#la cinématographie française | Explore Tumblr Posts and Blogs

spectaculardistractions · 1 year

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From Georges Sadoul Paris, 14 May 1953 My dear Luis, I don’t know if you’ve been told about the muted response your latest film, This Strange Passion, received at Cannes. I’m sure you will know that some press announcements implied you would attend the Festival to present the film to the public. I certainly thought you would be there and was expecting you, so I was enormously disappointed. The Jury, as you know, was chaired by Jean Cocteau. He saw the film before the public. And before the screening he kept saying, in so many words: ‘I’ve witnessed a suicide. Buñuel wrote saying he cared greatly (or somewhat) for This Strange Passion. But all I can see is a regrettable, commercial film. Shocking.’ I do think, in fact, that he was expressing his sincere opinion and was not motivated by any ill-will. Just as a Bordeaux wine loses its bitterness over time, with age, Cocteau has become a model of benevolence and indulgence. In general, he has been an excellent president of the Cannes’ Jury. Except in the case of This Strange Passion. Of course, his comments were reproduced, and a number of critics absented themselves from the Festival on the afternoon the film was screened, because the Mexican gala evening had been set aside for La red, that far-fetched, vulgar fabrication by Emilio Fernández. The absences were even more noticeable because Susana had been screened six months ago in Paris, with a lot of publicity around your name, and the critics hadn’t much appreciated a film that I, personally, enjoyed (unless I’m mistaken?) as a commercial product in that zarzuela style you worked in, pseudonymously, some years ago in Madrid. Although I certainly didn’t recognize ‘my Buñuel’, except in one or two images. Before This Strange Passion, they screened a horrible, chauvinistic French film called Vie passionée de Clémenceau, the Ministry of War had ‘packed the house’ with a hundred or so veterans from 1914 to 1918, whose job it was to applaud, loudly, all the vengeful statements, shots of Marshall Foch, and battle scenes. This select audience stayed on to watch your film. So, it was hardly surprising that certain sequences were met with shouts and whistles, just as in the days of The Golden Age. As for me, I barely heard the shouts and whistles. I was ‘captivated’ from the opening scenes. Transported twenty years back to our youth. Where Cocteau saw a banal commercial film, I saw extraordinary fidelity to the motifs of The Golden Age and the rage of an acerbic and destructive humour that destroys, with Arturo de Córdova, all the commercialism of Mexican cinema, attacking it with its own weapons. But what most excited me was the fact that the recuperation (often forcefully highlighted) of the motifs of The Golden Age went hand-in-hand with their critique. The abject monster of This Strange Passion seemed to me the image, the double, the brother of the hero embodied by Modot, but reviled, destroyed, torn to shreds, rather than, as in The Golden Age exalted, glorified and placed on a pedestal. Francisco the sanctimonious, perverse, feudal, the unjust tyrant, both in the bell tower scene and in the encounter with his servant, seemed to me to be turned by your vision into an unprecedented condemnation of all the new incarnations of Fantômas or of Maldoror, who tormented some of us in the days of surrealism. To use an (overly solemn) analogy, if The Golden Age was your Maldoror, I see This Strange Passion as your Poésies by Isidore Ducasse. I said all of this (or something similar) in Cannes where, with the exception of five or six critics, This Strange Passion was condemned for a surface meaning so poorly understood it might have taken first prize at Catholic central for its ‘perfectly edifying’ denouement. And so it went on. 48 hours later, André Bazin, who initially shared the general incomprehension, published a defence of your film in the Festival bulletin, Rendez-vous de Cannes, published by Cinématographie française. Cocteau was no longer quite so insistent about his earlier opinion, although when I said: ‘It is The Golden Age’ his answer was ‘No, it’s The Monetary Age’ (with malice, this time, doubled or tripled). I am, though, convinced that if This Strange Passion is screened in Paris, it will definitely attract fans and lengthy eulogies in journals like Cahiers du cinéma. That said, I think your film will be difficult to defend, because it will be misunderstood by mass audiences (of whatever kind) who will only see (at best) its sadism, rather than its critique of sadism. Your intentions (or at least those I attribute to you) will be understood by a hundred initiates at most, that is, by men of our generation and experience, or the subtle aesthetes of Saint Germain des Prés. And to repeat a slogan from The Golden Age, ‘poetry should be written by everyone’ (in other words, for everyone), beginning with cinema. I shall try to explain your film when it premieres in Paris. I doubt these explanations will succeed in convincing anyone beyond a small (and reprehensible) circle of initiates�� And now for a change of topic. I’m negotiating with Fondo de Cultura Económica and Arnaldo Orfilo Reynal a Mexican edition of my new book La Vie Charlot (I sent you a copy in November, did you get it?). However, the editors, who published my little book El cine and have just issued a new edition, are not offering very favourable terms. Do you know of any Mexican publisher who might be interested? A serious publishing house, of course, that would be undeterred by competition from Francisco Pina’s Charles Chaplin (and prepared to produce an initial run of 1,000 copies)? I would be very grateful if you could write back to me about this soon. And I would also like you to tell me about This Strange Passion, and whether I was correct in the intentions I attribute to you. But that can wait for another letter. When, finally, will you return to France? What does your Robinson Crusoe mean for you? We spoke of you at great length yesterday with Dominique Éluard and Eli Lotar. Most cordially, Georges Sadoul

