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Bajo la sombra del cerezo - Reseñas de anime y manga

No hace mucho terminó el manga de Kimetsu no Yaiba (Demon Slayer en inglés), uno de los shonen más queridos y aclamados de los últimos tiempos, que se volvió popular con mucha rapidez incluso entre las personas que no acostumbran ver anime y convirtiéndose en toda una sensación. Con el manga ya terminado, es un buen momento de recapitular toda la serie y analizar qué hizo bien y qué hizo mal. 

Esta en una entrada larga, así que la pongo bajo un enlace. ¡Alerta de spoilers!

- La Historia

Primero que todo, comencemos por la premisa: en el Japón de principios del siglo XX, los demonios son una amenaza real debido a que devoran humanos sin discriminación, por lo que existe una organización de asesinos de demonios que se dedica, como su nombre indica, a exterminarlos. Tanjiro, el personaje principal, se encuentra un día con que su familia ha sido asesinada por un demonio, y su hermana menor, Nezuko, es la única sobreviviente. Sin embargo, Nezuko ha sido transformada en un demonio, por lo que Tanjiro debe buscar una cura para ella al mismo tiempo que busca vengarse de quien mató a su familia al unirse a los asesinos de demonios. 

Es algo sencillo, y muchos podrían decir que han visto o leído algo similar. Se le añaden ligeros toques únicos de fantasía al incluir espadas y técnicas especiales que son las únicas que sirven contra los demonios; de este modo, tenemos las técnicas de respiración que caracterizan a la serie, las cuales se dividen en distintos elementos: agua, fuego, rayo, etc., e incluso añaden otros no tan convencionales como las respiraciones de insecto, serpiente y amor. Todo esto vuelve interesante a la obra, y en general, las técnicas están bien diseñadas y exploradas, dando tipos de lucha únicos a cada personaje a pesar de que todos utilizan espadas de base. 

El ritmo en que la historia se cuenta es constante, volviéndose rápido cuando debe y dando momentos para respirar cuando se necesitan. Aunque está lleno de acción de principio a fin, no se siente sobrecargado de la misma debido a esto, una falla de la que he visto que sufren otros shonen (como Black Clover). Se da el tiempo justo para desarrollar a los personajes, el mundo y la historia detrás de ellos, por lo que, aunque podría extenderse en esto mucho más, no hace más que lo necesario. Esto funciona para la historia la mayor parte del tiempo, pero hay momentos claves en los que se vuelve una debilidad. 

La historia en sí, como dije, es sencilla. Tanjiro entrena para volverse miembro de los asesinos de demonios y, cuando lo logra, se encuentra con muchas personas y demonios que poco a poco lo acercarán a la respuesta para salvar a su hermana y a la verdad del origen de los demonios. Pero, aunque todos los personajes principales tienen sus propios arcos, se opacan en comparación al de Tanjiro. No es que esto sea malo, al contrario, es bueno que el personaje principal se destaque; sin embargo, en vez de tener una historia donde todos los arcos personales de los personajes son increíbles, Kimetsu no Yaiba presenta sólamente uno que alcanza todo su potencial y los demás se quedan cortos o poco desarrollados en comparación. 

En cuanto a los elementos que componen la historia, todos o casi todos están utilizados de forma perfecta. La acción es trepidante, los poderes son interesantes (si bien no muy novedosos), el misterio te atrapa lentamente y el drama se complementa con la comedia para no volverse demasiado pesado. Es la clase de historia que trata temas como no rendirse nunca y superarse a uno mismo, pero también logra tocar otros más sensibles, como que cosas malas pasan en la vida sin ninguna razón o que los “malos” muchas veces también son víctimas, dando a entender que cosas como la “maldad pura” no existe a pesar de ser una serie con demonios, aunque es cierto que esto se logra debido a la naturaleza de los mismos, pero hablaré de esto más adelante. 

En resumen, la serie tiene una historia bien balanceada y pensada, que podría haberse extendido mucho más si lo quisiera pero que no lo hace porque no es necesario, lo que la deja con la extensión justa que debe tener. Dicen por ahí que las mejores historias tienen sangre y lágrimas, y ésta sin duda tiene ambas, además de risas y misterios. 

- Los Personajes. 

Si tuviera que describir a los personajes en una palabra, sumando su caracterización, desarrollo, motivaciones, diseño y final, la palabra que usaría sería “bueno”. No “genial”, ni “grandioso”, ni “épico”. Sólo “bueno”. La razón detrás de esto es que de esas cinco cosas que mencioné, la más importante, el desarrollo, se queda corta.  

Tanjiro y Nezuko, los principales, son manejados de manera excelente y no hay nada que pueda criticarles al respecto. Tanjiro especialmente me sorprendió, pues en una historia donde el tema de la venganza y todo lo que implica para la persona es tan fácil de percibir, Tanjiro se mantuvo con su personalidad amable y compasiva hasta el final. 

Normalmente, con una historia en donde el personaje principal busca venganza contra otra persona u organización, la idea central de la misma es demostrar cómo la venganza no es la solución, pues destruye poco a poco al personaje hasta dejarlo sin nada (y en muchas ocasiones, sin nadie), e incluso si consigue su venganza, lo único que queda es un vacío. Es especialmente interesante ver este desarrollo con personajes que son, en su base, gentiles, pues los empuja hasta el máximo y enfrenta sus principios con sus metas, cuestionándolos hasta dónde son capaces de llegar y de perderse a sí mismos con tal de conseguir su objetivo. Esta narrativa sobre la venganza la hemos visto una y otra vez, desde en clásicos como El Conde de Montecristo y Frankenstein, hasta en piezas mainstream de entretenimiento como el videojuego The Last of Us II.

Tanjiro, sin embargo, no sigue este camino. Busca venganza contra el demonio que asesinó a su familia, pero con el tiempo también entiende que los demonios, que antes eran humanos, son víctimas a su manera, y por lo tanto, les tiene lástima y se compadece de ellos. Quiere acabar con los demonios que matan personas, pero no lo hace pensando en querer matar, sino en querer salvar a las personas de ellos. Aunque tiene momentos en los que odia profundamente a los demonios, no deja que su venganza lo consuma y transforme; de principio a fin, mantiene su personalidad gentil y cálida con todos a su alrededor. Esta forma de trabajar con su personaje me parece espectacular, y aplaudo ante ello. 

Desgraciadamente, no se puede decir lo mismo del resto de personajes. Este cuidadoso manejo se vuelve más torpe conforme más nos alejamos de personajes principales, lo que ocasiona muchos problemas. El punto más débil de la serie es que el desarrollo de muchos en el elenco de personajes ocurre en el transcurso del arco final, cosa que obviamente es un error. El arco final debe servir para cerrar las historias de todos, incluida la historia general de la serie, no para presentarlas y desarrollarlas. Si se hace esto, nos encontramos con el problema de que todo debe ser apresurado y resumido, sin dar pie a que los personajes sean capaces de crecer y cambiar de forma natural y cortando muchas de sus posibilidades de desarrollo, sino es que todas, que es precisamente de lo que sufre Kimetsu no Yaiba. 

A esto le añadimos que muchos personajes mueren en este enfrentamiento final, y eso vuelve sus muertes menos impactantes o relevantes de lo que tendrían que ser, dado que se trata de personajes principales. Si, en su lugar, la serie se hubiera preocupado por hacer este desarrollo antes, creando nuevas subtramas y extendiéndose, pero dando tiempo a la audiencia para conocer y relacionarse con los personajes, entonces sus muertes en el arco final habrían sido lo que se suponía que fuesen: trágicas y tristes, con ese toque de honor que merecen al volverse mártires y de satisfacción al saber que no fue en vano. En vez de eso, tenemos muertes vacías de personajes que apenas acabábamos de conocer, que dejan la sensación de que suceden sólamente para llegar a un número de bajas pre-establecido por el creador. Este no es el caso de todos los personajes, pero sí el de muchos, e incluso aquellos que no mueren sufren de tener su historia apresurada en el final.

Curiosamente, los demonios no tienen este problema. A cada demonio importante para la trama se le da su tiempo de presentación, no sólo en cuanto a sus poderes y habilidades como demonio, sino también su historia como humano. Es en los demonios donde se encuentra el verdadero núcleo de la serie, pues a través de ellos los temas más fuertes son contados, por ejemplo, que la tragedia tiene más de una cara y que los criminales son, a su vez, víctimas de un criminal mayor. Hay demonios que tienen una presentación tardía, que no llega hasta el arco final, lo que justifica que su desarrollo sea también hasta este punto. Además, muchos de los demonios tienen un sentimiento muy humano en la base de sus acciones que, de otro modo, se considerarían ilógicas y serían reducidas a su naturaleza de demonio, ya sea el querer ser más fuerte, el querer una familia o algo mucho más simple como querer sobrevivir. 

Los demonios no sólo son el enemigo principal de la serie y gracias a los cuales la trama da inicio en primer lugar, también son parte esencial en construir el personaje del villano principal de la serie: Muzan. Esto es así debido a que Muzan es el único capaz de crear nuevos demonios, por lo que no sólo tenemos a los asesinos de demonios que, en su mayoría, tienen cuentas pendientes con él, también tenemos a los demonios, que son humanos que cayeron víctimas suyas y fueron transformados (como Nezuko). Es gracias a las distintas historias que se presentan a través de los demonios que el personaje de Muzan gana fuerza como la raíz de todo el mal que sucede en la historia y ayuda a darle peso como enemigo final, algo que tiene bien merecido. 

Esta construcción de personaje está tan bien hecha que convierte a Muzan en el elemento más fuerte de toda la serie. “Un héroe es tan bueno como su villano” es una noción popular en narrativa, y Muzan es un villano casi perfecto. No sólo convierte a humanos en demonios, también tiene habilidades regenerativas y una fuerza de ataque descomunal, controla a los demonios a través del miedo, asesina por vanidad y tiene un ego tan grande que le hacen considerarse perfecto, por lo que todo es un insecto en comparación y todos los que vayan contra él merecen ser aplastados. Es frío, calculador, despiadado: un demonio en toda la regla. Es la clase de villano con quien no se puede razonar o llegar a un acuerdo, del tipo que se podría categorizar como neutral malvado o caótico malvado.

