#PINTURA ABSTRACTA FIGURATIVA | Explore Tumblr Posts and Blogs

manuelhmompo · 3 months

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MANUEL HERNÁNDEZ MOMPÓ (VALENCIA, 1927- MADRID, 1992) ”VINALESA MEDITERRÁNEA” SERIGRAFIA (76x57) 156/200

GALERIA D´ARTS (Valencia)

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1.500€

Empezó a frecuentar la Escuela de Artes y Oficios de Valencia con trece años de edad, aunque comenzó sus estudios oficialmente en 1943, obteniendo en 1948 una beca para la Residencia de Pintores de Granada.

Realizó su primera exposición individual en la Galería Mateu de Valencia en 1951. El año 1954 se trasladó a París, desplazándose posteriormente a la Academia Española de Bellas Artes de Roma y a Holanda. Su obra, basada en la interpretación de paisajes y temas urbanos, va tomando una mayor libertad influenciada por las corrientes abstractas y el informalismo.

Fue una de las más destacadas figuras de la generación española de los años cincuenta vinculada a la abstracción. Sin pertenecer a ningún grupo ni adscribirse a ningún estilo, comenzó investigando en el ámbito de la figuración, evolucionó hacia el arte abstracto y acabó encontrando un lenguaje propio.

En 1958 obtuvo una beca de la Fundación Juan March, dedicándose al estudio de las técnicas del mosaico. De regreso a España, se instaló en Madrid, donde vivió desde entonces alternando estancias entre Ibiza y Mallorca. En la década de los cincuenta su obra se centra básicamente en la técnica del guache y del óleo sobre papel, con una temática popular de escenas de calles y fiestas populares, que, paulatinamente, irá sufriendo un proceso de disolución de la forma, llevándole hacia una pintura abstracta con sugerencias figurativas.

Desde sus años de formación acusa la influencia de la luz, propia de la escuela de pintores levantinos. Esta luz mediterránea queda plasmada en sus telas a través del predominio del blanco y tonos muy luminosos, que alternan con obras en la gama de los grises.

En 1968 es seleccionado para la Bienal de Venecia donde obtiene el Premio de la Unesco. En los años setenta, centra sus investigaciones sobre la luz y el color en el metacrilato, para adentrarse, en 1981, en el ámbito de la escultura, realizando unas planchas metálicas dobladas que mantienen la huella del blanco y el gris de sus obras anteriores.

En 1984 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1992 el Ministerio de Cultura español le concede, a título póstumo, la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes. A lo largo de su carrera realizó un gran número de exposiciones individuales y colectivas y su obra se encuentra representada en numerosos museos: Museo Reina Sofia de Madrid, Museo de Bellas Artes de Valencia, IVAM, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo Sevilla, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca o el Museo de Arte Moderno de Gotemburgo.

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iamainhoa · 3 months

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Franti šek Kupka

Llaves de piano. Lago, 1909, óleo sobre lienzo, 79 x 72 cm

Entre 1909 y 1911, Kupka creó varias obras que marcaron hitos importantes en su viaje hacia la abstracción.

Entre ellos se encuentran Piano Keys, Lake (1909) en el que los motivos naturales se convierten suavemente en elementos abstractos de verticales y planos de color. Dos escenas se mezclan en la pintura: en la parte superior una barca flota en el lago mientras que en la parte inferior se reconoce un teclado de piano con una mano jugando. Los tonos ascendentes ondulan el agua como un bote flotante. La pintura está en el límite de las creaciones figurativas y abstractas de Kupka, presagiando la futura colección de aviones verticales.

📍Galería Nacional, Praga

⭐Favorite Painting

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almasmoons · 6 months

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Descubriendo el místico arte de Hilma af Klint

Group IX/SUV, The Swan, 1915

Esta artista es parte de la larga lista de creadores de los que me he enamorado durante el último año por el hecho de que su obra toca una parte de mí que siempre he tenido el interés de empezar a explorar.