Jo Evans & Breixo Viejo, Luis Buñuel: A Life in Letters

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verrader-is-dutch-for-traitor · 2 years

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J'aime que la littérature française est si internationale. Les écrivains français décrivent les Espagnols, les Italiens, les Angles et pas seulement leur voisins mais tout le monde. En cinématographie aussi.

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olive-thomas · 5 years

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Olive Thomas on the cover of April 1920 issue of La Cinématographie Française magazine

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venom-2-streaming-vf-2021 · 3 years

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Titre: Venom 2 : Une virée d'enfer

Genre: Science-Fiction, Action

Pays: China, United States of America

Studio: Marvel Entertainment, Pascal Pictures, Columbia Pictures, Sony Pictures, Tencent Pictures

Jeter: Tom Hardy, Woody Harrelson, Michelle Williams, Naomie Harris, Reid Scott, Stephen Graham

Équipage: Robert Richardson (Director of Photography), Andy Serkis (Director), Tom Hardy (Producer), Tom Hardy (Story), Marco Beltrami (Original Music Composer), K.C. Hodenfield (Co-Producer)

Mot-clé: hero, anti hero, villain, sequel, superhero, based on comic, aftercreditsstinger, symbiote, marvel comics

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Venom : Let There Be Carnage 2021 China, United States of America Science-Fiction film réalisé Robert Richardson et joué par Tom Hardy, Woody Harrelson. Environ un an après avoir affronté Riot, Eddie Brock « cohabite » toujours avec le symbiote Venom. Alors qu’il tente de relancer sa carrière de journaliste d'investigation, Eddie se rend en prison pour interviewer le tueur en série Cletus Kasady. Il ignore que ce dernier est lui aussi l'hôte d'un symbiote, Carnage.

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Le film, également appelé film, film ou film, est une forme d’art visuel utilisée pour simuler des expériences qui communiquent des idées, des histoires, des perceptions, des sentiments, de la beauté ou une atmosphère à travers l’utilisation d’images en mouvement. Ces images sont généralement accompagnées de sons et plus rarement d’autres stimulations sensorielles. [1] Le mot «cinéma», abréviation de cinématographie, est souvent utilisé pour désigner le cinéma et l’industrie cinématographique, ainsi que la forme d’art qui en est le résultat.

❏ STREAMING DES MÉDIAS ❏ Le contenu multimédia en continu est un contenu multimédia qui est constamment reçu et présenté à un utilisateur final tout en étant fourni par un fournisseur. Le verbe streamer fait référence au processus de livraison ou d’obtention d’un média de cette manière. [Clarification nécessaire] Le streaming fait référence à la méthode de livraison du média, plutôt qu’au média lui-même. La distinction entre la méthode de diffusion et les médias distribués s’applique spécifiquement aux réseaux de télécommunications, car la plupart des systèmes de diffusion sont soit intrinsèquement en streaming (par exemple, radio, télévision, applications de streaming), soit intrinsèquement non en streaming (par exemple, livres, cassettes vidéo, CD audio). Le streaming de contenu sur Internet pose des problèmes. Par exemple, les utilisateurs dont la connexion Internet manque de bande passante suffisante peuvent rencontrer des arrêts, des retards ou une mise en mémoire tampon lente du contenu. Et les utilisateurs dépourvus de matériel ou de logiciels compatibles peuvent être incapables de diffuser certains contenus.

La diffusion en direct est la livraison de contenu Internet en temps réel, tout comme la télévision en direct diffuse du contenu sur les ondes via un signal de télévision. La diffusion en direct sur Internet nécessite une forme de média source (par exemple une caméra vidéo, une interface audio, un logiciel de capture d’écran), un encodeur pour numériser le contenu, un éditeur multimédia et un réseau de diffusion de contenu pour distribuer et diffuser le contenu. La diffusion en direct n’a pas besoin d’être enregistrée au point d’origine, bien qu’elle le soit fréquemment.

