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Lunas de Alma
Bitácora digital sobre Historia del Arte Moderno y Contemporáneo
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The Encounter, 2018-19 - oil and acrylic on canvas
— Guillermo Lorca (Chilean, b.1984)
https://www.guillermolorca.com/
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Lo etéreo del Art Nouveau: el mágico arte de Alphonse Mucha
Autorretrato, Alphonse Mucha, 1889
Ciertamente uno de los máximos exponentes del Art Nouveau, Alphonse Mucha fue uno de los pintores que elevó las artes y oficios a una de las Bellas Artes.
Su obra cargada de elegancia y simbolismo sigue siendo un hermoso referente inluso en la actualidad, no quedándose corto en lo absoluto frente a artistas de otros movimientos. Es reconocible al instante, además, presentándose con hermosas mujeres de cabellos largos y prendas sueltas, rodeadas de una rica ornamentación botánica en colores cálidos.
Él era conocido principalemente por su trabajo con carteles. Durante la época de 1895-1900, el estilo de Mucha incluso se llamaba "le style Mucha", ya que coincidía con la tendencia del estilo Art Nouveau. Los paneles decorativos (panneaux decoratifs), eran carteles sin texto, diseñados específicamente para decorar paredes interiores.
Fue el propio Mucha quien se apropió y transformó los paneles decorativos en una nueva forma de arte disponible para el público en general, en contraposición a las obras de arte tradicionales disponibles para los individuos privilegiados.
Las cuatro estaciones, 1896
Gracias a los avances en la impresión litográfica, Mucha, así como artistas como Toulouse-Lautrec y Théophile Steinlen, sacaron al público diseños audaces.
París entró en una época dorada del cartel; las calles se convirtieron en auténticas exposiciones de arte al aire libre, pero nunca antes se había visto nada parecido al diseño de Mucha. No solo por la paleta de colores pastel apagados de la obra, que contrastaba mucho con los colores más atrevidos en los carteles de la época, sino también la composición extremadamente estrecha y de tamaño natural del diseño de Mucha lo verdaderamente innovador.
(Por cierto, se sugiere que la inspiración para este formato vertical pudo haber venido de los pergaminos japoneses que se importaban a Francia. Ahí hay otro ejemplo de la enorme influencia oriental en el arte occidental, pero ajá.)
Su trabajo no se limitaba únicamente a carteles., eso sí. Detrás de Alphonse Mucha hay una interesante lista de medios que el artista aprovechó para crear, entre ellos:
FOTOGRAFÍA
En su fotografía hay una enorme cantidad de autorretratos, posando en su estudio, exposiciones, en medio de su trabajo como artista. Aprovechaba este medio tan reciente, no sólo para tener referencias de sus modelos, sino que lo exploraba como una forma de arte y expresión.
Autorretrato en su estudio, Rue de la Grande Chaumière, Paris (1892)
Modelos posando para "La epopeya eslava", 1911-1912 // Maruška haciéndose pasar por una campesina rusa para "Mujer en el desierto", 1923
Pintura
Mucho menos reconocida que su trabajo en litografía. Sus pinturas están cargadas de ligereza y un aire sobrenatural que logra que quien la observa quede totalmente inmerso dentro del mundo que intenra retratar.
Mucha exploraba mucho los temas religiosos y mitológicos, generalmente retratándolo en soportes de enormes tamaños. Entre ellas, está la serie de pinturas "La Epopeya Eslava", un conjunto de obras que tomó cerca de 18 años para llegar su culminación. Tras su finalización, la ciudad de Praga prometió la construcción de un pabellón para albergar las obras, algo que, polémicamente, todavía no se ha hecho.
'La epopeya eslava' nº2: La celebración de Svantovít, 1912
Retrato de Maruška, Esposa de Mucha, 1908-1917
Trabajo decorativo / Diseño Industrial
Escultura, joyería, vitrales, muebles, diseño textil, empaques para galletas y vestuario para obras de teatro. Alphonse exploró todos estos medios, todos con altísimo lujo de detalle, característico de la época y del estilo del artista.
