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mujeresartistaseag-blog · 5 years

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MUJERES ARTISTAS DEL POSIMPRESIONISMO

Posimpresionismo o postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos a finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época. Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa como un conjunto. El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos exóticos, especialmente de oriente.

SUZANNE VALADON

Suzanne Valadon, nacida Marie-Clémentine Valade (Bessines-sur-Gartempe, Haute-Vienne, 23 de septiembre de 1865 - París, 7 de abril 1938), fue una pintora francesa perteneciente al movimiento del posimpresionismo. Suzanne Valadon (nacida Marie-Clémentine Valade) fue de todo antes de ser artista: modista, obrera, funeraria, camarera, acróbata, modelo… Al final, el estar rodeada de artistas se le debió contagiar y su siguiente aventura fue la pintura, demostrando ser una de las mejores artistas del posimpresionismo. Hija de una lavandera viuda, Valadon empezó a trabajar a los 11 años y se hizo acróbata de circo con 16, una caída puso fin a su peligrosa actividad, pero le llegaron ofertas para otro trabajo en la que sería la mejor: modelo. Muchos artistas pintaron a esta extraordinaria mujer que sale en tantos cuadros de la época. Valadon no perdió el tiempo, y además de labrarse ilustres amistades, aprendió los rudimentos del oficio de la pintura. Degas se fijó en las líneas vivas de sus dibujos y pinturas y la animó a continuar pintando. Conoció el éxito en vida y pudo salir a flote a pesar de las dificultades económicas de su juventud y sacar a su hijo adelante.

La obra de Valadon es magnífica. Destaca su dominio de las composiciones y lo vibrante de sus coloridos. La obra de Suzanne Valadon es muy extensa, realizó paisajes, retratos, naturalezas muertas, pero fue famosa por sus desnudos. Tengamos en cuenta que en la época era un escándalo que una mujer pintara desnudos femeninos. Masculinos ya era impensable. Por supuesto Valadon pintó a hombres y mujeres, y los pintó mejor que nadie en la época. . Su paleta cromática estaba llena de vibrantes colores. Era una perfeccionista, se tomaba su tiempo para dar por finalizado un cuadro. No fue una mujer convencional, ni se sintió sujeta a normas establecidas. Su obra siempre trata de plasmar lo que ella ve y siente, sin ambages. Si tuviéramos que utilizar una palabra para definirla esta sería la franqueza. Fue una pintora de éxito y reconocida en su época, gran parte de su obra se puede ver en los museos más importantes del mundo, como el Georges-Pompidou o el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

En este cuadro encontramos a Suzanne y a su joven amante André, los dos amantes recién enamorados, pintados como si fueran Adán y Eva. La obra tuvo su polémica al margen de infidelidades. Después de todo era el primer cuadro pintado por una mujer que mostraba un desnudo femenino y masculino al mismo tiempo. Suzanne ya había pintado varios desnudos masculinos exclusivamente para su disfrute erótico, como llevaban haciendo ellos durante siglos. Las polémicas no le importaban. Ella era libre. Aunque la libertad siempre está amenazada. La Sociedad de Bellas Artes le obligó a cubrir el sexo de André con unas hojas (al parecer con el suyo no había problema). Suzanne, muy a su pesar tuvo que ceder y pintó esta especie de guirnalda vegetal en su Adán. Fue el primer cuadro pintado por una mujer que mostraría un desnudo femenino y masculino.

EMILY CARR

Emily Carr fue una artista y escritora canadiense profundamente inspirada por los indígenas de la Costa Noroeste del Pacífico. La Enciclopedia Canadiense la describe como un “icono canadiense”, según la Enciclopedia canadiense, que la define también como “una artista de sensacional originalidad y fuerza”. Fue de maduración tardía y empezó a crear a la edad de 57 años. Contra todo pronóstico, ya que vivía en una sociedad poco atrevida artísticamente, llegó a conocer el éxito y se convirtió en “un referente del movimiento de la mujer” para quien la conoció en 1930 en Nueva York. Nacida en la Columbia Británica, Carr se crió según la tradición inglesa. Empezó muy joven a tener inclinaciones artísticas y decidió que ese era su destino. Pudo estudiar en San Francisco y Londres. Con 27 años Carr hizo el primero de sus viajes para visitar pueblos aborígenes. Y ahí decidió empezar a pintarlos, algo que no abandonaría salvo su temporada en París, donde siguió perfeccionado su arte y conoció el postimpresionismo y el fauvismo. Cuando volvió definitivamente a Canadá su objetivo estaba claro: pintar la fascinante cultura indígena con colores vibrantes.

