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lapiezaquefaltaba · 2 years

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Marillion - An hour before it's dark (2022)

Un corazón para abrazar al mundo y pensar el tiempo (o para pensar el mundo y abrazar al tiempo)

Marillion es una banda inclasificable e incomparable que desde hace 40 años nos deleita con sus discos. Desde los inicios en el marco de un Rock Progresivo más clásico, no han dejado de evolucionar y modernizar su sonido hasta llegar a Marbles, disco de 2004, considerado por muchos como su mejor álbum de este siglo. De allí en más, con algunos ajustes, la propuesta sonora ha sido similar -con un poco más o menos de experimentación- con puntos altos en canciones como “Gaza”, la suite de canciones de “Essence” (Happiness is the Road vol. 1) y diversos momentos de F.E.A.R. o sus otros discos, pero nunca de forma pareja y compacta. Para eso, probablemente haya que referirse a discos como Marbles o Afraid of Sunlight, consistentes de principio a fin tanto en lo sonoro como en lo compositivo, más allá de que a algunos nos puedan gustar más o menos algunas cosas.

Para la banda, más de 40 años de trayectoria no es algo menor, con todos sus miembros ya habiendo pasado los 60 años, cada nuevo disco es una apuesta -en sus propias palabras- de producir una obra que diga cosas significativas tanto en lo musical como en lo lírico. Con el caso de Sounds That Can’t Be Made y F.E.A.R. esto fue logrado con algunas salvedades, según el caso. Ciertas críticas en lo lírico por su postura y forma de expresarla ("Gaza" o gran parte de F.E.A.R.) y en lo musical (nadie espera una banda que roquee como lo hacían en los ochentas pero desde Marbles a esta parte falta en gran parte de sus discos cierta “energía” que solo fue lograda por momentos), no desanimaron a la banda.

Todo esto le dió al álbum una urgencia y una pulsión que, por lo menos musicalmente -por razones e intencionalidades totalmente distintas-, no era sentida desde Radiation o Afraid of Sunlight, álbumes además que podemos definir como “de canciones”. La diferencia está en que, donde Radiation es impulsivo y poco cohesivo, en An Hour Before It’s Dark la propuesta musical motoriza lo dicho por Hogarth y viceversa, formando una unidad en cada canción y entre canciones que no se rompe en ningún momento, más similar a discos como Afraid of Sunlight.

El primer tema es “Be Hard On Yourself”. De tres partes, como varios en el disco, inicia casi tímidamente hasta que irrumpe el Choir Noir (de colaboración destacada en varias canciones), para dar paso a una línea de piano de Mark Kelly llena de dramatismo, a la que se suman Pete Trewavas en bajo e Ian Mosley en batería impulsando rápidamente el tema. Al igual que en F.E.A.R. el tono es épico, pero allí el mismo contexto de observación política ácida y nihilista dotaba a todo el álbum de una depresión floydiana que aquí brilla por su ausencia. Queda claro desde el principio que An Hour... toca temas graves y actuales, pero la perspectiva es más humanista, optimista si se quiere: “tratemos de hacer que esto cambie de alguna manera, pero juntos”. El “Strap in, get ready, foot down, push the button, blow it all up, and be hard on yourself” (Ponete la correa, prepárate, baja el pie, volalo todo y sé duro con vos mismo) de la mano de la maravillosa línea de guitarra de Steve Rothery -una de las tantas del disco-, marca el tono y clima del álbum.