Le streaming est une alternative au téléchargement de fichiers, un processus dans lequel l’utilisateur final obtient le fichier entier pour le contenu avant de le regarder ou de l’écouter. Grâce à la diffusion en continu, un utilisateur final peut utiliser son lecteur multimédia pour commencer à lire du contenu vidéo numérique ou audio numérique avant que le fichier entier n’ait été transmis. Le terme «média en continu» peut s’appliquer à des médias autres que la vidéo et l’audio, tels que le sous-titrage en direct, la bande magnétique et le texte en temps réel, qui sont tous considérés comme du «texte en continu».

❏ CONTENU DU COPYRIGHT ❏ Le droit d’auteur est un type de propriété intellectuelle qui donne à son propriétaire le droit exclusif de faire des copies d’une œuvre de création, généralement pour une durée limitée. [1] [2] [3] [4] [5] Le travail créatif peut être sous une forme littéraire, artistique, éducative ou musicale. Le droit d’auteur vise à protéger l’expression originale d’une idée sous la forme d’une œuvre créative, mais pas l’idée elle-même. [6] [7] [8] Un droit d’auteur est soumis à des limitations fondées sur des considérations d’intérêt public, telles que la doctrine de l’utilisation équitable aux États-Unis.

Certaines juridictions exigent de «réparer» les œuvres protégées par le droit d’auteur sous une forme tangible. Il est souvent partagé entre plusieurs auteurs, dont chacun détient un ensemble de droits d’utilisation ou de licence de l’œuvre, et qui sont communément appelés détenteurs de droits. [Citation nécessaire] [9] [10] [11] [12] Ces les droits comprennent souvent la reproduction, le contrôle des œuvres dérivées, la distribution, l’exécution publique et les droits moraux tels que l’attribution. [13] Les droits d’auteur peuvent être accordés par le droit public et sont dans ce cas considérés comme des «droits territoriaux». Cela signifie que les droits d’auteur accordés par la loi d’un certain État ne s’étendent pas au-delà du territoire de cette juridiction spécifique. Les droits d’auteur de ce type varient selon les pays; de nombreux pays, et parfois un grand groupe de pays, ont conclu des accords avec d’autres pays sur les procédures applicables lorsque les œuvres «franchissent» les frontières nationales ou que les droits nationaux sont incompatibles. [14]

En règle générale, la durée de droit public d’un droit d’auteur expire 50 à 100 ans après le décès du créateur, selon la juridiction. Certains pays exigent certaines formalités de droit d’auteur [5] pour établir le droit d’auteur, d’autres reconnaissent le droit d’auteur sur toute œuvre achevée, sans enregistrement formel.

Il est largement admis que les droits d’auteur sont indispensables pour favoriser la diversité culturelle et la créativité. Cependant, Parc fait valoir que contrairement aux croyances dominantes, l’imitation et la copie ne restreignent pas la créativité ou la diversité culturelle, mais les soutiennent en fait davantage. Cet argument a été soutenu par de nombreux exemples tels que Millet et Van Gogh, Picasso, Manet et Monet, etc. [15]

❏ BIENS DE SERVICES ❏ Le crédit (de crédit latin, «(il / elle) croit») est la fiducie qui permet à une partie de fournir de l’argent ou des ressources à une autre partie, la seconde ne remboursant pas la première partie immédiatement (générant ainsi une dette) mais promet de rembourser ou de restituer ces ressources (ou d’autres matériaux de valeur égale) à une date ultérieure. [1] En d’autres termes, le crédit est une méthode permettant de rendre la réciprocité formelle, juridiquement exécutoire et extensible à un grand groupe de personnes indépendantes. Les ressources fournies peuvent être financières (par exemple l’octroi d’un prêt), ou elles peuvent être constituées de biens ou de services (par exemple de crédit à la consommation). Le crédit englobe toute forme de paiement différé. [2] Le crédit est accordé par un créancier, également appelé prêteur, à un débiteur, également appelé emprunteur. Le droit d'auteur est un type de propriété intellectuelle qui donne à son propriétaire le droit exclusif de faire des copies d'une œuvre créative, généralement pour une durée limitée. Le travail créatif peut être sous une forme littéraire, artistique, éducative ou musicale. Le droit d'auteur vise à protéger l'expression originale d'une idée sous la forme d'une œuvre créative, mais pas l'idée elle-même. Un droit d'auteur est soumis à des limitations fondées sur des considérations d'intérêt public, telles que la doctrine de l'utilisation équitable aux États-Unis.

