par de veces, fue muy lindo. Y bueno, es Charly ¿no? ¿qué decir de Charly? En un momento habían puesto un disco de GIT y Charly decía: “Este lo produje yo”, después uno de Suéter, que a mí me encanta, y salta de nuevo: “este lo produje yo también”. Y claro, la mitad del rock nacional lo produjo Charly.

Y bueno, lo del Flaco fue tremendo. Para mí el Flaco, y Gustavo (Cerati), fueron muy grosos. Calaron a un nivel en el inconsciente colectivo muy profundo. Y tener la oportunidad de estar ahí con Luis, interactuar un rato, estar laburando, y después estar mezclando eso y escucharlo también, fue muy emocionante. Yo era chico, además, tenía como 23. Fue una de las primeras veces que sentí que estaba haciendo algo que siempre quise hacer. Y eso es lo lindo. Después no sé dónde quedará o que es lo que pasará, pero no es lo que importa, Lo lindo es vivir esa experiencia, transitar eso. Tenía ganas de conectar con esas personas, te deja un montón de enseñanzas. Es algo que te vas a acordar siempre.

¿Hay alguna otra figura que te hubiera gustado conocer?

Siempre hay alguien que uno tiene ganas de conocer. A Gustavo no llegué a conocerlo, pero soy muy amigo de una buena parte de su familia. Lisa y Beni (Cerati) son dos personas que quiero un montonazo, dos grosos, y de alguna manera es como que uno va armando el rompecabezas de lo que fue la persona a través de la familia y los afectos. Eso es lo lindo también. Yo nunca fui de idolatrar o poner en pedestales, siempre me interesó la parte de la persona. Son todas personas, al fin y al cabo, que se van a dormir igual que vos y yo.

Me acuerdo de una vez que tuve un par de reuniones en Ciudad de México. En la primera noche, y mi primera vez en esa ciudad, me siento a comer en una taquería, y se acerca un pibe cantando “me verás caer, por la ciudad de la furia”. Muy loco estar en México y que lo primero que me recibe sea un tema de Soda. Del habla hispana, Gustavo fue el más groso creo yo, el que más llegó. Le tocó una buena época, pero laburaban mucho, ensayaban todos los días. Un iluminado, pero consciente o inconscientemente se dio cuenta de eso y lo laburó. Como el Flaco, un artista tan prolífico. Ves la discografía de Soda y de Gustavo, y es impecable, y hacían lo que tenían ganas de hacer.

Vos comenzaste tu carrera trabajando para la televisión y el cine. Llegando incluso a Netflix, Google y otras empresas. ¿Cómo fue que decidiste dejar eso y volver de lleno a la música?

Fue en parte una necesidad, de haber arrancado de chico y tener que subsistir. El cine me encantó siempre, ahí laburé una bocha y cada tanto alguna que otra cosa en esa area hago, pero me acuerdo que cuando terminé Tecson me ofrecieron dos laburos: como asistente en El Pie (El Pie Recording Studios), o como operador de Pro Tools en un estudio de post-producción de doblaje y televisión. En el segundo pagaban mucho más, y yo no tenía un mango. Porque en esa época laburaba y estudiaba, y los fines de semana tocaba. No tenía vida. Apenas terminé el ENERC dejé ese laburo y empecé a laburar por mi cuenta.

Y después en Los Ángeles laburé haciendo foleys (efectos de sonido para el cine). E igual, tenía que hacerlo. Nunca tuve la solvencia económica como para estar tranqui y esa es una ciudad cara. Me fui a vivir a lo de un amigo que abajo tenía el estudio. Me metí super rápido, pegamos buena onda. Soy bastante laburador, muy organizado y le meto para adelante. Lo valoraron y me dieron una gran oportunidad. De hecho, los gringos de la industria son especiales para laburar, muy sectarios. A la gente que llega de afuera no le dan mucho espacio, sobre todo a hispanohablantes. Y llegó a un nivel que cada vez que voy para allá me preguntan si tengo tiempo para laburar.

Igual, cuando voy hago otras cosas. Está bueno porque se paga bien, pero que se yo, estoy en otra. Se empezaron a dar tantas giras, tantos shows, tantos discos que con eso puedo vivir bien. No estoy tirando millones de dólares como Ricky Fort pero no me quejo, me va bien, estoy cómodo.

Y en cierta medida lo disfrutás más…

Total. Además, hace un par de años puedo elegir con que artistas laburar y con cuales no, y eso me parece clave. Estoy en un momento de mi vida en el que todo lo que haga quiero que me sume a nivel espiritual, que me deje algo, que me enriquezca como ser humano. Más allá de la plata, porque al fin y al cabo la guita no sirve para nada. Para comprar dos boludeces, pagar el alquiler y la comida.

Y más equipos…

Claro, que siempre se necesitan y nunca son suficientes. Pero a lo que voy es que está bueno lo que te deja algo. Me han llegado varios mensajes o proposiciones para laburar con ciertos artistas o de otros géneros que quizá no me ceban ni me entusiasman tanto, al menos ahora. Y es como “mirá, yo personalmente no hago mucho esto, así que si querés te recomiendo a alguien que lo va a hacer muy bien”. Y prefiero eso: los artistas que tienen una búsqueda, las cosas de verdad, que me dejen algo a nivel espiritual.

El signature está siempre. Si uno está, ya está dejando una marca, y eso significa algo. Con el tiempo aprendés a verla. Quizá al principio no la ves, pero esta misma entrevista que estamos haciendo tiene tu marca porque vos la estás haciendo. Uno deja impresa una parte de uno, porque es inevitable.