Marillion hablaba hace ya más de 30 años en Seasons End del cambio climático, cuando ya era un tema importante. Si aquel era un llamado de atención donde “quizá no nevará más en Inglaterra”, la actualidad muestra que -por ahora- sigue nevando allí. Pero las cosas no solo no han mejorado sino que han tomado aristas realmente graves de la mano de la sobreexplotación de los recursos naturales, la contaminación y las enfermedades. Steve Hogarth pinta un panorama donde la descripción bella de nuestro mundo choca con la brutalidad del abuso a la que lo sometemos. Esto es claro en la segunda sección de la canción donde Marillion entrega uno de los segmentos más rabiosos y angustiantes de toda su carrera. La última parte del tema vuelve a un terreno más reflexivo, donde “el tiempo que nos queda” marca otro de los temas excluyentes del disco: el que tenemos de vida, el que tenemos como humanidad, el mismo que tiene la banda para entregar un mensaje válido y posible “antes de que termine la canción”, para volver al mismo llamado a despertar, a pintar un cuadro, a jugar, a ser mejor, a dejar una huella “una hora antes de que oscurezca”. Y así la canción finaliza con la delicada línea melódica con la que comenzó.

El segundo tema “Reprogram the Gene” mantiene el tono rockero y urgente, con una melodía sugerente sobre la que Steve Hogarth canta sobre programarse y re-programarse de formas posibles e imposibles, con una cierta rabia que oscila irónicamente entre la consigna de tipo slogan y la expresión frontal de una necesidad de cambio y nuevamente de “despertar para ser mejor” y tener un mejor lugar para vivir.

A esta altura del disco es notoria y muy interesante la ambigüedad de puntos de vista que maneja Hogarth en sus letras, donde a la acostumbrada riqueza de imágenes y su inherente sensibilidad, se permite -y nos permite- disfrutar de varios niveles de sentido de forma muchísimo más pulida que en discos anteriores. Aquí hay un trabajo reflexivo donde muchos de los temas referencian a otros en frases concretas, profundizando sentidos e impresiones que redondean un mensaje general pleno de sencillez, lleno de matices y a la vez directo.

“Only a Kiss” funciona como una introducción a “Murder Machines”, que es el “single” del disco. En una canción que tiene sutiles ecos de “Power” (aquel otro single de Sounds That Can’t Be Made), Marillion brinda una de sus canciones “cortas” más logradas de los últimos tiempos, de la mano de un desarrollo melódico atrapante y uno de sus mejores estribillos, tanto en lo musical como en lo lírico. Nuevamente Hogarth describe el par de años que hemos pasado con la pandemia y los riesgos que ésta impuso en todo el mundo, con poesía pero sin vueltas, mientras entona apasionadamente “I put my arms around her and I killed her with love” (Puse mis brazos alrededor de ella y la maté con amor). Si bien aquí puede haber más de una interpretación, para todos quienes perdieron un ser querido en estos años, solo hay un significado. Steve Rothery realiza un gran trabajo, eligiendo comandar el tema a través de una línea melódica que en el estribillo se despega del tema principal con un contrapunto arriesgado que incomoda en las dos primeras pasadas, para resolverse en el final de la canción de forma magistral a través de un solo. Touché maestro.

"The Crow and the Nightingale" abre la que sería la “segunda mitad” del disco. Aquí se nota claramente la influencia que tuvo el trabajo con In Praise of Folly en el anterior álbum de versiones orquestadas. A ellos, se suma de forma protagónica el Choir Noir comandado por Kat Marsh, con unos arreglos de voz exquisitos.

La letra es, según Hogarth, un homenaje a Leonard Cohen, de quien lamentablemente he escuchado poco y nada por lo que no puedo hacer comparaciones. Dicho esto, si bien también puede interpretarse una relación con la fábula, sus imágenes llenas de poesía y altamente evocativas dejan entrever que no hay envidia en él sino una dedicatoria emocionada y humilde donde canta “No puedo volar pero abriré mi áspero pico graznando al cielo, el cuervo y el ruiseñor… …Pero a una azotea puedo ir, a gritar por encima de los pájaros, añadiendo mi aburrido brillo a tus brillantes palabras” (I can’t fly but I’ll open my rough beak, squawk at the sky, the crow and the nightingale... ...But a rooftop I can go, to scream above the birds adding my dull sheen to your brilliant words").