Se opone a los protagonistas en sus acciones, valores, fuerza y hasta en su naturaleza...pero, al final, descubre que tiene la emoción más humana de todas: querer sobrevivir. 

Muzan no es sólo un demonio, es el demonio de la serie, pero incluso él alguna vez fue un humano. Esta complejidad pero sencillez de su personaje, así como el manejo y el desarrollo que tiene a lo largo de toda la serie, es lo que le da su lugar como el punto clave y el pilar por excelencia de la trama. Sin él, la historia no sería igual de buena. Un héroe es tan bueno como su villano, y este villano no tiene par. 

- El Anime y el Manga

El anime es mejor que el manga. Ya, lo dije. 

Desde luego, es gracias al manga que tenemos el anime, pero es innegable que el anime es el que le ha dado el empujón que el manga necesitaba. Esto se debe a que el arte del manga es... bueno, he visto mejores. Sencillamente no se compara al del anime. Hay mangas que, como su anime, llegan a ser una obra de arte, pero este no es el caso de Kimetsu no Yaiba. 

Por otro lado, no podemos olvidar que el anime es hecho por Ufotable, quienes animaron Fate/Stay Night y son reconocidos como grandes en la industria de la animación debido a la limpieza de su trabajo, la fluidez, los colores, los efectos especiales... sencillamente no se puede criticar la animación que producen. Incluso el uso de CGI en este anime es impecable y se mezcla a la perfección con el 2D. Es una maravilla para los ojos. Por su parte, la banda sonora es fantástica y cuenta con un par de soundtracks tan inconfundibles como He’s a pirate de Piratas del Caribe, y el opening ha ganado premios y reconocimientos en el mundo de la música en Japón. 

Con todo esto, es natural que el manga se quede atrás, a pesar de que sea la fuente original. Aún así, en el caso del manga esto no afecta la gran historia que presenta, y en el del anime, su gran diseño sólo resalta más a la historia, que ya de por sí es buena. Aunque no he visto la película y no conocemos si el anime tendrá más temporadas en el futuro, no cabe duda de que se mantendrá en la memoria de muchos.

- ¿Por qué es tan popular?

Finalmente, ¿qué es lo que vuelve a Kimetsu no Yaiba este fenómeno entre fans del anime y espectadores más casuales? En primer lugar, tiene pocos errores en su composición y en los personajes que presenta. En segundo lugar, mezcla elementos que gustan a todos, como la acción, con elementos típicos de un anime, como poderes y nombres de técnicas específicos, y su historia simple pero atrapante hace que más personas le den una oportunidad. Finalmente, de principio a fin tiene una excelente animación, actuación de voz y sonido, que invita a continuar viéndola.

Y eso es todo lo que tengo que decir sobre Kimetsu no Yaiba. Con todo, sigo considerándolo un 10/10 cerrado, y en el futuro probablemente se convierta en un clásico del shonen. Aunque sigue sin estar a la altura de otros que han venido antes de él, eso no le quita el mérito de haber ganado tanta popularidad bien merecida, y espero ver más del anime y del mangaka en el futuro. 

- Mary Hdz.

#kimetsu no yaiba #kny #demon slayer #reseña #anime #manga #bajo la sombra del cerezo

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Bajo la sombra del cerezo - Reseñas de anime y manga

ID: Invaded fue una de las sorpresas de este año, que cumplió con las expectativas que tenía y se posiciona fácilmente como uno de los mejores animes de la temporada que esta terminando. El último capítulo fue emitido hace algunas semanas, así que llegó la hora de hacerle una reseña. 

La historia nos presenta a la compañía Kura, creadora del Mizuhanome, una máquina que permite entrar en el subconsciente de asesinos seriales -llamados “pozos Id”- para lograr identificarlos y detenerlos. El encargado de entrar ahí es Narihisago, quien se convierte en el brillante detective Sakaido cuando lo hace. Su labor es resolver el misterio de la muerte de una chica que siempre aparece en todos los subconscientes para dar con el asesino serial. Al mismo tiempo, deberá descubrir la identidad de “John Walker”, una extraña entidad que aparece a veces en pozos Id y que se cree es el creador de los asesinos seriales que atrapan. 

El anime se mantiene interesante de principio a fin, y cada misterio que se presenta es mejor que el anterior. La ciencia ficción se mezcla perfectamente bien con el misterio, de modo que se apoyan entre sí para crear el mundo en que se desarrolla la historia, y al mismo tiempo tiene toques surrealistas gracias al concepto de los pozos Id. A pesar de que su historia está muy bien escrita, falla un poco al momento de escribir a los personajes, pues, con tres o cuatro excepciones, los otros personajes que presenta son bastante genéricos y nunca se centran demasiado en ellos, lo que los vuelve muy unidimensionales. Eso sí, esas tres o cuatro excepciones son todo lo contrario: estos personajes están bien trabajados, son interesantes y se pueden ver distintas caras de ellos, que a la larga les da una caracterización completa. El personaje principal, Narihisago, es el mejor ejemplo de esto por obvias razones, y es de los pocos personajes del anime que demuestra verdadero desarrollo. Sin embargo, el anime hace un excelente trabajo nivelando esta falta con su increíble historia y misterios, por lo que no supone mucho problema. 

La historia no es el único punto fuerte, pues tiene uno de los mejores soundtracks que he escuchado. Utilizan mucho la música sintetizada, lo que queda perfecto con el tema futurista y de ciencia ficción que presenta, pero en momentos críticos vuelve a lo instrumental, creando un contraste visible y que apoya los distintos tonos que toma la trama. Por otro lado, la animación también es bastante buena, especialmente la relacionada a los efectos especiales y a los escenarios de los pozos Id, aunque la paleta de colores y el uso de luces y sombras generan un visual un poco opaco para mi gusto. Otra cosa que realmente resalta es el diseño de personajes, específicamente el de los brillantes detectives, pero me cuesta trabajo lograr ubicarlo... Tiene un toque muy clásico mezclado con lo moderno, no convencional, pero definitivamente no fantasioso. “Excéntrico” es probablemente la mejor palabra para describirlo. 

Una de las únicas debilidades que le noto es que es difícil de comprender al principio todo el sistema del Mizuhanome, los pozos Id, las partículas y el instinto asesino, y el final también se vuelve confuso al enterarnos del origen del propio Mizuhanome. El problema aquí es que, como la trama está tan fuertemente apoyada en todos estos conceptos, si no se llegan a entender por el espectador entonces toda la trama del anime se queda en un limbo de confusiones. Sin embargo, tampoco llega a ser tan confuso como otros animes, en donde se debe prestar muchísima atención a todo lo que sucede o se pierde el hilo de la historia (por ejemplo, Durarara! o Mekakucity Actors). 

En conclusión, ID: Invaded es un excelente anime, uno de los mejores de misterio puro que se han estrenado últimamente, y hasta lo consideraría uno de los mejores que he visto de este género. Definitivamente recomendable para cualquiera (aunque tiene un par de escenas grotescas) y uno de mis favoritos de este año sin duda. 

- Mary Hdz

#anime #id invaded #reseña

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Bajo la sombra del cerezo - Reseñas de anime y manga

El mundo de la animación japonesa no cuenta sólo con series, sino que buena parte de éste la conforman las películas. Algunas de éstas son muy conocidas alrededor del mundo, como las películas del estudio Ghibli - Mi Vecino Totoro, El Viaje de Chihiro, El Castillo del Cielo, entre otros. Sin embargo, muchas se quedan cortas de esa popularidad, a pesar de que cuentan con una calidad desbordante en todos sus aspectos; tal es el caso de Promare, de Studio Trigger. 

Promare es una película que narra la historia de Galo, un bombero miembro de un equipo de rescate especializado para combatir contra burnish (personas que controlan llamas y que comenzaron a aparecer hace treinta años), y Lio, un burnish y líder de la organización “Mad Burnish”, catalogada como terroristas. Su encuentro ocasiona el arresto de Lio, pero tras un escape de prisión que lleva a Galo a ir de nuevo tras él, se entera de la verdad: el gobernador de la ciudad captura burnish para experimentar con ellos, en un proyecto que sería capaz de destruir el mundo. Galo y Lio deberán decidir si continúan con el juego del gato y el ratón, o si unirán sus fuerzas para acabar con los planes del gobierno. 

Presenta una premisa interesante, y su forma de desarrollarla mantiene el interés. Sin embargo, al ser una película cuenta con tiempo limitado para desarrollarla y lograr tocar todos los puntos que desea en el desarrollo de la misma, de su mundo y de sus personajes. Si bien lo logra de forma excelente, es verdad que a ratos satura de información al espectador, sin bajar nunca la velocidad al momento de hacer exposición o revelaciones de su historia. Debido a esto, la trama probablemente hubiera funcionado mejor con una serie o con una saga de películas, pero de igual forma logra hacer una presentación satisfactoria de la historia que quiere contar. Además, si hubiese sido una serie es probable que tendría un bajón en su calidad audiovisual, que es el verdadero punto fuerte de la película. 

Promare es una maravilla de la animación. Desde el diseño, el estilo, los colores, pasando por la fluidez de los movimientos, la coreografía, la calidad, el cuidado, hasta llegar a los detalles como el uso de sombras y luces y el trabajo con los ángulos: todo en esta película es asombroso. Hay que considerar que Promare es una película con robots pilotados (conocidos como mechas en el mundo del anime) lo que da un nivel extra a la dificultad de la animación, pues no es sencillo animar algo tan grande y con tantos detalles -placas de metal, tornillos, tuercas, resortes, maquinaria, exoesqueletos- a un nivel aceptable para los estándares japoneses. Su diseño, muy basado en las figuras geométricas y líneas rectas en lugar de curvas le da un toque especial y distinto a la animación, algo que no es nuevo, pero que combinado con la paleta de colores crea una estética reconocible y fácil de relacionar con la película. 

