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empiredesimparte · 1 year

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Opening speech of the Cannes Film Festival by His Imperial Majesty Emperor Napoleon V

Only the pronouncement is authentic.

Cinema is part of the Francesim. Francesim saw, in 1895, the first public projection organized by the Lumière brothers at the Salon Indien of the Grand Café in Paris, projection which attracted 33 spectators at 1 Franc the place. In Francesim, one can see simultaneously all the new works, French as well as foreign, a panorama of creativity.

Yes, ladies and gentlemen, the Festival is a time of meetings and exchanges. During two weeks, all the professionals of the cinema, actors, directors, technicians, come daily to share their passion with the public. It is also a time of opening on the foreign very precious.

The Cannes International Film Festival was born from a will to fight against a fascism that had distorted European cinema, and it has never stopped welcoming, protecting and bringing together the greatest filmmakers of their time and from all horizons.

Cinema is a dream that we all share. We all have the feeling that there is, on the map of the universe, one more country, where cities all over the world where stories are told, where images are invented, where children's dreams become adults' dreams.

Thank you @officalroyalsofpierreland and @nexility-sims for sharing your fantastic sims :)

⚜ Traduction française

Discours d'ouverture du Festival de Cannes par Sa Majesté Impériale l'Empereur Napoléon V :

Seul le prononcé fait foi.

Le cinéma fait partie de la Francesim. La Francesim a vu, en 1895, la première projection publique organisée par les frères Lumière au Salon Indien du Grand Café à Paris, projection qui attira 33 spectateurs à 1 Franc la place. En Francesim, l'on peut voir simultanément toutes les oeuvres nouvelles, françaises comme étrangères, un panorama de créativité. Oui, Messieurs Dames, le Festival est un temps de rencontres et d'échanges. Pendant deux semaines, tous les professionnels du cinéma, acteurs, réalisateurs, techniciens, viennent quotidiennement partager leur passion avec le public. C'est également un temps d'ouverture sur l'étranger très précieux. Le Festival International du Film de Cannesest né d’une volonté de lutte, contre un fascisme, qui avait dénaturé le cinéma européen, et il n’a cessé d’accueillir, de protéger et de réunir les plus grands cinéastes de leur temps et de tous les horizons. Le cinéma, c'est un rêve que nous partageons tous. Nous avons tous le sentiment qu'il y a, sur la carte de l'univers, un pays en plus, où les villes partout dans le monde où se racontent des histoires, où ils s'inventent des images, où les rêves d'enfants deviennent des rêves d'adultes.

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carbone14 · 11 months

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Un soldat indien de l'armée britannique à l'entraînement avec un SMLE (Short Magazine Lee-Enfield) Mk III – Egypte – 16 mai 1940

Photographe : No. 1 Army Film and Photo Section - Army Film and Photographic Unit

©Imperial War Museums - E 53

©Colorisation par ?

#WWII #armée britannique #british army #soldat indien #indian soldier #armes d'infanterie #infantry weapon #fusil #riffle #Lee-Enfield #SMLE #Egypte #Egypt #16/05/1940 #05/1940 #1940

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jpbjazz · 5 days

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LÉGENDES DU JAZZ

BUD SHANK, PIONNIER DES MUSIQUES DU MONDE

Né le 27 mai 1926 à Dayton, en Ohio, Clifford Everett "Bud" Shank Jr. avait commencé à jouer de la clarinette à Vandalia, en Ohio, mais avait adopté le saxophone alto avant de commencer à fréquenter l’Université de North Carolina. Durant son séjour à l’université, Shank avait été admis dans la Pi Kappa Alpha fraternity, une organisation humanitaire.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Shank a commencé sa carrière en 1946 en jouant avec le groupe de Charlie Barnet. Quatre ans plus tard, il s’était joint à l’orchestre de Stan Kenton sur la Côte ouest. Un des membres de l’orchestre de Kenton était le contrebassiste Howard Rumsey. Après avoir quitté le groupe de Kenton, Rumsey avait formé un groupe tout-étoile appelé les Lighthouse All Stars, d’après le nom du club où il se produisait, le Hermosa Beach Lighthouse Club. Shank s’était éventuellement joint au groupe. Décrivant son séjour avec le groupe de Rumsey, Shank avait commenté: ‘’I had been working at the Lighthouse for a long time before I knew anything at all about chord changes. I finally went and studied with Shorty Rogers, and learned what chords were. Because I'd played totally by ear prior to that time.’’ À cette époque, Shank avait également formé son propre quartet avec le saxophoniste et oboïste Bob Cooper et des pianistes comme Hampton Hawes et Jimmy Rowles.

En 1953-54, Shank avait commencé à s’intéresser à ce qu’on appelle aujourd’hui les musiques du monde, et avait joué du jazz influencé par des compositeurs brésiliens comme le guitariste Laurindo Almeida, ce qui avait éventuellement contribué à accroître la popularité de la bossa nova chez des musiciens comme Stan Getz par exemple. Shank avait d’ailleurs travaillé avec des pionniers de la bossa nova comme Sergio Mendes. Shank avait éventuellement abandonné les musiques du monde à la fin de la même décennie pour se concentrer sur son travail de musicien de studio. Shank avait d’ailleurs remporté un grand succès en jouant un solo de flûte sur la pièce ‘’California Dreamin'' du groupe the Mamas and the Papas.