Significa exponerse, pero es de lo más sincero que puede haber…

Totalmente, y al fin y al cabo es expresarse. Todo es expresión, venimos acá a expresarnos de alguna manera. Para poder encontrar y encontrarnos a nosotros mismos. Ya estar acá es una expresión, un dictamen de algo. Por eso estamos acá, y para entender un montón de cosas.

Yo lo que busco personalmente, como productor, ingeniero y músico es transformar una energía en otra. Un transductor, que es esto, un micrófono, que convierte vibraciones en electricidad, que se codifica en ceros y unos para que quede en el disco rígido. Estás haciendo lo mismo, transduciendo la vibración de alguien. En esa transducción ya queda impregnada una marca. Hasta este mismo micrófono tiene una respuesta en frecuencia que es única. La pregnancia de uno está siempre, a veces la podés encontrar más o menos. Lo importante es siempre ver que es lo que necesita la banda y siempre adaptarse… es una simbiosis, uno debe adaptarse a la banda, y la banda debe entender la estructura que le das para trabajar.

Por algo te eligieron…

Claro. A veces la banda no tiene una estructura y la necesita. Quizá nunca la tuvo, o la que tiene no le termina de cerrar. Entonces la idea es siempre armar una unión. Por ejemplo, siempre es un tema complejo el cómo cobrar siendo ingeniero de sonido, de cuantas correcciones te pueden pedir, a veces son millones y a veces la versión número uno es perfecta. Pero yo en el presupuesto que paso de lo que sale la mezcla por canción están incluidas las correcciones. Porque mi idea no es decirte “vamos hasta acá y es esto”, quiero que vos, como artista, te vayas contento, y hasta no conseguir eso no paramos. Que lleve el tiempo que tiene que llevar, en tanto y cuanto sea racional, no un delirio místico, que a nadie le sirve.

Hay un disco que estamos hace dos años haciendo. Y ya sé que es increíble, y las canciones una bomba. Los Truenos (Atrás Hay Truenos) son grandes artistas. Diego, el bajista, es un músico tremendo, Robbie, el cantante, es poeta e interprete excelente. Y bueno, la búsqueda de ellos va por el lado que estamos transitando.

Pero eso es lo importante, la simbiosis. A nivel de que en los ensayos de los Truenos me cuelgo yo la viola. Hay arreglos y armonías que armé yo para que Robbie pueda estar más cómodo cantando. Es como que nunca hay una forma, esta es la primera vez que me pasó eso.

¿Creés que el rol del productor ha cambiado? Vos estás en casi todas las etapas de producción de un disco

Yo creo que el rol del productor nunca cambió y cambia siempre. Nunca cambió porque en realidad es tan distinto, tan único y personal, que no hay ninguna línea. Yo no estudié producción musical. El primer disco que produje no sabía que lo estaba produciendo. Me llegó el CD y decía “producido por: Estanislao López”, y dije “¿esto era producir?”. Siempre me pregunto, ¿Qué carajo enseñarán en una carrera de producción musical? Obviamente en Berkley tienen un sistema buenísimo. Por algo es la mejor universidad de música del mundo. Pero a lo que voy es la parte psicológica. Cuando me preguntan “quiero ser productor ¿Qué tengo que estudiar?”, y andá a estudiar psicología, porque lo que hay que saber es como encaminar un grupo humano para sacarle el mayor provecho y poder llegar a un producto terminado.

A nivel humano es muy complejo producir un disco. Es como desnudarse, lo más profundo que tengas. Obviamente, la música va por ese lado, por expresarlo. Pero es eso, el rol del productor es tan único como cada persona que hay. Hay algunos que se quedaron más atrás, otros que están más metidos. Hay un documental muy bueno que se llama Shangri-La (2019), y es sobre el productor Rick Rubin. Él hizo algunos de los mejores discos de la historia de la música y encima hace meditación trascendental, muy espiritual. Labura mucho desde ahí, y su forma de producir es única: anda descalzo para sentir la conexión con la tierra, vive en un rancho en Malibú y cuando va a producir se sienta al lado de la ventana mirando al mar, mientras escucha y charla con el artista. Pero ni siquiera se sienta a la mesa, eso lo hacen sus ingenieros y asistentes. Él está del lado de cranear y de conectar con la persona para que se genere esa vibración. Bajar esa información que viene de más arriba para que funcione.

Y después tenés otros productores que son muy duros con los músicos…

Por ejemplo, Martin Hannett, de Joy Division. El tipo mezclaba con el fierro ahí para que no lo molestaran. En un documental sobre la banda mostraban a los músicos diciendo “che, pedile que baje la guitarra esa, está muy fuerte”, “no, no. Yo ya la pedí que baje el bajo, andá pedile vos”. Y claro, si tenía un fierro ¡el tipo estaba re loco! Pero bueno, produjo Unknown Pleasures y Closer, un par de disquitos. No hay recetas de nada.

¿Y sentís que hoy se le presta más atención o tienen más oportunidades los productores?

Creo que hay más visibilidad porque la conectividad que tenemos es más grande. Ahora se visibilizó ese lugar, principalmente por eso. Lo podés seguir en Instagram y ves lo que sube, entonces empezas a investigarlo. Tenés un historial, la vida del chabón quizá. Cualquiera que ve mi Instagram scrollea para abajo y tiene bocha de data desde hace cuatro años. Es un “uh mira que loco este pibe/esta piba que produce. Uh mirá laburó acá, allá”. Está bueno.

¿Pero no sentís como que los artistas remarcan también la importancia de los productores? Hoy tenés temas en los que aparecen como colaboradores.

Pasa que cambió la industria también. Cambia todo el tiempo. Hoy el productor a veces ni siquiera sabe qué hace. Yo me pregunto “¿Qué carajo hace un productor?”. En muchas ocasiones termino haciendo de todo: tocando, como ingeniero, como productor, como beatmaker. Es complejo saber puntualmente que es lo que hace, ponerle una etiqueta.