Muchísimos nombres han brillado durante los últimos siglos, artistas cuyas historias son tan misteriosas como sus obras. Uno de estos nombres es el de Hilma af Klint, una artista sueca nacida en 1862, cuyas obras cargadas de misticismo se consideran las primeras obras del movimiento abstracto en la historia del arte.

Una buena cantidad de sus trabajos existe incluso antes de las composiciones de Kandinsky, Malevich y Mondrian.

También perteneció a un grupo llamado Las Cinco, un círculo de mujeres inspiradas en la teosofía, que compartían la creencia de la importancia de intentar contectar con los llamados "Altos Maestros", generalmente a través de sesiones de espiritismo. Sus pinturas, que a veces parecen diagramas, eran una representación visual de complejas ideas espirituales.

Las pinturas convencionales de la artista se convirtieron en su fuente de ingresos económicos, pero lo que para ella era el "Gran Trabajo", realizado durante su vida, siguió siendo una actividad separada. Sólo las audiencias espiritualmente interesadas tenían algún conocimiento de este conjunto de obras y no fueron exhibidas al público hasta muchos años después de su muerte. Los comentarios en sus cuadernos indican que sentía que el mundo no estaba del todo preparado para el mensaje que pretendían comunicar.

En el año 1880, murió su hermana menor Hermina y fue en ese momento cuando empezó a desarrollarse su conexión con lo esprititual.

Para el año 1887, se graduó con honores de la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo y se estableció allí como una artista respetada, expuso pinturas figurativas y se desempeñó brevemente como secretaria de la Asociación de Mujeres Artistas Suecas.

Su interés por la abstracción y el simbolismo surgió de la implicación de Hilma af Klint en el espiritismo, muy en boga a finales del siglo XIX y principios del XX. Sus experimentos en investigación espiritual comenzaron en 1879. Ya desde muy joven se involucró en el espiritismo. Posteriormente le siguió un gran interés por las ideas del rosacrucismo, la teosofía y la antroposofía.

Svanen (El cisne), 1914-1915

Algo muy interesante de su trabajo con el grupo "las Cinco", fue que ella experimentaba mucho con una técnica llamada dibujo automático, lo que la llevó a crear un lenguaje geométrico capaz de conceptualziar fuerzas invisibles.

Mediante este trabajo exploró las religiones del mundo, átomos y el mundo vegetal.

Del contacto con los Grandes Maestros surge una serie de obras llamadas "Pinturas para el templo" (algunas presentes en este post); sin embargo, ella nunca entendió a qué se refería este "Templo". Estas obras fueron realizadas entre 1906 y 1915, llevadas a cabo en dos fases con una interrupción entre 1908 y 1912. Cuando Af Klint descubrió su nueva forma de expresión visual, desarrolló un nuevo lenguaje artístico. Su pintura se volvió más autónoma y más intencional. Lo espiritual seguiría siendo la principal fuente de creatividad durante el resto de su vida.

Luego de finalizar las obras del templo, terminó la guía espiritual pero siguió su trabajo como pintora abstracta, independiente de influencias externas.

A lo largo de su vida, Hilma af Klint buscaría comprender los misterios con los que había entrado en contacto a través de su trabajo. Produjo más de 150 cuadernos con sus pensamientos y estudios.

Aquí otra serie de obras de la artista:

Grupo IX/SUW, El cisne, n.º 7 , 1915

The Swan, No. 18, Group IX/SUW, 1914-1915

Lo que un ser humano es, 1915

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joedmontalvoarqu · 7 months

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El Impacto de Jackson Pollock en el Arte Moderno: Un Estudio de su Revolucionaria Técnica

El arte moderno, un movimiento que se desarrolló a lo largo del siglo XX, representó una ruptura significativa con las convenciones artísticas tradicionales. A medida que la sociedad experimentaba cambios profundos en la tecnología, la cultura y la política, los artistas buscaban nuevas formas de expresar sus ideas y emociones en un mundo en constante evolución. En este contexto, Jackson Pollock emerge como una figura icónica cuya técnica revolucionaria y enfoque innovador dejaron una profunda huella en el mundo del arte moderno.