En 1958, Shank était devenu le premier musicien de jazz américain à enregistrer en Italie. L’enregistrement avait été effectué par un orchestre dirigé par Ezio Leoni (également connu sous le nom de Len Mercer). Shank avait ainsi ouvert la voie à des musiciens comme Chet Baker qui avaient également enregistré avec Leoni à Milan plus tard. En 1958 et 1960, Shank avait aussi composé la bande sonore des films de surf de Bruce Brown: ‘’Slippery When Wet’’ et ‘’Barefoot Adventure.’’ Shank avait continué de travailler dans le secteur e la musique du monde en 1962, en fusionnant le jazz avec la musique indienne dans le cadre d’une collaboration avec le compositeur et joueur de cithare indien Ravi Shankar.

DERNIÈRES ANNÉES

En 1974, Shank s’était joint à Ray Brown, Shelly Manne (qui avait été remplacé par Jeff Hamilton après 1977) et Laurindo Almeida pour former le groupe L.A. Four, un groupe de cool bob influencé par le jazz latin avec il avait enregistré et joué en tournée jusqu’en 1982. Le groupe avait également collaboré avec l’excellent trompettiste Bobby Shew. En 2005, dans le cadre du 40e anniversaire du Neophonic Orchestra de Stan Kenton, Shank avait fondé son propre big band, le Bud Shank Big Band.

Dans les années 1990, Shank avait créé une performance multimédia sous le titre de The Lost Cathedral. Il avait aussi augmenté la taille du Bud Shank Jazz Workshop tout en se produisant dans de nombreux festivals de jazz, dont le Jazz Southwest Festival d’Albuquerque au Nouveau-Mexique.

Shank avait également enregistré des albums en hommage à Frank Sinatra et Gerry Mulligan. En 2004, Shank avait enregistré avec le saxophoniste alto Phil Woods. Deux ans plus tard, il avait enregistré en duo avec le pianiste Bill Mays.

Même s’il avait souffert de problèmes respiratoires à la fin de sa carrière, Shank n’avait jamais abandonnné et avait continué de faire des tournées et d’animer des cliniques de jazz.

Bud Shank est mort le 2 avril 2009 d’une embolie pulmonaire à sa résidence de Tucson, en Arizona. Il était âgé de quatre-vingt-deux ans. La veille, Shank venait de finir d’enregistrer un nouvel album à San Diego, en Californie. Shank laissait dans le deuil son épouse Linda.

Reconnu comme un des principaux responsables de la popularisation du jazz latin et du jazz de chambre, Shank s’était produit avec plusieurs orchestres au cours de sa carrière, dont le Royal Philharmonic, le New American Orchestra, le Gerald Wilson Big Band, le Neophonic Orchestra de Stan Kenton et l’orchestre de Duke Ellington.

En 2008, le réalisateur et producteur Graham Carter avait rendu hommage à Shank dans un documentaire intitulé "Against the Tide, Portrait of a Jazz Legend.’’ La film s’est mérité quatre prix Indie, dont le prix Aurora Awards Gold.

Shank, qui jouait également du saxophone ténor, du saxophone baryton, de la clarinette et de la flûte (qu’il avait abandonnée en 1986 pour se consacrer au saxophone alto), s’était acquis la réputation d’être un improvisateur d’une grande originalité et d’une grande intelligence. Souvent comparé à Art Pepper, le jeu de Shantz était cependant moins langoureux et intense que celui de Pepper, et se distinguait par un ton mélancolique qui rappelait à la fois le style de Charlie Parker et de Benny Carter.

Shank a remporté le prix de National Academy of Recording Arts and Sciences (NARAS) à quatre reprises. Shank avait enregistré plus de cinquante albums au cours de sa carrière.

SOURCES:

‘’Bud Shank.’’ Wikipedia, 2023.

‘’Bud Shank.’’ All About Jazz, 2023.

‘’Bud Shank (1926-2009).’’ National Jazz Archives, 2023.

FORDHAM, John. ‘’Obituary: Bud Shank.’’ Guardian News, 6 avril 2009.