Es un trabajo muy multifacético.

Es muy multifacético, o tan multifacético como vos quieras. Te metés hasta donde querés, hasta donde podés o hasta donde te lo piden. A veces te lo pueden pedir, pero no lo podés dar.

Siempre fui muy lanzado en ese sentido. Para la primera gira que me llamaron para ir a Estados Unidos me dijeron “che necesitamos un operador -como yo, hasta ahí vamos bien- y un tour manager”. No tenía la más mínima idea que era eso. Y dije “vamos”. Una gira por Estados Unidos, quince fechas, Nueva York, Los Ángeles, Chicago, Miami… ya ni me acuerdo, un montón de ciudades de Estados Unidos. ¿Te voy a decir que no?

Medio como un autodidacta lanzado…

100%. Viendo y aprendiendo de la gente de afuera. De las bandas con las que girábamos. Muchos me han llamado para ir a laburar con ellos allá, e ir a hacer giras. Al menos les gustó. Pero más allá deese laburo de guerrilla del sonido en vivo que es super complejo, pero que lo sé hacer, es el mantener también el grupo humano. Una gira es muy desgastante, muy cansadora. Hay gente que se estresa mucho – yo me estreso- pero también hay gente que se estresa y se pone mala onda. O es medio padre prohibitivo. No, yo soy más “hace lo quieras, vos mañana tenés que estar acá a tal hora para hacer tal o cual cosa, sino el que se jode sos vos. Perdés guita, no te traemos más”. Responsabilidad mutua y las cosas claras. Bueno, también tuve suerte de trabajar con gente copada. Me he cruzado con algunos flipados, siempre los hay, pero son memorias divertidas.

¿Trabajarías en algo “más pop”?

Depende de si me gusta el proyecto, si el artista tiene algo para contar. Ahora estoy trabajando en un par de discos con sellos más grandes y obviamente está buenísimo. Hay más presupuesto, es más fácil, pero me tiene que interesar al nivel humano. Si el proyecto está bueno y está bueno lo que hace, re contra. Pero antes de pasar un presupuesto o número para algo siempre pido que me pasen un demo para escuchar que vienen haciendo, tomo un café o una birra con el artista y veo que pasa. Sino es una tortura. Ya me ha pasado, “¿para qué me metí en ésta? ¿Por cuánto? ¿Qué te vas a comprar una casa con esa guita?”.

Sobre los singles que lanzaste, Despertar y Hanza / Niza. ¿Cómo surgió la posibilidad de hacerlos? ¿Cómo varía producir para vos mismo en vez de para otros?

Es dificilísimo, un quilombo. Al menos para mí. Hay otros productores que quizá les es mucho más fácil. La verdad es que son temas nuevos y viejos. Niza lo hice cuando tenía 14 años, muy chico, y la letra cuando tenía 18 años, en el sur con unos amigos, mirando las montañas, plena observación.

Pero más allá de eso, para mi es super difícil producir para mí. Igual, tengo ganas de sacar un disco mío. Personalmente creo que me merezco tener uno.

Es un hito en la carrera de uno tener un disco.

Es lindo, y a mí me gusta “experienciar”, vivir eso. El tema de sacar un disco, “cranearlo” y ser vos. Eso es tremendo. Y me gusta experimentar eso para después poder transmitirle algo al artista con el que esté laburando que le sirva. La mejor forma de aprender algo es vivirlo.

¿Por qué es tan difícil trabajar para vos mismo?

Estás vos solo. Tener el feedback y el ida y vueltate ponen en perspectiva. Ponele, yo cuando mezclo nunca mezclo y lo mando al toque, sino que lo hago y al día siguiente lo vuelvo a escuchar muchas veces, hago una mínima modificación y lo mando ¿por qué? Porque es ganar perspectiva, limpiar la oreja y la cabeza de lo que vengo pensando para después escucharlo como lo haría otra persona, un poco más alejado, y de ahí volver a entenderlo. Esa perspectiva en uno es más difícil, sos vos con vos y vos. Y nada más. Entonces a mí, personalmente, me resulta más complejo.

Ahora si, hablando de la movida. Está este movimiento de bandas, del que vos sos parte, que tienen un sonido que se asemeja mucho al rock alternativo de los 90’. Y a la gente le está gustando ¿Vos lo ves como una continuación de la “móvida sónica” argentina? ¿o es otra cosa?

Yo creo que tiene mucho de eso, y los chicos agarran mucho de esa movida, pero no sé si es una continuación. Hubo un bache grande en el medio. Creo que la rueda ahora empieza a girar a nuestro favor un poco más tambien. Lo digo de haber estado laburando todo este tiempo en el que era un poco más complejo, hoy en día yo creo que hay una escena que está como a punto de ebullición, empezando a calentar los motores para algo que está muy bueno. Y bueno, mi idea es tratar de alimentar eso lo más que pueda. Porque creo que realmente vale la pena, hay pibes y pibas tremendamente talentosos. No sé si sería una continuación, sino más bien una nueva era. Rompen más esquemas todavía.

¿Por qué creés que estuvo ese bache ahí?

Es difícil. Yo creo que los primeros discos que hice se podrían considerar una continuación. De hecho, esos primeros discos nacieron un poco con el revival del shoegaze que hubo ya hace unos años. Asalto al Parque Zoológico, La Suma de Todos los Tiempos, Niños del Parque, los primeros discos de Riel, que es una banda que tiene diez años ya. Esos discos fueron el revival latinoamericano del shoegaze. Son bandas que hoy ya no están tocando o están en pausa, y es muy loco porque me escribe gente joven, pibes de 20 años. Por Hexadecimal, de Asalto, que ya salió hace unos ocho años,o por Un Punto Azul Pálido de Niños del Parque, ni hablar por Riel que sigue activa. Eso es lo que me asombra.