Dentro del contexto del arte moderno, Jackson Pollock se destacó como un innovador radical. Nacido en 1912 en Cody, Wyoming, Pollock se convirtió en una figura influyente durante la segunda mitad del siglo XX gracias a su técnica única conocida como "drip painting" o "action painting". Esta técnica involucraba verter y salpicar pintura sobre lienzos dispuestos en el suelo, permitiendo que la pintura fluyera de manera libre y espontánea. El resultado eran obras de arte abstractas, caóticas y llenas de energía.

La influencia de Pollock en el mundo del arte moderno radica en varios aspectos clave:

Pollock liberó la expresión artística de las restricciones tradicionales. Su técnica permitía que sus emociones y energía se manifestaran directamente en la pintura, sin preocuparse por la representación figurativa precisa.

El "action painting" de Pollock se convirtió en un precursor del arte abstracto gestual, que enfatiza la gestualidad y el movimiento del artista. Este enfoque influyó en artistas posteriores como Willem de Kooning y Franz Kline.

Pollock desafió las nociones convencionales de composición y estructura en el arte. Su enfoque caótico y no estructurado llevó a una reevaluación de las convenciones artísticas y a la apertura de nuevas posibilidades creativas.

La influencia de Pollock se puede ver en el expresionismo abstracto, un movimiento artístico que se desarrolló en la década de 1940 y que incluyó a artistas como Mark Rothko y Clyfford Still. Este movimiento tuvo un impacto duradero en el arte moderno.

Asi, Jackson Pollock es una figura fundamental en la historia del arte moderno debido a su innovadora técnica y su capacidad para liberar la expresión artística de las restricciones convencionales. Su contribución al arte abstracto gestual y su influencia en futuros movimientos artísticos lo convierten en un pionero que cambió la forma en que concebimos el arte. Su legado perdura como un recordatorio de la importancia de la experimentación y la creatividad en el mundo del arte moderno.

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praza-catalunya · 11 months

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Lynette Yiadom-Boakye, pinturas para identidades

O Museo Guggenheim de Bilbao ten o acerto de presentar unha mostra da artista Lynette Yiadom-Boakye, unha importante pintora á procura de identidades africanas. A exposición temporal permite coñecer as peculiaridades -poéticas e reivindicativas- desta creadora. Creadora que tamén se fai a pregunta Se puideses mudar a historia, que farías?

Lito Caramés

Yiadom. Harbour The Anointed, 2020

Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso. Poesía, música

4. Cadaquén ten dereito a cometer erros. / 5. Cadaquén ten dereito a ser único. / 6. Cadaquén ten dereito a amar. / 8. Cadaquén ten o dereito de ser normal e corrente e descoñecido. / 22. Cadaquén é responsable da súa liberdade. (Algúns dos 41 artigos da constitución do barrio Uzupis (barrio dos artistas) da cidade de Vilna, Lituania).

A figura da artista Lynette Yiadom-Boakye (London, 1977) é especialmente atractiva. É unha persoa que escribe e pinta e debuxa. Nas súas pinturas, por exemplo, os títulos non son o convencional complemento que calquera outro artista emprega para indicar que é o que se representa naquel lenzo. Non. Os títulos das pezas de Yiadom son poesía. A poesía vén sendo algo primordial para os seres humanos, non se trata só de reflectir emocións, de conxurar sentimentos ante os avatares da vida. Non. É algunha cousa máis fonda; tan fonda que a densidade do poema pode xerar mesmos pensamentos, ideas novas. Quen ben sabía estas cousas era Fernando Pessoa, o inmenso poeta lisboeta, que mesmo se burlaba da súa persoal e perenne necesidade de pasar ao escrito aqueles pensamentos, torturas mentais ou sensacións máis epidérmicas. Tan dese xeito que encirraba heterónimos para xogar coa propia identidade, ou mesmo se mofaba de si propio (e mais dos seus traballos) confesando nalgúns dos seus inmortais versos: O poeta é un fingidor / Finge tão completamente / Que chega a fingir que é dor / A dor que deveras sente. A propia artista ten afirmado escribo sobre o que non podo pintar e pinto o que non podo escribir.