#jazz

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dagss · 8 months

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🎈

hyper bien

déso c'est un très long film pcq indien 🙈 befikre (2016)

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fashionbooksmilano · 1 year

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Les Orientalistes de la Haute Couture Lecoanet Hemant

Shazia Boucher, Renuka George, Sylvie Marot, Aurélie Samuel

Coédition Cité de la dentelle et de la mode et Snoeck éditions, Calais / Gand 2022, 160 pages, relié, 25,2 X 31,7 cm, ISBN 9789461615923

euro 36,00

email if you want to buy :[email protected]

Première rétrospective consacrée à la maison Lecoanet Hemant du 18 juin au 31 décembre 2022 , l’exposition Les Orientalistes de la Haute Couture s’annonce comme un voyage au coeur d’une mode chatoyante et raffinée cultivant l’art du métissage, un savant mélange des cultures française et indienne. La maison Lecoanet Hemant naît en 1979 de l’association de Didier Lecoanet, né en 1955, qui a fait ses premières armes chez Lanvin, et de Hemant Sagar, né à New Dehli en 1957. Leur fructueuse collaboration les amène à défiler de 1984 à 2000 dans le cercle fermé de la haute couture parisienne. Depuis, la maison s’est orientée vers le prêt-à-porter cosmopolite conçu en Inde. Le style Lecoanet Hemant, c’est une allure poétique qui traverse le temps et les continents. Une vision de l’Orient qui s’exprime à travers les modulations du drapé et une certaine idée du coupé-cousu à la française. Véritables marques de fabrique de la maison, le sari indien décliné à l’envi et les références à la nature sous forme d’imprimés, de tissés et de broderies aux matières originales, comme la ramie ou encore la fibre d’ananas. Spectacle éblouissant en tous points, les quelques quatre-vingt silhouettes évoquent l’héritage culturel d’une route de la soie imaginaire. L’exposition se déploie dans une élégante galerie scandée de grandes vitrines où de somptueuses tenues sont mises en scène aux côtés de mobilier et objets décoratifs tout droit sortis d’un film d’Agatha Christie. Les robes du soir brodées côtoient les châles à franges dorées non loin d’opulents manteaux damassés et autres tailleurs aux savants drapés… Une mode réjouissante digne des contes des « Mille et Une Nuits ».

26/11/22

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publicite-francaise · 2 years

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Cinématographe Lumière par Marcelin Auzolle, 1896.

La fascination constante des hommes pour les représentations animées a conduit de nombreux savants de l’époque moderne à concevoir des appareils permettant de projeter une succession d’images fixes. Ainsi, au XVIIIe siècle, les « optiques » des montreurs d’images ambulants, caisses à travers lesquelles le spectateur aperçoit des scènes lumineuses édifiantes, connurent un franc succès. Ce n’est cependant qu’à la fin du XIXe siècle que les tentatives de figuration du mouvement aboutirent avec la mise au point du cinématographe par Louis Lumière (1862-1948). Déjà célèbre pour ses recherches photographiques, ce savant s’est appuyé en particulier sur les travaux d’Emile Reynaud, Etienne Marey et Thomas Edison, les inventeurs respectifs du praxinoscope (1877), du fusil chronophotographique (1882) et du kinetoscope (1891), pour parvenir à projeter des images photographiques animées sur un écran, au moyen d’un appareil de prises de vue et de projection mécanique, capable d’entraîner une bande. Après avoir déposé un brevet le 13 février 1895 pour « un appareil servant à l’obtention et à la vision des épreuves chronophotographiques », les frères Auguste et Louis Lumière, associés dans leur profession, organisèrent à Paris le 22 mars une première projection publique du film La Sortie des usines Lumière, qui rencontra immédiatement un véritable succès. C’est ainsi que l’exploitation commerciale de l’appareil débuta officiellement le 28 décembre 1895, lorsqu’eut lieu la première séance publique payante à Paris, dans le Salon indien du Grand Café, boulevard des Capucines. Devant l’accueil triomphal du public, les frères Lumière étendirent l’exploitation commerciale du cinématographe en envoyant dès 1896 leurs opérateurs le diffuser dans le monde entier. Parallèlement, la production des films Lumière atteignit son apogée entre 1896 et 1897, pour ensuite connaître une récession due non seulement à la fin de l’exploitation du cinématographe aux Etats-Unis, mais aussi et surtout à l’absence de renouvellement du répertoire des scènes filmées. En effet, Louis Lumière, qui envisageait le cinéma non comme un spectacle mais comme une conquête technologique, recentra bientôt son activité sur la photographie. Poursuivant ses recherches techniques sur la qualité de l’image photographique, il parvint en 1903 à mettre au point l’autochromie, un procédé très élaboré qui autorise la reproduction des couleurs, tandis que de grandes compagnies créées par Charles Pathé et Louis Gaumont entre autres se lancèrent dans la production de films. Jusqu’en 1914, les cinéastes explorèrent différentes voies. Ainsi Georges Méliès, qui prit pleinement conscience de l’importance esthétique du nouveau procédé, réalisa-t-il des films dans lesquels la réalité disparaît au profit de la fantaisie et de la poésie. L’introduction progressive de la fiction et l’élaboration d’une écriture propre permirent ainsi au cinéma de se dégager progressivement de ses origines et d’accéder à la maturité, en devenant un art à part entière.