En lo musical, más allá de que se pueden hacer paralelos con “When I Meet God”, “Man of a 1000 Faces” o incluso “Neverland”, la banda entra en un terreno realmente inédito, logrando una emoción enorme en el oyente a través de la música que va en un in crescendo imparable desde el comienzo del tema y, cuando parece que va a ir a otro lado, sigue creciendo. Es un tema de una sencillez enorme pero construido con mil capas, matices y sutilezas, que evocan el dramatismo y la poesía de los discos clásicos de Scott Walker (3 y 4). Steve Rothery se suma con un precioso solo a ese engranaje que es inédito y brillante. La primera vez que lo escuché, entre lágrimas, sin tener clara la letra, pero superado por la pura emoción de la música pensé “40 años de historia, y siguen superándose a sí mismos”. Simplemente, uno de los mejores temas de toda la carrera de Marillion.

“Sierra Leone” se inicia con una hermosa y delicada melodía de Steve Rothery que se va tejiendo con cierto minimalismo hacia un crescendo en la primera sección, donde Steve Hogarth cuenta la historia de uno de tantos trabajadores que hacen su diaria labor en condiciones de extrema pobreza en ese país (Sierra Leona). Al encontrar un diamante que le augura futuras riquezas y prosperidad, que le traerá libertad, decide quedárselo, hechizado por su belleza. La respuesta al por qué lo hace, quizá se encuentre en unas líneas de “Care”: “Encontré la libertad en un diamante que no cambiaría, ni siquiera por el cielo… …Gracias por hacerme vivir de verdad, de verdad, en una vida donde el lujo era a veces, sobrevivir” (Found freedom in a diamond I won’t trade, not even for heaven... ... Thank you for making me truly, truly alive in a life where luxury was sometimes, to survive).

Musicalmente, el tema sigue su desarrollo donde Kelly y el guitarrista se alternan el protagonismo, con el “I won’t sell this diamond” (No venderé este diamante) como un mantra que se va repitiendo y justificando la postura del personaje protagonista. Se podría decir que es un tema “típico” de Marillion de esos donde muchas veces la belleza de la música contrasta con la tristeza de su letra. Más allá de que su temática puede ser la menos relacionada con el concepto general del disco, el mayor inconveniente es que está entre “The Crow…” y “Care”; en un disco donde todos los temas salen de lo común, este es el más “tradicional” para lo que es la banda.

“Care” es donde todos los temas y motivos del disco confluyen líricamente y musicalmente. Partiendo de cierto “realismo noir” en “Maintenance Drugs”, con un marcado tono funk -que da para un muy interesante despliegue de Pete Trewavas y Steve Rothery, incluso se escucha una percusión que debe ser de Luis Jardim, otro invitado-, Marillion recuerda en todo sentido al Magic and Loss de Lou Reed, para relatar el proceso de quimioterapia de un amigo de Steve Hogarth que sirve como una brillante reflexión sobre el tiempo, la vida y la muerte. La segunda sección de la canción es la que da nombre al disco y donde esta idea de Hogarth se hace más clara: ¿qué es lo que pensamos una hora antes de morir? Del funk pasamos al jazz gracias al protagonismo de Ian Mosley que, con el swing que lo caracteriza, sostiene unos delicados arpegios de Rothery. En la sección siguiente el protagonismo es todo del guitarrista, con un solo de impronta floydiana, hasta que llegamos al momento donde Steve Hogarth canta "Y mientras te desvelaba, te diste cuenta de que me querías lo suficiente como para dejarme para siempre" (And as I unpeeled you, you realize you loved me enough to leave me forever) y comienza la última sección, “Angels on Earth”.