Yiadom- Above The Heart And Below The Min, 2021

Para Lynette Yiadom a poesía é necesidade. E tal aserto atópase nos títulos das súas composicións pictóricas. Yiadom é artista figurativa; mais poderíase dicir que nas cualificacións que atribúe aos cadros é de todo abstracta: pinta figuras humanas, si, pero non retratos; figuras xenéricas, impersoais, e a esas persoas que xorden das telas dálles uns títulos que (para quen observa, alleo ás preocupacións da autora, ignorante da música que podía estar escoitando no intre de crear, descoñecedora do poema que tiña nos miolos) aterran alí desde ouro planeta. Por exemplo: Sobre el corazón y bajo la mente (Above The Heart And Below The Mind) ou Carnicerín Cejudo (Aquatic Warbler); Laberinto (Maze) ou tamén Acoger a los ungidos (Harbour The Anointed). Tal feito non é tan novidoso como pode crerse. O gran pintor (e finxidor) René Magritte, persoa intelectualmente rico e formado declarou nunha entrevista que os títulos das súas pezas tan evidentemente surrealistas non son explicacións, e os cadros non son ilustracións do título. A relación entre ambos é de natureza poética. É dicir, que están en xogo só certos atributos dos obxectos que normalmente son ignorados pola conciencia, pero que en ocasións, por acontecementos extraordinarios non explicables racionalmente, chegan a presentirse.

Para completar unha miga as contornas vitais de Lynette Yiadom cómpre saber a súa constante relación coa música. A artista ten afirmado en máis dunha entrevista que para ela a música é outra fonte de inspiración moi potente. As pezas de músicos como Nina Simone ou Miles Davis axúdanlle a concentrarse nas súas creacións plásticas e, en certas ocasións, mesmo veñen sendo parte da carga orixinal que as musas deitan nos miolos da artista. Por iso que escoitando a peza de Miles Davis, So What, quen observe as pinturas de Yiadom ten unha boa compañía. De certo, a mesma creación do máxico trompetista de Illinois semella estar artellada para que Lynette Yiadom non se atope no brumoso London tan afastada das súas orixes ghanesas. So What. “E que...”, con interrogación ou sen ela, que veñen ser dous significantes diferentes. O pousón ritmo da peza musical, a cadencia queixosa da trompeta, acaen perfectamente ás cores e figuras universalizadas de Yiadom. Tamén admite recibir influencias e referencias do cinema. Directores como Haneke, Chabrol e mesmo Almodovar (se quen confesa ter visto todos os seus filmes) están por tras das súas estéticas plásticas.

Ao comezo deste apartado constan algúns artigos da peculiar e fermosa Constituición do barrio de Uzupis de Vilna. É o barrio bohemio, dos artistas, e procuran ter independencia dentro da capital de Lituania. Posiblemente esa combinación de liberdade e responsabilidade individual que preconizan os artistas dese barrio báltico lle acaia ben a Lynette Yiadom-Boakye. As súas creacións e o fondo ideolóxico que respiran van por eses eidos do compromiso social, político e colectivo.

Yiadom. Aquatic Warbler, 2021

Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso

BONEYARD / alarms clocks wake the dead on judgment day / kerosene lamps light the path to glory / the last cup, plate and spoon used by the departed should be placed on the grave. (Texto da fotógrafa Carrie Mae Weems na serie Sea Islands, 1991).

As pezas da pintora e escritora Lynette Yiadom-Boakye pódense disfrutar agora na antolóxica que ofrece o Museo Guggenheim de Bilbao (Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso). As más de 70 obras -entre pinturas e mais debuxos- brindan unha panorámica excelente dos traballos desta muller (de orixes ghaneses) nada en London, onde segue a residir, e tamén son bo baremo das súas implicacións nas reivindicacións sobre as comunidades africanas que habitan países europeos (en especial o Reino Unido). Yiadom vén sendo a segunda artista máis nova que logra ter unha exposición individual, monográfica, no Museo Guggenheim. Neste vídeo unha panorámica da mostra.