Antes de Carr, la pintura canadiense era mayoritariamente un conjunto de los típicos y aburridos retratos y paisajes académicos. Sin embargo ella empezó a innovar ya con sus temas. Básicamente pintaba la cultura de los nativos (tótems en la profundidad de los bosques canadienses, aldeas indígenas, barcos de guerra de las tribus…), la naturaleza y más tarde, “los largos ritmos de los bosques del Oeste, playas de maderas flotantes agitadas y amplios cielos”. Carr homogeneizaba estos dos temas de una forma propia y única. “La calidad en su habilidad pictórica y su visión [...] le permitieron dar forma a los mitos del Pacífico que estaban cuidadosamente destilados en su imaginación”. Destacan sus obras escritas, de nuevo sobre sus amigos nativos. Además de Klee Wyck, Carr escribió The Book of Small (1942),The House of All Sorts (1944), y publicados póstumamente, Growing Pains (1946), Pause, The Heart of a Peacock (1953), y Hundreds and Thousands (1966). Estos libros muestran a Carr como una consumada escritora. Aunque muchos son autobiográficos, lo cierto es que no ha sido posible verificar los hechos.

En la primavera de 1929, Carr viajó en tren a través de la isla de Vancouver a Port Alberni desde donde viajó en vapor a la isla de Nootka . Allí dibujó, entre otros temas, una iglesia blanca que se encontraba en la zona. Cuando regresó a Victoria, comenzó a pintar cruces alrededor de la iglesia, creando la impresión de un cementerio. Se trata de una de las obras más importantes de Carr, un denso muro de bosque envuelve a la iglesia, que Carr pinta en un blanco intenso, un marcado contraste con el bosque oscuro. En este contexto, la iglesia está miniaturizada, lo que significa tanto la incursión como la vulnerabilidad de las nuevas creencias introducidas por la población de colonos. La pequeña iglesia, construida por la tribu local Nuu-chah-nulth de la comunidad Yuquot, simboliza la asimilación híbrida del cristianismo de Carr the First Nations, que ella consideraba como una versión simpática de una fe que compartía. Como en una especie de fotografía de lapso de tiempo, la pequeña cruz en el vértice del campanario de la iglesia parece caer a la tierra, multiplicándose en un grupo de cruces que marcan las tumbas de los muertos. Estas cruces sugieren una reunión de fieles y, al mismo tiempo, son un testimonio de la misión fallida de la iglesia. Las paredes sin ventanas y las características reducidas del edificio crean otro “marcador”, lo que sugiere una estructura que es tanto monolítica como inhabitable. La representación de Carr revela la soledad y la imposibilidad de la misión: las ramas de los árboles se inclinan pesadamente y se arrastran con fuerza desde el fondo de la imagen, como para mostrar la inverosimilitud de un lugar de reunión entre dos fuerzas espirituales muy diferentes.

VERA ROCKLINE

Véra Rockline (en ruso : Вера Николаевна Рохлина , Vera Nikolaïevna Rokhlina ) fue una pintora rusa postimpresionista. Rockline era hija de un hombre ruso y una mujer francesa, y comenzó su carrera en Moscú, estudiando en el estudio de Ilya Mashkov, quien la consideraba una de sus estudiantes más brillantes. En 1918 y 1919, expuso en la 24a Exposición de la Asociación de Artistas de Moscú, y en otras exposiciones de galerías y asociaciones. En 1919 dejó Rusia, pasó dos años en Tbilisi y en 1921 emigró a Francia, donde finalmente obtuvo la ciudadanía francesa. Al principio, Rockline y su esposo vivían con familiares de su madre, en Borgoña. En 1922, se mudaron a París, donde había una gran comunidad rusa de artistas. En 1922, Rockline exhibió pinturas en la sección rusa del Salon d’Automne , en el Salon des Independants y en el Salon Tuileries, donde tuvo una recepción positiva de los medios y visitantes. Algunas de sus pinturas ganaron premios en las exposiciones. Después de estilizarse con el cubismo y el impresionismo , Rockline comenzó a desarrollar su propio estilo.