Pulsera de serpiente, Alphonse Mucha y Georges Fouquet, 1899
Cabeza de niña, estatua para el stand de la Perfumería Houbigant en la Exposición de París 1900
Documents décoratifs: estudio final para la lámina 71, 1901-1902
En fin, para cerrar (porque me voy a emocionar de más), la obra de Alphonse Mucha va más allá de la estética visual; es un reflejo de la época, la filosofía y la identidad cultural.
Su habilidad para fusionar la publicidad con la elegancia artística y su enfoque en la belleza femenina y la naturaleza demuestran su técnica y su compromiso con los ideales del Art Nouveau. Con sus creaciones, Mucha no solo dejó una marca permanente en la historia del arte, sino que también encapsuló la belleza y la elegancia de una era que sigue inspirando a generaciones posteriores.
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Hiroyasu Shimo, 2021
Haciendo una entrada (medio) triunfal al arte contemporáneo, tenemos el Video Art. Ciertamente el trabajo del artista japonés Hiroyasu Shimo es como el de ningún otro.
La presentación de esta instalación es casi hipnótica. El aire espeluznante que rodea la pantalla casi hace que el espectador quiera sumergirse en la imagen retratada. El artista, en uno de sus posts de instagram explica que utilizó dos modelos para crear el efecto de las manos en movimiento, una detrás de la otra.
No es solo ese efecto de movimiento similar al de una serpiente, sino también el uso cuidadoso de los elementos que mantien la armonía de la composición. El lazo, que se encuentra en primer plano da la apariencia de que la cabeza del personaje es muy pequeña en comparación a las manos, aumentando así la ilusión de que hay un monstruo —o alguna criatura no humana— tratando de salir de detrás de la pantalla.
Ciertamente, todos los proyectos de videografía y fotografía de este artista visual son dignos de admirar.
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Lucian Freud
Nacido en 1922, fue un pintor y dibujante británico especializado en arte figurativo y reconocido como uno de los mayores retratistas ingleses del siglo XX. Nació en Berlín, hijo del arquitecto judío Ernst L. Freud y nieto de Sigmund Freud. Su familia se mudó a Inglaterra en 1933, cuando él tenía 10 años, para escapar del ascenso del nazismo. Se convirtió en ciudadano británico naturalizado en 1939.
Reflección (Autorretrato), Lucian Freud, 1985
Freud estudió brevemente en la escuela central de Londres. Luego, con mayor éxito, en la escuela de Pintura y Dibujo East Anglian
En 1943, el poeta y editor Meary James Thurairajah Tambimuttu encargó al joven artista que ilustrara un libro de poemas de Nicholas Moore titulado La torre de cristal. En el verano de 1946 viajó a París antes de continuar a Grecia durante varios meses para visitar a John Craxton. A principios de los años cincuenta visitaba con frecuencia Dublín, donde compartiría el estudio de Patrick Swift. Siguió siendo londinense por el resto de su vida.
Las primeras pinturas de este artista, en su mayoría muy pequeñas, suelen asociarse con el impresionismo alemán (una influencia que él tendía a negar) y el surrealismo al representar personas, plantas y animales en yuxtaposiciones inusuales.
A partir de la década de 1950, comenzó a centrarse en el retrato, a menudo desnudos, excluyendo casi por completo todo lo demás, y a mediados de la década desarrolló un estilo mucho más libre. usando pinceles grandes de pelo de cerdo, concentrándose en la textura y el color de la carne, y pintura mucho más espesa, incluido el empaste. Chica con un perro blanco, 1951-1952 es un ejemplo de obra de transición en este proceso.
Los sujetos de Freud eran a menudo las personas de su vida; amigos, familiares, compañeros pintores, amantes, niños. Sus temas eran autobiográficos, todo tenía que ver con la esperanza, la memoria, la sensualidad y la participación, en realidad. Sin embargo, los títulos eran en su mayoría anónimos y no siempre se revelaba la identidad del modelo.
