#Galería de las Colecciones Reales (Madrid) | Explore Tumblr Posts and Blogs

joseandrestabarnia · 2 years

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Pérez Villaamil, Genaro (El Ferrol, La Coruña, 1807 - Madrid, 1854)

Vista del interior de una catedral

Departamento: Museo

Nº Inventario: 1415

Datación: 1825-1850

Dimensiones: 146 x 108 cm / 171 x 134 x 13 cm

Inscripciones: Firmado: "DOM Genaro Pérez Villaamil".

Técnica: Óleo sobre lienzo

Procedencia: Galería Caylus, Madrid

Observaciones: Pérez Villaamil es considerado el introductor del paisaje de género en la pintura española y el gran paisajista romántico. Comenzó sus estudios artísticos en la Academia Militar de Santiago de Compostela, donde enseguida destacó por sus aptitudes como dibujante. En 1823, herido en la contienda con las tropas francesas del duque de Angulema, es trasladado a Cádiz como prisionero de guerra. Allí comienza a desarrollar sus cualidades como pintor, especialmente de paisajes. Es en esos años cuando, probablemente, realizaría viajes a Inglaterra con su hermano Juan, también pintor. Los dos hermanos se trasladan más tarde a Puerto Rico para intervenir en la decoración del teatro Tapia en la ciudad de San Juan. De regreso a España en 1833 hizo un viaje por Andalucía, cuyas vivencias volcó en su diario y conoció al escocés David Roberts, uno de los grandes maestros del paisajismo romántico inglés, que sin duda influiría de forma determinante en el estilo del pintor ferrolano, especialmente en su concepción del paisaje. En 1844 Pérez Villaamil se estableció en Madrid, recibiendo al año siguiente el título de académico de mérito en la sección de paisaje de la Academia, donde llegó a ser teniente director en 1845. A partir de entonces su prestigio profesional fue en ascenso, llegado a ser pintor honorario de cámara de Isabel II y recibiendo distinciones como la de caballero de la orden de Carlos III, la de Leopoldo de Bélgica y la de la Legión de Honor francesa.

Artista de ejecución rápida y precisa, especialmente dotado para el dibujo, a pesar de su temprana muerte dejó una abundante producción de acuarelas, apuntes a lápiz y pinturas. En el conjunto de su obra hay que destacar su faceta de pintor viajero que recorrió España recogiendo inspiración para sus obras, fundamentalmente vistas de monumentos, ciudades y paisajes. En sus vistas conjuga el realismo tomado de la observación de la naturaleza con la fantasía de su particular imaginación.

Excelente ejemplo de su manera de hacer es esta visión fantástica del interior de una catedral, que atestigua la magnífica calidad de Pérez Villaamil como pintor de interiores monumentales. Con una técnica empastada y pincelada vibrante describe todos los elementos del templo: altares, pinturas, retablos, sepulcros..., logrando así una representación romántica reflejo de la grandiosidad del edificio. Además, su afán por el detalle le lleva a incorporar a la escena un gran número de figurillas, personajes populares de la época que dan vida al conjunto a la vez que imprimen originalidad a la obra.

Información de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en la web Colecciones en Red, fotografía de mi autoría.

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rockandblognet · 5 years

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Interesante exposición de GIBSON en Madrid

GIBSON PARTICIPA EN EL CICLO AMERICANA MUSIC MADRID CON SU EXPOSICIÓN “GIBSON STORYTELLING”

La exposición de Gibson formada por nueve guitarras Gibson Les Paul Junior ilustradas y decoradas por nueve de los nombres más importantes del mundo de la ilustración y del cómic del Estado formará parte de la primera edición del ciclo madrileño.

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El Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa acogerá el primer festival Americana Music Madrid que se podrá ver en sus dos salas, Guirau y Jardiel Poncela del 4 al 16 de junio,. El mismo día de su inauguración, protagonizada por el concierto del cantautor folk Steve Forbert, Gibson Storytellingcaminará de la mano del ciclo. Suzanne Vega, Ryan Bingham, Dale Watson, Phosphorescent o Kitty Daisy & Lewis son otros de los artistas que actuarán dentro de la programación de AMM.

La exposición, está formada por nueve guitarras Gibson Les Paul Junior, forjadas en la Gibson Factory de Nashville, que han sido ilustradas y decoradas por nueve de los nombres más importantes del mundo de la ilustración y del cómic del Estado. Cada una de estas guitarras contará una historia, reflejará una idea. Esto las hace únicas e irrepetibles.

Los nueve nombres con los que contamos son:

Borja Bonafuente: Licenciado en Derecho, estudió dibujo en Madrid y Nueva York. Especializado en retratos hiperrealistas, ha expuesto para las galerías MS (“Año Cero» y «Año Uno»), Rayuela (hoy Fernández – Braso), Blokker («Año Dos – Mi Querida España») y ha participado en exposiciones colectivas en España, Alemania, Inglaterra y Australia.

David Sánchez: ha realizado el diseño de varias colecciones de Errata Naturae y es el ilustrador de buena parte de sus libros. Ha colaborado con publicaciones como Rolling Stone, «Cinemanía», Revista Don, Vice… . En 2010 publicó el cómic «Tú me has matado» (Astiberri), por el que recibió el Premio al Autor Revelación del Salón Internacional del Cómic de Barcelona. Es también autor de los cómics «No cambies nunca» (Astiberri, 2012) y «La muerte en los ojos» (¡Caramba!, 2012) y coautor de «Con dos huevos» (Astiberri, 2014) y «Paul está muerto y otras leyendas urbanas del rock» (Errata Naturae, 2014)

Javier de la Rosa (Milicia Gráfica): ilustrador y diseñador. Madrileño de Sevilla afincado en A Coruña. Milicia Gráfica es el estudio desde donde proyecta sus ideas para el mundo y submundo de la cultura.

Miguel B. Núñez: empezó dibujando para la revista Trash Metal en 1988 y en 1990 ya hacía portadas y dibujos para el fanzine y compañía de discos Subterfuge. También hizo para la revista Víbora una serie sobre chicas que tenían un grupo de música experimental electrónica. Además de ilustrados, Miguel ha tocado en grupos desde que tiene 17 años. Junto al también dibujante Pablo Alcázar formó el grupo Humbert Humbert, el cual estuvo en activo durante diez años. Su próximo cómic se llama “HEAVY 1986” y trata sobre adolescentes heavys. Sigue dibujando y tocando sin parar.

Mamen Moreu: dibujante de cómics e historietista. Nominada a autor revelación en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2015 por su primera obra en solitario “RESACA”, un álbum de 80 páginas de humor gamberro publicado por Astiberri.

Ha publicado en revistas satíricas como El Jueves (donde apareció por primera vez el personaje protagonista de “RESACA”, Marcela) y también en el TMEO, donde sigue colaborando actualmente.

También ha realizado stickers (emoticonos) para la aplicación de mensajería instantánea LINE.

Quan Zhou: estudió diseño gráfico en Madrid y se graduó en Inglaterra. Adora la siesta y odia el apio. Aunque siempre le gustó pintar, abandonó su hobby y delirios de artista por un trabajo algo más realista que le permitiera librar los fines de semana. Por azares del destino, ha vuelto a dibujar; publica viñetas humorísticas en la versión web del periódico El País, y es autora de Gazpacho agridulce, su primera novela gráfica, una autobiografía chino-andaluza que es la historia inédita de su familia.