Pero no sólo la animación es excelente, pues el soundtrack no se queda atrás. La banda sonora sólamente realza a la animación, le da emoción y hace que el trabajo se sienta completo con un estilo pop rock que va de la mano con los colores, el diseño y la temática de batallas de la película. Es pegadizo, pero no molesto; es dramático, pero no exagerado; y sobre todo, es moderno y se siente fresco. La letra de las canciones que incluye también cuentan con estos elementos, y aunque se mezclan muy bien con la trama también podrían separarse de la película y volverse canciones originales que se sostienen y tienen sentido por sí mismas. La canción principal, “Inferno”, resalta entre las demás de buena manera.

Podría continuar, pero todo puede resumirse en que la película está increíblemente bien hecha y que es recomendable para todos, interesados en el anime o no. Honestamente, con lo buena que es me sorprende que haya hecho tan poco ruido antes, durante y después de su estreno en mayo del 2019, cuando creo que debería haber hecho todo un revuelo como otras películas, por ejemplo Your Name. De todos modos, es una recomendación instantánea. 10/10. 

- Mary Hdz.

#promare #reseña #anime #película #animación #bajo la sombra del cerezo #alguien puede explicarme por qué hizo tan poco ruido cuando es una maravilla audiovisual

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Alguien quiere...no sé, ¿hacer preguntas? No estaría de más revivir el blog un poquito... 

Pueden mandar preguntas si quieren.

- Mary Hdz

#ask #pregunta

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Hablemos de algunos animes

Honestamente, no tenía en mi radar a muchos animes que salieron esta temporada, por lo que me fue una grata sorpresa descubrir tantos estrenos prometedores. Mencionaré algunos y mi impresión hasta ahora de ellos (la mayoría no tiene ni seis capítulos a la fecha así que tampoco esperen un análisis completo)

- Housekishou Richard-shi no Nazo Kantei (que se traduce algo así como “Los Archivos del Joyero Richard”)

Esta fue la primera sorpresa. Si bien al principio tenía toda la pinta de ser un anime sencillo que rayaba en lo simple y sin nada especial, es en realidad un recuentos de la vida bastante interesante de ver. Cada capítulo tiene pequeños misterios relacionados con joyas, los personajes son sencillos pero uno les toma cariño fácilmente, y aprendes una o dos cosas sobre gemas. Lleva tres capítulos apenas, pero es un anime muy bonito para ver, de esos que buscas cuando quieres relajarte.

- Runway de Waratte (“Sonríele a la Pasarela”)

Un drama de diseñadores, modelos y moda que, honestamente, aún no me convence del todo, principalmente por el contexto del mundo de la moda y las pasarelas, pero es de esos animes que relatan la historia de personas esforzándose por cumplir sus metas a pesar de todo, así que igual le estoy dando una oportunidad. Nada demasiado importante por aquí, lo consideraría un anime como Housekishou Richard-shi: de esos para ver cuando te quieres relajar. Hasta ahora el drama ha sido bastante moderado, pero ya veremos si se mantiene así o si se convierte en un drama total.

- Kyokou Suiri In/Spectre

Me llamó la atención desde que lo anunciaron y resulta ser bastante entretenido. Es algo así como un Natsume Yuujinchou macabro pero genial. La protagonista, Kotoko, es probablemente el punto más fuerte debido a su personalidad, pero el resto de personajes que han salido son igual de queribles. Eso sí: en sólo tres capítulos ha demostrado tener una habilidad para ir de 0 a 100 que no es normal. 

- Pet

Otra sorpresa de la temporada. Es bizarro, está muy enredado y está genial. Tiene un algo surrealista y distópico que me encanta, además de que la premisa y la manera en que lo desarrollan es muy interesante. No parece que vaya a tener muchos personajes, sino que será una trama con unos pocos, pero que son los justos para contar la historia que quieren. Esta temporada trae unos animes de misterio bastante buenos, y Pet es una de las recomendaciones que haría a cualquiera.

- ID:Invaded

Tenía muchas expectativas de éste, especialmente por que es un anime original, y no ha decepcionado para nada. Es de los mejores animes de misterio que he visto, sobre todo por la forma que presentan para resolver los misterios tan única e interesante, aunque algo difícil de entender al principio. La animación es muy buena, pero lo que resalta más es probablemente el soundtrack. Cada misterio que presentan es mejor que el anterior, y tiene un toque psicológico que me recuerda a Psycho-Pass pero menos extremo, diría yo. Sin duda uno de mis favoritos de esta temporada y una recomendación instantánea.

- Rikei ga Koi ni Ochita de Shoumei shitemita (“La ciencia se enamoró, así que intenté demostrarlo”)

Esta es la comedia romántica que necesitaba. Kaguya-sama: Love is War, que salió el año pasado, fue bastante bueno, pero personalmente me gusta más este anime. Es gracioso desde el comienzo, la pareja principal es adorable y de paso te enseña dos o tres cosas de matemáticas. Es algo así como Wotakoi, pero con cerebritos en vez de otakus, y tiene el tipo de comedia que me esperaba lo cual me alegra mucho. Honestamente, hacía tiempo que no me gustaba tanto una comedia romántica, así que es una brisa de aire fresco y es (creo) la única de la temporada, por lo que resalta más aún.

- Haikyuu!!: To the Top (“Haikyuu!!: Hacia la Cima”)

Ufff, qué ganas le tenía a esto. La cuarta temporada de Haikyuu por fin llegó, con un nuevo estilo menos áspero pero que mantiene la calidad de los movimientos, y con el soundtrack igual de bueno que siempre. Además, llegó justo cuando el manga entró en su arco final, por lo que hay muchos sentimientos encontrados al ver esta temporada, donde personajes muy relevantes aparecerán. Nada más que decir que espero con ansias los capítulos de los partidos.  

- Jibaku Shounen Hanako-kun (“Hanako-kun del Baño”)

Ufff, qué ganas le tenía a esto. Empecé a leer el manga cuando anunciaron el anime, y el anime ha superado mis expectativas. El estilo que le dieron a la animación es genial, los colores que usan son preciosos, y si de por sí el diseño de personajes del manga ya es muy bueno, los actores de voz que escogieron completan perfectamente la estética. No hay más que decir aparte de que este anime es precioso visualmente, y la historia que está por desarrollarse es incluso mejor. No sé hasta dónde animarán, pero supongo que será hasta el arco en donde sale Mitsuba… O tal vez lleguen hasta el arco del mundo ficticio (no sé cómo se llaman los arcos del manga sorry). Como sea, será fácilmente uno de mis favoritos de este año. 

 Y finalmente, dejando lo mejor para el final....

 - Eizouken ni wa Te wo Dasu na! (“¡Quita tus manos del Club de Cine”!)

Este anime será probablemente el mejor de esta temporada. Desde el diseño y la animación, pasando por los personajes y hasta la historia: no hay nada a criticar de este anime (por ahora). Así como Bakuman era un manga sobre cómo hacer manga, Eizouken es un anime sobre cómo hacer anime. No sé ni dónde comenzar con este anime porque todo es precioso y todo merece ser mencionado. El más recomendable de la temporada, la sorpresa más grande que me llevé y el mejor opening de todos, que ya se ha vuelto todo un meme. Véanlo. De veras, véanlo. Por fa. Es genial, lo prometo.

  … Y eso es todo, creo. Hay otros animes a mencionar, pero ninguno que se encuentre en mi lista para ver: 

Darwin’s Game no me llamó la atención lo suficiente como para verlo al ser un battle royal. Majustushi Orphen Hagure Tabi dicen que es muy bueno, pero no me enganché para nada con el primer capítulo y hasta me aburrió. Plunderer y Hatena Illusion parecían interesantes, pero no lo suficiente como para pasar por alto el hecho de que son ecchi. De Number24 y Somali to Mori no Kamisama vi el primer capítulo, pero tampoco me engancharon como para ver el siguiente, y todavía no he visto Dorohedoro.

- Mary Hdz.

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Bajo la sombra del cerezo - Reseñas de anime y manga

Un género muy popular que se relaciona comúnmente con los shounen (narrativas dirigidas a un público joven masculino) es el spokon: animes y mangas de deportes. En Japón el deporte más popular es el béisbol, por lo que hay muchos ejemplos de historias sobre este deporte: Diamond no Ace, Major, Battery, etc. También hay ejemplos populares de spokon que no son sobre béisbol, como Haikyuu!!, de voleibol, Captain Tsubasa (Supercampeones) de fútbol o el popular Ashita no Joe, de boxeo. En los últimos años, se ha incrementado poco a poco el número de deportes sobre los que se pueden encontrar mangas y animes. En este caso, se hablará de uno de estos spokon recientes: Kaze ga Tsuyoku Fuiteiru.

Kaze ga Tsuyoku Fuiteiru (que se traduce como “El viento sopla fuerte”, aunque en inglés lo traducen como Run with the Wind=“Corre con el viento”) es un spokon de atletismo, específicamente de las carreras de relevos. El personaje principal, Kakeru - una antigua estrella del atletismo -, se encuentra una noche con Haiji, un estudiante de su misma universidad quien lo lleva consigo a su edificio de dormitorios, ya que Kakeru no tiene donde quedarse. En el dormitorio hay otros ocho chicos, todos de la misma universidad pero de distintos años, edades e intereses. Esa misma noche, Haiji les informa a todos que el edificio de dormitorio es también el edificio del club de atletismo, por lo que todos los que viven en él forman parte de este, y la única manera de dejarlo es dejar el dormitorio. Así, con Haiji como líder, este equipo de novatos comienza a entrenar para correr en el Hakone Ekiden: una competencia universitaria de atletismo de relevos de 200 km. 

En general, los spokon siguen cierto patrón en sus historias que es sencillo identificar. Primero, se crea un nuevo equipo o el personaje principal se une a un equipo nuevo o distinto del que tenía antes. Después, viene todo el proceso de adaptarse al nuevo equipo, los primeros entrenamientos y las primeras interacciones entre personajes de distintos equipos/escuelas. Generalmente siempre hay un personaje que tiene algún tipo de trauma relacionado a dicho deporte, y que lo supera poco a poco junto con sus compañeros de equipo. Finalmente, la etapa de los torneos o competencias, que suelen ocupar siempre los últimos capítulos del anime. Debido a que es un género que busca ser más realista que el shounen tradicional - de batallas - no siempre es certero que ganen al final como se esperaría ya que son los principales. Este patrón identificable no es necesariamente algo malo, simplemente es la forma en la que los spokon de desarrollan hoy en día. Desde luego, también existen excepciones y se puede jugar, sobre todo con aquellos enfocados en deportes en solitario, por ejemplo, el boxeo; sin embargo, dependiendo del espectador se pueden volver tediosos. 