Freud pintó a otros artistas, incluidos Frank Auerbach y Francis Bacon. Una serie de enormes retratos desnudos de mediados de la década de 1990 mostraban a Sue Tilley, o "Big Sue", algunos usando su título de trabajo de "Supervisora de Beneficios" en el título de la pintura, como en su retrato de 1995 Supervisora de Beneficios Durmiendo, que en mayo 2008 fue vendida por Christie's en Nueva York por 33,6 millones de dólares, estableciendo un precio de subasta récord mundial para un artista vivo.
Obras
Bella, 1981
Autorretrato, 1985
#lucian freud#artist biography#lunas de alma#featured#contemporary art#arte contemporaneo#art history#expressionism#realism
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Vincent van Gogh, Olive Trees, 1889 (above)
Henri Matisse, Olive Trees, 1898 (center)
Claude Monet, Olive Trees in Bordigher, 1894 (below)
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Franz Marc, Fighting Cows, 1911
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Wallpapers by William Morris
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Valiente, Alyssa Monks, 2020
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Movimientos del arte contempoáreo: Hiperrealismo
También conocido como Fotorrealismo, nuevo realismo, verismo o superrealismo, es un estilo artístivo que busca lograr el mismo nivel de detally y realismo que una fotografía.
Squid, Alyssa Monks, 2012
Como movimiento, el hiperrealismo tuvo sus inicios a finales de la década de los 60 y alcanzó su punto más alto en los Estados Unidos durante la década de los 70. Inició como la antítesis directa del destacado movimiento expresionista abstracto que durante varios años había dominado la escena artística en Estados Unidos.
El término fue acuñado por artistas que proyectaban fotografías en sus lienzos para reflejar con precisión todos los pequeños detalles. Las obras de arte fotorrealistas a menudo se centran en lugares u objetos banales o mundanos. Los primeros artistas del fotorrealismo utilizaron a menudo la aerografía, aunque también se utilizan otros métodos.
Los fotorrealistas desafiaron la noción arraigada durante mucho tiempo de que el uso de la fotografía en las obras de arte era una “trampa” e insistieron en que no había ningún comentario social inherente, sátira o significado más profundo en sus obras de arte más allá de la simple cuestión de la estética y la habilidad artística.
En la actualidad, el fotorrealismo no se limita únicamente a fotografías o pinturas, con el auge del modelado en 3D y la renderización, este estilo se ha ido incursionando en películas animadas y videojuegos. El aumento de la tecnología ha facilidado la exploración y avance de la técnica hiperrealista.
Salvaje Y Errante, Pablo Cadden, 2018
Características del arte hiperrealista:
Detalle llevado el extremo: al final, hiperrealismo. Los artistas se enfocan en capturar cada textura, mancha y reflejo con precisión meticulosa, a veces hasta exagerando el nivel de detalle de las obras.
Alta precisión: se utilizan técnicas como la cuadrícula, proyecciones o medidas específicas para asegurarse que las proporciones, formas y detalles estén a la par de la referencia original.
Uso de la fotografía: Es lo que separa al hiperrealismo de otros movimientos realistas, la dependencia hacia una o más fotografías de alta calidad para presentar un trabajo terminado.
Ausencia de pinceladas: Al contrario de otros movimientos, las pinceladas visibles no se celebran en el hiperrealismo, siendo entonces una necesidad que se elimine cualquier evidencia discernible de la mano del artista.
Gran escala: para darle mayor énfasis al nivel extremo de detalle, la gran mayoría de artistas de este movimiento hacen sus obras en lienzos de escalas enormes.
Reflejos y texturas: no es extraño ver elementos como el plástico, metales, vapor, líquidos o humo dentro de una obra hiperrealista, puesto que las texturas proveen al artista de una forma de demostrar su técnica.