Andrés G. Leiva: Licenciado en Bellas Artes. Trabaja desde hace veinte años como profesor de dibujo. Descubre el mundo del cómic a mediados de los años ochenta. En los kioskos de entonces lee a los autores de la editorial Toutain que marcarán su estilo: Corben, Bernet, Carlos Giménez, Moebius, Bilal, Mattotti, Das Pastoras, Prado y un largo etcétera. Podría considerarse de la generación Injuve, ya que en 1998 es premiado con un áccesit en el Primer Certamen de Cómic Injuve, hecho que le abre las puertas de la Editorial Sinsentido donde publicará “El misterio de Electra / Horrible hórreo” (2002), “Juana de Arco” (2005), y “EVELYN, el extraordinario caso del doctor Corman” (2009). Su último proyecto se publica con la Editorial Dibbuks y se titula “Serie B”, donde se narran las peripecias de un grupo de peculiares seres en el rodaje de una película de bajo presupuesto.

Tinglado Gráfico: el Tinglado Gráfico lo forman Iván Ordás y Fernando Parrilla quienes se formaron en la Escuelas de Arte nº 10 y nº 1 de Madrid, en las disciplinas de Ilustración, Fotografía y Escultura. El Tinglado Gráfico se formó en 2007 después de un largo bagaje individual de sus miembros. A nivel profesional se mueven entre el diseño gráfico, la ilustración, la fotografía, el video, motion graphics y la escultura, en campos tan dispares como marketing y publicidad, decoración, industria discográfica, etc… sin dejar de lado su trabajo artístico en exposiciones de pintura, mecanismos y serigrafías.

Pedro Perles: artista multidisciplinar con sus ejes centrales focalizados en la música y en la ilustración. Ha trabajado en el terreno musical con sus propios grupos (Ledatres, Perlita, Carne Lovers) y con artistas de diferente índole (Jayhawks, Nacho Vegas, Bigott). Como ilustrador de prensa trabaja habitualmente con los polipremiados Errea Comunicación para periódicos de todo el mundo. Ahora mismo está realizando campañas de publicidad de Movistar y del Real Madrid. Es el responsable además de la imagen gráfica de Pachá Ibiza y de parte del Trabajo editorial Yorokubu, Eldiario.es, El País. Un artista auténticamente polifacético.

Acerca de Gibson:

Gibson Brands, una de las marcas más relevantes de guitarras en el mundo, ha marcado el sonido de generaciones de músicos y amantes de la música de todos los géneros por más de 100 años. Fundada en 1894 y establecida en Nashville, TN (Estados Unidos), Gibson Brands es reconocida por su habilidad técnica de clase mundial, sus legendarias alianzas musicales y su continua evolución de productos; cualidades sin igual frente a otras compañías de instrumentos musicales. El portafolio deGibson Brands incluye Gibson, la marca número uno de guitarras, al igual que otras de las marcas musicales más reconocidas y queridas en el mundo, incluyendo Epiphone, Kramer, Steinberger y las marcas de la división Gibson Pro Audio, entre las que se encuentran Cerwin Vega, KRK Systems y Stanton. Gibson Brands está comprometida con la calidad, la innovación y la excelencia sonora, para que los amantes de la música y las generaciones por venir sigan disfrutando de la música moldeada por Gibson Brands.

Descubra más en www.gibson.com y síganos en Twitter, Facebook e Instagram.

Más info: https://www.teatrofernangomez.es/programacion/amm-americana-music-madrid

Interesante exposición de GIBSON en Madrid en el artículo original de Rock and Blog

#GIBSON #rock music #heavy metal #rock

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dcamanes · 6 years

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¿Qué es el arte post-Internet?

Publicado en Octubre 2015 en Suplemento Cultural “Encuentros” del Diario de Tarragona

Revisamos la nueva corriente surgida de la generación de artistas nacidos y formados en internet ¿Nuevo movimiento o moda pasajera? Cuando Arthur Danto habló del “fin del arte” se refería a que el arte había alcanzado un punto post-histórico en el que, después de los ready made duchampianos y sobre todo después de la Caja Brillo de Andy Warhol, los grandes movimientos e ismos ya no tendrían lugar dentro de la Historia del Arte. Este punto de inflexión marcaba el final de las grandes narraciones y daba lugar a un magma de estilos que conviven simultáneamente.

El aparente vacío de ideología dominante del actual periodo, parece haberse llenado con la última etiqueta artística que viene sonando y resonando entre artistas, críticos y publicaciones especializadas en los últimos tres años. Hablamos del llamado Arte Post-Internet. No deja de ser, por motivos obvios, un término confuso que fue acuñado por primera vez en 2008 en un artículo de la artista Marisa Olson. El término -post no se refiere en este caso a un momento pasado, ya que la característica específica de esta corriente, a diferencia del Net Art, su hermano mayor nacido a finales de los años 90, es el uso que los artistas post-internet hacen de la red como herramienta transversal que se manifiesta tanto online como offline. Es decir, salta de la pantalla al cubo blanco. Se trata de un arte conscientemente creado en un entorno en el que asume la ubicuidad de la red. Su omnipresencia define y condiciona no solo la práctica artística, sino la cultura contemporánea, la teoría social y la comunicación cotidiana. El arte post-internet es consciente de la naturaleza cambiante de la imagen, sabe que han sido creadas para ser compartidas, modificadas y reproducidas ad infinitum. Surge con plena conciencia de las redes desde las cuales ha sido creado, desde la concepción a su producción, distribución y recepción, pero a su vez también permite la posibilidad de crear objetos que existan en la vida real. Al articular un nuevo lenguaje artístico mediante internet se intenta responder y ampliar las extensas condiciones de la producción cultural. Los artistas ya no solo crean arte dentro de internet (mediante webs, urls, etc.) si no que la práctica artística se puede experimentar también de forma real. Surfeo, por lo tanto creo. El problema de la nomenclatura es que, desde la aparición de los smartphones, ya no hay un “crear dentro de internet” y “surfear internet y luego (post) crear”, es decir, ya no hay diferencia entre el tiempo pasado online y offline debido a la omnipresencia de la red en nuestro día a día. Tal y como apunta Michael Connor de Rhizome.org “ya no hablaríamos de un arte post-internet si no de un arte durante internet”, ya que ni el artista ni ninguno de nosotros, es capaz de adoptar una postura fuera de la red. Sus obras celebran a la vez que critican sus frutos online jugando con la sinestesia de su cultura visual; memes, gifs, vídeos en Youtube, poesía de Snapchat, todo ello trasladado o no a las paredes de una galería. Los artistas se convierten, no solo en creadores si no en principales agentes participantes pero también intérpretes, narradores, críticos y comisarios. Son una generación cuya identidad propia se ha visto filtrada por lo digital y cuya autoría es por lo tanto omnipresente. Sus temas favoritos son la naturaleza cambiante de la imagen, su circulación, difusión y recepción, las políticas de participación colectiva, las políticas de internet, la vigilancia tecnológica clandestina, la fisicidad de la red, la dispersión de la información, la estética corporativa, el colapso del espacio físico, etc. Su actitud es estrafalaria, divertida, incómoda e irónica. Evapora los límites entre lo que constituye la obra y su presencia mediática en blogs, exposiciones online y las imágenes compartidas en redes sociales. No obstante muchos artistas no se sienten cómodos con esta etiqueta y la creen una triquiñuela más del mercado del arte para satisfacer su voraz hambre de novedad. El año pasado dentro de las conferencias del Frieze en el ICA (Londres) Ben Vickers, uno de los grandes comisarios de la era digital, manifestó que el arte post-internet ya estaba muerto, que podría haber llegado a algo, pero no lo hizo y que deberíamos hablar de muchos post-internet. ¿Es el Arte Post Internet una corriente real o es un mero ejercicio de marca para ser más vendible?. El principal problema es que sin un marco en el que contextualizarlo puede verse entomologizado bajo criterios puramente estéticos. El mercado, siempre ávido de poder hacer coleccionable un arte a veces tan intangible y volátil, se acoge a su vertiente estética convirtiéndolo en un estilo para empezar a hacer dinero con ello. Pero ¿ha sido el mercado o acaso su característica forma híbrida off/online, que permite colgar obras en la pared blanca, viene dada desde una pura conciencia de su naturaleza mutable en objeto de transacción e intercambio? Un ejemplo de ello es la gran exposición y catálogo Post-Internet Art que tuvo lugar el año pasado, comisariada por Karen Archey (pionera del Net-Art) y Robin Perkham. Exposición que consolidó el término y que exhibía obras que, aunque todas ellas podían ser reproducidas en pantalla, fueron tratadas al estilo galería “tradicional” acentuando su valor de cambio.