Kaze ga Tsuyoku Fuiteiru sigue este patrón ya mencionado, pero las características de cada personajes hacen que se desarrolle a su propia manera y paso. Una de las cosas a destacar es que los miembros del equipo no se reúnen por querer practicar atletismo, sino que más bien son obligados, por lo que todos comienzan sin ninguna condición, a excepción de Kakeru y Haiji, quienes ya son atletas desde el principio. Esto le añade a la historia el poder desarrollar desde cero la convicción de cada uno de querer entrenar seriamente para lo que consideran como un “sueño distante”, así como su crecimiento de atletas aficionados hasta llegar a un nivel clasificatorio. Igualmente, se enfoca en su dinámica grupal, pues no son un verdadero equipo desde el inicio, y cada personaje tiene su momento. Fuera de esto, es bastante “estándar” en su historia y su desarrollo. 

Por otro lado, los personajes, si bien son agradables, no son realmente memorables, pero es interesante ver el desarrollo de Kakeru y Haiji, ya que es un buen ejemplo de cuando el protagonista y el héroe de la historia no son el mismo personaje. En términos simples, un protagonista es aquel en el que se centra la historia y esta se presenta a través de su mirada la mayor parte del tiempo, dejando espacios ocasionales para que otros personajes también den su punto de vista; un héroe, por otro lado, tiene una misión (un destino, un sueño o una tarea que cumplir), es el encargado de reunir a los miembros del equipo protagónico y se vuelve la base y el líder del mismo. Es sencillo ver porque los héroes son comúnmente los protagonistas de sus historias, sobre todo en la modernidad, pero este no es el caso de Kaze ga Tsuyoku Fuiteiru, pues aunque Kakeru es el protagonista, al ser el principal y sobre el cual gira el enfoque del anime, Haiji cumple el rol del héroe ya que él reúne al equipo, los entrena, motiva y se vuelve su capitán, además de que él es quien tiene el sueño de correr en el Hakone Ekiden, que después transmite a los otros. De nuevo, no es algo común en la actualidad, pero es más fácil de encontrar en ciertos spokon que en otro género. 

Por su parte, el anime tampoco tiene mucho que resaltar. En general, la animación, los colores y el diseño están bien cuidados, y el soundtrack es muy bueno al igual que la actuación de voz. Sin embargo, no hay nada extraordinario en las animaciones de las competencias o los entrenamientos, lo que probablemente tiene más que ver con la naturaleza del deporte y no tanto con el trabajo que el estudio hizo. En cuanto al manga no hay mucho que decir, ya que, personalmente, no he encontrado una versión traducida más allá del capítulo 2 con la cual pueda comparar el anime.  

Kaze ga Tsuyoku Fuiteiru es un anime y manga de atletismo que destaca más por el desarrollo peculiar de su historia, a pesar de que sigue un patrón común para los animes y mangas spokon, que por cualquier otra cosa. A pesar de tener personajes poco profundos, los maneja bien y presenta una dinámica interesante entre Kakeru y Haiji, ya que uno cumple con el rol del protagonista mientras que el otro el del héroe, algo no muy común hoy en día. En general, es un buen anime y una buena historia, aunque no se llega a destacar en su género como uno de los mejores.

- Mary Hdz.

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Bajo la sombra del cerezo - Reseñas de anime y manga

Lightning round

La temporada anime Primavera 2019 ha llegado a su fin, y es un buen momento de ver qué impresiones dejaron algunos animes que se estrenaron en la temporada pasada. De forma rápida, breve y muy superficial, tocaremos algunos puntos en los que algunos animes se destacaron, o faltaron.

-RobiHachi

Un anime de historia original, corto (12 capítulos), que desde el principio se vio que sería una parodia de las historias de viajes espaciales. Nada serio, sus colores y diseños lo identifican, y si bien presenta uno o dos misterios a lo largo de los capítulos, son fáciles de predecir y no son plot twist que impacten mucho. Aunque fue entretenido de ver, como sigue la misma fórmula en todos sus capítulos se vuelve tedioso. Sin embargo, en algunos capítulos hay momentos de seriedad importantes, y el final fue satisfactorio. Con todo, no fue relativamente bueno, ni malo.

-One Punch Man - Segunda temporada

Muy esperada por todos, ahora que ha terminado se puede decir que, efectivamente, la calidad de la animación decayó. Esto no se refleja en la fluidez de la animación, sino más bien en el estilo que le dan a las escenas de batallas, donde se descuidan aspectos como los fondos, los colores, etc. Sin embargo, el anime se salva ya que la historia por fin parece ir hacia un lugar específico. No fue tan divertida como en la primera temporada, sino mucho más seria y centrada, mostrando la otra cara de esta historia. Aunque fue bueno, ya que termina en un cliffhanger no hay más que esperar por la tercera temporada o comenzar a leer el manga.

-Bungou Stray Dogs - Tercera temporada

Personalmente, el que más esperaba de todos, y no decepcionó. Al igual que la segunda temporada, empieza con un flashback de varios capítulos, lo que deja a la historia principal en alrededor de 7 u 8 capítulos únicamente, ya que el arco que se animó es corto en comparación con los anteriores. Gran animación, soundtrack y desde luego, efectos especiales; el capítulo final fue especialmente satisfactorio de ver. Además, presenta formalmente por fin al que es, hasta la fecha, el mejor villano de la historia. Aunque su final es cerrado, da pie a que se anime una cuarta temporada, pero habrá que esperar.

-Kimetsu no Yaiba

Otro de los grandes esperados. No conocía ni de nombre a esta historia hasta que se estrenó el anime, y no entiendo por qué: fue una sorpresa realmente agradable. Gran estilo, actuación de voz, paleta de colores, soundtrack, y nada que decir de la animación: absolutamente fenomenal. La historia no es precisamente algo del otro mundo, pero sigue siendo muy buena, atrapante e interesante. Aunque el anime sigue en emisión y no terminará hasta dentro de unos diez capítulos más, el manga está probablemente en su recta final, aunque nada es certero aún. El anime fue definitivamente una de las estrellas principales de la temporada pasada.

-Kono Oto Tomare!

Un anime musical, que da una vibra muy similar a Shigatsu wa Kimi no Uso, aunque sin duda no se le iguala. Agradable a la vista, tiene una animación simple que se destaca en las escenas musicales, donde muestra un aspecto más artístico. Es interesante de ver ya que se enfoca en el koto, un instrumento tradicional japonés. Al principio parece prometer mucho, pero no cumple con los feels hasta más o menos el último capítulo. Tampoco comienza a volverse variado en personajes hasta casi el final, y este es muy anticlimático, y no se siente como un final para nada. Aún así, un anime muy agradable y tranquilo, con más cosas buenas que malas.

Estos son sólo algunos animes de lo que fue la temporada pasada. La temporada anime Verano 2019 ya comenzó, y será difícil de superar, ya que también cuenta con grandes esperados como Fire Brigade of Flames, Dr. Stone y el inicio del arco del País de Wano en One Piece.

- Mary Hdz.

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Comunidad LGBTTIQ:  Tío Sean, sobre literatura.

Era obvio que en algún momento de esta columna se iba a hablar acerca de libros con personajes pertenecientes a la comunidad LGBT, ya que muchas de las series de televisión, películas y programas, pudieron provenir de historias narradas y contadas por la pluma y el papel. Existen una gran cantidad de libros que abordan temas como el que a continuación se verá, sin embargo, no todos logran captar la atención de un gran público, pues algunos deben sufrir el puente hacia una versión cinematográfica. Algunas obras ha tenido la suerte de ser descubiertas por buenos directores y el resultado en la pantalla grande ha significado un crecimiento notorio para la obra literaria.

Una de las obras que goza de buena crítica sin haber sido comprada por una empresa cinematográfica, y sin ser tan conocida como las obras de otros autores comerciales, es Uncle Sean (Tío Sean, en español), del autor Ronald L. Donaghe, que abarca situaciones en la vida de un adolescente gay y de cómo una serie de eventos lo obligan a convertirse en un hombre, con todas y cada una de las cualidades que podrían conformar la vida de cualquier chico de 14 años que atraviesa por el descubrimiento de sus preferencias sexuales.

Tío Sean, del autor Ronald L. Donaghe, es una novela publicada en 2005. Narra la historia de Will Bartnett, de 14 años, que comienza cuando la mañana del día después de Navidad se encuentra con su tío Sean, a quien no ha visto desde que tenía seis años, queda inmediatamente cautivado por su belleza y, en ese momento, empieza a enamorarse de él. Will apenas es consciente de que ese amor es peligroso y algo prohibido, pero al intentar comprender lo que significan sus sentimientos se ve abocado a escribir sobre su tío y empieza con estas palabras: «Tío Sean es muy hermoso. Aunque hay en él algo raro». La trama gira en torno al descubrimiento del amor que siente Will por su tío, y cómo éste trata de eliminar esos sentimientos a la par que lo ayuda a descubrir quién es realmente. El chico de 14 años crece y debe tomar el papel del hombre de la casa y cuidar de su familia mientras intenta olvidar a Tío Sean y dándose una oportunidad de amar nuevamente.

Tío Sean tiene esa cualidad de hacerte sentir parte de la historia. El autor parte de unos relatos que encuentra en un cuaderno que Will, el chico de 14 años, ha perdido u olvidado, y es a partir de ahí donde todo comienza. Tío Sean es, sin duda alguna, uno de los libros que representa con mayor claridad lo que un chico como Will puede llegar a sentir, la cantidad de obstáculos y temores por los que debe pasar una persona para descubrir quién realmente es mientras se está creciendo y adquiriendo nuevas responsabilidades, la crónica de una vida destinada a enamorarse, a sufrir y a aprender.

