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"Make Tea Not Love".

Monty Python - Hell's Grannies (1971) (Lesley Judd)

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La secuencia final de "On The Threshold Of A Dream" de 1969. Se inicia con "The Dream" del batería Graeme Edge con recitado de Michael Pinder y continúa con tres cortes del propio Pinder "Have You Heard (Part 1)"- "The Voyage"- "Have You Heard (Part 2)". Las partes cantadas me gustan mucho, me recuerdan un poco a cosas que cantó David Gilmour en Pink Floyd.

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Dos de los mejores momentos de Mike Pinder para Moody Blues. "The Best Way To Travel" de "In Search of the Lost Chord", segundo LP de la "nueva era", 1968; y "Lost In a Lost World" del séptimo, el corte que abrió "Seventh Sojourn" (1972), el disco que puso un punto y aparte en su carrera hasta 1978.

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Los Moody Blues el 13 de julio de 1968 en directo en 'Ce Soir On Danse' de la tv francesa haciendo el clásico "Don´t Let Me Be Missunderstood" que popularizó Nina Simone y tuvo grandes versiones posteriores como la de The Animals o Elvis Costello. No tenía ni idea de que la hacían. Abajo el especial completo, que merece mucho la pena ver. 1. Tuesday Afternoon 2. Nights in White Satin 3. Legend of a Mind (Part 3) 4. Bye Bye Bird 5. Fly Me High 6. I've Got a Dream 7. A Beautiful Dream 8. Don't Let Me Be Misunderstood 9. Peak Hour 10. Nights in White Satin (Reprise). Llama la atención que tras su profunda metamorfosis musical aún conservasen en su repertorio el número R&B de Sonny Boy Williamson II y Willie Dixon, "Bye Bye Bird" de su primer LP "The Magnificent Moodies" (1965).

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Ayer murió Mike Pinder, miembro fundador y teclista de la banda de rock progresivo Moody Blues, a los 82 años. Su papel en la banda fue clave, el hombre del melotrón, instrumento esencial en el sonido de tal vez el grupo pionero de pioneros del "rock sinfónico". Pienso en cualquier caso que los Moodies era una banda en la que todos aportaban bastante. "Melancholy Man"es una de la muchas canciones que Pinder escribió y cantó para el grupo, del LP "A Question Of Balance" de 1970, quinto de la "nueva era" del quinteto con Justin Hayward y John Lodge. En la versión de estudio, Pinder no tocó el melotrón sino un sintetizador moog y guitarra acústica, además de ser la voz principal. El tema no salió en single en UK ni en USA, pero sí en otros países como Francia, dónde fue nº 1. La toma de arriba en directo corresponde al Festival de Isla e Wight en 1970.

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Otro anuncio: por fin Sir Macca se ha decidido a lanzar de forma oficial el álbum en directo "One Hand Clapping" (Universal, 14 de junio) con grabaciones registradas en los estudios Abbey Road en 1974, carnaza pirata durante años. El disco es un conglomerado de canciones de Wings, que saboreaban en ese momento las mieles del éxito de "Band On The Run"; media docena de temas raros; versiones de Eddie Cochran, Elvis Presley y su adorado Buddy Holly; y más tímidamente cuatro suyas para los Beatles. En las imágenes el "cute beatle" repasa sólo con piano y voz el clásico Tin Pan Alley de los años 20, 'Baby Face', que el "Melocotón de Georgia" (Little Richard, "Ricardito") recuperó para el rock and roll en los 50 con gran acierto. https://www.plasticosydecibelios.com/por-fin-paul-mccartney-lanzara-su-lp-en-directo-de-estudio-one-hand-clapping/

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Johnny Cash tiene nuevo LP de canciones inéditas, "Songwriter" (28 de junio, Mercury Nashville/UMe), unas demos que grabó en 1993 cuando estaba sin contrato discográfico. Ahora su hijo John Carter Cash se ha valido de ex músicos de Johnny para completar esas demos inacabadas y convertirlas en un resplandeciente álbum de 11 temas. Si Cash no continuó con ese disco fue porque poco tiempo después se alió con el productor Rick Rubin para grabar el primero de sus excepcionales "American Recordings". El primer sencillo estrenado del LP es “Well Alright”, una melodía alegre y contagiosa sobre cómo encontrar el amor exactamente en una lavandería. Con su letra humorística y ritmo vivaz recuerda a los éxitos de Cash en los años 50, los de la era Sun Records, canciones animadas y upbeat como “Get Rhythm”, "Big River" y “Cry! Cry! Cry!". https://www.plasticosydecibelios.com/johnny-cash-songwriter-su-nuevo-lp-de-canciones-ineditas/

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Pudo ser el nuevo Richie Valens, pero Chan Romero (RIP, 82) se quedó básicamente en "The Hippy Hippy Shake" (Del- Fi 1959). Ese mismo año sacó otro single, y un tercero y un cuarto ya en 1965-66 en una onda actualizada más beat y groovy con algún tema próximo a los Monkees (tren a Clarksville, etc..).