Entre los artistas post-internet más destacados encontramos a Corey Arcangel, la estrella del post-internet que tuvo su primera exposición en el Whitney Museum a los 33 años. Conocido por sus videojuegos modificados como Super Mario Clouds donde todo ha sido borrado menos las nubes y por sus estructuras de reconocidos y reutilizados degradados propios de Photoshop y Youtube que mezcla con girones de la cultura pop digital, el new media, programación, música y performance. También Petra Cortright con sus VirtuaGirls, una serie de strippers encontradas en la red, que hacen sus ejercicios delante de una pantalla verde. Petra barre la web en busca de fotos, gifs, memes, porno o cualquier cosa que sirva para mezclar y combinar. Camile Henrot, con sus imágenes caóticas típicas de la sobreestimulación de la era digital. Oliver Laric, Artie Vierkant, Ed Fornieles, James Bridle o Hito Steyerl por lanzar más nombres representativos. Entre nuestros artistas post-internet podríamos hablar de Ferrán Pla (Barcelona 1980) y su proyecto Feréstec donde, confirmando la absoluta desjerarquización de la imagen, rastrea internet trascendiendo lo real y lo falso, para crear un proyecto de arte digital alojado en varias plataformas online. Así mismo, Cristina Garrido (Madrid 1986) utiliza en su proyecto expositivo They are these or they may be others, una serie de imágenes fotográficas de objetos diversos, utilizadas como memes mediante la intervención textual que reflexionan sobre la transformación del arte en la era digital y la forma en la que tenemos de consumir arte contemporáneo mediante plataformas online. Si el arte post internet está ya está muerto o si no ha empezado, está todavía por confirmar.

#arte #art #contemporaryart #postinternet #hito steyerl #camilehenrot #cultura #contemporaryculture #internet #corey arcangel #online #cristina garrido #petra cortright

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martineznotte · 5 years

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5 museos gratis en Barcelona

Si hay una ciudad que lo tiene todo para el turismo, ésa es sin dudas Barcelona. Todo recorrido por ella debe incluir una buena dosis de paradas culturales, por eso compartimos cuáles museos gratis en Barcelona puedes conocer cuando estés por allí.

Si quieres asegurarte moverte con la mayor comodidad en tu viaje, te damos un consejo: consigue la mejor consigna de equipaje en Barcelona en Stasher. Te lo recomendamos porque puedes realizar una reserva inmediatamente en miles de puntos de almacenamiento en todo el mundo, completamente asegurado las 24 horas del día los 7 días de la semana, y listo para disfrutar todos los museos gratis Barcelona.

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Artículo relacionado: España y su oferta cultural

Un paseo por los mejores museos gratis en Barcelona

Museo de la Música

Éste es dentro de los museos gratis en Barcelona el ideal para melómanos: en él encuentras una colección de 2.000 instrumentos musicales de todo el mundo y de 10.000 documentos sonoros, que han llegado a partir de legados y donaciones. Es uno de los fondos musicales más importantes de España y la indiscutible visita obligada para los amantes de la música.

Visítalo gratis todos los domingos del año que abra el museo, a partir de las 15h. Así también como en estas fechas especiales: 18 de febrero (Santa Eulalia), 18 de mayo (Día Internacional de los Museos), 19 de mayo (La Noche de los Museos (de 19h a 1h de la madrugada), 21 de junio (Día de la Música), 23 y 24 de septiembre (La Mercè) y 22 de noviembre (Día de Santa Cecília).

MNAC – Museu Nacional d’Art de Catalunya

Espera encontrar en este museo gratis en Barcelona una de las colecciones de arte Románico más completas del mundo. El actual museo comenzó a funcionar en 1990 tras la fusión de las colecciones del Museo de Arte Moderno y el de Arte de Cataluña y se enriqueció aún más con una nueva sección de numismática, otra de grabados así como los fondos de la Biblioteca General de Historia del Arte.

Entre las últimas incorporaciones estuvo el departamento dedicado a la fotografía. Aquí tendrás mucho por descubrir porque ascienden a 250.000 obras el total de las obras de las diferentes colecciones.

Si estás listo para la experiencia, aprovéchala gratis los todos los sábados por la tarde, a partir de las 15:00 (hasta las 20:00 en mayo-septiembre; hasta las 18:00 en octubre-abril). Otras opciones para disfrutar sin gastar dinero: primer domingo de mes (de 10:00 a 15:00), 18 de mayo (Día Internacional de los Museos), 11 de septiembre (Diada de Catalunya).

Para más información visita la web del Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Museo Marítimo de Barcelona

Una de las visitas clásicas en esta ciudad es a la montaña del Montjüic. Pues bien, a este paseo puedes añadirle aún más sabor yendo a éste museo gratis en Barcelona que funciona en el edificio de las Atarazanas Reales y que está dedicado a relatar la historia de la cultura marítima. En esta parada no dejes de dedicarle unos minutos a apreciar el edificio en sí mismo, que como pieza arquitectónica y por su estilo gótico, es uno de los más importantes del mundo. Luego, ingresa gratis para desandar sus galerías y conocer su colección. ¿Qué días? Los domingos a partir de las 15 h. puedes ingresar al Museo Maritimo de Barcelona Además es gratuito el Día Internacional de los Museos, festividad de la Mercè y otras jornadas que puedes ir consultando en el calendario.

Museo del Diseño

Quien habla de esta urbe asocia inmediatamente con la moda y el diseño, ¿no es verdad? Por eso no es raro incluir esta propuesta entre los museos gratis en Barcelona. En este museo se han unido e ubicado todas las colecciones y fondos patrimoniales barceloneses relacionados con el mundo del diseño.

Es una visita diferente que estamos seguros te interesará, así que apunta cuándo tienes la entrada gratuita: Domingo por la tarde, de 15 a 20 h, y cada primer domingo de mes. Jornadas de puertas abiertas: 18 de febrero (Santa Eulàlia) y 24 de septiembre (Virgen de la Mercè)

Museo Picasso de Barcelona

El Museu Picasso (en catalán) posee una colección de 4.249 obras del pintor malagueño Pablo Picasso. Hay pinturas, esculturas, dibujos y grabados, es decir casi la mayoría de las plataformas sobre las que su arte fue haciéndose único y trascendente.