Libros como este, son la muestra exacta de que puede haber inclusión y una historia con personajes homosexuales sin especificar con lujo de detalle dentro de la obra, recordando así, que cada una de estas historias atañe a la comunidad LGBTTIQ+ con el propósito de hacer visible nuestras vidas como cualquier otra, sin hacer distinciones ni comparaciones.

Miles de libros han quedado en el olvido debido a la rápida publicación de otros títulos, y debido a eso, resulta casi imposible el conocimiento de obras como estas; afortunadamente, existen casas editoriales como Editorial Egales, que se encargan exclusivamente de la publicación de obras literarias con personajes y situaciones LGBTTIQ+, lo cual le da mayor visibilidad a trabajos como este, compartiendo e inmortalizando la vida y los mundos de personajes como Will Barnett.

Por Edgardo Josué Cruz Acosta. 

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Vida y Obra de Julio Herrera y Reissig (Montevideo, 9 de enero de 1875 - Ib., 18 de marzo de 1910)

Amor sádico Ya no te amaba, sin dejar por eso de amar la sombra de tu amor distante. Ya no te amaba, y sin embargo, el beso de la repulsión nos unió un instante... Agrio placer y bárbaro embeleso crispó mi faz, me demudó el semblante, ya no te amaba, y me turbé, no obstante, como una virgen en un bosque espeso. Y ya perdida para siempre, al verte anochecer en el eterno luto, mudo el amor, el corazón inerte, huraño, atroz, inexorable, hirsuto, jamás viví como en aquella muerte, nunca te amé como en aquel minuto!

Julio Herrera y Reissig nació el día 9 de Enero del año 1875 en Montevideo, Uruguay. Concebido en una familia numerosa, de los cuales fue hermano de ocho; era de una familia con grandes sustentos económicos. Uno de sus tíos, Juio Herrera y Obes llegó a la presidencia de Uruguay entre los años 1890 a 1894. 

Julio sufrió desde muy pequeño una enfermedad, la cual, le diagnosticaron a la edad de 5 años  arritmia, mal, que le marcó de por vida. De igual forma, hubo dos hechos que lo marcaron y le hicieron reflexionar sobre la vida y la muerte, estos hechos fueron las pérdidas de su abuelo y uno de sus hermanos. Debido a la frágil salud que tenía, tuvo que abandonar sus estudios en el año de 1892, cuando tenía dieciséis años de edad, esto debido, a una enfermedad cardíaca, que se agravó contagiándose de una fiebre tifoidea.  

Un hecho importante, en la vida del poeta, fue la publicación de su primer poema “Miraje”(1898). Aquella obra fue muy bien recibida, siendo Samuel Blixen, un crítico literario muy importante de aquella época, lo motivo para que siguiera escribiendo. De este modo, más adelante fundó Reissig “La revista”, que era un periódico quincenal.  

Se convirtió en un ávido lector, siendo así que se juntara con Roberto de las Carreras, íntimo amigo suyo, para reuniones literarias desde el ático de la mansión familiar en Montevideo, que era conocido como La Torre de los Panoramas, debido a las vistas que se presenciaban desde ese lugar, teniendo como panorama el Río de la Plata. Fue en ese instante que dio paso del romanticismo, hacia la vanguardia modernista y surrealista, a lo que lo llevó a ser una referencia de la literatura Latinoamericana, junto a   Leopoldo Lugones, Ricardo Jaimes Freyre y Salvador Díaz Mirón.

Sus obras más importantes, se consiguieron en sus últimos 10 años de su vida. Siendo hasta 1900, una línea de poesía romántica y patriótica. Lametablemente, muere a la corta edad de 35 años en su ciudad natal Montevideo el 18 de marzo de 1910.

Este poeta dejó esta vida de una manera precoz, Empero, no deja de ser importante el estudio de su poesía, que es una poética magistral y admirable. Fue una de los grandes poetas que ha tenido Latinoamérica, tanto que grandes personalidades como Pablo Neruda y Jorge Luis Borges, reconocieron su labor y sus obras. Sin duda alguna, este poeta merece un lugar como uno de los grandes poetas que ha tenido este continente americano y sobretdo, de habla hispana.

Poemas para leerse del poeta:

* Decoración heráldica

* Desolación absurda

*  Génesis

*  Julio

*La iglesia

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La redención del emperador (2)

—Muerte: He conocido a muchos reyes, emperadores y cabezas de estado en mi tiempo, Joshua. Los conocí a todos. ¿Y sabes algo? Eres el que más me gustó.

—The Sandman, Neil Gaiman ¿Alguien sabe realmente qué llevo a Joshua A. Norton, el Emperador de estos Estados Unidos y protector de México, un personaje celebre, ambicioso, carismático, quizá algo loco, a llegar a tal rango? Tal vez sólo fue una ocurrencia que le salió bien; a lo mejor fueron los tiempos difíciles, y más para él en la desesperación de la bancarrota, o incluso que realmente sintió una gran preocupación por su país y creyó que, si nadie hacía nada, él lo haría. O tal vez fue un sueño. Para esto, Neil Gaiman nos cuenta su versión de los hechos.            En The Sandman, esa gran obra imperdible de Gaiman, nos lleva en varias ocasiones por las convivencias que tienen los Eternos (manifestaciones antropomórficas de estados de la humanidad) entre ellos mismos y con las personas. En este caso, en el número 33, en el cuento Three Septembers and a January, contenido en el libro 6 Fables & Reflections, se nos cuenta la intervención que tuvieron estos seres con Norton I. Lo que lo llevó a ser emperador y cómo debió ser su muerte.            Similar a como Dios apuesta con el diablo sobre la vida de un hombre en el libro de Job, Morfeo acepta la apuesta de una de sus hermanas, Desespero. La apuesta consistía en que Morfeo debía mantener su influencia sobre este hombre («mantenerlo en su reino», como se menciona), y si caía bajo la influencia de algún otro Eterno, éste perdía. Y así es como nos lleva a lo largo de la vida de Norton, observando muchos de sus momentos y cómo estos hermanos se disputan la vida del hombre.            Todo comienza cuando Sueño (Morfeo) le concede algo por lo que muchos hombres matarían: lo convirtió en un rey. Y según esta versión, eso fue lo que lo motivo a proclamarse emperador y mandar la carta a los periódicos. Tiempo después, en diferentes momentos de su vida, los Eternos Delirio y Deseo, hacen cada quien su jugada para atraerlo hacia sí, sin embargo, como pasa en el mundo de The Sandman, los sueños no se frustran tan fácil. El carismático Emperador de los Estados Unidos soportó, con la dignidad de un rey, y con tal humildad (al menos según esta versión), que no complació a los caprichos del delirio, la desesperación ni el deseo. Morfeo, el tejedor de sueños, ganó la apuesta.            Y todo finaliza, como eventualmente sucede si una historia se extiende lo suficiente, termina con la muerte. Y Muerte, uno de los Eternos (y muy simpática), quien ocupa el lugar de la muerte en este universo, dice que, de todos los emperadores que ha conocido, él es quien más le gustó. Y sí, según se vea lo que cuenta la historia o este cuento, Joshua A. Norton, el primer y único emperador de los Estados Unidos y protector de México, tuvo un buen reinado, y para quien lo dude, puede revisar los antecedentes, o bien preguntárselo al propio Morfeo.

-Juan Carlos

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El mejor emperador (1)

A petición, y por deseo, perentorio de una gran mayoría de los ciudadanos de estos Estados Unidos, yo, Joshua Norton, antes de Bahía de Algoa, del Cabo de Buena Esperanza, y ahora por los pasados 9 años y 10 meses de San Francisco, California, me declaro y proclamo emperador de estos Estados Unidos.

—Fragmento de la carta Norton envió a los periódicos Joshua Abraham Norton, mejor conocido como Su Majestad el Emperador Norton I, el Emperador de estos Estados Unidos y protector de México. Fue el primer y único emperador que ha tenido EE. UU. Querido por la gente en su tiempo y actualmente por los que lo conocen, pero aún no es tan conocido en el mundo como debería y, para quien no lo haga y desee hacerlo, en esta ocasión toca ver lo que cuenta la historia oficial.            Conozcamos lo que registró la historia: Joshua A. Norton fue un empresario que, tras unos negocios  mal planteados lo llevaron a la bancarrota, se vio mentalmente afectado y dejó la ciudad de San Francisco (donde residía). Tiempo después volvió y, el 17 de septiembre de 1859, en varias cartas que mandó a distintos periódicos, se autoproclamó el Emperador de estos Estados Unidos. Y aunque al principió se tomo con humor, así fue como comenzó su reinado de 21 años.            Se cuentan muchas hazañas u ocurrencias que tuvo. Se cuenta que hacía proclamaciones ridículas como multar gente por no pronunciar bien el nombre de la ciudad, y algunas otras proclamaciones ingeniosas, como proponer la construcción de un puente colgante desde Oakland hasta San Francisco (lo que hoy es el Golden Gate). También se proclamó como protector de México: «Dada la incapacidad de los mexicanos de regir sus propios asuntos, yo, Norton I, asumo el papel de Protector de México».           Se dice también que, aunque no siempre era tomado en cuenta, vivió bien. No tal cual como un emperador, sino una vida más simple, sin embargo siempre comió en los mejores restaurantes por cuenta de la casa, tenía asientos reservados en los teatros de la ciudad para él y sus perros. En una ocasión casi hace cerrar una compañía ferroviaria por no haberlo invitado a comer gratis, y pronto la compañía se disculpo y le dio un pase vitalicio. Otra de sus aventuras relevantes fue cuando detuvo una turba iracunda que estaban indignados con unos trabajadores chinos. Norton, según se cuenta, se puso frente a la turba, se subió a una caja para que todos lo vieran y se puso a cantar, luego dio un discurso sobre llevarse bien y amar al prójimo. No hay registro del discurso (o no que yo haya encontrado), pero debió ser tan magnífico que la turba se disolvió y todas las personas regresaron sonrientes a su casa.           Norton I, uno de esos personajes que creo que todo mundo debería conocer. Quizá no sea realmente del agrado de todos, pero es indudable su simpatía y su peculiaridad. Esta versión de los hechos que proporciono es con el fin de que, si alguien resultó interesado en este personaje, no dude en investigarlo. Y como decía Daniel Rabinovich en su inolvidable e impronunciable discurso «aquí termina la anécdota, pero el tema todavía da para más».