Lástima, porque "Hippy Hippy Shake" es un monumento que versionaron los Beatles, llevaron al nº 2 en 1963 en UK los Swinging Blue Jeans y fue seguro unos años más tarde un bendito sueño húmedo para Billy Childish y sus Milkshakes. Una fantástica canción que apenas fue continuada por la también brillante "My Little Ruby". https://www.plasticosydecibelios.com/muere-chan-romero-el-autor-de-la-famosa-the-hippy-hippy-shake/

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"Es el día de la rosa y me ha sorprendido solo solo solito. No sé dónde estás, ven a verme. Sé que te llamas Elisabet. ¡Ning! me he hecho con una rosa, ¡nang! tronada tradición, pero, en fin, he de entregarla y te ha tocado ser mi amor".

1969. Con la gracia y el talento que le caracterizaban, las dos rosas de abril de Pau Riba; la primera, con letra, en el interior de "Dioptria 1"; y la segunda, una flipada instrumental festivo- experimental como cara B del increíble single "Ars Erótica". En las dos se aprecia claramente la influencia de Bob Dylan - la melodía, el órgano de Jordi Sabatés, los arpegios de guitarra eléctrica de Toti Soler-, pero más en la segunda, libre e improvisada, que acaba derivando en evidente guiño al "I Want You" dylaniano.

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Surf, fraternity y garaje. Dick Dale, The Ventures, The Kingsmen, The Easy Beats, The Castaways, y una predilección especial por "Surfin´ Bird" de los Trashmen, a la que calificó de "obra maestra menor". Un glorioso pedazo de la mejor "stupid music".

¿No había sido ya acaso la cara A de su primer single, publicado en 1962, "Mixed-Up Confusion" rocanrol?

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Incuestionablemente, guste o no, la terna David Bowie / Roxy Music / Marc Bolan-T. Rex fue trascendental para la música británica del periodo 1972- 1982, aprox. Podría hacer un listado bastante largo de grupos y solistas influidos por ellos con nombres muy evidentes (mayormente las hordas niuromantiks y tecnopops), otros no tanto (numerosísimos grupos punk y post punk), y otros inesperados ("Low" es uno de los LPs favoritos de siempre de Paul Weller; Bryan Ferry es el líder estético de Kevin Rowland; ¿a qué espera una banda mod a versionar "Laser Love" de Bolan?). Hasta los Soft Boys hacían en sus ensayos "Over You" de Roxy.

Y unos rockabillys como The Polecats, producidos por el gran Dave Edmunds, se despacharon ese frenético, n-n-n-e-e-r-v-o-u-s "John I´m Only Dancing" de Bowie. Así es la música, Dios los cría y ellos se juntan. Aunque sean artistas que en apariencia tengan poco o nada que ver algo muy importante les une: son músicos y pueden coincidir de alguna manera en cualquier momento.

Existen un montón de redes entretejidas. La música, como otras artes, no es un mundo constituido por compartimentos estancos, todo está conectado, y de eso va un poco esto de Julio Viernes. Ahora, la artista pop del momento, pasto de adolescentes, Taylor Swift, cita a Patti Smith en su recién publicado "departamento de artistas torturados", y ésta tan contenta y dándole las gracias. Además la une al poeta galés Dylan Thomas, todo un elogio para Patti.

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Me hace mucha gracia, me parece cómico, cuando alguien pone en duda la valía de Brian Eno, es algo que me parece tan incuestionable que me entra la risa. En mi opinión discos como "Low", "Heroes" o "Lodger" de David Bowie podían haber estado firmados por Bowie y Eno (DB feat. BE, David B Eno o lo que sea), o al menos citar a Eno en portada como productor o importante colaborador en esos LPs, tal es su peso creativo en ellos. El famoso trío experimental de Bowie suele ser conocido como la "Berlin Trilogy", pero es más ajustado y realista hablar de la "Eno Trilogy", ya que el último de ellos no está grabado en Berlin (Mountain Studios, Montreux, Suiza; Record Plant, Nueva York) y en los tres sí está presente, erguido como un tótem, Brian Eno.

Y lo de Robert Fripp como posible coautor del tema "Heroes" no me parecería injusto... Es tan colosal el trabajo de don Roberto en esa mítica canción que hubiera merecido figurar en créditos. Sin esa guitarra sostenida esos héroes hubieran sido mucho menos heróicos. Todo esto es continuar a vueltas con la eterna minimización del trabajo de un buen arreglista, capaz de realzar hasta lo magistral una buena o muy buena canción, incluso capaz de convertir algo mediocre, del montón, en algo valioso.

Ahora se publica la remezcla de Brian Eno de la rareza "Get Real" (originalmente un tema de "1. Outside" de Bowie en 1995 sólo en su edición japonesa como bonus track) para un álbum sobre el cambio climático titulado  "Sounds Right". En él se reconoce a la Madre Naturaleza como artista oficial, con su propio perfil en las principales plataformas de streaming, con temas publicados que incluyen sonidos del mundo natural, como olas, viento, tormentas y cantos de pájaros. Como artista acreditado, ‘Nature’ también recibirá regalías por las pistas a medida que se vayan reproduciendo.