Lo de hoy se puede ver como la nueva ola. Lo están dando vuelta. Cada banda tiene mucha personalidad, eso me gusta. Vos escuchás Mujer Cebra, a Buenos Vampiros o al Club Audiovisual y aunque estén en la misma movida no tienen nada que ver.

Siento que hay muchas bandas muy buenas, me pone muy contento. Es lindo ver que la música llega. Y hay contextos en los que es difícil.

Más hoy, que estamos hiper-conectados pero nadie te escucha

Es difícil, pero hay una movida y lo mejor es ir y apoyarla y vivirla. Porque eso es lo lindo. Yo viví varias movidas así y la experiencia es increíble. Ver en Cemento a Los Violadores, Fun People, Loquero, Flema, El Otro Yo, que me gustaba un montón. Abrecaminos fue un disco que nos marcó a toda una generación post-Cromañón. soy hijo de esa época, no podíamos tocar, no había shows ni recitales.

Esa fue una época increíble. Ir a la Bond Street los sábados a comprar discos y eso. Me acuerdo de Suárez, que los discos no los conseguía en ningún lado, hasta que un día encontré el paquete de la discografía completa. Los sigo teniendo, son tesoros. Hace poco me mudé y me di cuenta de que tengo como siete cajas de discos. Es algo de lo que todavía no me quiero desprender. Era muy lindo eso de buscar el disco, tenerlo y escucharlo. Y yo era capo de la mafia de copiar CDs. Mi tío tenía una copiadora de lentísima, que capaz te arruinaba los CDs, pero él me hacía la copia, y buscaba y hacía las tapas. No tenía la plata para comprar todos originales, pero necesitaba escucharlos. Es un objeto muy loco hoy en día. El vinyl es muy hermoso, pero tiene sus limitaciones, la practicidad del CD es otra. Yo tenía mí discman Sony amarillo, era mi herramienta de vivir. Gracias a eso sobreviví la adolescencia, escuchando música todo el tiempo, el escape típico.

Hablaste de Suárez, que fueron de las primeras bandas independientes de la escena. ¿Qué tan importante es el condimento independiente que tiene la escena?

La autogestión es clave porque si no te vas a morir esperando a que un sello un poco más grande te de pelota. Ahí el DIY (hazlo tú mismo)es todo. Soy estandarte de eso, pero también sé que a veces hay cosas que se hacen muy complejas. Recuerdo al Nekro (Carlos Damián Rodríguez) organizando giras en Japón u arreglando para grabar The Art of Romance con Steve Albini en Boston, en el ’98, a través de fax, llamados telefónicos y cartas. Un genio del do it yourself, e icono de la movida hardcore y punk de Buenos Aires. Es muy importante el DIY, sobre todo para lo que hacemos nosotros.

¿Cómo fue que llegaste a Casa del Puente?

En realidad, ellos empezaron a editar discos que yo había producido. Ahí me hice muy amigo de “Crijo” (Cristian Jofré), el label manager anterior, que también era operador de Altocamet. Él se fue a vivir a España, así que lo reemplacé como operador, y en la gira por Estados Unidos con Altocamet me hice muy amigo de Pedro (Moscuzza), el director artístico del sello. Empezamos a laburar juntos, y a los pocos meses lo oficializamos, por llamarlo de alguna manera. Y por Pedro la conocí a Ceci (Amenábar), y ahí a Beni y Lisa (Cerati), y se empezó a armar un grupo que está buenísimo y hoy son muy amigos míos.

¿Qué se siente estar trabajando ahí, donde han pasado grandes exponentes de nuestra cultura que suenan mucho acá y afuera?

Está buenísimo. Es lindo cuando vamos de gira, encontramos muchos fans del label afuera. México, sobre todo. Hay mucho cariño. Siempre tratamos de que crezca lo más posible y llegue hasta donde se pueda, lo que no es fácil para un sello independiente. Pero el año que viene cumplimos 20 años ya. Yo estoy hace cinco, un poco más.

¿Cómo impacta ese 20 ahí? ¿Hay algo pensado?

Estamos viendo de armar un festival, como showcase del sello y sus bandas. Uno ahora a principios del 2022 y otro más cerca de la fecha original, más o menos julio/agosto. Pero eso, armar pseudo-festivales, con varias bandas del sello, donde estemos todos. Una celebración. Estamos viendo también de armar un compilado de los 20 años con temas nuevos, la idea sería editarlo en vinilo. Hay muchas ideas, algunas ya las estamos poniendo en práctica y otras las tengo en la cabeza y las tengo que bajar. Me gustaría un mini-documental o algo también. Pero tengo que encontrar la gente que tenga ganas de hacerlo también. Algunas entrevistas. Ellos tienen mucha historia, el sello mutó tanto también, mutó toda la escena. 20 años es un montón y pasaron muchas cosas en el medio.

Sentís que estás continuando con un legado importante entonces ¿no?

Si, sí. Es seguir construyendo el legado. No sé si llamo legado, pero se va construyendo.

Y que te dice que al seguir no armas tu legado ahí…

Estaría bueno que quede una marca por dejar algo, al fin y al cabo, es eso. Dejar discos es lo más noble que hay. Son fotos, impresiones de momentos. Segundos, minutos de gente. Artistas, gente que quiere decir algo. Y la foto es algo que no existe, pero lo hacés real. Imprime de alguna manera en algún formato, y es una creación nuestra, del ser humano. Quizá viene gente después que ni siquiera lo entiende.

La música es frecuencia, y nosotros somos un corazón que late. Entonces ya tenés un beat. Está entre 80 y 110 laburando todo el día. No late más y nos vemos la próxima. Si ya estás vibrando compartilo.