Puedes visitar este museo gratis en Barcelona y conocer la colección más completa del mundo en obras de la juventud de este magnífico artista acercándote a la calle Montcada de la Ciudad Condal. Para hacerlo de manera gratuita basta con visitarlo los jueves por la tarde, de 18:00 a 21:30. Se recomienda reservar entrada gratuita con antelación desde su web oficial.

También puedes hacer la visita gratuita los primeros domingos de mes (de 9:00 a 20:30) y en las fechas 18 de mayo (Día Internacional de los Museos) y 24 de septiembre (La Mercè).

CosmoCaixa Barcelona

Una última joya para este listado de museos gratis en Barcelona: esta propuesta implica nada más y nada menos que 50.000 m² dedicados a la ciencia. Hay zonas de exposición permanente y otras de temporales, como todo museo que se precie, a la par que se realizan eventos, conferencias y se dictan cursos. Es una opción magnífica para los viajeros sin importar su edad aunque vale mencionar que hay secciones para niños realmente imperdibles. Este recorrido es fácil de realizar e incluye no sólo un recorrido visual sino también táctil en el que podrás experimentar algunos de los conceptos y las leyes científicas. Si coincides con el primer lunes del mes entras gratis, sabemos que es una opción escasa pero bien vale la pena incorporarlo en este listado. Lo encuentras en Avda. del Tibidabo.

Importante: No confundir con el Caixa Forum que se encuentra en el Mont Juïc

Artículo relacionado: Museos gratis en Madrid

from WordPress https://www.teleaire.com/museos-gratis-en-barcelona/

#España #barcelona dia museos gratis #horarios museos gratis barcelona #la capital de Cataluña #museo

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ideaimateria · 5 years

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El público (una muchedumbre heterogénea que acude a ver arte) es un invento del imperialismo francés. La Academia de Pintura y Escultura, una institución creada a mayor gloria y propaganda de Luis XIV, comenzó a hacer exposiciones abiertas a la concurrencia para expandir el gusto francés, que ellos denominaban modestamente 'le grand goût’ ['el gran gusto’]. El Salón ofrecía a los espectadores unas salas atiborradas de obra perfectamente académica, ordenada jerárquicamente según tamaños y estilos (pintura histórica, retratos, paisajes, bodegones…), que se descifraban siguiendo una guía que ayudaba a ubicar, cartográficamente, las obras según autor y título. El invento fue un éxito. La facilidad con que accedemos hoy a las grandes obras de arte puede hacernos calibrar mal lo innovador del suceso. Recordemos que Las meninas, un cuadro que hoy puede ver cualquiera, se pintaron para el despacho de Felipe IV, que, como es de suponer, no era el lugar más concurrido de Madrid. Calvo Serraller, recientemente fallecido, contaba con bastante gracia que la novedad era tanta que a los primeros críticos de los salones les llamaba más la atención el público (la amalgama humana) que las obras expuestas…

https://www.elconfidencial.com/cultura/2018-12-28/arte-publico-museos-exposiciones_1730418/

Entrevista a Manuel Borja-Villel “La época del arte en el sentido en que lo consideran Rancière, Arthur Danto y otros muchos se está acabando. Siempre habrá una ‘práctica artística’, una dimensión estética, pero seguramente desempeñará otro papel en la sociedad” Revista Lápiz

Pregunta- ¿Cómo ve en estos momentos el sector galerístico español? ¿Deberían las galerías reinventarse?

Respuesta- Se tienen que reinventar las galerías al igual que se tienen que reinventar las instituciones. […] La época del arte en el sentido en que lo consideran Rancière, Arthur Danto y otros muchos se está acabando. Ese período del arte que empezó con el Renacimiento y tomó completa forma sobre todo a partir del siglo XVIII, esa época en la que aparecen los artistas –recordemos que los pintores de la Edad Media no eran “artistas”–, con esa idea del estudio y demás, todo eso se está acabando. Siempre habrá una “práctica artística”, una dimensión estética, por supuesto, pero seguramente desempeñará otro papel en la sociedad, uno que tendrá poco que ver con esta imagen que tenemos aún hoy del artista. […] La idea de galería, que de algún modo aparece cuando la aristocracia empieza a vender sus colecciones porque necesita dinero y la burguesía a su vez necesita decorar sus grandes mansiones, y que se presenta como un espacio que duplica el espacio privado burgués, se ha acabado totalmente. La gente hoy colecciona no precisamente para decorar sus casas. El arte se ha convertido en un “valor refugio”, la obra de arte está sujeta hoy a la monetización. Además, hay prácticas procesuales en el arte que no producen objetos. No sé en qué se puedan convertir las galerías, pero me imagino que tendrán que alejarse del concepto de tienda para acercarse más al de agencia, al de lugar de producción y distribución, en un sentido más parecido al que tiene un productor de cine. […]

http://www.revistalapiz.com/entrevista-a-manuel-borja-villel/

Luis Camnitzer. “Hospicio de utopías fallidas”. MNCARS

«Hemos sustituido la “meritocracia” por la “payasocracia”»

...Muchas veces me preguntan qué objetivos me plateo como artista y siempre contesto lo mismo: En primer lugar, me interesa la ética. En segundo lugar, la política, entendida como estrategia para implementar la ética. Y en tercer lugar, por razones biográficas que a nadie le competen, hago arte porque es el ámbito en el que me mantengo cómodo cuando pienso o me manejo. Si fuera zapatero, la estructura mental sería la misma, solo que orientada a la elaboración de un zapato. Pero lo que esa estructura fomenta es que me interese la pedagogía más que el hacer obras. Creo que toda mi producción, desde los sesenta en adelante, se ha enfocado en esta actitud. No en la obra misma, sino en qué va a producir esa obra en el público y, más que eso, en cómo va a activarlo, en términos de independizar al público en el proceso de creación a tal punto que yo pueda dejar de ser artista y hacer otra cosa. En la medida en que no logro eso, sigo siendo artista...

https://sietedeungolpe.es/luis-camnitzer-hospicio-de-utopias-fallidas-mncars/

“conceptual lúdico” ? Una nueva generación de artistas merodea por un conceptualismo descreído, haciendo equilibrismo entre el humor y la crítica. Desde la herencia revisada del dadaísmo, el punk, el arte conceptual, el frikismo pseudocientífico y las muy diversas manifestaciones del underground, el arte merodea por un conceptualismo descreído, haciendo equilibrismo entre el sentido del humor y la incidencia de raíz micropolítica. Muchos tildan a esta deriva de “conceptual lúdico” siguiendo la apertura que supone el trabajo de artistas como Robert Barry, Yoko Ono, Jiri Kovanda, Fischli & Weiss, Martin Creed, Tino Sehgal, Roman Ondák, Miranda July o Bobby Baker, que en unos días llega a La Casa Encendida. En los sesenta, Guy Debord también contribuyó lo suyo con el Manifiesto situacionista incitando a los artistas a salir a la calle y disparar al azar. O lo que es lo mismo: a reivindicar la radicalidad y la intensidad como fundamentos de la creación. Un propósito que sigue vigente en el arte contemporáneo: el uso de la autocrítica y el privilegio de la distracción como formas para pensar en los extremos y discutir sobre los matices. Hablamos de una actitud a medio camino entre la exaltación y la cabezonería que, desde cierta poética de lo insignificante y lo precario, experimenta con lo micro para intentar abarcar lo macro. Correr por un museo. Camuflar una oliva en una reja. Soltar un grito inesperado en mitad de una exposición. Suspender la orden de guardar silencio en una biblioteca. Atrapar el aire de una habitación…