Certaines juridictions exigent de « réparer » les œuvres protégées par le droit d'auteur sous une forme tangible. Il est souvent partagé entre plusieurs auteurs, dont chacun détient un ensemble de droits d'utilisation ou de licence de l'œuvre, et qui sont communément appelés titulaires de droits. [meilleure source nécessaire] Ces droits incluent fréquemment la reproduction, le contrôle des travaux dérivés, la distribution, l'exécution publique et les droits moraux tels que l'attribution. Les droits d'auteur peuvent être accordés par le droit public et sont alors considérés comme des « droits territoriaux ». Cela signifie que les droits d'auteur accordés par la loi d'un certain État ne s'étendent pas au-delà du territoire de cette juridiction spécifique. Les droits d'auteur de ce type varient selon les pays ; de nombreux pays, et parfois un grand groupe de pays, ont conclu des accords avec d'autres pays sur les procédures applicables lorsque les travaux « franchissent » les frontières nationales ou que les droits nationaux sont incompatibles.

En règle générale, la durée de droit public d'un droit d'auteur expire 50 à 100 ans après le décès du créateur, selon la juridiction. Certains pays exigent certaines formalités de droit d'auteur pour établir le droit d'auteur, d'autres reconnaissent le droit d'auteur sur toute œuvre achevée, sans enregistrement formel. En général, beaucoup pensent que la longue durée du droit d'auteur garantit une meilleure protection des œuvres. Cependant, plusieurs chercheurs soutiennent que la durée plus longue n'améliore pas les revenus de l'auteur tout en entravant la créativité et la diversité culturelles. En revanche, une durée de droit d'auteur raccourcie peut augmenter les revenus des auteurs de leurs œuvres et améliorer la diversité culturelle et la créativité.

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chaplinfortheages · 1 year

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#charlie chaplin #french magazine #La Cinématographie française #1928

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mmepastel · 4 years

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Alors alors voilà. Je n’avais pas écouté réellement -de bout en bout- le premier disque de BB, je ne sais même pas pourquoi. Parce que je l’avais connu avec Négatif et que ça m’avait suffi ? Parce que j’avais été lassée par le buzz autour de Jardin d’hiver (chanson très belle pourtant que mon fils a appris à l’école cette année) ? Je ne sais pas. Je fais des impasses.

Là, j’ai tout révisé, presque tout maintenant. Et c’est très touchant de découvrir ce disque, quand il est si jeune, avec une voix toute neuve, une diction déjà bien à lui, mais un chant susurré, timide, doux. Des chansons comme des dentelles, toutes polies et même policées. On peut pas deviner qu’il va ensuite écrire À l’origine ou Trash Yéyé je trouve. On le trouve forcément délicat, sensible, hyper talentueux, mais précieux. Et on va lui en vouloir forcément, c’est pas assez rock, trop jazzy, trop subtil, bref suranné. Et il a 28 ans ! Il est vieux avant l’heure pour faire simple.

Restent des morceaux à tomber, qui émeuvent déjà fortement. Parce que déjà les mélodies, les violons soyeux, les textes sublimes.

J’ai mes préférées. Évidemment la chanson qui l’a fait découvrir parce qu’elle est très belle, et chic, avec Marilyn Monroe au milieu, stylée. Elle a quelque chose de détaché qui en fait un classique.

Mais pas seulement. Il y a Novembre toute l’année qui, en tant qu’ouverture d’album est un genre d’annonce assez culotté. Au menu : grisaille et mélancolie, on n’est pas là pour se fendre la poire.

Mais celles que je trouve vraiment émouvantes ce sont celles-ci :

Il y a beaucoup de créativité dans cette chanson. Le contraste entre la guitare claire et les bruits bizarres en fond, la ligne de basse, et déjà les claviers sifflants qui installent la cinématographie propre à sa musique. Et cette mélodie !

Aussi :

Je pense que c’est le chant ici qui me touche. Tout doux, tout triste avec quelques rares montées dans les aigus. Avec comme des chutes à chaque fin de phrase. « Courte, comme la vie est courte et comme je comptais dessus ». Élégance dans une tristesse infinie.

Un disque d’ambiance rétro (thématique Kennedy, années d’élégance désuète), air iodé, stations balnéaires décaties d’une gloire passée... une magnifique entrée dans le paysage de la chanson française, franchement, je comprends qu’il ait fait sensation.

Et même s’il n’a pas encore la gravité du crooneur façon Hubert Mounier (qu’il va bientôt égaler dans les graves), j’entends aussi dans ce disque des accords de L’affaire Louis Trio. On entend cette amitié vraiment nettement même si je ne saurais l’expliquer musicalement (manque de connaissances et de vocabulaire).

Il ne révèle dans ce disque que la facette policée de son talent, un brin retenue, mais c’est déjà tellement au-dessus du lot. Il faudra attendre deux ans ou trois, pour avoir le côté plus rugueux, plus négatif, et encore un peu pour la liberté totale.

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lajoiedesblogues · 2 years

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Séance 13 - Que signifie réellement le #MeToo ?

La violence contre les femmes est un problème courant qui a été souvent caché sous silence. Aujourd’hui, les femmes osent dénoncer leur agresseur et sont toutes d’accord pour utiliser le même moyen, c’est-à-dire le #MeToo (ou #MoiAussi au Canada).