#loisirs

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inthemoodforportnawak · 2 years

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Fred Ward (1942-2022)

Blog du West 2 : "Ainsi Fred Ward est mort, à l’âge de 79 ans. On n’avait pas vraiment entendu parler de lui depuis plusieurs années et ses rares apparitions à l’écran se résumaient à de rapides « caméos » ou de banals seconds rôles. Pourtant, quand on l’a découvert, à la fin des seventies, il portait en lui les promesses d’une de ces « gueules » typiques du cinéma U.S. de la décennie précédente : les Lee Marvin, Charles Bronson (qu’il évoquait parfois), James Coburn, etc. Un visage marqué, un corps athlétique, une ironie… Mais Ward n’a jamais joué au tough guy ou au macho de cinéma. Il a toujours été naturel, drôle, sympathique. La première fois qu’on le remarque, c’est dans « L’ÉVADÉ D’ALCATRAZ », où il joue un des deux frères qui se font la belle avec Clint Eastwood. On le revoit dans « SANS RETOUR » en soldat violent. Il tient la vedette de « TIMERIDER » en motard voyageant dans le temps et c’est « L’ÉTOFFE DES HÉROS » qui le propulse au premier plan, grâce à son rôle d’astronaute rigolard mais loser et porte-poisse. Il est un collègue de Meryl Streep dans « LE MYSTÈRE SILKWOOD ». Il sera également le mari de celle-ci dans le téléfilm « AU RISQUE DE TE PERDRE », quelques années plus tard. Il est excellent en ex-soldat traumatisé dans « RETOUR VERS L’ENFER », très drôle dans le rôle-titre de « REMO, SANS ARME ET DANGEREUX » où son duo avec Joel Grey fait merveille. Il apparaît dans quelques films sans importance, avant de crever l’écran dans « TREMORS » (dont il tournera la première sequel) et « UN FLIC À MIAMI » en privé édenté. Philip Kaufman, le réalisateur de « L’ÉTOFFE DES HÉROS », lui offre le rôle d’Henry Miller dans « HENRY & JUNE », où Ward apparaît le crâne rasé. Il incarne le flic indien dans « LE VENT SOMBRE » adapté d’une série de romans populaires et joue le détective des studios dans « THE PLAYER ». On l’aperçoit encore dans « SHORT CUTS » ou « Y A-T-IL UN FLIC POUR SAUVER HOLLYWOOD ? », avant que, progressivement, il ne soit relégué à l’arrière-plan et aux participations sans intérêt. Fred Ward a frôlé le vedettariat, il avait tout pour lui : un physique d’action star, du charisme et un réel talent d’acteur, sans oublier un capital sympathie exceptionnel. Difficile d’expliquer pourquoi il a fini sa carrière dans l’anonymat. Mais de toute façon, il a tourné suffisamment de bons films pour s’inscrire dans l’Histoire du cinéma américain."

#rip #fred ward

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cinevoyageuses · 2 years

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🎥 "Welcome to the land of the beast my lord. And beware of wolf traps."

The Pact of the Wolves

🎬 In 1766, the knight Grégoire de Fronsac, commissioned by Louis XV, was sent to Gévaudan to hunt down and kill a mysterious beast that terrorizes the region, sparing neither women nor children. Accompanied by Mani, a Mohawk Indian from New France, Fronsac was quickly confronted with the hostility of the nobles of the region.

🎞️ The Pact of Wolves! 🐺 This cult film was shot entirely in France and in several departments. Especially for this scene where Grégoire meets Marianne for the first time, was filmed at the Château de Biron, in the Dordogne, with several others.

🎥 "Bienvenue au pays de la bête mon seigneur. Et prenez garde aux pièges à loups."

Le Pacte des Loups

🎬 En 1766, le chevalier Grégoire de Fronsac, missionné par Louis XV, est envoyé dans le Gévaudan pour traquer et abattre une bête mystérieuse qui terrorise la région, n'épargnant ni femmes ni enfants. Accompagné de Mani, un indien Mohawk de la Nouvelle-France, Fronsac est rapidement confronté à l'hostilité des nobles de la région.

🎞️ Le Pacte des Loups ! 🐺 Ce film culte a été tourné entièrement en France et dans plusieurs départements. Notamment pour cette scène là où Grégoire rencontre Marianne pour la première fois, a été tournée au Château de Biron, en Dordogne, avec plusieurs autres.

#sceneframing #travelbloggers #film travel #filming location #film locations #france #the pact of the wolves #Samuel le Bihan #french #french film #french movie

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filmelemonicai · 2 years

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Rise! Roar! Revelation!: despre „RRR” (2022) *****

Da, știu, am ajuns să recomand un film indian. The horror! Dar e țâță de mâță, măi fraților: „RRR” (a.k.a. „Rise! Roar! Revolt!”) e cel mai tare film de acțiune și cu supereroi ever! E mult deasupra producțiilor repetitive Marvel, la un cu totul alt nivel decât interminabila franciză „Fast & Furious” și își asumă plenar statutul de escapist cinema. Vorba unui jurnalist, Motorbikes are juggled. Tigers are thrown. Suspenders prove a surprisingly pliable dancing prop, totul cu o vervă infecțioasă ca SARS-CoV-2.