https://elpais.com/cultura/2019/01/17/babelia/1547743377_701839.html

https://megaescenarioono.tumblr.com/Intercambio

Referencias

Abraham Moles

Joseph Kosuth- one and three chairs

Laurence Weiner

Laurence Weiner-made to be

Laure Prouvost- ideally this corner would embrace you warmly

Gabor Toth- no art today

Jenny Holzer- how strange

Ignasi Aballí

Marc Bijl-sculpture

John Baldessari- tips for artists who want to sell

Bruce Nauman- the true artists helps the world by revealing mystic truths

Martin Creed

Philip Oakley- each man creates his own god

Miriam Elia- parts of her excellent & hilarious book: we go to the gallery

Jiri Cernicky- bind sculpture

Pixie Pravda-this painting is a sculpture

Hula (Sean Yoro)-There are no truths, only perspective

Antol Knotek-human rights

https://karaokecoverhit.tumblr.com/RE-interpretar

DIAS & RIEDWEG

Doormats, 2016, Juego de 10 felpudos con fibras de coco naturales impresas en negro, 90 x 47 cm

PÚBLICOS Y CONTRAPÚBLICOS

http://www.caac.es/programa/publicos10/frame.htm

http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-20110227-2333-169/1031662/

http://www.caac.es/prensa/dossiers/dos_publicos10.pdf

MACBA / Universitat Autònoma de Barcelona2008

Michael Warner

https://www.macba.cat/es/publicos-y-contrapublicos

UN TEATRO SIN TEATRO

http://juanmunozestate.org/works/waste-land/

http://juanmunozestate.org/work/sculptures/1986/

http://juanmunozestate.org/works/

https://www.macba.cat/es/expo-teatro-sin-teatro

Bruce Nauman “Piece in Which One Can Stand”, 1966

Generación 2019

Los artistas de esta generación presentan sus obras formalmente a través de instalaciones. El comisario de la muestra, Ignacio Cabrero, alude al teatro como acontecimiento que toma un nuevo sentido en el arte contemporáneo y ofrece al espectador la posibilidad de vivir una experiencia única. La formalización de las obras no sólo se ha “expandido”, sino que es teatralizada con el fin de atrapar al espectador y hacerle participar con todos sus sentidos. Los ocho artistas presentes en Generación 2019 llevan a escena paraísos distintos, utopías, realidades paralelas o paisajes ficticios donde formas orgánicas, prótesis, gritos o susurros contribuyen al espectáculo del arte; dispositivos de exposiciones universales para presentar ideas utópicas, gabinetes de maravillas, dibujos misteriosos en un paisaje teatralizado, acciones que invocan a artistas del pasado o propuestas que tratan de cuestionar nuestros límites. https://www.instagram.com/p/BtQp6D4gsZ_/?utm_source=ig_share_sheet&igshid=qrla8auxm3g5

https://www.lacasaencendida.es/exposiciones/generacion-2019-9521

http://www.rtve.es/alacarta/videos/la-2-noticias/2-noticias-generacion/4969748/

http://www.quadernscrema.com/cataleg/la-utilitat-de-linutil/

http://www.acantilado.es/catalogo/la-utilidad-de-lo-inutil/

Breviario de saberes inútiles

Ensayos sobre sabiduría en China y literatura occidental

TRADUCCIÓN DE JOSÉ MANUEL ÁLVAREZ-FLÓREZ Y JOSÉ RAMÓN MONREAL

Cuenta Simon Leys que cuando era un joven estudiante tuvo la suerte de acudir a una peculiar escuela en Hong Kong. Uno de sus condiscípulos, calígrafo y grabador, la bautizó como «Escuela de la inutilidad», y en ella pasó Leys unos «años intensos y gozosos, en los que aprender y vivir eran lo mismo». Sólo más tarde descubriría el escritor belga que, puesto que el saber más ocioso constituye el fundamento de los valores esenciales de nuestra humanidad, a esos años debía lo más decisivo de su formación. Esta antología de ensayos reúne toda la sabiduría «inútil» que acumuló a lo largo de su vida: en ella se dan cita personajes, imaginarios o reales, tan diversos como don Quijote y el inspector Maigret, Confucio y Mao Zedong, o Magallanes y los náufragos de las remotas islas Auckland. Todos ellos atestiguan en este Breviario de saberes inútiles, la espléndida travesía intelectual del lector voraz que fue Leys, conocedor privilegiado de la literatura occidental y la cultura china.

http://www.acantilado.es/catalogo/breviario-de-saberes-inutiles/

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fotograrte · 11 days

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La Gracia publica los Honores (GCR, Tapiz flamenco)

La Gracia publica los Honores. Tapiz flamenco atribuido a Pieter Van Aelst (activo entre 1495 y 1532). Galería de las Colecciones Reales. Madrid. Continue reading La Gracia publica los Honores (GCR, Tapiz flamenco)

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#Galería de las Colecciones Reales (Madrid)#Pieter Van Aelst #Renacimiento #Siglo XVI #Tapices

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truhanthings · 9 months

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Encuentro de Atila y el Papa León Magno a las puertas de Roma. Pietro da Cortona. Galería de las Colecciones Reales. Madrid.

#Galería de las Colecciones Reales #madrid spain

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carloserikmalpicaflores · 5 years

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Carlos Malpica Flores: Giacometti dialoga con los grandes maestros del PradoDescubrir el Arte, la revista líder de arte en español

En el marco de las celebraciones del bicentenario de la pinacoteca nacional, veinte piezas del artista suizo dialogan con las de los grandes maestros de la galería central del museo, Velázquez, el Greco, Tintoretto o Ribera. Comisariada por Carmen Giménez, esta exposición está centrada en la atemporalidad de la figura humana como modelo de representación para el arte de todos los tiempos. El creador, aunque nunca viajó a España, asistió en 1939 a la exposición Chefs-d’oeuvre du Musée du Prado en Ginebra, donde habían sido trasladadas gran parte de sus colecciones durante la Guerra Civil. Hasta el 7 de junio

Dentro del marco de la celebración del Bicentenario del Museo del Prado, y con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fundación Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud (que también cumple doscientos años), la pinacoteca nacional dedica una pequeña y singular exposición a Giacometti, uno de los creadores más influyentes del siglo XX, centrada en el periodo que va de 1945 a 1966 y, por tanto, en la figura humana, el objeto principal de sus inquietudes artísticas en esos años.

Sobre estas líneas, sala de la exposición, Mujer de pie, de Giacometti, junto a las obras del Greco. Arriba, conjunto de figuras que conforma La Piazza –Mujer alta III, Mujer alta IV, Cabeza grande y Hombre que camina– en la sala de Las meninas de Velázquez. Ambas fotos: © Alberto Giacometti Estate / VEGAP, Madrid, 2019. Foto © Museo Nacional del Prado.