Gran parte de la información fue consultada en: https://es.wikipedia.org/wiki/Joshua_A._Norton

-Juan Carlos

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El lado desconocido de la música occidental

México y sus grandes compositores

México es uno de los países más ricos en cultura y tradición, y si por algo es conocido y elogiado es por sus grandes poetas y escritores, de hecho, que Octavio Paz haya ganado el nobel de literatura en 1990 hace sentir orgulloso a cualquier mexicano de la calidad de artistas que hay en el país, sin embargo, mas allá del nobel puedo asegurar que casi todos desconocen el lugar tan importante que México ocupó durante el S.XX en la música, otra de las artes importantes. Actualmente, lo único que puede identificarse de la música mexicana de concierto es el huapango de Moncayo debido a que se ha vuelto un tanto famoso en estos tiempos porque lo han utilizado para comerciales, propaganda cultural etc. Evidentemente, México tiene más que un huapango y los compositores de México aportaron más a la música de lo que se podría imaginar.

 Manuel M. Ponce (1882-1948)  es uno de los primeros grandes compositores que tuvo México, específicamente él fue el primero en trascender las fronteras del país con su música. Originario de Zacatecas, Ponce entra al Conservatorio Nacional en 1900 para posteriormente continuar sus estudios musicales en Bolonia, Italia (1905) y en Alemania (1908).El estilo compositivo de Ponce estuvo dedicado a combinar el estilo romántico europeo de su época (el cual había aprendido bien), con temas y motivos del folklore mexicano. Ponce siempre estuvo íntimamente ligado a la escritura, muestra de esto fue la fundación de la revista Cultura Musical que dirigió de 1936 a 1937; en esta revista Ponce escribía artículos y ensayos. De igual manera, Manuel era muy cercano a varios poetas de la época como Luis. Urbina y Enrique González Martínez.  Aunque es bastante raro encontrar obras para guitarra en el acervo musicla de los compositores, la música para guitarra es una parte importante del repertorio de Ponce.

Además de dedicarse a la composición, Carlos Chávez (1899-1978) fue el encargado de impulsar y establecer los principales institutos culturales del país. Chávez inició su educación musical con Ponce, por lo que sus primeras composiciones pueden situarse dentro de un estilo nacionalista, no obstante cuando viaja a Europa y descubre a Schoenberg y Stravinsky, su concepción de las cosas cambia. En 1928 es invitado por el Sindicato de músicos para ser el director titular de la Orquesta Sínfónica Mexicana, la cual para ese entonces había experimentado fracasos constantes,Chávez le cambia el nombre por Orquesta Sinfónica de México y lográ rescatarla; junto a ella pasará 21 temporadas dentro de las cuales estrenaría alrededor de 284 obras mexicanas y más de 80 estrenos mundiales de compositores como Brahms, Schubert y Schumann. Se dice que en alguno de todos esos conciertos Carlos invitó a Stravinsky a México para presenciar la orquesta y éste acudió al país en al menos dos ocasiones. Otras de las aportaciones importantes de Chávez fue la restructuración del Conservatorio Nacional, la fundación del conjunto coral del conservatorio y la presidencia del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) tras su fundación.

Silvestre Revueltas (1899-1940) fue indudablemente “el compositor” nacionalista en México. Es estilo de Revueltas es una combinación entre un lenguaje vanguardista con expresiones nacionales, su música siempre estuvo en pos de recuperar los valores de la música prehispánica, así como de plasmar, lo más fielmente posible, los paisajes y tradiciones del país. Revueltas realizó sus principales estudios musicales en Texas y Chicago en donde logra graduarse en composicion y ejecutante de violín. En el verano de 1924 conoce a Chávez con el que se une para organizar conciertos de obras contemporáneas mexicanas, aunque con el paso de los años se iría distanciando de él debido a su ideología política. En 1937 se traslada a España después de enterarse del fusilamiento de García Lorca ( para quien escribe Homenaje a Federico García Lorca) para participar de forma activa en la guerra civil española apoyando a la causa republicana. Ya en México Revueltas es nombrado presidente del Comité Ejecutivo de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, organización que luchaba contra el fascismo, el trotskismo y el imperialismo. Revueltas trabajó en música orquestal, música de cámara, películas, canciones, entre otras obras.  Sus principales colaboraciones referentes a bandas sonoras fueron para peliculas con temas de protesta social, entre ellas se encuentra la pelicula Redes, dirgida por Fred Zinnemann.

 Otro de los compositores mexicanos relevantes fue Blas Galindo (1910-1931). Galindo inicia su carrera en su pueblo natal San Gabriel, Jalisco como cantor de iglesia, allí fue donde aprendió las bases de armonía y piano. Sus estudios principales los llevo a cabo en el Berkshire Music Center en Massachusetts, E.U.A como becario de la Fundación Rockefeller, en 1941, sus profesores fueron Aaron Copland y Serge Koussevitzky. Galindo se interesó en el material musical de los indígenas para la composición de varias de sus obras, aunque toda su producción es muy variada, su obra abarca desde música con folklore y tradición hasta piezas corales y de cámara con toques más instrospectivos , como lo es el Poema a Neruda. Entre 1950 y 1951 compone la música para un ballet  titulado La manda, el argumento del ballet estaba basado en el cuento Talpa de Juan Rulfo.  Entre sus obras, la que lo llevó a la cúspide fue Sones de mariachi que fue estrenada en Nueva York y grabada e interpretada en Europa. Un dato interesante de Galindo es que compuso la primera obra en la historia para guitarra eléctrica como solista (Concertino para guitarra eléctrica y orquesta).

De todos los compositores mexicanos Miguel Bernal Jimenez (1910-1956) fue el que se alejó del estilo de sus contemporáneos para adentrarse a la música novohispana y sacra de México, aunque también tiene obras teatrales, dramas sinfónicos, sinfonías, sonatas y villancicos. Miguel comienza su formación musical a los 7 años en el coro de la catedral de Morelia, años mas tarde, debido a la persecusión de la iglesia por Plutarco Elías Calles,sus maestros  abogan en el alto clero para que se le ayudara económicamente para que fuese admitido en el Instituo Pontificio de Música Sacra de Roma.  En Roma obtiene los títulos de Doctor en canto gregoriano, Maestro en composición y concertirsta de órgano. En 1933 regresa a México para comenzar su constante labor de  creación de escuelas de música en su estado, para esto, realiza una serie de conciertos además de que publica una gran cantidad de libros y partituras.En 1938 funda la Sociedad Amigos de la Música y un año después funda la revista Schola Cantorum, que se convertiría en uno de los medios más importantes de disfusión musical de la época. Bernal Jimenez fue uno de los musicólogos mexicanos más importantantes de su época, que además, combinó sus estudios paleográficos para dedicarse a rescatar el acervo musical sacro y novohispano del país.

Así pues, México tuvo claramente el privilegio de contar con grandes compositores.  No hay entre todos ellos ninguno que no haya sido significativo para la música nacionalista; sin temor a equivocarme puedo asegurar que todos los compositores mexicanos del S.XX fueron capaces de estar a la altura de cualquier expresión musical del mundo. Por ello, México no debería de ser conocido solamente por su literatura, al contrario, debería de ocupar también el lugar de relevancia que tenía en música anteriormente.Lamentablemente, hablando de cultura, la literatura mexicana siempre ha tenido todos los reflectores sobre ella ,ya que es bien sabido que es más fácil  de acercarse a las obras literarias que conocer la música. Sin embargo, sé que México tiene grandes exponentes en la música y que a pesar de que no sean reconcocidos seguirán traspasando fronteras y perdurando a pesar del tiempo, únicamente por el simple hecho de la grandeza de su obra.

--Pau Mendoza--

#columna pau #mexicanos #música

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Viviendo con mi psicosis: Percepciones

En columnas anteriores ya habíamos hablado acerca de la percepción particular de ciertos trastornos psicológicos para la sociedad en general. Pero, ¿qué es lo primero que se piensa cuando se menciona alguna patología mental? ¿qué tan enserio se toman los trastornos como verdaderas enfermedades? ¿influye o no el nivel socioeconómico en la visión e información que se tiene acerca de las mismas? Lamentablemente, y como habíamos mencionado en ciertos momentos, la demencia, la esquizofrenia, los trastornos alimenticios e incluso la misma depresión son asociados con la pérdida de cordura, con la enajenación de uno mismo, con el desprendimiento de la tan perseguida razón humana. Es por ello que a menudo las traiciones de la mente parecen ser traiciones provocadas por uno mismo. Los pacientes son culpados, eludidos y abandonados. 