Acțiunea are loc în India anilor ’20. Guvernatorul britanic (Ray Stevenson) răpește o fetiță dintr-un sat (deh, nevastă-sa vrea un human pet, ca să-și impresioneze prietenele), iar sătenii îl trimit pe Komaram Bheem (N.T. Rama Rao Jr) să o aducă înapoi. În timpul acestei misiuni, Bheem se împrietenește cu Alluri Sitarama Raju (Ram Charan), un soldat fidel britanicilor, care are propriile secrete.

Bazat pe mitologia hindusă și figurile istorice care s-au opus colonialismului britanic – cei 2 (super)eroi sunt inspirați de revoluționari indieni reali – „RRR” e cel mai scump film în limba Telugu (una dintre cele 6 limbi clasice indiene), cu un buget de 72 de milioane $. Și a ajuns o senzație globală, cu peste 150 de milioane $ la box office, fiind printre cele mai urmărite 10 filme de pe Netflix în 62 de țări.

Da, are 3 ore și un pic, nu are personaje complexe și eroii izbucnesc ocazional în cântec, ca în orice producție bollywoodiană. Dar e un amalgam de prietenie masculină + cascadorii energice și pline de imaginație + multă culoare + o menajerie de animale CGI + baluri ca-n animațiile Disney + scene biblico-mitologice + dans și acțiune fără limite = distracție pură. Povestea nu își pierde avântul nicio clipă, pare un film regizat în același timp de Bruce Lee, Michael Bay și Baz Luhrmann, all of them on speed, iar legile fizicii sunt ignorate atât de scenariști, cât și de personaje, care produc a bombastic epic delight!

Sursă foto: imdb.com.

#rise roar revolt #rrr movie #rrr

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cine974-cinema-reunion · 12 days

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Le premier Festival International du Film de l'Océan Indien (FIFOI) : un lancement réussi à La Réunion https://www.cine974.com/actu-cine/le-premier-festival-international-du-film-de-l-ocean-indien-fifoi-un-lancement/5702/?utm_source=dlvr.it&utm_medium=tumblr

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unknown171204 · 16 days

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L'incompréhension des Misérables

Si vous preniez l'initiative de chercher dans votre navigateur préféré "Qu'elle est la plus grande comédie musicale de tout les temps ?"

Voilà

Inspirer par le roman de Victor Hugo dont il reprend l'histoire et les personnages , les Misérables on suivi le pas de la Révolution Française en sortant tous d'abord un album en 1980

Reproduisant également la formule d'engager des célébrités de la chanson tel que Michel Sardou ( Enjolras) , Salvatore Adamo (Combeferre) et Michel Delpech ( Feuilly )

Le public adhérant à l'Album , la version scénique sera mise en scène par Robert Hossein ( les inconnus caricaturerons le spectacle dans leur sketch " les spectacles parisiens" en renommant le spectacle : Les Misérables de la Révolution française d'un homme nommé Jésus et qu'on appelait aussi Marie Antoinette ! ) et sera présenté au palais des sport pour seulement seize semaines , cette courte durée de vie handicaperas le spectacle qui endurera également l'absence des stars de l'album. Le spectacle aurait possiblement eu droit à une captation ( témoignage non confirmée d'une prétendue VHS vendue à la sortie de la salle ) mais elle n'a pas encore refait surface .

youtube

Le spectacle ne feras pas grande vague auprès des français et aurait pût tomber dans l'oublie si le producteur Cameron Mackintosh n'avait pas assister à l'une des 100 représentations ! L'adaptation Anglos - américaine deviendras un succès interplanétaires joué dans 42 pays et traduit en 21 langues . Il existe également une adaptation cinématographique datant de 2013 :

youtube

Et pendant ce temps en France... le spectacle à tous simplement disparue de la mémoire collective . Une nouvelle tentative scénique sera tenté en 1991 au théâtre Mogador malheureusement le public français ne suivras pas pour la seconde fois .

( la petite anecdote sympathique : l'interprète du Gavroche de 91 n'était personne d'autre que Ludwig Briand plus connu sous le nom de Mimi Siku du film culte un indien dans la ville !! )

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J'espère qu'un jour le spectacle reviendras en France et que le publique maintenant habitué aux grands spectacles lui réserveras un aussi bon accueil que dans tous les autres pays !!

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#les miserables #enjolras #jean valjean #musical theater #comédie musicale #les mis

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lepartidelamort · 21 days

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Hollywood : industrie visionnaire ou fabrique d’opinion ?

Photo et prologue

Sidney Poitier, le premier grand acteur noir d’Hollywood, tient la main de son codétenu Tony Curtis (de son vrai nom Bernard Schwarz, fils d’immigrés juifs hongrois et homosexuel notoire), dans un film où tous deux sont persécutés par le pouvoir blanc, forcément injuste et un peu nazi sur les bords.

Le réalisateur et producteur de La Chaîne (The Defiant Ones), sorti en 1958, Stanley Kramer, est un juif libéral, qui a travaillé sur les sujet sociétaux, le racisme et le fascisme. Il a forcé l’admiration de Steven Spielberg, qui le considère comme un « visionnaire incroyablement talentueux ».