Obras y Artistas del hiperrealismo
youtube
Gráficos hiperrealistas creados en Unreal engine 4
Dripping II, Lauren Cena, 2009
Hospital, Gina Heyer
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El mundo a través de los ojos de Toulouse-Lautrec
Tolouse Lautrec fue un pintor, grabador, dibujante, caricaturista e ilustrador que observó y documentó con gran perspicacia psicológica las personalidades y facetas de la vida nocturna parisina y el mundo del entretenimiento francés en la década de 1890.
En el Salón de la Rue des Moulins, 1894
Criado en una familia de aristócratas y golpeado por múltiples dolencias, su interés por las artes terminó creciendo en gran manera. Como resultado, Toulouse-Lautrec dedicaba cada vez más tiempo al arte para pasar las horas frecuentemente solitarias.
El estilo artístico de Toulouse-Lautrec era distintivo e innovador, caracterizado por una combinación de colores llamativos, líneas expresivas y una aguda habilidad de observación que capturó la esencia de la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Estas son las características clave del estilo artístico de Toulouse-Lautrec:
Colores atrevidos:
Utilizó con frecuencia colores atrevidos y vibrantes en sus pinturas y carteles. Su paleta incluía rojos intensos, azules profundos y amarillos brillantes, reflejando la atmósfera enérgica y dinámica de los cabarets, salones de baile y teatros que representaba.
Busto de Lender-Mlle Marcelle Lender (1895)
Líneas expresivas y una composición innovadora
Lautrec empleó líneas fuertes y expresivas para crear composiciones dinámicas y fluidas. Sus líneas transmitían movimiento y emoción, capturando la energía de los bailarines, los artistas intérpretes o ejecutantes y la bulliciosa vida de la ciudad. Este uso de la línea fue un sello distintivo de su estilo posimpresionista.
Combinado con estas líneas llenas de energía, su composición romía totalmente con las convenciones artísticas tradicionales. Sus composiciones eran a menudo asimétricas y dinámicas, reflejando la espontaneidad y vivacidad de las escenas que representaba.
Embajadores, 1892 // Divan Japonais, 1892-1893
Influencia del Art Nouveau y Dominio de las técnicas del grabado
La obra de Toulouse-Lautrec tuvo una influencia significativa en el movimiento Art Nouveau. Sus carteles, en particular, mostraban las líneas sinuosas, las formas orgánicas y los elementos decorativos característicos del diseño Art Nouveau.
Además, era un hábil grabador y creaba litografías y carteles icónicos. Sus carteles para el Moulin Rouge y otros lugares son famosos por sus diseños atrevidos y su uso innovador de la tipografía.
En la cama, 1893
Representación de figuras marginadas
Toulouse-Lautrec tenía un interés particular en retratar a personas al margen de la sociedad, incluidos bailarines, artistas intérpretes o ejecutantes y prostitutas. Su retrato compasivo pero inquebrantable de estas figuras marginadas añadió una dimensión social a su arte.
Las experiencias personales de Toulouse-Lautrec y su condición de marginado social debido a su condición física moldearon su perspectiva artística. Este punto de vista único contribuyó a la empatía y autenticidad evidentes en sus obras.
#Toulouse-lautrec#toulouse lautrec#artist biography#lunas de alma#modern art#historia del arte#arte moderno#historia del arte moderno#post impressionism#art nouveau
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Georges Seurat
Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-1886
Nacido en 1859, fue un pintor francés y una de las figuras más importantes del Post Impresionismo. Mejor conocido por su innovadora técnica del puntillismo, donde, al abordar cuestiones del color, la luz y la forma yuxtaponía pequeños puntos o trazos de color para crear una imagen cohesiva cuando se ve desde la distancia. Esto daba como resultado colores más intensos y luminosos.