Le #MeToo est une forme d’expression sur les médias sociaux qui dénonce les agresseurs qui ont été violents envers des femmes. Comme le mentionne l’Encyclopédie canadienne, ce mouvement a commencé aux États-Unis en octobre 2017. L’accusation qui à débuter le mouvement était portée envers le producteur cinématographie Harvey Weinstein.

Par la suite, peu après la première dénonciation en octobre 2017, on commence également à trouver des dénonciations avec le même hashtag ou encore le #MoiAussi (la version française). Très rapidement, comme le mentionne l’Encyclopédie, on retrouve des actrices, tel que Elliot Page, Rachel McAdams, Mia Kirshner et Sarah Polley qui font part de leurs agressions sexuelles lorsqu’elles travaillaient à Hollywood.

Toutefois, il y a des problématiques dans le mouvement #MeToo. En fait, la plupart des accusations n’ont pas de suite, puisque les juges refusent de donner des accusations sur les présumés agresseurs. En fait, selon un article de Radio-Canada, « on [...] demande de faire la preuve hors de tout doute raisonnable. Mais la plupart du temps, il n’y a aucun témoin et il est quasiment impossible de fournir une preuve. On se retrouve face à un mur sans la possibilité d'aller en cour pour réclamer justice ». C’est pourquoi il devrait y avoir des modifications pour que ces femmes reçoivent justice pour donner suite à leur prise de courage.

En plus, pour que les femmes puissent se soutenir entre elles et partager leur terrible expérience, il y a désormais le site « me too.Movement ». Sur ce site, il est possible de trouver un support à la suite des événements d’agressions, il y a également un blogue qui permet de partager son expérience douloureuse et de demander conseil, il cherche également à trouver des personnes qui sont prêtes à joindre le mouvement pour obtenir justice, etc.

En conclusion, le mouvement #MeToo est un outil pour s’exprimer et exposer les méfaits causés sur les femmes. Ce mouvement a commencé en 2017 et est présent pour la liberté d’expression. Toutefois, il serait intéressant de savoir quel serait le moyen le plus efficace pour dénoncer et avoir justice grâce à cet hashtag.

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inapat13 · 4 years

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The Idéal Sonore, the camera of Gaumont (1930) - Part 1

In November 1929, a very large advertising campaign was undertaken for the Idéal Sonore, after 18 months of uninterrupted work. It promises simplicity and ruggedness, french production and expertise.

Every laboratory, workshop, factory, was specialised in the production of the material since the beginnings of the Gaumont Company and then are equipped for the construction of the amplifiers and speakers. The staff was also specialised and led by engineers, chemists, physicists and opticians to allow the production of all the Ideal Sonore’s pieces. All the efforts of the factories were centralised onto this camera and lots of pieces lined up in the workshops because they had to be ready in December (1929). At the end of the year, industrialists needed to be reassured and the French cinema industry wanted a national system to compete with American systems like Vitaphone, Movietone or Photophone.

The creation of the Ideal Sonore and its production required an important staff and labor. The reproductive system by discs was supported by an adjustable tripod. The main improvement was that it allowed to project all movies formats to be screened : silent movies, talkies with different sort of system or only the disc. It resolves the problem of the interchangeability. The speed of the projector which can be constant (24 images per second) for talkies and variable (14 to 40 images per second) for silent movies. The volume of the sound can be regulated and a microphone can be plugged into the amplifier for a better communication between the set and the cabin. From 15 December 1929, Gaumont had the capacity to issue the Idéal Sonore, considered as the only french system for talkies permitting synchronisation. The first ones were sent to all regional centers of France.

The official presentation of the system took place 27-28 January 1930 at the Champs-Élysées theater, to which all Parisian cinema directors were invited. Those two days were called «talky festival» by the Gaumont Company. A selection of the principal talkies were presented: movies with diffent formats and sound systems, animation like Mickey Mouse, some extracts from unreleased movies like Sous les toits de Paris (René Clair) and the short movie Asile de nuit by Maurice Champreux. In the same building, Gaumont decided to make an exhibition and to show his work since 1900 (cameras, radios, photos, optical…). At this time Gaumont was supported by the French cinema industry and by the press like La Cinématographie Française.