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***

À l’occasion de la sortie annoncée du divertissement sur la NASA et son alunissage bidon en mondovision, nous nous sommes intéressés à l’aspect visionnaire de l’industrie américaine du cinéma.

En effet, si Hollywood, de par sa dépravation ancestrale et naturelle, a pu apparaître comme étant un moteur de réforme ou d’avancée des mœurs, notamment le féminisme avec Quand l’intelligence vient aux femmes et l’homosexualité avec le film préféré de Brigitte, Certains l’aiment chaud, il a aussi été utilisé par le pouvoir profond, c’est-à-dire non élu et non visible, pour préparer l’opinion à des changements pas forcément positifs.

On pense aux films anti-Indiens chroniques (avant la découverte de leurs « droits ») ou anti-communistes, commandés ou contrôlés par le pouvoir militaire. On sait que l’US Army ne prête ses matériels pour des tournages que si le scénario est au préalable visé et validé par son service de communication, ou de propagande.

Certes, Hollywood a starisé Sidney Poitier quand l’Amérique était encore profondément raciste, mais c’était aussi le moyen par lequel les producteurs majoritairement juifs des studios voulaient culpabiliser l’Américain moyen blanc, c’est-à-dire chrétien. Il y a toujours une deuxième ou une troisième lecture avec les films bien-pensants. Dans la série Netflix baptisée Hollywood, il est question d’homosexualité et de racisme dans les années 40-50. La patronne du plus grand studio embrasse le jeune scénariste noir sur la bouche.

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Il y a 1 000 exemples de films américains en avance sur les mœurs, ce qui n’était pas difficile, vu qu’Hollywood était un nid de débauche et que la population était en majorité puritaine !

Alors soit Hollywood a senti et accompagné le mouvement (par exemple celui des droits civiques), soit il l’a organisé et orienté, grâce à la puissance d’évocation de l’image animée, qui s’imprime directement au fond de l’esprit, sans passer par les mots et la raison.

À l’arrivée, on obtient une société sorossisée, où, comme en France actuellement, la liberté des mœurs est presque totale, quand les autres libertés sont limitées, et parfois interdites (opinion, expression, déplacement), sinon punies socialement.

Mais dans les deux hypothèses, Hollywood est une entreprise de contrôle mental et d’orientation politique.

Hollywood a-t-il cédé devant les RS ?

Pour en revenir au film du moment, Fly Me to the Moon, qui reprend le titre d’une chanson célèbre de Sinatra, nous verrons s’il s’agit d’une première marche vers la reconnaissance officielle d’un montage conjoint des studios et de la Nasa en 1969. Le film, qui sortira en juillet 2024, serait alors le moyen – dédramatisé – de céder sans l’avouer à la pression des réseaux sociaux, ce qui démontre la puissance de ce lobby, non organisé mais terriblement efficace.

Avant, c’étaient les panels de spectateurs qui définissaient et assuraient le lissage de films jugés impropres à la sortie. Aujourd’hui, le panel est extérieur et n’est plus contrôlable par les magnats du cinéma, qui ont perdu leur pouvoir précurseur. Hollywood a trouvé son maître.

E&R

#e&r #Youtube

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khorsigtage1986 · 1 month

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wahre geschichte life of pi

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wahre geschichte life of pi

Die wahre Geschichte hinter dem Buch "Life of Pi" ist faszinierend und bewegend. Der preisgekrönte Roman des kanadischen Autors Yann Martel erzählt die Geschichte des jungen indischen Jungen Piscine Molitor Patel, genannt Pi, der auf einem Rettungsboot im Pazifischen Ozean strandet.

Die eigentliche Inspiration für diese Geschichte stammt von einem Zeitungsartikel, den der Autor während seiner Reisen nach Indien gelesen hat. Dort wurde von einem Mann berichtet, der einen Schiffbruch überlebte und monatelang auf dem Wasser trieb. Diese wahre Begebenheit inspirierte Martel zu seinem Roman, der eine Mischung aus Abenteuer, Spiritualität und Selbsterfahrung darstellt.

Im Buch erleben wir die unglaublichen Abenteuer, denen sich Pi auf dem Rettungsboot mit einem ungewöhnlichen Gefährten ausgesetzt sieht – einem bengalischen Tiger namens Richard Parker. Der Tiger wurde anfangs von Pi's Familie als Teil des Privatzoos gehalten, bevor es zu dem tragischen Schiffsunglück kam. Die Darstellung dieser Beziehung zwischen Mensch und Tier ist eines der fesselndsten Elemente des Buches.

Martel schafft es meisterhaft, die Emotionen und Gedanken des Protagonisten Pi einzufangen, während er gegen den Hunger, die Hitze und die unendliche Weite des Ozeans kämpft. Die Geschichte regt zum Nachdenken über Themen wie Glaube, Überlebensinstinkt und Moral an.