Yiadom é unha reputada artista, coñecida pola súa teima de pintar figura humana, de ambos sexos, captados en intres cotiáns -xa felices, xa de soidade, xa en perfecta harmonía con compañeiros e compañeiras. Son persoas sempre de orixe africana; africana subsahariana. Sempre persoas anónimas, prototipos de personaxes, non retratos. Yiadom non traballa con modelos non procura retratos. Por contra remexe en revistas ou mesmos lembranzas para definir aquela persoa triste, aquela outra que semella estar soa no mundo. A técnica, dentro do que se considera a pintura figurativa, foxe moito da precisión, do detallismo, e aposta por trazos amplos, polas pinceladas desinhibidas e grosas; empregando con preferencias as cores escuras. Tales figuras humanas destacan en primeiros planos sobre fondos pouco definidos, como se non tivesen importancia e que só serven para enmarcar tales seres humanos. Se a estas reiteradas características estéticas e plásticas se engaden eses títulos fantásticos, poéticos, as obras semellan arrincar dun realismo sociolóxico identitario para camiñar cara eidos abstractos, pouco definidos. É dicir, non é doado situar a tales personalidades en espazos concretos, nin en tempos específicos.

Tanto polas figuras humanas que se van atopando nas súas telas como polas características como son presentadas, as pezas de Yiadom convidan á reflexión, deixando (combinado cos títulos tan peculiares) que quen observa con atención as creacións desta artista poida deixar ceibe a súa imaxinación para rematar de compor as obras. Persoas inadaptadas ás sociedades occidentais?, xentes contentas de vivir nesas comunidades que se van xestando en lugares europeos? ¿Pretende Yiadom chamar a atención sobre as masacres que viven moitos seres humanos que foxen de guerras, da miseria nas que os imperialismos deixaron a tantas e tantas rexións de África? A ver se vai ter razón o poeta Rimbaud cando iniciaba o deu poema Voyelles (1870) atribuíndo á vogal “a” a cor negra, e A noir, E blanc, I rouge, U vert, O bleu : voyelles, / Je dirai quelque jour vos naissances latentes: / A, noir corset velu des mouches éclatantes / Qui bombinent autour des puanteurs cruelles, / Golfes d’ombre;...

Yiadom. Maze, 2021

Evidentemente as creacións de Yiadom -xa pola propia vontade da autora, xa polo contexto onde son producidas, teñen un claro contido ideolóxico, un transfundo político e reivindicativo. Cando periodistas lle comentan estes extremos, Yiadom habitúa a dicir que ela vive onde e como vive e que nas súas obras -xa literarias, xa pictóricas- emerxe todo aquilo que a envolta, sobresae a súa vida.

A implicación social que reflicte Yiadom nas súas obras xa literarias, xa pictóricas, é paralela á que sempre tivo a fotógrafa norteamericana Carrie Mae Weems, aínda que cunha diferencia de óptica e perspectiva. A fotógrafa, importante fotógrafa reivindicadora dos dereitos civís das persoas afroamericanas de sempre, non retrata persoas anónimas, nin prototipos sociais. Weems aposta tamén polas escenas cotiás, pero enfocando a cámara cara si propia ou arredores máis próximos: familia, amizades, etc. Polo demais hai ben similitudes entre os traballos dunha e mais doutra. A reclamación da identidade; o dereito a seren que son.

Ata comezos deste ano 2023 púidose ver e admirar no KBR da Fundación Mapfre a mostra Carrie Mae Weems. Un gran giro de lo posible, unha xigantesca antolóxica desta fotógrafa, que compartiu sede por varios lugares da cidade de Barcelona: a Fundación Colectania e o MACBA. Nas creacións de Weems sempre houbo unha constancia: evidenciar a vida, a experiencia, pasada e actual, das persoas que conforman a comunidade afroamericana nos EEUU. Carrie Mae Weems suma a esta permanente procura das identidades, de crítica contra estereotipos, contra discriminacións, -pola súa condición de muller- a preocupación polos temas de xénero. Ser do colectivo afroamericano e muller, nese país (e en moitos outros) comporta vivir unha realidade moi dura. Unha das preguntas que a propia fotógrafa afirma terse feito moitas veces é: Se puideses mudar a historia, que farías? Esa reflexión ten dirixido boa parte dos seus traballos: visitar o pasado, estudalo, e mirar de que non se volva repetir. Nos anos 90 traballou arreo na serie From Here I Saw What Happened And I Cried, un exhaustivo traballo sobre a trata de escravos e escravas africanas levadas por europeos a América.