La nueva versión de "Get Real" incorpora grabaciones de hienas y cerdos salvajes para conectarla precisamente con la naturaleza. Eno ha explicado que quería incluir sonidos de animales grandes y amenazadores en la canción y probó con un tigre siberiano pero fue excesivo. También con cuervos, pero sonaban como patos, y al final se decidió por hienas y cerdos. “Los cerdos salvajes suenan muy bien. Están en una especie de rango de frecuencia que es bastante difícil de encajar en la música, pero estoy trabajando en ello".

"Get Real" es un tema mucho más Eno que Bowie, en la onda de "King´s Lead Hat" de "Before and After The Science" (1977) y todas aquellas cosas que hacía Eno en su elepés "pop" iniciales, tan especiales, desquiciadamente creativos y únicos. Me gusta el letrerón anunciador: David Bowie X Brian Eno X Nature. Muy justo.

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Repito dos canciones de Dickey Betts pero en solitario y en directo en el Capitol Theatre en 1984. Una es "Ramblin´ Man" en compañía de Brian Setzer de Stray Cats, una interpretación arrolladora en la que ambos tocan muy bien, sobre todo el primero porque es lo suyo, está en su salsa. Al final el público se vuelve loco, loco. La otra, del mismo concierto, es "Jessica" con un Betts recreándose con su guitarra caramelo y bandolera de flecos, rodeado de algún tupé y alguna camiseta de la mítica Sun Records.

Para entender mejor el nada gratuito arte de Betts.

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Como curiosidad una versión de Allman Brothers de época por un grupo español, Canarios. "Revival" salió como cara A de single y en el LP "Canarios Vivos!" (1972) que jamás se grabó en directo, sino en estudio con aplausos de pega.

Lo sé de buena tinta porque me lo contó una persona que estuvo presente en la grabación del elepé. Las explicaciones en el gatefold de Teddy de que tuvieron que utilizar "nosecuantísimo equipo y nosecuantísimos kilómetros de cable" para grabar este disco "en directo" resultan de un sobrao bochornoso. Si es un falso directo grabado en estudio pues bien, pero todo ese vacile añadido resulta un poco insultante para una inteligencia media, los aplausos de bote están metidos muy torpemente y se nota que son "de palo" a la legua.

La versión de "Revival" de Canarios, bueno... no está mal. Es Allman pasada por el filtro trompetero de Chicago y Blood Sweat & Tears. La cara B del sencillo es "Chaos", una variación instrumental de una de sus mejores canciones editadas en single, "Reaction!".

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Al LP "Brothers and Sisters" le tengo especial cariño porque era el disco que tenían mis hermanos mayores de los Allman y lo escuchaba de niño. Uno de esos discos de fotos familiares de banda, como de comuna hippie. Ahí venía este vital y oxigenado instrumental "Jessica", firmado por Dickey Betts. "Blue Sky", también de Betts, es de "Eat a Peach", el LP doble que lanzaron a principios de 1972 sólo unos meses después de morir Duane Allman, que participa lógicamente en más de dos tercios del disco.

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De Dickey Betts (RIP, 80) histórico y legendario guitarrista de Allman Brothers Band voy a meter las cuatro canciones que su grupo ha destacado en los mensajes de despedida como momentos importantes de su escritura musical. Por un lado "Ramblin´ Man", canción cumbre de eso conocido como "rock sureño", incluyendo ese invento tan curioso, y bonito, de tener dos guitarras eléctricas de punteo en lugar de una solista y otra rítmica, todo ello ejecutado con indiscutible destreza y finura. Por otro, el instrumental "In Memory Of Elizabeth Reed", que tiene más que ver con las extensas jam de los Allman y el jazz. La primera del estupendo LP "Brothers and Sisters" (1973), el segundo que lanzaron tras la trágica y temprana muerte en accidente de motocicleta de Duane Allman y el primero sin su participación, la otra es del segundo álbum de los Allman "Idlewild South" (1970) con Duane todavía vivo y dentro.

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"Galactic Love", lo único que publicaron UFO en 1972, un single con una versión de "Lovin´ Cup" de Paul Butterfield en la cara B. No tengo el sencillo pero ambos temas vienen incluidos en el recopilatorio "The Best Of UFO" (Decca 1973) que sí tengo. El amor galáctico del Objeto Volador No Identificado se inicia con una chispa de "Astronomy Domine" y pasa a un "Paranoid" menos paranoico (en ambos casos una cosa aproximada). En el vídeo del programa "Rock En Stock" de la TV francesa de 1972, imágenes del grupo con Larry Wallis, le siguen "Silver Bird" del segundo álbum de UFO y su versión del legendario "C´mon Everybody" de Eddie Cochran del primero, que también incluyó "Who Do You Love" de Bo Diddley, probablemente vía los "rastros felices" de Quicksilver Messenger Service. El denso - ese bajo- y envolvente "Evil" es otro de los números fuertes de "UFO 1".

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