"Life of Pi" wurde im Jahr 2001 veröffentlicht und gewann weltweit zahlreiche Literaturpreise, darunter den renommierten Booker Prize. Einige Jahre später wurde der Roman von Ang Lee erfolgreich verfilmt und erhielt vier Oscars, darunter den für die beste Regie.

Die wahre Geschichte des Buches "Life of Pi" ist eine atemberaubende Erzählung über den menschlichen Geist und den unbändigen Willen zum Überleben. Es ist ein Buch, das den Leser sowohl emotional berührt als auch zum Philosophieren anregt.

Die Hintergrundgeschichte des Films "Life of Pi" ist ebenso faszinierend wie das eigentliche Filmerlebnis. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Yann Martel aus dem Jahr 2001 und wurde von Ang Lee im Jahr 2012 verfilmt.

Die Geschichte handelt von einem indischen Jungen namens Pi, der eine faszinierende Reise auf dem Ozean unternimmt. Pi stammt aus einer Familie, die einen Zoo besitzt, und beschließt, zusammen mit seiner Familie nach Kanada auszuwandern. Sie begeben sich auf eine Schiffspassage mit ihrem gesamten Tierbestand, darunter auch Pi's Lieblingstier, ein bengalischer Tiger namens Richard Parker.

Doch leider gerät das Schiff in einen schweren Sturm und sinkt. Pi kann sich in ein Rettungsboot retten, zusammen mit einigen Tieren, darunter auch Richard Parker. Pi und der Tiger sind nun gezwungen, eine ungewöhnliche Gemeinschaft auf dem Ozean zu bilden. Während ihrer Reise müssen sie mit den Gefahren des Ozeans, wie zum Beispiel Haien und Hunger, kämpfen.

Der Film "Life of Pi" erzählt nicht nur die Geschichte von Pi's außergewöhnlicher Reise, sondern befasst sich auch mit tiefgründigen Themen wie Religion, Glauben und Überlebenskampf. Pi, der aufgrund seiner religiösen Vielfalt sowohl den Hinduismus als auch den Islam und das Christentum praktiziert, findet Trost und Hoffnung in seinem Glauben, während er auf dem Ozean verzweifelt ums Überleben kämpft.

Visuell beeindruckend und mit atemberaubenden Szenen des Ozeans, bringt "Life of Pi" die Zuschauer auf eine emotionale und spirituelle Reise. Der Film erhielt große Anerkennung für seine visuellen Effekte und wurde mit vier Oscars ausgezeichnet, darunter der Oscar für die beste Regie.

Die Hintergrundgeschichte des Films "Life of Pi" ist eine Geschichte von Mut, Überlebenskampf und spiritueller Suche. Ang Lee hat es geschafft, diese Geschichte auf beeindruckende Weise auf die Leinwand zu bringen und uns mitzunehmen auf eine Reise, die uns zum Nachdenken anregt und uns in den Bann zieht.

Die Wahrhaftigkeit des Films "Life of Pi" ist ein Thema, das oft von Zuschauern und Kritikern diskutiert wird. Der Film, basierend auf dem gleichnamigen Buch von Yann Martel, erzählt die Geschichte des jungen indischen Jungen Pi, der auf einem Rettungsboot strandet, nachdem das Schiff, auf dem er und seine Familie unterwegs waren, gesunken ist.

Der Film untersucht auf faszinierende Weise die Natur von Wahrheit und Glauben. Pi sieht sich mit extremen Bedingungen konfrontiert, die seine Sichtweise auf die Realität herausfordern. Er teilt das Boot mit einem bengalischen Tiger namens Richard Parker, der sowohl eine lebensbedrohliche Gefahr als auch eine metaphysische Existenz darstellt.

Die Wahrhaftigkeit von "Life of Pi" liegt in der visuellen Darstellung und der Erzählkunst des Regisseurs Ang Lee. Der Film zeigt atemberaubende Bilder des Ozeans und der Tierwelt, die den Zuschauer in die surreale Welt des Überlebens des Protagonisten eintauchen lassen. Gleichzeitig gibt der Film dem Publikum Raum für Interpretationen und die Möglichkeit, die eigene Wahrnehmung und Wahrheit zu hinterfragen.

Die Geschichte von "Life of Pi" regt zu tiefgründigen Überlegungen über den Glauben an. Pi praktiziert gleichzeitig Hinduismus, Christentum und Islam und erforscht die unterschiedlichen Facetten dieser Religionen. Der Film stellt Fragen nach der Bedeutung von Glauben, der Rolle von Geschichten in unserer Wahrnehmung der Welt und der Art und Weise, wie wir die Realität interpretieren.

Letztendlich bleibt die Wahrhaftigkeit von "Life of Pi" offen für individuelle Interpretationen. Die Geschichte wirft Fragen auf, auf die es keine eindeutigen Antworten gibt. Das macht den Film für viele Zuschauer so faszinierend und ermutigt zum Nachdenken und Diskutieren. "Life of Pi" ist ein visuell beeindruckender Film, der das Publikum in eine Welt der Wahrheit, Illusion und Selbstreflexion entführt.