Uno de los fenómenos más llamativos en los doscientos años transcurridos desde la apertura del Museo del Prado ha sido su progresiva conversión en lugar de peregrinaje de los artistas de vanguardia. De Courbet a Bacon, pasando por Manet, Degas, Whistler o Picasso, su visita a la pinacoteca marcó un antes y un después en su trayectoria artística. Ha habido, no obstante, destacadas ausencias, y quizás ninguna tan notoria como la de Giacometti, un artista que concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente, y, sus creaciones avalan hoy aquí la atemporalidad de la figura humana como modelo de representación para el arte de todos los tiempos.

El carro, por Alberto Giacometti, 1950, bronce, patinado en oro, sobre pedestales pintados de negro, Zúrich, Kunsthaus Zürich, Alberto Giacometti-Stiftung, 1965 © Alberto Giacometti Estate / VEGAP, Madrid, 2019.

Hijo de un destacado autor posimpresionista suizo, Alberto Giacometti (Borgonovo, 1901-Chur, 1966) empezó a dibujar con avidez desde niño y a realizar, en la mayoría de los casos a partir de reproducciones, copias no solo de los maestros antiguos, sino del arte de todos los tiempos y culturas. Continuó esta labor durante su formación en París, ciudad a la que se trasladó en 1922, y a lo largo de toda su vida, como atestiguan sus cuadernos.

El carro de Giacometti junto a Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano. Imagen de las salas de exposición © Alberto Giacometti Estate / VEGAP, Madrid, 2019. Foto © Museo Nacional del Prado.

Alrededor de 1930, Giacometti se adhirió al movimiento surrealista, sustituyendo progresivamente en su obra “lo real por lo imaginario”. No será hasta 1934 cuando vuelva a servirse de un modelo en sus composiciones, lo que desembocará en su ruptura con el surrealismo. Este empeño por “reflejar” lo real lo aisló en cierta forma del arte de su tiempo y lo vinculó inexorablemente al pasado.

Es fundamentalmente a partir de 1945 y hasta su muerte en 1966 cuando su práctica se centra en la representación de la figura humana, sobre todo de sus seres más cercanos, y se observa en su obra una búsqueda infatigable de lo real que pretende trascender la apariencia meramente superficial de sus modelos. Una obsesión que se hace más patente todavía en la radicalidad de sus retratos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, cuya terrible experiencia influyó definitivamente al artista, como demuestran las obras reunidas en esta muestra. Para la comisaria, Carmen Giménez, “ese giro a la figuración estuvo influido por el existencialismo de Jean Paul Sartre y los horrores de la guerra y el Holocausto, y fue precisamente Sartre quien “definió a Giacometti como el artista existencialista perfecto, a mitad de camino entre la nada y el ser”. El intelectual francés comentaba de sus figuras descarnadas, despojadas de toda materia superflua que “a primera vista parecen mártires consumidos salidos del campo de concentración de Buchenwald. Pero poco después se abre paso hacia un concepto distinto: esas naturalezas delgadas y finas se elevan al cielo”.

Hombre andando II, por Alberto Giacometti, 1960 (4/6) , bronce, Riehen/Basilea, Fondation Beyeler, Beyeler Collection © Alberto Giacometti Estate / VEGAP, Madrid, 2019.

Las 20 obras expuestas –18 esculturas y 2 óleos– proceden de colecciones de la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, Alberto Giacometti-Stiftung Zurich, Kunstmuseum Basilea, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Dinamarca, Alicia Koplowitz (coleccionista y miembro del Real Patronato del Museo Nacional del Prado), la Fundación Marguerite et Aimé Maeght de Saint-Paul-de-Vence, la Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, y el Museo de Bellas Artes de Houston.

El recorrido arranca en la sala de Las meninas de Velázquez, donde el conjunto de figuras que conforma La Piazza –Mujer alta III, Mujer alta IV, Cabeza grande y Hombre que camina–, ideado inicialmente en 1958 como un proyecto de escultura monumental en Nueva York que no llegó a materializarse, prolongan, aún más si cabe, el juego de espejos propuesto por el pintor barroco.

Mujer grande IV, por Alberto Giacometti, 1960 (3/6), bronce, Riehen/Basilea, Fondation Beyeler, Beyeler Collection © Alberto Giacometti Estate / VEGAP, Madrid, 2019.

Frente al Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano se sitúa El carro: una mujer, encaramada sobre dos ruedas gigantes, suspendida en equilibrio entre el movimiento y la quietud, el avance y la retirada, y dos pinturas entre las que encontramos Cabeza de hombre I (Diego), obra en la que capta en 1964 a su hermano Diego, quien posó para él a lo largo de toda su vida. Próximas al casi cinematográfico espacio del Lavatorio de Tintoretto, siete Mujeres de Venecia, pertenecientes a la serie de esculturas presentadas en la Bienal de Venecia de 1956 en el Pabellón francés y una de sus obras cumbre, dirigen su mirada hacia las salas de la obra del Greco, donde Mujer de pie manifiesta unos evidentes paralelismos formales en su verticalidad y alargamiento con la obra del pintor cretense. Ante los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules, contrasta La pierna, producto quizá de una realidad ya definitivamente fragmentada después de la Segunda Guerra Mundial.

La exposición recuerda que la obra de este artista único, gran dibujante, pintor y escultor, le debe tanto a la historia de la pintura como a la de la escultura y corrobora que los precedentes esenciales de su obra se encuentran también en la pintura barroca italiana y española.

Mujer de pie, por Alberto Giacometti, 1948-49 (fundición 1952-53), latón, Hamburgo, Hamburger Kunsthalle © Alberto Giacometti Estate / VEGAP, Madrid, 2019.

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#CarlosMalpicaFlores

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fotografobcn · 5 years

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Eposición Tokioto en Madrid

Tras la gran acogida por parte del público del libro y la exposición “Tokioto”, presentados el pasado verano en Santander, el artista muestra en Madrid su trabajo coincidiendo con publicación de la segunda edición de su fotolibro. En la muestra que se celebrará en la Casa de Cantabria de Madrid hasta el 15 de enero, se puede disfrutar de 58 piezas en gran formato y de la reedición del libro publicado del proyecto.

La exposición forma parte de los actos conmemorativos del 150 aniversario del establecimiento de las relaciones diplomáticas entre España y Japón. Por este motivo el Gobierno de Cantabria, junto a Casa Asia y la Fundación Japón se ha propuesto contribuir a la celebración de este acontecimiento con una muestra expositiva que acerque una visión de la sociedad nipona a España a través de los ojos de un artista español.

“Tokioto” es un proyecto fotográfico en el que el artista nos propone un viaje a través de la imagen para conocer algunos de los matices de la cultura japonesa. Como hilo conductor del trabajo, el creador nos presenta, desde un punto de vista personal, un paisaje social en el que se pone especial acento en el equilibrio existente entre tradición y modernidad. Un diario visual en el que utiliza dos ciudades como metáfora de esta singular simbiosis. Kioto, como la antigua capital en la que se conservan las tradiciones más ancestrales y Tokio, la moderna capital ultra tecnológica donde la vanguardia es más puntera.

En las piezas sobre arquitectura cabe destacar el paralelismo con la corriente de la nueva objetividad, y con artistas como Andreas Gursky, o Candida Höffer. Estos creadores también analizaron los espacios mostrando su interés en busca del matiz, casi oculto, de lo que están representado.