Abundando na procura de identidades, e en ver o xeito de reescribir o pasado con outras cordas, a comezos dos anos 40 o poeta venezolano Andrés Eloy Blanco publica o poema Píntame angelitos negros, obra que logo será popularizada como canción (Angelitos negros), cantada entre outros por Antonio Machín. Pois ben, os primeiros versos do poema e canción din así: Pintor nacido en mi tierra / con el pincel extranjero / pintor que sigues el rumbo / de tantos pintores viejos. A seguir versos máis coñecidos. Que vén dicindo o poeta nesta entrada? Vén dicindo o mesmo que a fotógrafa citada e mais ca Yiadom: a historia da arte (a historia da arte europea) é unha historia branca. Tamén patriarcal. E contra iso tamén van as pinturas de Lynette Yiadom; a pintora tamén quere responder á pregunta Se puideses mudar a historia, que farías? Os catro primeiros versos da popular canción son desmitificadores, rachadores de relatos do pasado.

Lito Caramés

EXPOSICIÓN: Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso.

Museo Guiggenheim, Bilbao

ata o 10 de setembro de 2023

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andre4477 · 11 months

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PIXEL ART DESCARTADO

Primer Concepto: lo que quiero representar es los niveles de iconicidad de la realidad y los sueños ya que los sueños son una representación de la realidad, los sueños intentan mostrar la realidad y elijo los pixeles ya que con los pixeles quiero representar el sueño y sabemos que los sueños no representan la realidad solo intentar representar la realidad.

INVESTIGACIÓN Los niveles de iconicidad son Los niveles de iconicidad se refieren a diferentes grados o niveles de semejanza entre un símbolo y su referente en el mundo real. Estos niveles se utilizan comúnmente en el campo de la semiótica y el diseño gráfico para describir la relación entre un signo y su significado.

Nivel 11 - La imagen al natural: es la que tiene todas las propiedades que aparecen en el diseño, y el mayor nivel de información.

Nivel 10 - Modelo a escala o tamaño real en 3D: los diseños son representaciones prácticamente idénticas del original. Pueden ser a tamaño real o a una escala mayor o menor del mismo. Se puede identificar con facilidad al diseño con el original.

Nivel 9 - Hologramas: realizados tanto en color como en blanco y negro. Se refiere a las reproducciones holográficas que reproducen la forma y situación de los objetos a los que representan.

Nivel 8 - Fotografía en color: reproduce en dos dimensiones la imagen, con todos sus colores originales reflejados.

Nivel 7 - Fotografía en blanco y negro: tiene las mismas características que la fotografía en color. Solo que la imagen que aparece en ellas está representada en blanco, negro y escala de grises.

Nivel 6 - Pintura realista: un cuadro que representa con un nivel de fidelidad muy elevado el original, y en el que las relaciones de espacio en dos dimensiones muestran un nivel de restablecimiento razonable. Eso sí, en este caso la pintura puede ser tanto en color como en blanco y negro, y la pintura no tendrá un nivel de iconicidad inferior.

Nivel 5 - Representación del original de manera figurativa pero no realista: en ella todavía pueden percibirse las imágenes originales e identificarlas. Pero su nivel de similitud con el original es bastante bajo, y los puntos que componen cada uno de sus elementos pueden estar en un lugar distinto al del original.

Nivel 4 - Pictograma: el diseño que se evalúa cuenta con todas las características del original, pero representadas de forma abstracta. Salvo la forma, que es lo que hace identificar lo que aparece en él.

Nivel 3 - Esquemas con motivos: el diseño creado tiene todas las características abstraídas con respecto al original. La única similitud que tiene con el original es que guarda cierta relación orgánica con él.