Como label manager, ¿Cuáles serían tus responsabilidades?

Es una buena pregunta. No tengo la menor idea (*risas*). No, a ver… lanzamientos, acomodar la agenda… es una especie de todo un poco. Laburo en la producción, producimos y bookeamos fechas, laburamos estrategias de lanzamientos. Un poco de A&R (Artist and representation) también hago, de fichar nuevas bandas.

Somos tres. Pedro Moscuzza, el director artístico. cuya bajada artística está buenísima y estamos siempre en el mismo camino, y Nicolás Agüero, que es A&R y maneja lo digital, la producción ejecutiva y otro montón de cosas. Pero todos hacemos de todo, quizá yo estoy más en el día a día, en el campo, pero siempre estamos conectados.

¿Hubo algún cambio que implementaste o propusiste desde tu rol como label manager?

Un montón de cosas, y hay otro montón de cosas más para aplicar. Sobre todo a nivel organizativo. Uno sería juntarnos con los Friki Discos. Eran dos fans del selloque compraban discos, y un día el dueño me comenta que quiere armar una tienda digital y empezar a vender y traer discos de afuera, y nos empiezan a comprar. Nosotros justo necesitábamos una mano con la tienda online, y ahí surgió la idea que sean la tienda oficial, y vienen a los shows, ponen la tienda y prestan un servicio de diez porque aman lo que hacen. Otra cosa fue el laburo con las chicas de prensa. Es algo muy estructural a nivel nuestro de cómo encarar y armar estrategias para los lanzamientos. Y los diferentes canales que tenemos: el de comunicación con la prensa, el de venta de discos, el distribuidor digital, los laburos de las fechas, etc.

¿Qué tan importantes son los artistas marplatenses para la identidad del sello?

El sello es marplatense, yo sería la filial de CABA. Son muy importantes porque el sello nació allá. Hay una escena muy linda en Mar del Plata, hay artistas muy copados y tienen muchas menos formas de hacerse ver que acá. Entonces la idea es siempre apoyar y crear un nexo entre MDQ y CABA, lo que nos permite crear como un mini-circuito que nos asegura que las bandas van a llegar y conectan constantemente.

¿Qué criterios se siguen al momento de seleccionar una banda y ficharla al sello?

Nos tiene que gustar, nos tiene que flashear. Buenas canciones, buena banda. Obviamente tiene que haber una mínima estructura de tener ganas de laburar, de entender más o menos como es la cosa. Y más allá de aquellas cosas, que pueden aprender, la idea es que sean proactivos, que haya ganas de laburar y empujar. Nosotros no somos una major, podemos ayudar con ciertas cosas y brindar algunas herramientas, pero tampoco despilfarrar. Es un sello bastante colaborativo. Me gusta pasarles la data a las bandas y que ellos generen sus formas. Pato, el baterista de Mujer Cebra, por ejemplo, está produciendo fechas en las que tocan ellos, y está buenísimo que se pueda encargar él y que la fecha funcione bien. Yo no puedo tampoco con todo. El día de mañana alguno de ellos terminará sumándose al sello y laburando con nosotros.

Vos produjiste, mezclaste y grabaste el último disco de Pyramides ¿Qué pueden esperar los que lo escuchen?

Es un disco con un concepto que laburamos un tiempo largo con Facu (Facundo Romeo). Es una especie de viaje, un disco que mutó muchas veces. Lo arrancamos pre-pandemia. Realizamos dos singles en 2019 que salían en 2020 a más tardar y terminaron saliendo a fines de 2021. Entonces mutó un montón, porqué además mutó tres veces la banda en el medio. Hay temas muy viejos de Facu, hay temas nuevos. Usando pedazos de maquetas reciclamos un montón de material que estaba buenísimo.

Tenía que salir de alguna manera

Claro. Y Facu arma cosas en su computadora, muy buenas maquetas., y quisimos potenciar eso. No hizo falta cambiarlo al 100%, partimos de ahí y después lo tuneamosun poco. Es un disco que es difícil conceptualizarlo o definirlo en “que pueden esperar” porque es un disco muy distinto a todo, me parece. Se van un poco del género, del post-punk, en el cual la gente los ve como estandartes. Tiene cosas de eso, pero también de dream pop, de new wave, cosas de los ‘90, una especie de nuevo grunge con las guitarras también.

Es lo que yo escucho cuando escucho a bandas como Mujer Cebra

Totalmente, es una especie de new grunge. Me gusta llamarlo así, porque no se quedaron en Alice in Chains o Soundgarden, y está buenísimo, me encanta.

Había que traerlo más acá

Eso ya pasó hace 30 años. Había que rejuvenecerlo de alguna manera. Es algo muy natural lo que les sale, así que hay de todo en el disco. Es un disco de canciones, que es lo que me gusta hacer a mí. Me gusta hacer de todo, pero principalmente las canciones son las que quedan. Los buenos estribillos, las buenas melodías. Y tiene mucho de eso.

No sé quién había dicho que hacer una buena canción nunca pasa de moda

Lo que funciona es la canción. Sumo, por ejemplo, que es una banda que podés comparar con Pyramides por el estilo, por la onda, etc. Lo que hacía Luca (Luca Prodán) eran canciones. Canciones increíbles, que conectaban con la gente de una manera loca. Y hay discos de Sumo que están grabados de una manera muy distinta, por llamarlo de alguna manera. Eran los recursos que tenían en el momento, más gauchesco porque esto estaba lejos de ser Inglaterra para hacer un disco como Tones on Tail o Wire. Una vuelta me contaba una anécdota uno de los miembros de Virus de cuando fueron a estudios ION a grabar un disco, y pidieron algo así como un delay en la voz, y les dijeron “¡¿Qué?!”. Ahí se grababa folclore y tango, no grababan otra cosa. Eran los recursos de la época, y la cabeza y el conocimiento. Era otro momento también de la información, muy lejos de la hiperconectividad desfasada y deshumanizada que es hoy.