Su forma de trabajar es comparable a la de artistas como Ángel Marcos, ya que como viajero establece un diálogo con el territorio recorrido. El concepto del viaje, entendido no sólo como desplazamiento físico, sino como toma de conciencia a través de la indagación personal, le lleva paulatinamente a ampliar los límites geográficos en busca de nuevos escenarios y perspectivas que captar con su cámara fotográfica.

Eduardo Rivas se enfrenta a los lugares estableciendo un dialogo directo y sincero con los mismos, ya que traslada a sus instantáneas las percepciones y emociones vividas. La realidad aparece de esta forma condicionada a las sensaciones y emociones sentidas en cada momento por el ojo inteligente del artista.

El autor

Eduardo Rivas Muñoz (Santander 1984). Es un fotógrafo, diseñador y artista que ha desarrollado su carrera tanto en la fotografía comercial como en la fotografía de autor. Como fotógrafo freelance ha trabajado para distintas agencias en Madrid, Ámsterdam, París y Nueva York. Compaginando siempre esta labor con el desarrollo de proyectos personales.

Como artista es un prolífico creador que utiliza la técnica fotográfica como medio de expresión personal para investigar y mostrar el mundo que le rodea. Dentro de la fotografía contemporánea, su trabajo se articula entre el ensayo y la fotografía documental conceptual. Desarrolla trabajos en los que destaca su mirada creativa y analítica, portadora siempre de un importante matiz antropológico. Estos trabajos le ha llevado a recibir diferentes becas y premios siendo alguno de los destacados la Beca de la Real Casa de la Moneda de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre 2008, Primer premio Internacional de la Comisión Europea al Desarrollo 2009, Primer premio en el Concurso nacional de Fotografía de Medinaceli 2009, Premio Nacional de Fotografía Científica 2015, Primer premio de Fotoperiodismo del Gobierno de Cantabria 2017, etc.

Su trabajo ha sido expuesto en numerosas ocasiones en museos y salas como la del Museo de Ciencias de Valencia, Museo Nacional de la Casa de la Moneda, Galería Liebre, Palacio Fernán Núñez, Casyc, Centro Nacional de Fotografía Manuel Rotella, etc.

Sus obras están en varias colecciones de arte como la del Museo Nacional de la Casa de la Moneda, la Fundación de Ferrocarriles españoles, Colección de arte del Gobierno de Cantabria, Colección del Ministerio de Agricultura y Medio Ambiente, Colección de arte de la Universidad de Michigan, Colección Casyc y Bruno Alonso.

Más info: http://eduardorivasvisual.com/

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El post Eposición Tokioto en Madrid fue publicado por primera vez en DNG Photo Magazine.

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diegoricol · 5 years

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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: Recuerdos de la fotografía en el bicentenario del museo del Prado: 1819-2019

Esta semana han inaugurado una exposición en el Museo del Prado de Madrid para empezar a conmemorar el bicentenario de su creación. ‘Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria’ cuenta la trayectoria del museo desde su creación y su relación con la sociedad. Veremos cuadros, conoceremos historias y aunque parezca mentira, hay fotografías.

El Museo del Prado es uno de los grandes tesoros de la humanidad. Es la culminación del arte. El lugar que deposita el saber de los grandes maestros de la pintura. Allí están Velázquez, Goya, el Greco, Tiziano, Rubens, Durero, Fra Angélico, Rafael… todos los genios de la pintura. En 1819 comenzó su camino uno de los museos más importantes del museo gracias a las colecciones reales y a la desconocida figura de la trágica reina María Isabel de Braganza, segunda esposa de Fernando VII. Ella no lo llegó a conocer, pues murió en diciembre de 1818, casi un año antes de su apertura, el 19 de noviembre de 1819.

María Isabel de Braganza como fundadora del Museo del Prado Bernardo López Piquer Óleo sobre lienzo, 258 x 174 cm 1829 Madrid, Museo Nacional del Prado

En aquellos primeros años, con poco más de 300 obras expuestas, con suelos de barro que impedían que se abriera en días de lluvia, empezó a aumentar su legado. Poco después de la muerte de Fernando VII, la desamortización de Mendizabal en 1835, que buscaba la financiación del Estado, el impulso económico de las clases burguesas y romper el poder económico de la Iglesia dio lugar al museo de la Trinidad, que se encontraba en la actual plaza de Benavente.

En ese museo se agrupó todo el arte de los conventos abandonados del centro de España y se fusionó tres décadas después. Con el paso del tiempo la olvidada pintura española entró en el imaginario de la cultura europea. Velázquez se convirtió en un mito e ir a Madrid a descubrirlo se convirtió en una obligación para los artistas europeos.

El museo se nacionalizó el 23 de febrero de 1872. Entonces fue cuando se agrupó con el mencionado museo de la Trinidad y provocó, por la ingente cantidad de obras, el famoso Prado disperso. Fuera de sus imponentes paredes hay más de 3200 obras en pueblos como Ciudad Rodrigo (Salamanca) o Navas del Marqués (Ávila).

El paso del tiempo en el museo y la fotografía

No podemos olvidar que la fotografía se presentó al mundo en 1839. Y que muy pronto llegó a España. Y aunque parezca mentira, en los inicios del museo del Prado se podían hacer fotos. Es verdad que no todo el mundo portaba una cámara pero gracias a los colodiones de Jean Laurent o José Lacoste hoy sabemos cómo era el museo y sus visitantes, los que lo mantienen vivo y con sentido.

Poco a poco se van documentando las salas de entonces. No quedaba ni un espacio libre. Lo importante era juntar el trabajo de cada artista fuera como fuera, sin rigor alguno. De hecho, en algunas salas de la exposición se recuerda lo abarrotado de aquella propuesta. Incluso hay una ampliación de uno de los fragmentos del famoso grafoscopio de Laurent.

Museo del Prado, vista de la Sala de la Reina Isabel II Juan Laurent y Minier Positivo fotográfico | gelatina, colodión, 244 x 337 mm h. 1879 Madrid, Museo Nacional del Prado

Este invento, único en el mundo, fue registrado el 24 de febrero de 1882. El mismo fotógrafo hizo una serie de fotografías de la galería central que se pueden ver en el único grafoscopio que se conserva en el mundo. Es un dispositivo que permitía ver una fotografía panorámica avanzándola con un juego de rodillos.

Pero es que este autor de reconocido prestigio, tuvo la exclusividad de fotografiar el museo entre 1879 y 1890, de ahí la importancia de su trabajo y la presencia de algunos colodiones de pequeño tamaño en la exposición.

El colodión es un barniz sensibilizado con nitrato de plata. Requería ser usado justo antes de hacer la fotografía, por lo que había que volcarlo en una placa limpia de cristal y disparar en el momento. A cambio conseguían un tiempo de exposición inferior a los 30 segundos y una gran nitidez.

Vamos pasando de sala en sala hasta llegar a los años 30, los años de la II República y de la cruenta guerra. Sol y sombra para el Prado. En aquellos años el museo ya forma parte de la cultura internacional. Uno de los aspectos más destacados de aquellos tiempos fueron las llamadas Misiones Pedagógicas.