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justforbooks · 7 years

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Danielle Darrieux, née le 1er mai 1917 à Bordeaux et morte le 17 octobre 2017, est une actrice française. En 80 ans de carrière, Danielle Darrieux a traversé l'histoire du cinéma parlant et a une carrière parmi les plus longues du cinéma avec plus de 100 films. Au théâtre, elle fut couronnée d'un Molière d'honneur en 1997. Elle était au moment de sa mort l'une des dernières actrices mythiques du cinéma mondial et était entrée dans le cercle des actrices centenaires le 1er mai 2017. Elle s'est montrée à son aise dans tous les genres, avec un égal bonheur, depuis les jeunes filles ingénues dans des comédies musicales « à la française », aux jeunes filles romantiques de drames historiques, la Marie Vetsera de « Mayerling » (1936) d'Anatole Litvak et la Catherine Yourevska de « Katia » (1938) de Maurice Tourneur, en passant par les mélodrames et les comédies pétillantes d'Henri Decoin dont « Abus de confiance » (1938), « Retour à l'aube » (1938), « Battement de coeur » (1939), « Premier rendez-vous » (1941), jusqu'aux sommets de sa carrière que représentent notamment « Occupe-toi d'Amélie » (1949) de Claude Autant-Lara, « La Vérité sur Bébé Donge » (1952) de Decoin et surtout les films de Max Ophüls. Après la bourgeoise de « La Ronde », Ophüls lui fera jouer une prostituée dans « Le Plaisir » et enfin lui offrira son plus beau rôle dans « Madame de... ».

La comédienne, bien des années avant Brigitte Bardot, va imposer les initiales de son prénom et de son nom : DD.

Danielle Darrieux voit le jour en 1917 à Bordeaux au sein d'une famille de mélomanes, mais passe son enfance à Paris.

La mort prématurée de son père contraint sa mère à donner des leçons de chant pour subsister.

Danielle en retire très tôt un goût prononcé pour la musique. Elle est dotée d'une voix menue, mais juste et claire. Elle prend également des cours de violoncelle et de piano, entrant même au Conservatoire de musique (études de violoncelle).

C'est par l'intermédiaire du mari d'une élève de sa mère, Marie Serta, qu'elle apprend que deux producteurs, Delac et Vandal, recherchent une héroïne d'environ treize ou quatorze ans pour leur prochain film. Elle se présente et passe des essais aux studios d'Épinay qui se révèlent concluants. Elle débute à 14 ans pour un premier rôle dans Le Bal (1931) de Wilhelm Thiele et, tout de suite, séduisant les producteurs par son allant et sa spontanéité, elle décroche un contrat de cinq ans.

Elle ne pensait pas initialement exercer le métier d'actrice, et n'a jamais pris de cours d'art dramatique.

« Jeune première idéale » du cinéma français dans les années 1930, elle a connu un succès qui ne s'est jamais démenti. Elle a beaucoup tourné, évoluant discrètement avec les années. »

Sa carrière commence avec des rôles de gamine facétieuse et fantasque aux côtés des plus grands acteurs populaires du cinéma français d'avant-guerre : Jean-Pierre Aumont, Henri Garat, Pierre Mingand et surtout Albert Préjean avec qui elle forme, en six films, le couple de charme des comédies musicales françaises des années 1930 (La crise est finie, Dédé, Quelle drôle de gosse...).

Dès son premier film, elle chante et interprète, dans bon nombre de ses films (bien souvent dans des compositions de Georges Van Parys), des chansons populaires qui font la joie du public : La crise est finie, Un mauvais garçon, Une charade et Premier rendez-vous, que la France entière fredonnera pendant des mois durant l'Occupation.

Durant cette période, elle a aussi tourné dans le film Mauvaise graine (1933), réalisé par un scénariste autrichien exilé, fuyant l'Allemagne nazie, Billy Wilder. Un film tourné dans les rues de Paris en décors naturels. « C'était une sorte de film d'avant-garde » dira Wilder.

Elle devient, en 1935, l'épouse du réalisateur Henri Decoin, rencontré un an plus tôt lors du tournage de L'Or dans la rue. Il lui fait tourner des comédies charmantes qui, aujourd'hui encore, font la joie des cinéphiles : J'aime toutes les femmes, Le Domino vert, Mademoiselle ma mère, ...

On la surnomme alors « la fiancée de Paris » et elle triomphe déjà au box-office. « Le succès, c'est un mystère, j'ai réussi peut-être parce que mon personnage n'était pas courant sur les écrans : je veux dire par là que je n'étais simplement qu'une jeune fille, alors que les autres gamines de quatorze ans jouaient déjà à la vamp. »

Oujours en 1935, Anatole Litvak lui offre un rôle plus dramatique : dans Mayerling, elle interprète une fragile et touchante comtesse Marie Vetsera aux côtés de Charles Boyer, déjà star en Amérique du Nord. C'est une révélation : Danielle Darrieux se montre émouvante tout en restant spontanée et naturelle. Le film connaît un succès mondial qui lui ouvre les portes d'Hollywood. C'est la consécration internationale pour Danielle Darrieux qui signe un contrat de 7 ans avec les studios Universal. Accompagnée de son mari, elle s'embarque pour Hollywood et tourne son premier film américain en 1938, La Coqueluche de Paris avec Douglas Fairbanks Jr.. Nino Frank, journaliste, déclara : « Danielle Darrieux débute à Hollywood et elle le fait avec une grâce extrêmement nuancée, un charme dépourvu de timidité, un talent qui enchante parce qu'elle est à l'aise et ne le brandit pas comme un drapeau. »

Mais très vite Danielle Darrieux s'ennuie à Hollywood et préfère casser son contrat pour rentrer en France.