Finalmente ¿se vienen cositas? ¿Hay algo que nos puedas adelantar?

Se viene el disco de los Buenos Vampiros, del cual ya salieron tres singles, que está buenísimo, los chicos hicieron canciones increíbles.

Por otro lado, hay un tema que lo tengo casi terminado. De hecho, ya está casi mezclado, medio que cuando voy produciendo le voy metiendo mano. Lo canto yo, que tenía ganas de hacerlo, y es una reversión de Drexler, que la hice medio dream pop. Drexler me fascina, es uno de los cantautores más grosos que hay. Es un tema muy lindo que siempre había tenido ganas de hacer y lo armé medio con mi estilo. Todo en la cuarentena, era un buen momento. Me falta hacerle un solo de minimoog que no llegué por estar a mil. La idea sería terminar un par de canciones que tengo ahí, para sacar este tema como single y después sacar un disco propio. Hacer tres canciones más y tendría un disco de ocho temas.

Podés escuchar los sonidos de Estanislao López acá:

[elarchivodeariel]

EL HALCÓN CAZÓ AL GATO

Soy fan del Cine. Hice cursos de Cine en ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica). Leí libros sobre Cine. En fin... Me gusta el Cine.

Durante años, a través de distintos canales, mediante diferentes personas, escuché hablar de EL HALCÓN MALTÉS. Hablaban del HALCÓN, citaban al HALCÓN... Y yo anotaba el título como una tarea pendiente obligatoria, porque, cono ya dije, soy fan del cine. "¿¡Cómo no voy a saber nada sobre EL HALCÓN MALTÉS!?", me reprendía cuando, otra vez, alguien nombraba a ese clásico del Film Noir.

Y por fín, un día me compré el DVD.

Llegué a casa entusiasmada. Pensé que tenía una noche magica de Cine por delante, con una buena historia y con cosas ricas para comer acompañadas con café.

"La curiosidad mató al gato". Esa frase sonaba en mi mente ante cada risa sobradora de Bogart. "¿¡Y por esto tanto escándalo!?", me preguntaba, riendo a cada rato frente a una película que, se suponía, no tenía que hacerme reír.

Comencé a sospechar que EL HALCÓN MALTÉS era una trampa para curiosos en la que acababa de caer.

¿Fue, tal vez, que llegué a verla con muy altos niveles de expectativa? ¿O definitivamente la película estaba recontra sobrevalorada?

No. Es claro que EL HALCÓN MALTÉS no me gustó.

La curiosidad mató al gato. Pero murió sabiendo.

Ahora, cuando leo o escucho que alguien, con tono o cara de académico encopetado, se refiere a EL HALCÓN MALTÉS, yo, como el Gato de Cheshire y Humphrey Bogart, me río.

Por eso, sospecho. Cuando hay mucha prensa positiva respecto tanto a películas, libros, series y canciones, yo sospecho. Por suerte me quedan seis vidas todavía.

Flavia Vecellio Reane.

Mayo 27, 2022.

@FlaVecellio

[burakrevista]

Poemas. Flor Canosa.

Un cactus.

Voy a comprar un cactus.

Algo que no se deje abrazar.

Uno bien feo, doloroso a la vista.

Un cactus.

Uno que me recuerde que la naturaleza le puso púas a algunas cosas

y que yo soy una cosa de la naturaleza.

El problema es que siempre aparece algún experto en botánica

que hace que al cactus le salga la flor y así no se puede.

______________________

Me estaba por dormir

y entonces te me metiste entre el párpado y las pestañas de abajo

y empujaste para que te mire como si no supieras

que te llevo clavado en la pupila,

el iris, el cristalino y los nervios,

la lente orgánica de 43 dioptrías,

43 dioptrías completas todas para mirarte de ojos cerrados

o en cualquier posición intermedia entre el sueño y este insomnio.

Y ahora estoy sentada

descalza

mirando las piedras del gato

porque hiciste palanca al ojo y te metiste adentro,

donde ya vivías.

Estás haciendo ruido,

rebotando, idiota,

como si hubiera necesidad

de armar fiesta en el cementerio de tu ausencia.

.

.

© Flor Canosa

Argentina, 1978.

Graduada de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica en las especialidades de Guión y Montaje.

Ganadora del Premio X de Novela Contemporánea 2015 por su novela Lolas (Editorial El Cuervo de Bolivia y Suburbano de EEUU), en 2017 publicó Bolas (Zona Borde) y luego Pulpa (Obloshka 2019), su primera novela de ciencia ficción. En 2021 volverá a publicar una novela con @obloshka_editorial

Se desempeña como Jefa de Trabajos Prácticos en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires hace casi 20 años.

Como guionista, trabaja para proyectos de cine y TV para canales como HBO, Fox, Netflix y Amazon. También escribe cómics, hace radio, mira compulsivamente series, sostiene una olla popular y, les juro, a veces duerme.