        En los últimos 40 años, la investigación sobre las percepciones y actitudes ante la enfermedad mental ha arrojado resultados desalentadores, siendo las indagaciones más recientes un número considerable de estudios transculturales en América, África y Asia. Desafortunadamente, en América Latina este tipo de estudios es escaso y, generalmente, se puede decir que en Occidente la percepción de la comunidad respecto a la enfermedad mental ha pasado por dos etapas: antes del decenio de 1960 denotaba pesimismo. Es decir, existía más negación que tolerancia, pues se rechazaba y temía al enfermo mental y, por otro lado, se desconfiaba del especialista. Ahora bien, los resultados de estudios posteriores son dispares, pues mientras algunos comenzaban a aceptar al enfermo mental gracias al impulso de la medicina y los programas educativos, otros investigadores lamentan que el público se haya formado una imagen de estas patologías sumamente parcial que se inserta sólo dentro del modelo médico y que se haya perdido el aspecto psicosocial. (Natura, G., Casco, M., González, L. & Newell, J. 1985)

        En 1981 se realizó un estudio en la Ciudad de México con individuos jóvenes pertenecientes a un sector socioeconómico bajo y algunos otros a uno alto, con el fin de estudiar la percepción de la enfermedad mental en nuestro país. La actitud de los participantes fue bastante diferente, pues mientras en las comunidades de bajos recuerdos se hablaba con más libertad de las enfermedades e incluso ellos mismos presentaban cuadros importantes de depresión, en los sectores económicos altos los jóvenes hablaban en forma impersonal y un tanto indiferente. Además, en ambas comunidades los participantes sabían de la existencia de enfermedades como la histeria y la esquizofrenia, y en su mayoría conocían en qué consistían. No obstante, la histeria y el trastorno obsesivo compulsivo no fueron considerados como patologías incluso a pesar de haber identificado sus síntomas. Esto es preocupante porque da muestra de cierto rechazo a estas perturbaciones mediante la opinión de que las personas que las padecen tratan de llamar la atención, son egoístas, acomplejadas y les falta cariño. En la comunidad de bajo nivel económico, por ejemplo, la esquizofrenia se asoció con el loco que deambula por las calles,  mientras que al obsesivo compulsivo se le describió como una persona que busca la perfección y desarrolla este tipo de conductas por miedo al fracaso. (Natura, G., Casco, M., González, L. & Newell, J. 1985)

        Si se toma en cuenta lo anterior, el hecho de que la generalidad, independientemente de su nivel socioeconómico, tenga este tipo de ideas acerca de los trastornos psicológicos resulta bastante preocupante. Es bien sabido que el hombre le teme a lo desconocido, a aquello que carece de nitidez y, por lo tanto, de control. Así, cuando no conocemos algo y todavía más cuando no nos interesa saberlo, lo descuidamos, lo dejamos en el olvido, permitimos que crezca, que se tuerza más de lo que debería. Que el sufrimiento prolifere parece sernos indiferente siempre y cuando lo haga en algún rincón lejos de nosotros. Es por ello que la prevención de los trastornos psicológicos, y hablando específicamente de Mexico, es lamentablemente escasa. 

        No, nadie es inmune a las repentinas grietas que cuartean a la mente. Es por ello que ignorar la existencia de las mismas es un acto de egoísmo y de una clara falta de empatía. Y por supuesto que cuando no estamos completamente informados acerca de cualquier tema, generalmente no lo comprendemos lo suficiente como para empatizar con aquellos inmersos en la problemática tratada. No obstante, los trastornos psicológicos han sido idealizados, fracturados y perfilados de tal manera que el interés por entenderlos se ha ido desintegrando con una facilidad aterradora. Sí, ahondar en la mente es sumamente complejo. Sin embargo, tratar de entender a aquel que sufre por un tormento que pulula dentro de él y que no eligió es vital para el derrumbamiento de aquellas sentencias que califican al esquizofrénico de un loco que vaga por las calles, y al obsesivo compulsivo como un perfeccionista exagerado cuyo único objetivo es llamar la atención. 

-Luz Ledesma

Referencias:

Natura, G., Casco, M., González, L. & Newell, J. (1985). Percepción de la enfermedad mental a través de historietas. Consultado el 29 de mayo de 2019 en: http://hist.library.paho.org/Spanish/BOL/v98n4p327.pdf

#L.L.

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Viviendo con mi psicosis: El somnífero de la psique

Comúnmente, al hablar de trastornos psicológicos solemos encasillarnos en la problemática que éstos suponen. Cuestionamos los síntomas, los rehuimos, buscamos las causas y se nos acelera el pulso ante la idea de que aquellos a los que se les designa con el inquietante adjetivo de “locos” puedan estar entre nosotros: nuestra mente los perfila como perfectos monstruos dignos de una taquillera película de terror. No obstante, las soluciones para dichas condiciones parecen quedar en el olvido o, en el mejor de los casos, englobadas en la palabra manicomio. Si la patología puede ser atendida o no varía dependiendo del caso específico a tratar. Sin embargo, existen bastantes alternativas para atender a los pacientes que son víctimas de sus propias mentes, siendo una de ellas, la hipnosis.

        Cabe mencionar que, así como los trastornos psicológicos persé, la hipnosis ha sido también objeto tanto de la idealización como del escepticismo de la generalidad, incluso de los estudiosos de la materia. No obstante, antes de emitir un juicio al respecto, resulta necesario conocer su definición. De acuerdo con la Asociación Americana de Psicología, la hipnosis es un estado mental o un grupo de actitudes generadas a través de una disciplina llamada hipnotismo. Usualmente se compone de una serie de instrucciones y sugestiones preliminares que pueden ser generadas por un hipnotizador o ser auto inducidas, es decir, por autosugestión. Además, algunos supuestos indicadores hipnóticos y cambios subjetivos pueden conseguirse sin relajación o larga inducción, hecho que aumenta la controversia y provoca el nacimiento de intensos debates que rodean el tema. (Asociación Americana de Psicología, 2013) Pues mientras algunos científicos disputan sobre su existencia, otros insisten en su realidad y valor.

        Sí, la hipnosis no le garantiza al paciente suprimir ni su enfermedad ni sus síntomas. De hecho, no existe ni siquiera garantía de que el individuo caiga en estado de hipnosis. En ese sentido, este tratamiento es bastante subjetivo. Sin embargo, no por ello debemos ignorar las evidencias que respaldan el funcionamiento del mismo, las cuales apoyan su uso clínico para controlar el dolor, el peso, el tratamiento del síndrome de intestino irritable, y como adjunto para el comportamiento cognitivo. Además, hoy en día la hipnosis es una disciplina consolidada como una herramienta efectiva para el apoyo de tratamientos tales como la pérdida de peso, dejar de fumar, el abandono de las fobias, entre otras condiciones y dependencias. (Asociación Americana de Psicología, 2013) Un ejemplo de su eficacia es el efecto inductivo de estados de analgesia, es decir, el no sentir dolor temporalmente. El caso más famoso de hipnoterapia es el de la cantante Fergie, quien decidió recurrir a ésta para terminar con sus adicciones. Pero ¿cómo es que funciona?

        De acuerdo con los casos de hipnosis de Freud, quien inicialmente creyó haber encontrado en  dicho tratamiento la cura para la histeria, la hipnosis es una forma de comunicación donde el terapeuta se adentra en el mundo de su paciente a través de la evocación de sus vivencias por medio de la palabra. De este modo permite que el paciente atenúe sus mecanismos de defensa de vigilia y se permita alcanzar un estado de intensa serenidad tanto física como mental, logrando un profundo estado hipnótico que lo vuelca sobre sí mismo. Desde esta perspectiva, la hipnosis clínica se puede ver como un fenómeno de comunicación totalmente libre de ser calificada como mágica, pues se limita, simplemente, a entretejer una relación de protección y seguridad con el paciente. Es por esta razón por la que a menudo se vincula a la hipnosis con el efecto placebo observado en las investigaciones con fármacos, puesto que se logran cambios en la patología o en los síntomas investigados sin que la droga o tratamiento haya sido el agente de cambio. Y quizá este sea otro de los motivos por los que aquellos individuos y estudiosos dominados por la objetividad y la razón, no conciban que sea posible lograr este tipo de resultados a través del estado hipnótico de la mente. Sin embargo, los distintos efectos de este tratamiento no han hecho más que demostrar el poder de la sugestión sobre aquellos desórdenes aparentemente incontrolables que asechan la “cordura” de algunos.

        Resulta, entonces, verdaderamente sorprendente la facilidad con la que solemos sentenciar a los individuos “locos” a una vida acribillada por los efectos de su patología. Incluso la industria del entretenimiento ha contribuido enormemente al avivamiento de tal ignorancia. No obstante, la hipnosis es solamente un ejemplo, probablemente no el mejor, de las alternativas que pueden ayudar a disminuir tales martirios. Ahora, en cuanto a la hipnosis como tal, es innegable que es un tratamiento sumamente variable y subjetivo cuya efectividad depende del caso al que se vaya a aplicar. Y es precisamente esto lo que la coloca en el centro de muchas discusiones y polémicas que cuestionan su efectividad. Sin embargo, creamos o no en el tratamiento, lo cierto es que la mente es casi tan complicada como vulnerable. Por lo que no debemos subestimar el poder de la sugestión de la misma manera en que no podemos condenar a los individuos con alguna patología psicológica a la completa e inminente ruina. 

- Luz Ledesma

Referencias:

Asociación Americana de Psicología. (2013). Definición de hipnosis. Consultado el 30 de mayo de 2019 en: http://www.asociacionamericanadepsicologia_hipnosis_definicion

#L.L.

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Bajo la sombra del cerezo - Reseñas de anime y manga

Las historias fantásticas atrapan a casi todo el mundo, pero de vez en cuando es interesante también ver alguna trama de corte realista, que se desarrolla en un mundo muy similar al nuestro con personas y situaciones que podrían sucederle a cualquiera. Existen muchos animes de este tipo; generalmente los más conocidos son aquellos de recuentos de la vida, escolares o históricos, que no presentan ningún elemento fantasioso y que se enfocan en mostrar un lado más real de la vida y la naturaleza humana en historias que no son necesariamente simples. Son historias con las cuales suele ser más sencillo para el espectador identificarse con los personajes, ya que no son, probablemente, muy distintos a él/ella mismo/a o a personas que conoce. En este caso, se hablará de un anime y manga de este tipo: Banana Fish, probablemente el mejor anime del año pasado. 

Recibe su nombre de un pez que aparece en una novela del autor Salinger: Un día perfecto para banana fish, en donde se dice que si encuentras a un “pez banana” en el mar, repentinamente tendrás ganas de morir. Banana Fish es una historia de acción, suspenso y drama. El protagonista es Ash Lynx, un atractivo chico que de pequeño fue recogido de las calles  por la mafia, y se convirtió en el juguete sexual de su líder, llamado Dino, quien además lo entrena para que sea una máquina de matar. Una noche, Ash encuentra a un hombre moribundo que le da un pequeño frasco con polvo, y lo último que dice antes de morir es “banana fish”, por lo que Ash decide investigarlo, descubriendo que es algo que la mafia está desesperada por recuperar. Entonces, de Japón llega Eiji, un chico algo mayor que Ash y que trabaja como asistente para un reportero que quiere entrevistarlo. Las cosas salen mal durante la entrevista cuando un grupo comandado por la mafia llega a atacarlos, y Eiji termina siendo secuestrado junto con otro de los seguidores de Ash, por lo que este va a rescatarlo. Así, ambos terminan involucrándose en una guerra contra la mafia, mientras intentan descubrir el misterio de qué o quién es “Banana Fish” y para qué quieren usarlo.