Interpretationen von "Life of Pi"

"Life of Pi" ist ein Roman des kanadischen Autors Yann Martel, der im Jahr 2001 veröffentlicht wurde. Das Buch erzählt die Geschichte des jungen Pi, der Schiffbruch erleidet und auf einem Rettungsboot treibend inmitten des Ozeans strandet. Neben ihm auf dem Boot befindet sich ein bengalischer Tiger namens Richard Parker. Was folgt, ist eine fantastische Geschichte von Überlebenskampf und Mensch-Tier-Beziehungen.

Die Interpretationen dieses beeindruckenden Romans sind vielfältig und reichen von metaphysischen Überlegungen bis hin zu philosophischen Auseinandersetzungen mit Glaube, Vernunft und Wahrheit. Hier sind vier Interpretationen, die besonders hervorstechen:

Religiöse Allegorie: Einige Leser sehen "Life of Pi" als religiöse Allegorie, in der die verschiedenen Glaubenssysteme durch die verschiedenen Tiere auf dem Boot repräsentiert werden. Pi praktiziert sowohl den Hinduismus, den Islam als auch das Christentum und findet in jedem dieser Glaubenssysteme eine Antwort auf seine existenziellen Fragen.

Postmoderne Erzählung: Der Roman kann auch als postmoderne Erzählung betrachtet werden, die die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verwischt. Pi erzählt zwei Versionen seiner Geschichte - eine phantasievolle Geschichte mit Tieren und eine grausame Geschichte mit Menschen. Es liegt an den Lesern zu entscheiden, welche Version wahr ist.

Natur versus Zivilisation: Eine weitere Interpretation konzentriert sich auf die Gegensätze zwischen der Natur und der Zivilisation. Pi wird aus seiner sicheren Umgebung gerissen und in die unberechenbare Naturgewalt des Ozeans geworfen. Auf dem Boot muss er lernen, sich mit der wilden Natur und seinen tierischen Instinkten auseinanderzusetzen, um zu überleben.

Mensch-Tier-Beziehung: Die Beziehung zwischen Pi und Richard Parker ist von zentraler Bedeutung in diesem Roman. Es ist eine komplexe und faszinierende Auseinandersetzung mit der Natur des Menschen und seiner Verbindung zu anderen Lebewesen. Die Interaktion zwischen Pi und dem Tiger zeigt uns die Möglichkeiten und Grenzen der Kommunikation und Zusammenarbeit zwischen verschiedenen Arten.

Diese Interpretationen von "Life of Pi" geben einen Einblick in die tiefgründigen und komplexen Themen, die in Yann Martels Roman behandelt werden. Der Roman regt zum Nachdenken an und lädt den Leser ein, seine eigenen Schlüsse aus dieser außergewöhnlichen Geschichte zu ziehen.

Die Authentizität der Erzählung spielt in dem Bestseller "Life of Pi" von Yann Martel eine bedeutende Rolle. Das Buch erzählt die Geschichte von Pi Patel, einem indischen Jungen, der während einer Schiffsreise in einem Rettungsboot strandet, zusammen mit einem Bengalischen Tiger namens Richard Parker.

Der Leser wird sofort in Pi's Welt hineingezogen und kann sich durch die lebendige und detailreiche Beschreibung der Ereignisse gut vorstellen, was Pi tagtäglich durchmacht. Die Authentizität der Erzählung wird durch die präzisen und oft schockierenden Darstellungen der Bedrohungen und Herausforderungen, mit denen Pi konfrontiert ist, verstärkt. Man kann sich förmlich vorstellen, wie es ist, auf dem Ozean zu treiben und die ständige Gefahr zu spüren.

Darüber hinaus verwendet Martel verschiedene Erzähltechniken, um die Authentizität der Geschichte zu verstärken. Pi erzählt seine Geschichte aus der Ich-Perspektive und liefert damit persönliche Einblicke in seine Gedanken und Gefühle. Dadurch fühlt sich der Leser eng mit der Hauptfigur verbunden und kann ihre Emotionen besser nachvollziehen.

Ein weiterer Faktor, der zur Authentizität beiträgt, ist die Präsenz von Richard Parker, dem Bengalischen Tiger. Die Beschreibung des Verhaltens und der Interaktionen zwischen Pi und Richard Parker ist sehr realistisch und liefert einen Einblick in die Komplexität ihrer Beziehung.

Zusätzlich werden im Buch viele philosophische und religiöse Themen angesprochen, die Pi's Glauben und Denkweise beeinflussen. Die Schilderung dieser inneren Konflikte und die Suche nach Sinn und Wahrheit verleihen der Erzählung eine weitere Dimension der Authentizität.

Insgesamt gelingt es Yann Martel in "Life of Pi", eine authentische und fesselnde Geschichte zu erzählen. Der Leser taucht tief in die Erlebnisse des Protagonisten ein und kann sich dank der gelungenen Erzählweise mit Pi und seinen Herausforderungen identifizieren. Dies macht den Roman zu einem beeindruckenden Leseerlebnis.

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