@florcanosa

#poemas #poem #poetry #poeta #poesia #leer

[rtnnoticias]

Arcioni encabezó el lanzamiento de la Escuela de Nuevas Tecnologías y Animación del INCAA en Comodoro

Arcioni encabezó el lanzamiento de la Escuela de Nuevas Tecnologías y Animación del INCAA en Comodoro

. El gobernador del Chubut, Mariano Arcioni encabezó la firma del convenio marco de cooperación institucional, asistencia técnica y académica con el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y la Municipalidad de Comodoro Rivadavia para la puesta en funcionamiento de la Sede Regional de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Asistieron el…

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[jorgeluisborgestv]

La ENERC será trasladada al ex Hotel Sol

#SMAndes La #ENERC será trasladada al ex Hotel Sol

La Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) será trasladada a instalaciones de la Secretaría de Cultura, en el ex Hotel Sol. La decisión se adoptó tras la firma del convenio entre el intendente Carlos Saloniti y el ministro de las Culturas, Marcelo Colonna, por el cual la entidad ofrecerá también seminarios de documentalismo de montaña, escuela de oficios…

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#ENERC #ex Hotel Sol #Secretaría de Cultura

[lanaveonline]

JULIO EN LA NAVE!

Adaptado a los tiempos que se viven, y apoyados por la firme decisión de seguir ofreciendo una ventana posible de exhibición de cine Argentino retomamos el clásico ciclo de los martes. Este querido espacio de encuentro y difusión de importantes películas nacionales celebra sus 15 temporadas consecutivas y se pondrá en marcha en el año de la celebración de los 25 años de gestión cultural de la asociación La Nave de los Sueños.

Modalidad de presentación: Las películas estarán disponibles en la web y redes de la Biblioteca Nacional, cada martes a las 19 hs hasta el martes siguiente. La programación estará acompañada por una charla introductoria con los protagonistas y/o directores.

Al igual que el mes anterior, julio estará marcado por la relación entre el cine y la literatura en todas sus formas abarcando desde documentales y películas de ficción inspiradas en obras literarias nacionales de reciente producción.

Programación julio: Martes 07: El origen de la tristeza, de Óscar Frenkel

Sinopsis: Esta es la historia del Gavilán, un chico de apenas 12 años, que vive con su familia en el barrio del Viaducto, una zona portuaria rodeada de oleoductos. Son las vacaciones de verano y junto a Los Pibes, su grupo de amigos, pasan los días en la calle. Una explosión amenaza al Barrio, la muerte inesperada de un amigo y un frustrado plan para debutar sexualmente, acercarán al Gavilán y a sus amigos a algunas de las revelaciones que la vida les tiene preparadas: el dolor, la tristeza y el inevitable fin de la infancia.

Ficha técnica: Guión: Pablo Ramos. Producción: Javier Leoz. Jefe de Producción: Pablo Trachter. Director: Oscar Frenkel. Asistente de Dirección: Martín Vilela. Dirección de Fotografía y Cámara: Eduardo Pinto. Edición: Marcelo Martinez. Dirección de Arte: Oscar Escanilla. Diseño de sonido: Guillermo Quintana. Música: Ernesto Snajer. Elenco: Joaquín Gorbea, Belén Szulz, Santiago Mehri, Luciana Rojo, Lola Carballo, Jorge Pestilli, Sabas Tissera, Gonzalo Riquelme

Oscar Frenkel se formó en la Escuela: “Aquilea de Realización Cinematográfica”, dirigida por Angel Faretta. Luego trabajó en televisión en ciclos como: “La TV ataca” y “Sorpresa y ½”. También fue Realizador en las productoras Promofilm e Ideas del Sur. A mediados de los ’90 se vinculó a la música, realizando para la industria discográfica más de 100 video clips. En el año 2001 dirige “Negro”, mediometraje en 16 mm basado en un cuento de Abelardo Castillo y desde esa perspectiva junto al escritor Pablo Ramos creó: “Animal que cuenta”, serie de 16 capítulos sobre literatura, emitido por el Canal Encuentro. En 2015 ganó el premio Opera Prima del INCAA y estrenó en el año 2018 la película: “El origen de la tristeza”, basada en la novela del mismo escritor.

Martes 14 de julio: “La boya”, de Fernando Spiner

Sinopsis: Fernando viaja al pueblo frente al mar donde pasó su adolescencia para cumplir un ritual que comparte con Aníbal, periodista y poeta: nadar hasta una boya. Pero este año Fernando tiene un plan adicional: hacer un documental sobre Aníbal y su relación con la poesía y el mar. Al indagar en la vida de su amigo, Fernando investiga su propio pasado; ya que Aníbal tuvo una fuerte amistad con su padre, Lito. Antes de morir, Lito le encargó a Aníbal que soltara en el mar una antigua boya.

A través de las cuatro estaciones, la boya une a los amigos, pero a la vez representa para Fernando un enigma familiar.

Ficha técnica: Director: Fernando Spiner. Guión: Fernando Spiner, Anibal Zaldivar y Pablo De Santis. Fotografía/imagen: Claudio Beiza. Edición/montaje: Alejandro Parysow. Dirección de arte: Juan Mario Roust. Diseño de sonido: Sebastian González. Música: Natalia Spiner. Productores: Magdalena Schavelzon y Fernando Spiner. Compañías productoras: Magdalena Schavelzon y Boya films S.A. Reparto/ entrevistados: Anibal Zaldivar, Ricardo Roux, Pablo Mainetti, Juan Forn y Guillermo Sacommanno.

Fernando Spiner es egresado del Centro Sperimentale Di Cinematografía de Cinecitta, Roma, Italia, donde fue alumno de Gianni Amelio, Furio Scarpelli, Carlo Di Palma, Giuseppe De Santis y Roberto Perpignani. Formó parte de la vanguardia del video de fines de los años ‘80 con su larga duración “Ciudad de Pobres Corazones” con Fito Paez. Su primer largometraje “La Sonámbula” de 1998, escrito junto a Ricardo Piglia y Fabian Bielinsky, tuvo su premier mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF). Su último film, “Aballay, el hombre sin miedo”, Western Gauchesco basado en el cuento “Aballay”; de Antonio Di Benedetto, obtuvo numerosos premios. Fue profesor en la carrera de Comunicación Social de la UBA y en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica. En 2013 y 2014 fue Director Artístico del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Dirigió junto a Ana Piterbarg la serie “Los 7 Locos y Los Lanzallamas” sobre las novelas de Roberto Arlt, adaptadas por Ricardo Piglia.