Entre-temps, Danielle Darrieux a déjà tourné un film de Maurice Tourneur, Katia qui exploite le succès et la magie de Mayerling. Henri Decoin confirmera également le talent dramatique de Danielle Darrieux avec Abus de confiance et Retour à l'aube, et surtout, profitant de son expérience acquise aux États-Unis, il tourne un chef-d'oeuvre digne des meilleures comédies américaines Battement de coeur, un autre triomphe.

Danielle Darrieux déclare à propos de Henri Decoin : « ...J'ai toujours eu une absolue confiance en lui et je lui ai obéi en tout. Sans ses conseils, son flair et son appui, je serais sans aucun doute restée une jolie fille chantant et bêtifiant dans des productions mineures et j'aurais probablement quitté le métier assez rapidement. Il a su me mettre en valeur et me persuader que je pouvais jouer de grands rôles dramatiques. Il a même écrit pour moi, m'imposait ainsi dans un emploi où personne ne m'imaginait et ne me voulait. Il m'encourageait quand je perdais confiance ou quand je voulais abandonner. C'est à lui et à lui seul, que je dois d'être ce que je suis devenue. »

Les trois derniers films de Decoin sont des succès et Darrieux est l'une des vedettes les plus populaires du moment.

« ...Le public plébiscite, ovationne Danielle Darrieux. Les femmes portent à son instar des cravates, des jupes souples, les cheveux ondulés et libres sur les épaules... N'est-elle pas (sondage de la Cinématographie française) la plus populaire des vedettes ? N'est-elle pas copiée par toutes les jeunes femmes et jeunes filles qui voudraient posséder son aisance, sa joyeuseté, son élégance jamais tapageuse, toujours dans le vent ? »

Darrieux tourne un nouveau film avec Decoin, Coup de foudre, mais la guerre est déclarée et le film interrompu restera inachevé.

Divorcée d'Henri Decoin en 1941, avec qui elle conservera toujours des relations amicales, Danielle accepte, la même année, de tourner dans Premier rendez-vous pour la Continental. « Comme j'avais à l'instar de beaucoup de mes camarades tourné en Allemagne avant la guerre, je n'avais pas une idée bien précise de ce que représentait cette compagnie. » Le film et la chanson-titre connaissent un succès énorme en cette époque des années sombres de la guerre où le public a besoin de divertissement.

Elle se remarie en 1942 avec Porfirio Rubirosa, rencontré dans le Midi de la France, ambassadeur de Saint-Domingue, il sera soupçonné d'espionnage contre l'Allemagne au point d'être interné en Allemagne. Alfred Greven, directeur de la Continental, fait subir des pressions à Danielle Darrieux au point d'exiger d'elle, si elle ne veut pas que « la personne qui lui était chère eût de gros ennuis », de tourner deux autres films Caprices et La Fausse maîtresse pour la compagnie.

Elle fit également partie du voyage à Berlin en 1942 en compagnie d'autres acteurs français sous contrat avec la Continental dont Albert Préjean, René Dary, Suzy Delair, Junie Astor et Viviane Romance. Dans un documentaire diffusé sur ARTE au début des années 1990, elle déclarait qu'elle n'était partie en Allemagne, qu'après un accord avec les Allemands, en ayant l'assurance de rencontrer son mari Porfirio Rubirosa qui y était incarcéré. Une fois son mari libéré, Danielle rompt son contrat avec la Continental et passe la fin de la guerre en résidence surveillée à Megève puis, sous un faux nom, dans la région parisienne. Elle ne fut que peu inquiétée à la Libération.

Après trois années d'interruption, Danielle Darrieux revient à l'écran décidée à tourner la page aux rôles de jeunes filles écervelées de ses débuts. Après quelques années un peu grises, elle se remarie une troisième et dernière fois avec Georges Mitsinkidès en 1948, et commence pour elle une seconde carrière encore plus brillante que la première.