Nivel 2 - Esquemas realizados de manera arbitraria: como los diseños que se clasifican en el nivel anterior, todas sus características están abstraídas. Además, son esquemas generados de manera completamente arbitraria y no muestran características sensibles del original. En cuando a las relaciones entre los elementos que aparecen en el diseño, no tienen ninguna lógica.

Nivel 1 - Representación no figurativa: como su nombre indica, sus propiedades están abstraídas por completo. Tanto las sensibles como las que se encargan de relacionar sus elementos.

BOCETO

INTENTANDO HACER EL PIXEL ART

Debido a que no soy bueno dibujando y a mi falta de experiencia con el pixel art y la ilustración no pude representar lo que quise con el pixel art.

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camilaoporto · 1 year

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Grados de Iconocidad

Pintura no figurativa-. Son aquellas que no representan a la realidad

Esquemas Arbitrarios-. Cosas que simbolizan una idea

Esquemas motivados-. Lineas que representan límites geográficos.

Pictograma-. Representación abstracta

Pintura figurativa-. Abstracto expresiva

Pintura Figurativa-. representación de la realidad

Fotografía-. Proyeccion de imágenes

Escultura-. modelo tridimensional a escala

La realidad-. Imposible llegar al grado mediante la representación.

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mariadoloreslorenteesquivapcomic · 1 year

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Cómic Abstracto

François Henninger (2015)

CÓMIC ABSTRACTO En la antología de artículos y cómics Abstraction and Comics (Aarnaoud Rommens [ed.], Presses Universitaires de Liège, 2018) se encuentran varios textos que intentan arrojar luz sobre todas estas problemáticas. Uno de los más útiles es «Abstracted Narration and Narrative Abstraction: Forms of Interplay between Narration and Abstraction in Comics», de Kai Mikkonen. En él, el autor cita a varios otros para establecer que hay al menos dos aspectos en los que podemos considerar abstracto un cómic: la ausencia de figuración y la ausencia de narración (Mikkonen, pp. 263-266). Mikkonen lo relaciona con la abstracción en una sola viñeta o la abstracción en la secuencia, y creo se puede ir más allá: el primer tipo de abstracción permite trazar una analogía con la pintura, mientras que la segunda hace lo mismo con la literatura. Dicho de otra forma: un cómic podría considerarse abstracto si las imágenes que en él se ofrecen no son figurativas —como sucede en la pintura— o si carece de narratividad. En este caso, se suele hablar de «narración abstracta» para señalar la falta de unos elementos narrativos convencionales y un relato lineal, coherente y causal.

Y es aquí cuando empiezan los verdaderos problemas. En primer lugar, porque la conceptualización de estas cuestiones no siempre es inequívoca. Con mucha frecuencia se suele confundir el alejamiento de lo realista con la abstracción, pero esto tiene que ver, en realidad, con el grado de mayor o menor iconicidad de un estilo. La abstracción es lo opuesto a lo figurativo, de modo que para poder considerar un dibujo abstracto debe carecer de referente en la realidad. Coloquialmente, a menudo se señala como «abstracto» lo que no es sino un dibujo «raro», para los estándares convencionales del cómic comercial. Pero también hay que tener en cuenta que incluso cuando podemos hablar de abstracción las formas y los colores van a recordarnos motivos naturales, arquitectónicos o, incluso, pareidolia mediante, a seres humanos. Esto es inevitable, y la mayoría de los artistas lo tienen en cuenta cuando crean, aunque, por supuesto, la interpretación es mucho más abierta y plural que cuando estamos ante una obra figurativa.