Martes 21 de julio: Vuelo nocturno, de Nicolás Herzog

Sinopsis: Una serie de grabaciones de audio que Antoine de Saint-Exupéry le envió al cineasta Jean Renoir en 1941, son el punto de partida de esta película que aborda parte del período en el que el escritor y aviador francés vivió en la Argentina. Particularmente haciendo hincapié en su aterrizaje en Concordia, y en la relación que estableció con las "princesitas argentinas” Edda y Suzzane Fuchs, protagonistas del capítulo "Oasis" de su libro “Tierra de Hombres”, e inspiradoras de su obra cumbre “El Principito”.

Ficha técnica: Guión y dirección: Nicolás Herzog. Fotografía/imagen: Gastón Delecluze y Leonel Pazos Scioli. Edición/montaje: Sebastian Miranda y Nicolás Herzog. Diseño de producción: Diego Moiso. Coordinación de producción: Laura Terenzano. Asistente de dirección: Celeste Lois. Diseño de sonido: Sergio Cabrera y Carolina Sandoval. Música: Ezequiel Luka y Gerardo Morel. Vestuario: Gastón Casasco. Productores: Nicolás Herzog y Diego Moiso. Compañía productora: Rumba Cine. Intérpretes / entrevistados: Edda Fuchs, Nora Fuchs, Agustina Schenberger, Mora Solana Sorokin,  Jorge Fuchs, Frédéric D´agay, Silvina Molina, Marcelo Cortiana,  Clara Rivero. Distribuidora: Cinetren.

Nicolás Herzog nació en 1979 en Santa Fe, Argentina. En 2006 dirigió el telefilm Blues Maestro y en 2010 Orquesta roja, su primer largometraje. Ese año fundó Rumba Cine, productora con la que colaboró en varios documentales. En 2014 dirigió la serie 3D para Canal Encuentro. Actualmente trabaja en la pre-producción de La sombra del gallo, su ópera prima de ficción.

Martes 28 de julio: Salvadora, de Daiana Rosenfeld

Salvadora Medina Onrubia vivió siempre en una eterna contradicción. Cometió todos los pecados imaginables para una mujer de principios de siglo XX: ser madre soltera, anarquista, dramaturga y poeta con tan sólo 15 años. Su vida oscilaba entre varias realidades, el movimiento político libertario, la teosofía,  la literatura y el universo burgués del que formaba parte.  El documental se adentra, a través de sus escritos autobiográficos y sus obras literarias, en la vida de una mujer anarcofeminista que no supo encajar en los estereotipos de la época; y en el mundo interno de una escritora revolucionaria y frágil, que a pesar de sus acciones, terminó su vida en la soledad y sin reconocimiento social. 

Director, fotografía, guión, montaje y producción: Daiana Rosenfeld. Sonido: Gaspar Scheuer. Color: Juan Pedro Razzari. Música: Martín Rodriguez. Dirección de animación: Fernando Motrel.

[jujuygrafico]

ENERC NOA: Convenio para el funcionamiento y mantenimiento

#Jujuy #Cultura #Cine | #ENERC #NOA: Convenio para el funcionamiento y mantenimiento

En el marco del desarrollo de la 8ª Edición del Festival Internacional de Cine de las Alturas, y con la presencia de su Coordinador Facundo Morales, y el responsable de ENERC NOA, Roy Easdale; el secretario de Cultura, Luis Medina Zar y el Vicepresidente en ejercicio de la Presidencia del INCAA, Nicolás Daniel Batlle, firmaron el convenio específico con objetivo de establecer las obligaciones que…

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#Cine de las Alturas #Cultura #ENERC NOA #Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica del Noroeste #Facundo Morales #Festival Internacional #Gerardo Morales #INCAA #Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales #Jujuy #Jujuy Film Commisssion #Luis Medina Zar #Nicolás Daniel Batlle #Roy Easdale

[martinturnes]

Hoy estuvimos acompañando la primera reunión del Consejo Asesor en defensa del cine argentino. Diciendo: - No al ajuste del cine independiente - No a la privatización de los créditos - No a los despidos en #INCAA / #ENERC - Solución a los pedidos de crédito en curso - Por un nuevo plan de fomento inclusivo y federal #DefiendoCineArgentino #YoApoyoEnerc (en ENERC | Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica)

#enerc #yoapoyoenerc #incaa #defiendocineargentino

[barilobarilonoticias]

“A Rodar Escuelas” sigue fomentando el Lenguaje Audiovisual en su 9° Festival

“A Rodar Escuelas” sigue fomentando el Lenguaje Audiovisual en su 9° Festival

El Ministerio de Educación y Derechos Humanos obtuvo una satisfactoria convocatoria de participantes en las jornadas de capacitación virtual en Lenguaje Audiovisual, llevadas adelante entre la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) y el programa rionegrino “A Rodar Escuelas”. las jornadas de capacitación virtual en Lenguaje Audiovisual son llevadas a cabo por…

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[realidadsanmartinense]

La escuela de cine continuará en nuestra ciudad y también en la capital provincial

La escuela de cine continuará en nuestra ciudad y también en la capital provincial

La Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (Enerc) llega a la ciudad de Neuquén para dictar su primer año de la carrera Realizador Cinematográfico Integral.

La sede de San Martín de los Andes continuará funcionando normalmente con carrera de grado y se suman dos carreras de posgrado: Documentalismo de Montaña y Film Commission. Además se dictará un seminario de Cine…

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#Tapa2

[mentedemantita]

#35mm (en ENERC | Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica)

#35mm