Vida temprana:
Georges-Pierre Seurat nació el 2 de diciembre de 1859 en París, Francia, en una familia acomodada. Mostró una aptitud temprana para el arte y comenzó su educación artística formal en la École des Beaux-Arts en 1878. Durante su estancia en la École, desarrolló un gran interés en los aspectos científicos del color y la luz, que más tarde influirían en su formación artística. estilo.
Seurat fue un artista meticuloso y sistemático, y a menudo dedicaba una cantidad considerable de tiempo a planificar sus composiciones. Estaba interesado en combinar la ciencia de la óptica con la expresión artística, y su obra refleja un deseo de ir más allá del estilo espontáneo e impresionista de sus contemporáneos.
interés de Seurat por la teoría del color lo llevó a desarrollar la técnica puntillista, donde utilizó pequeños y distintos puntos de color puro que, vistos desde la distancia, se mezclaban para crear un efecto más luminoso y armonioso. Su obra más famosa, "Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte" (1884-1886), es una obra maestra del puntillismo y se considera un ejemplo icónico de esta técnica.
Sus contribuciones al arte se extendieron más allá de su vida. Su enfoque innovador del color y la técnica sentó las bases para el desarrollo de los movimientos artísticos modernos, incluido el neoimpresionismo y movimientos posteriores como el fauvismo y el cubismo. Sus ideas sobre la teoría del color y el impacto emocional del arte tuvieron una influencia duradera en la dirección de la pintura moderna.
Trágicamente, la carrera de Georges Seurat se vio truncada cuando murió de una enfermedad repentina a la temprana edad de 31 años el 29 de marzo de 1891, en París. A pesar de su carrera relativamente breve, su impacto en el mundo del arte fue significativo y su legado continúa siendo celebrado hoy.
Obras
Campesino con Oz, 1882
Un Baño en Asnieres, 1884
#georges seurat#post impressionism#modern art history#arte moderno#modern art#lunas de alma#artist biography
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Movimientos del arte moderno: Postimpresionismo
El término "postimpresionismo" se utiliza para describir un conjunto diverso de estilos artísticos que surgieron después y en reacción al impresionismo, a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Entre ellos el fauvismo, cubismo, primitivismo y el expresionismo.
Vista de Saintes-Maries-de-la-Mer, Vincent Van Gogh, 1888
Se trata de un género de la pintura que buscaba rechazar el naturalismo del impresionismo, dándole más importancia al uso del color y las formas más exprresivas. Los postimpresionistas ampliaron el impresionismo rechazando sus limitaciones. Por ejemplo, continuaron usando colores vivos, aplicaciones espesas de pintura, pinceladas distintivas y temas de la vida real, pero también estaban más inclinados a enfatizar las formas geométricas, distorsionar las formas para lograr efectos expresivos y usar colores antinaturales o arbitrarios en sus cuadros.
Los significados simbólicos fueron particularmente importantes para los postimpresionistas como Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. Se rechazaba el interés de representar el mundo observado y buscaban describir el mundo que les rodeaba mediante sus recuerdos y emociones.
La estructura, el orden y los efectos ópticos del color dominaron la visión estética de postimpresionistas como Paul Cézanne , Georges Seurat y Paul Signac . En lugar de limitarse a representar su entorno, se basaron en las interrelaciones de color y forma para describir el mundo que los rodeaba.
A pesar de los diversos estilos individualizados, la mayoría de los postimpresionistas se centraron en formas y patrones abstractos en la aplicación de pintura a la superficie del lienzo. Sus tempranas inclinaciones hacia la abstracción allanaron el camino para la exploración modernista radical de la abstracción que tuvo lugar a principios del siglo XX.
#historia del arte#modern art#historia del arte moderno#arte moderno#lunas de alma#post impressionism#vincent van gogh
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Ciencia Médica (Alegoría), Robert Auer, 1913
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Gerda Wegener (Danish, 1885–1940)
Portrait of Lili Elbe with a green feather fan,1920
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Gustave Courbet (French, 1819-1877)
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Saudade, Andi Soto (Andimacka), 2019
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