, de Velázquez, Cebreros, Ávila, 13-17 de noviembre de 1932” Madrid, Archivo fotográfico de la Residencia de Estudiantes” class=”centro_sinmarco” src=”https://i.blogs.es/a7d8fd/f53f1355-67b8-cece-3db7-97f6c4d98be2/1024_2000.jpg” /> “Grupo de espectadoras ante una copia de , de Velázquez, Cebreros, Ávila, 13-17 de noviembre de 1932” Madrid, Archivo fotográfico de la Residencia de Estudiantes

Se recuerda con una impresionante foto retroiluminada del ‘Museo Circulante’, un proyecto de Manuel B. Cossío que consistía en llevar reproducciones de las obras famosas a lugares donde nunca habían oído hablar de Goya o Velázquez. Acercar el arte al pueblo en una época en la que muchos españoles no sabían leer ni escribir.

Pero llegó la guerra, y con ella una de los periodos más duros del Prado. A través de fotografías descubrimos el camino, en situaciones precarias, que tuvieron que seguir muchas de las obras de arte en peligro por las bombas incendiarias que se lanzaban sobre sus tejados. Llegaron a Valencia, luego fueron acogidas en Cataluña y viajaron hasta Ginebra donde fueron expuestas.

Museo del Prado. Estado en el que se halló el museo al ser liberado Madrid. Sala IX. Madrid, Museo Nacional del Prado.

También emociona ver, en las copias modernas de las fotos de Santos Yubero, la vuelta a Madrid de todas ellas. Todo parecía volver a la normalidad, al menos para el museo. Durante el franquismo el Prado intentó recuperar el camino que estuvo a punto de perder. Los grandes artistas volvían una y otra vez a contemplar a los maestros. Y ahí están las fotografías que recuerdan el paso de todos ellos, desde Torrente Ballester a Dalí, pasando por actrices como Gina Lollobrigida a grandes artistas modernos como Pollock, Warhol, Miró…

Para terminar

Al llegar a la época actual llama la atención una pequeña copia de la famosa fotografía de Elliot Erwitt de las majas. Y al final encontramos incluso unas copias enormes en color de modernos visitantes posando en las galerías principales del museo. Incluso la acertada portada del catálogo es Henri Cartier Bresson fotografiado por su mujer Martine Frank mirando un cuadro de Goya. La fotografía siempre ha contado cosas y desde luego ha sido parte importante de su historia.

Pero en la actualidad ya no es así. Está prohibido hacer fotografías en el museo del Prado. En las generaciones futuras, en la celebración del 300 aniversario nadie nos recordará ni a ti ni a mi visitándolo. No se sabe bien el motivo. Puede que sea el uso del flash que se puede evitar. A lo mejor es el tema de los seguros… Quién sabe. Pero ya no se puede llevar una cámara y utilizarla en el templo del arte.

Museo del Prado, vista de la sala de Velázquez José Lacoste y Borde Gelatina | Colodión. Papel fotográfico | Segundo soporte: cartulina, 166 x 230 mm.; segundo soporte: 246 x 323 mm 1900 – 1907 Madrid, Museo Nacional del Prado

Y todos los fotógrafos deberíamos peregrinar una vez al mes a este museo y sentarnos frente a ‘Las meninas’ para entender qué es la luz. O mirar de frente a los ojos de Durero para saber cómo retratar. O santiguarnos ante todos y cada uno de los cuadros de Goya porque él fue el primero que vio con ojos de fotógrafo sin la necesidad de una cámara.

La exposición es perfecta para conocer el paso del tiempo. Para apreciar aún más a nuestros maestros. Siempre creo que un fotógrafo no está completo si no tiene como referencia algún cuadro de este museo. La luz siempre la entenderá mejor con Velázquez en la retina y su trabajo con Goya en la memoria. Así que lo mejor que podemos hacer este año es acercarnos por ahí y ver que antes se podían hacer fotos y luego perderse por las salas en busca de inspiración.

‘Museo del Prado 1819-2019 Un lugar de memoria’

Del 19-11-2018 al 10-03-2019 Museo del Prado

calle Felipe V

Museo del Prado

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#DiegoRicolFreyre

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joseandrestabarnia · 3 years

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Amigoni, Jacopo (Venecia, ca. 1682 - Madrid, 1752)

Retrato de Carlo María Broschi, Farinelli

Departamento: Museo

Nº Inventario: 1461

Datación: 1750

Dimensiones: 82 x 61 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Observaciones:

El músico aparece sonriente, de medio cuerpo, vestido con atuendo de corte: camisa con chorreras y puños bordados, corbatín y casaca de terciopelo azul con bocamangas rojas y bordada. En el lado izquierdo de la casaca lleva la cruz de la Orden de Calatrava, distinción que se complementa con la venera de la misma orden que pende de su cuello y que se sitúa en el extremo de la chorrera. Sostiene una carpeta con papeles y pinturas que aluden a su talento polifacético y a sus colecciones personales, que en 1759 se llevó a Bolonia donde pasó el resto de su vida rodeado de honores.

Nacido en Andria, en el reino de Nápoles, Carlo Broschi (1705-1782) fue admitido en el conservatorio del célebre Porpora y pronto llamó la atención de una acomodada familia de melómanos, los Farina, que le brindaron protección y le dieron su nombre artístico. Todavía adolescente comenzó sus aclamadas giras por Italia y otros países. Debutó en Londres en 1734 entre gritos entusiastas: ¡Un solo Dios, un solo Farinelli! Después de tres temporadas triunfales en Londres, fue llamado a la corte española por la reina Isabel de Farnesio. A sugerencia suya Fernando VI hizo venir a Jacopo Amigoni, cuya amistad con el músico databa de años atrás, como pintor real. Durante el reinado de Fernando VI, Farinelli dirigió toda la vida musical de la corte, transformando los teatros de Aranjuez y el Buen Retiro, montando óperas, diseñando escenografías, etc.

El monarca le nombró caballero del hábito de Calatrava imponiéndole personalmente las insignias que lleva en este retrato, descritas por el propio Farinelli en su testamento de 1778:

Una insignia de la Orden Militar de Calatrava para coser sobre la casaca, en forma redonda, en medio de la cual está la cruz de la Orden toda de pequeños y finos rubíes sobre un campo de brillantitos amarillos, y el resto de su circunferencia de brillantes blancos de diverso tamaño según conviene al diseño, con cuatro brillantes en los ángulos y cuatro más pequeños en las puntas de la dicha cruz (...) Una venera o cruz de dicha Real Orden, para colgar sobre el pecho con cinta roja, teniendo esta venera su cruz de pequeños rubíes sobre campo de brillantitos amarillos, y todo lo demás de brillantes blancos de diverso tamaño graduados según el diseño con seis brillantes más grandes, rematada con otro más grande que estos seis, colgada de un medio anillo de tres brillantes por el que pasa la cinta ...

En un codicilo añadido el 14 de septiembre de 1782, la víspera de su muerte, Farinelli deja en legado esta joya a las Madres Comendadoras de Calatrava, cuya iglesia está a poca distancia de la Academia:

Y dejo al convento de las Reverendas Madres Comendadoras de la Real Orden de Calatrava en Madrid calle de Alcalá, y quiero que se haga llegar de modo seguro a manos de la Reverenda Madre superiora, una de mis veneras de la Real Orden, y precisamente aquella que el rey Fernando VI de gloriosa memoria con sus propias manos prendió en mi casaca creándome caballero de la Real Orden, que tiene brillantes pequeños y medianos.

El lienzo fue adquirido a la galería londinense Jean- Luc Baroni LTD en 2006.

Restauración: Tratamiento en el marco agosto 2015

Información de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

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