Après quelques films mineurs, Jean Cocteau, pour laquelle il envisagea quelques années plus tôt d'adapter La Princesse de Clèves, fait appel à elle pour interpréter la reine d'Espagne dans Ruy Blas (1948) de Pierre Billon avec Jean Marais. Mais c'est Claude Autant-Lara qui, l'employant différemment, lui donne l'occasion de renouer avec le succès avec trois films, un truculent vaudeville Occupe-toi d'Amélie (1949), où elle joue une femme entretenue de la Belle Époque, dans Le Bon Dieu sans confession (1953) où rouée et ambiguë elle interprète la garce assumée et Le Rouge et le Noir.

À nouveau, Henri Decoin la sollicite et l'impose dans un rôle très noir La Vérité sur Bébé Donge (1952) avec Jean Gabin. Elle est sublime dans ce rôle, un de ses meilleurs, d'une épouse aimante et bafouée qui devient une meurtrière statufiée. Elle fera deux autres films avec Decoin, un polar Bonnes à tuer et un film historique, L'Affaire des poisons où elle incarne Madame de Montespan.

Dans les années 1950, elle retrouve Hollywood pour quelques films. Elle chante et danse dans une comédie musicale aux côtés de Jane Powell dans Riche, jeune et jolie. Elle est choisie par Joseph Mankiewicz pour incarner la comtesse Anna Slaviska dans L'Affaire Cicéron avec James Mason, elle joue également la mère de Richard Burton (pourtant son cadet de 7 ans seulement) dans Alexandre le Grand (1956) de Robert Rossen.

Danielle Darrieux est au sommet de sa beauté et de son talent, elle triomphe aussi bien à l'écran qu'à la scène. Un grand directeur d'actrices va exploiter son admirable talent de tragédienne et revenu de son exil américain, Max Ophüls fait de Darrieux, au début des années 1950, son égérie. Danielle Darrieux n'a jamais été aussi belle que dans les films de ce « magicien » comme elle le nommera. Elle tourne dans trois chefs-d'oeuvre : La Ronde (1951) où elle incarne une épouse infidèle que ni son mari ni son amant ne parviennent à satisfaire ; Le Plaisir (1952) la transfigure, sous le soleil de Normandie, en putain respectueuse touchée par la grâce ; et surtout Madame de... Chef-d'oeuvre absolu qui commence comme une comédie légère et sombre dans le drame. Danielle Darrieux y fait une création digne de Dietrich et Garbo. Madame de... : « ... une femme prise au piège des passions, oiseau qui se croyait volage et se trouve tout à coup captif, masque mondain qui recèle une âme inquiète, corps d'apparat où le coeur va exercer ses terribles ravages. »

Karl Guérin écrira sur cette collaboration :

« ...de La Ronde au Plaisir, du Plaisir à Madame de..., les personnages interprétés par Danielle Darrieux découvrent la réalité du masque social dont ils finissent par être les victimes. Errant au milieu de tous les bonheurs possibles et jamais réalisés, celle qui fut la plus célèbre ingénue du cinéma français semble de film en film découvrir avec naïveté et étonnement l'univers des sensations et des passions. Parvenir à animer d'un frémissement ce visage et ce corps si ordinairement élégants, parvenir à attirer à la lumière du jour un peu de la femme dissimulée derrière l'image frivole et rassurante chère à l'actrice : voilà l'indice d'un certain plaisir ophulsien dont Danielle Darrieux fut plus que tout autre la victime consentante. »

Elle tourne aussi avec les plus grands acteurs de l'époque Jean Gabin, Jean Marais, Jeanne Moreau, Bourvil, Fernandel, Louis de Funès, Alain Delon, Jean-Claude Brialy, Michèle Morgan, Michel Piccoli... Elle donne également la réplique à Gérard Philipe dans deux adaptations de classiques de la littérature, en amoureuse éplorée dans Le Rouge et le Noir (1954) de Claude Autant-Lara d'après Stendhal et en femme d'affaires mêlant autorité et séduction dans Pot-Bouille (1957) de Julien Duvivier d'après Zola, deux énormes succès.

Duvivier, dont elle est devenue l'actrice préférée, la retrouve et l'entoure d'une pléiade d'acteurs comme Paul Meurisse, Lino Ventura, Serge Reggiani, Bernard Blier... dans un huis clos dramatique, Marie-Octobre (1959). Elle tournera encore avec Marcel L'Herbier, Sacha Guitry, Christian-Jaque, Marc Allégret, Henri Verneuil...

Un hommage lui a été rendu à la Cinémathèque française à Paris du 7 janvier au 2 mars 2009, avec une programmation spéciale de plus de 90 films de sa filmographie.

Un autre hommage lui a été rendu par Michel Drucker dans l'émission Vivement dimanche enregistrée le 24 février 2010, au cours de laquelle elle était entourée d'amis tels que Paulette Dubost et Charles Aznavour.

Danielle Darrieux est morte le mardi 17 octobre 2017 à l'âge de 100 ans à son domicile de Bois-le-Roi (Eure, France).

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