Vera comenzó a exponer en el Salón de Otoño durante 1922. Sus primeras obras muestran la influencia del Cubismo, aunque su paleta de colores es extremadamente sutil. Después de esta primera incursión en el Cubismo, su estilo se aproximaría más al Realismo, aunque en ese momento el arte contemporáneo está cada vez más distanciado de ese movimiento. Vera, sin embargo, consigue atraer al público francés gracias a sus delicadas y realistas pinturas de desnudos, logrando conmover a la crítica y al público Sus lienzos cargados de futuro quizá, llenos de rostros de mujeres con semblante y mirada perdida, desnudos con una sensualidad viva e intensa, mensajes indescifrables a veces, hacen ahora más que nunca mella en los amantes del arte. Aunque Rockline fue casi olvidada en la segunda mitad del siglo XX, en 2002 se celebró una gran exposición de su trabajo en Montparnasse, “Elles de Montparnasse”, donde sus obras se mostraron junto con obras de Tamara de Lempicka , Marie Laurencin , Hannah Orlova, Sonia Delaunay y Natalia Goncharova . La exposición fue una triunfante afirmación de la labor de las mujeres artistas de Montparnasse, pintoras que por derecho propio y por su personalísimo estilo han contribuido en gran medida a la creación del “mito de Montparnasse”, y cuyo papel no se limita a la de ser modelos y musas de sus más célebres homólogos masculinos.

ANNE ESTELLE RICE

Anne Estelle Rice (1877–1959), escultora y artista, fue una de las principales ilustradoras de la publicación británica Rhythm Rice nació en Conshohocken , Pensilvania en 1877 y creció en Pottstown . Estudió en la Escuela de Arte Industrial del Museo de Pensilvania durante tres años a partir de 1894, antes de pasar a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, donde estudió escultura y dibujo. Comenzó a aportar ilustraciones a varias revistas, incluidas Collier’s, Harper’s y Saturday Evening Post. En 1906, Rice fue a París para ilustrar las últimas modas de la revista norteamericana de Filadelfia. En el verano de 1907 conoció al pintor escocés John Duncan Fergusson, quien la animó a convertirse en pintora. Expuesta en París al post impresionismo y al fauvismo, adoptó una paleta viva y usó líneas de contorno rojas o azules. A partir de 1910 comenzó a usar colores primarios y secundarios puros. Después de mostrar su pintura The Egyptian Dancers (1910), fue reclamada por la prensa estadounidense como la líder de una nueva escuela de arte. Desde la década de 1920, Rice pintó bodegones, expuso en las Galerías Leicester y en la Galería Wildenstein en Inglaterra. Continuó sus visitas a Francia y vendió pinturas a coleccionistas de los Países Bajos, Dinamarca, Francia y Alemania. Rice estaba muy interesada en el teatro, a menudo hacía trajes teatrales y definía los temas de sus dibujos, y en la década de 1930 diseñó los escenarios y los trajes de varias producciones dramáticas y operísticas de Londres.

A partir de 1910 su trabajo dio un giro diferente. Trabajando con los ritmos de color, enfatizó los colores primarios y secundarios puros y empleó menos formas grandes que confían en “el valor de la línea para dar energía y fuerza, el valor de hacer yuxtaposiciones para crear vida y movimiento en masas de color, una clara exposición de los principios fauvistas. Entre 1900 y 1912 Rice frecuentemente pintaba el desnudo. Sus desnudos tienen un carácter exótico y reflejan el impacto de las producciones románticas de Les Ballets Russes, a las que asistieron la mayoría de los modernistas de París. Su dibujo “Schéhérazade”(1911) se inspiró en el ballet de ese nombre y se hizo eco de su repetitivo impulso circular. La aplicación de pintura delgada y esbozada, la paleta vibrante y los matices decorativos constituyen un homenaje directo a Matisse. Por sus formas angulosas y armoniosas en The Egyptian Dancers (1910), fue anunciada en la prensa estadounidense como la líder de una nueva escuela de arte.

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