En segundo lugar, está la cuestión de la narratividad. Se suele considerar el cómic como un medio consustancialmente narrativo, de la misma forma en la que se insiste en su naturaleza secuencial. Hay aquí un par de precisiones que hacer. En primer lugar, que una cosa es responder a los considerados géneros narrativos de la novela y el relato —drama, aventuras, negro, fantástico, etc.— y otra es acomodarse a una narratividad amplia, tal y como se entiende en la literatura habitualmente. Dicho de otro modo: «narrativo» no significa solamente «que cuenta una historia». Si la literatura no tiene por qué hacerlo, no se entiende por qué el cómic que no lo hace acaba siempre bajo sospecha. Si la poesía puede prescindir de «la historia» en un sentido clásico y sumergirse en el terreno de lo puramente emotivo o sensorial, por un lado, o explorar aspectos formales —ritmo, rima, estructura en la página— sin que nadie cuestione —o muy poca gente— que estamos ante una obra literaria, ¿por qué el cómic que opera en términos parecidos no alcanza el consenso crítico? Sin ir mucho más allá, porque no es mi intención con este texto, podemos apuntar dos motivos: la hegemonía cultural prácticamente incontestada durante décadas en las que cualquier experimento basado en la abstracción se situaba, sistemáticamente, fuera de la industria y por tanto del radar de público y crítica; y la falta de herramientas teóricas apropiadas para abordar el análisis del lenguaje del cómic desde puntos de vista que no sean los convencionales. Siento decirlo, pero me parece preocupante que, para algunos críticos e investigadores, la definición y teorías de McCloud sean, casi tres décadas después de su exposición en Understanding Comics (1993), la única referencia que manejen, por supuesto asumiendo sus postulados acríticamente como algo obvio o natural.

Más información en: thewatcherblog. Notas sobre el cómic abstracto

#Comics Abstractos #François Henninger #falta de narración

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canalsart · 1 year

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Actualment exposem Pep Codó. El poeta Gabriel Ferrater en 1971 escriu aquesta presentació de catàleg al seu amic Pep Codó, per l’exposició d’escultura a Manresa.

Tots coneixem la clàssica beneiteria del senyor que davant, posem, d’un quadre de Joan Miró, exclama: “Això el meu nen de cinc anys també és capaç de fer-ho”. Potser no tots, però, hem pensat que la resposta correcte a la beneiteria és de dir: Sí, el seu nen de cinc anys potser sí, però vostè és segur que no”. Una gran part de l’ambició dels artistes moderns, en efecte, s’orienta a recobrar l’espontaneïtat instintiva, la ingenuïtat si volem, d’on va sorgir l’impuls primer de la creació artística, i que els molts segles de refinament de la tradició havien gairebé ofegat. No es tracta pas, no cal dir-ho, de menysprear aquesta tradició ni de girar-se-li d’esquena, però cal que ens adonem que és una evolució molt peculiar entre moltíssimes d’altres que haurien estat possibles, i que de donar-li un valor absolut significa, com certes formes de patrioterisme, una autosatisfacció provinciana. La cosa és particularment sensible en el cas de l’escultura, perquè la tradició artística de Occident s’ha centrat sempre en la pintura, i ha tendit ha imposar a l’escultura uns criteris i unes normes de judici estretament pictòrics, que la desviaven de la seva pròpia i genuïna originalitat. La diferència essencial és que la pintura és un art purament visual, i l’escultura no. Un quadre ens obliga a situar-nos en un determinat lloc, immòbils, i a deixar inactius tos els sentits que no sigui la mirada. Una obra d’autèntica escultura, en canvi, ens invita a moure’ns-hi al voltant, a deixar-nos endur pel dinamisme de les formes en l’espai, i a combinar l’experiència visual amb la tàctil i amb la motriu. És per això que en l’escultura té molt menys importància que en pintura la qüestió si una obra és abstracta o figurativa. Es evident, per exemple, que aquestes formes de tub irregular que Josep Codó ens presenta en moltes variants, deriven en darrer terme de nus femenins, però fora ridícul de voler-les jutjar com a nus, i d’imaginar-nos uns originals amb què comparar-les. Son formes pures, porcions d’espai fetes concretes, i l’únic que ens demanen és que ens integrem sensitivament a l’organització de l’espai que elles proposen. Si sabem tornar-nos prou ingenus i prou desinteressats per fer-ho així, les formes ens recompensaran en abundor.

Gabriel Ferrater, Sant Cugat, 1971.

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