Banana Fish es, en pocas palabras, hermoso y desgarrador. La historia está perfectamente trabajada desde el inicio, de modo que nada queda a la deriva ni sucede por accidente, o por simplemente querer darle un tono más oscuro al anime o al manga. El hecho de que todo lo que sucede en él son cosas que también suceden en la vida real y podría pasarle a cualquiera es lo que lo hace especialmente potente cuando hay momentos dramáticos o de suspenso. Juega con estas ideas de que el mundo es un lugar horrible y que, al mismo tiempo, siempre se puede encontrar la felicidad. Los momentos emotivos no son pocos, y ayudan a equilibrar el tono de la historia, al mismo tiempo que muestran el otro lado de esta moneda que es la realidad en la que se desenvuelven los personajes; pero, para bien o para mal, Banana Fish es el tipo de historia donde se aprovechan de esto para después golpear a los espectadores justo donde más les duele, a tal grado de que es considerado también como una tragedia. Lo que nadie puede refutar es que la historia es atrapante desde el inicio, intrigante e inquietante a momentos, pero también es emotiva y preciosa, pues habla sobre superar el pasado, aceptarse a uno mismo, sacrificarse por los demás y encontrar la felicidad en un mundo donde puedes perderla a cada segundo.

Por otra parte, la caracterización y desarrollo de sus personajes no se queda atrás, y forman una parte primordial de la historia. En general, sus relaciones entre sí son las que permiten toda esta gama de distintas emociones, ya que la confianza o el rencor se van construyendo poco a poco, por lo que se sienten muy reales, nada forzadas y atinadas. Además, conforme va avanzando la historia y los peligros aumentan, cada personaje va creciendo conforme a los obstáculos a los que se enfrentan, pero en algunos casos no son capaces de superarlos, lo que convierte a Banana Fish en el tipo de historia donde cualquiera puede morir en cualquier momento, y que, a su vez, lo vuelve el tipo de anime en el que uno puede estar disfrutando de verlo, y dos segundos después estar temiendo por la vida de alguno de los protagonistas. Esto le da otro toque de realismo: la vida puede cambiar en cualquier momento.

Banana Fish es de esos poquísimos animes que uno podría considerar, sin lugar a dudas, perfectos. No hay nada, ni en su historia, ni en sus personajes, que pueda ser tratado como un defecto; no tiene hoyos ni puntos débiles de ningún tipo. Trabaja muy bien todos los aspectos del drama, el suspenso y la tragedia, así como elementos de esperanza, sentimentalismo y compasión, mientras que todos sus personajes están bien definidos y desarrollados, y la historia está cuidada a tal grado que es casi imposible encontrarle fallas. Es una historia realista que se mantiene dentro de lo posible, pero que aún así encuentra maneras de ser desgarradora y hermosa al mismo tiempo, de principio a fin. Desgraciadamente, es un anime y manga que pasó relativamente desapercibido, pero es una de las mejores opciones para adentrarse al mundo del anime o para recomendar a quien sea.

- Mary Hdz.

(Quería hablar mucho más de este anime pero no dejaba de hacer spoilers de la trama así que lo dejo así porfa véanlo)

#anime #manga #reseña #banana fish #bananafish

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Comunidad LGBTTIQ:  ¿Salir del clóset?

Salir del armario/salir del clóset… Ha sido una de las cuestiones que más preocupa a aquellas personas que no han hecho pública su orientación sexual. Originalmente, este “modismo” provino de la frase anglosajona coming out of the closet, que comenzó a hacerse famosa a principios del siglo XX. Muchas personas alrededor del mundo no se atreven a dar este paso tan grande, debido al temor de lo que su salida al mundo podría ocasionar en el contexto familiar y social, sin embargo y afortunadamente, en la actualidad, millones de personas pertenecientes a la comunidad LGBTTIQ+ salen al mundo sin temor a lo que los demás opinen y en la mayoría de las ocasiones, son aceptados sin represalias.

¿Por qué las personas prefieren permanecer dentro del armario/clóset? Es bien sabido que desde hace años, la comunidad LGBT ha sido víctima de múltiples abusos por parte de la sociedad, y muchas veces, incluso de la misma familia. Los chicos y chicas viven con un temor diario de que sus preferencias sexuales sean descubiertas y peor aún, muchos de ellos ni siquiera logran comprender qué es lo que está pasando con ellos, no tienen al alcance la información ni el apoyo necesarios para poder establecer un centro de lógica que les permita saber que aquello por lo que están atravesando es completamente normal. Pero con los padres, los amigos y conocidos diciendo aberraciones sobre la comunidad sólo le provocan más temor y culpa a sus hijos e hijas homosexuales/lesbianas/transgénero/transexual, etc., haciéndolos entrar todavía más al armario. Otra de las causas por las que estos chicos permanecen en silencio es, sin duda, los rumores que llegan a ellos sobre otras personas que se atrevieron a salir del clóset con sus familias y el resultado de su decisión no fue satisfactorio y tuvo un castigo. También el observar cómo otros homosexuales/lesbianas son maltratados o asesinados por ser como nacieron. La represión de estos sentimientos puede llevar a los jóvenes a comportarse de diferentes maneras, como agredir verbal y físicamente a otras personas.

Para algunos, el arcoíris representa valentía y orgullo. Gracias a los medios de comunicación, a las series de televisión, a los miles de iconos que existen y a la normalización de esto, las salidas del armario en el siglo XXI, y más específico, después de los 10’s, han sido de gran aceptación. Algunas personas, con miedo al principio, van decidiendo que quieren vivir en libertad y ser felices, sin importar lo que digan los demás, motivando así, a aquellos que siguen dentro de, a que den el gran paso. Al principio puede parecer extraño, uno llega a creer que está solo en el mundo, y con el temor de no ser aceptado por sus seres queridos, sin embargo, la sensación que llega al momento de liberarte puede sentirse como salir de una jaula para volar al fin.

¿Un día para salir del armario? El Coming Out Day Es un día internacional en el que se toma conciencia sobre lo importante que es salir del clóset. Se celebra el 11 de octubre y la manera de hacerlo es salir del armario con la familia y los amigos, mostrándose como parte de la comunidad LGBTTIQ+. Esta festividad comenzó en 1988, a la par de la celebración de la  Segunda Marcha por los Derechos de Gays y Lesbianas en Estados Unidos. Hoy día, se ha popularizado tanto, que algunas celebridades de internet han tomado este día para hacer pública su orientación sexual y ha tenido un buen resultado. Más que una salida del clóset pública, lo veo como una oportunidad de llegar a las personas que aún no se han atrevido a salir, lo veo como una motivación para darse cuenta de lo que la adrenalina antes de hacerlo implica, la felicidad, la libertad.

El tema de salir del armario, se ha popularizado tanto en las conversaciones de chicos gay que ya es muy normal, pero, ¿llegará un día en el que las personas puedan vivir sin la necesidad de esconderse, vivir de una manera jodidamente libre que no deban sentir la necesidad de contarle al mundo si te gustan los chicos o las chicas o ninguno? Un día en el que salir del clóset parezca algo inútil y sin sentido.

Salir del clóset no es precisamente decirle al mundo que eres gay, sino que esta expresión lleva consigo una definición mucho más compleja y universal: Salir del clóset también significa salir al mundo y ser quien realmente somos, mostrarnos tal cual, salir de la zona de confort, actuar, vestir, hablar, expresar y sentir lo que realmente queremos. Salir del clóset es quitarnos esas cadenas que tenemos alrededor del cuerpo  y de la mente que no nos dejan vivir. Es cierto que, con dificultad, podemos vivir y amar dentro del armario, privados de dar lo mejor de nosotros, atentos siempre de las represiones a las que nos sometemos con tal de pasar desapercibidos en esta vida llena de prejuicios y limitaciones. Hay que salir del clóset.

 Por Edgardo Josué Cruz Acosta.

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15 AULLIDOS  Lobo europeo (Canis Lupus Lupus)

    Hemos llegado al último miembro de la familia de los Canis Lupus, y al mismo tiempo, al más importante de todos. El lobo europeo, también conocido como lobo euroasiático o lobo común o lobo gris, es la subespecie de lobo con mayor población y territorio en el mundo. Es el lobo por excelencia, el que se nos viene a la mente cuando se menciona la palabra lobo, del cual todas las otras subespecies comparten características físicas y sociales en común.

    Actualmente se encuentra distribuido por casi toda Europa y gran parte de Asia, desde la Europa Occidental hasta Rusia y China. Como mencionamos antes, esta especie cuenta con el área de distribución más grande entre todas las subespecies. Su población es tan numerosa que afortunadamente no se encuentra en peligro de extinción, a pesar de la cacería hacia esta especie, su población no ha disminuido en números preocupantes. Entonces, es capaz de adaptarse a la gran variedad de entornos naturales de su territorio como: montañas, llanuras, desiertos, praderas y hasta zonas urbanas.

    Hablando ahora de sus características, tiene el pelaje de color gris con manchas blancas, y en algunos casos de color negro. Es considerado el lobo con el mayor tamaño en toda la clasificación, llegando a pesar de 50 kg hasta 80 kg, lo que los vuelve muy resistentes y poderosos a la hora de cazar. Su mordida es la más fuerte de entre todos los lobos.

    Vive en manadas numerosas y a pesar de no ser tan veloces como otros miembros de la clasificación y como  se mencionó antes, su resistencia  y potencia le permiten enfrentarse a animales más grandes que ellos como bisontes, también se alimentan de cerdos, alces, antílopes, rebaños de ovejas, renos, roedores, peces e incluso algunas aves.

    Este lobo puede ser considerado como el miembro principal de la clasificación, la base de la misma y el más reconocido de entre todos ellos. Como ya vimos cuenta con características que comparte con los otros lobos y es el más común de todos ellos. Según expertos e investigadores, el lobo más importante de todos.

- Jorge Santacruz - 

#Lobos