Hay algo catártico aquí, algo profundo, que hace que por lo menos para mí sea imposible no emocionarme cada vez que escucho este tema. Conocí a Marillion con Fugazi y la banda en todo este tiempo me ha emocionado muchas y repetidas veces. Pero creo que ningún tema de la banda me provocó hasta ahora la emoción que me provoca “Care”. Escuchándolo, y pensando en el por qué, no puedo dejar de encontrar y de remitirme al final de Fugazi donde en 1983 Fish se preguntaba “¿Dónde están los profetas? ¿Dónde están los visionarios? ¿Dónde están los poetas?". Casi 40 años después, otra banda completamente distinta que “casualmente” tiene el mismo nombre encontró una respuesta probable sin buscarla: con el pulso de la evocativa batería de Ian Mosley, Marillion construye un crescendo más, donde Steve Hogarth canta: “Los ángeles de este mundo no están en las paredes de las iglesias, los héroes de este mundo no están en el salón de la fama… …los ángeles de este mundo no están plasmados en bronce o piedra, los ángeles de este mundo trabajando mientras nosotros estamos durmiendo" (The angels in this world are not in the walls of churches, the heroes in this world are not in the hall of fame… …the angels in this world are not rendered in bronze or stone, the heroes in this world, working while we’re all sleeping). La letra es más larga y este es un pálido resumen, pero no hace falta explicar que la banda nos está diciendo: los héroes de este mundo son los que nos vinieron cuidando, exponiendo sus vidas, mirando a la muerte a la cara en todos los sistemas de salud del mundo. Retomando también la línea de “Murder Machines”“Ella puso sus brazos alrededor mío” (She put her arms around me), dándole otro sentido más, Marillion cierra “Care” y su último disco a pura emoción. Es imposible no terminar llorando. Y el disco es aún mejor por ello.

En este siglo, los problemas lamentablemente no se modificaron demasiado: el miedo a una guerra, el cambio climático, las Murder Machines cambiaron pero siguen estando… la respuesta sigue siendo la misma: Care es cuidar, pero también es que te importe, es comprometerse, es apostar por el otro. Marillion redondea su último disco con otro tema destinado a convertirse en un clásico enorme en su discografía y sus shows en vivo. An Hour Before It’s Dark es un álbum que probablemente se transformará en el Dark Side of the Moon de Marillion (sería bueno que tuviera el éxito de aquel) en cuanto a que es un retrato sensible y preocupado de nuestro tiempo. A diferencia del de Pink Floyd podríamos decir que es más optimista de lo que debiera, dadas las circunstancias.

Durante toda su carrera Marillion ha debido de cargar con varios lastres y etiquetas injustos: “copia de Genesis”, “el nuevo vocalista”, “pretenciosos y aburridos”, “no son suficientemente progresivos”, “en lugar de un doble hubieran sacado un disco solo” y otras similares. Con todo lo dicho ¿es necesario repetir que se cuentan con los dedos de la mano las bandas y los artistas que pueden sacar discos significativos no una, sino varias veces en su trayectoria a esta altura de sus carreras?

Fieles a sus tiempos, sus inquietudes y su particular forma de componer canciones en base a rescatar las mejores secciones de infinitas jams para ello y teniendo en Steve Hogarth a un observador agudo y sensible de la realidad, han logrado con An Hour Before It’s Dark un disco definitorio que no solo está a la altura de los mejores de su carrera sino que, aunque habla directo y de frente a nuestro tiempo como lo hicieron tantos clásicos antes de él, su humanismo a flor de piel nos asegura que seguirá vigente por muchos muchos años más, más allá de la noche y el olvido.

Fotos por Anne-Marie Forker Diseño Gráfico de Simon Ward para 1d3ntity

Gracias a Lucy Jordache, Mark Kennedy, Carlos McDonagh, Jorge Bourdieu y muy especialmente a Andrés Valle que puso el fósforo en la mecha.

Este artículo fue publicado originalmente en www.mellotronweb.com.ar en marzo de 2022.

#reseñas de discos #marillion #fish #steve hogarth #steve rothery #mark kelly #pete trewavas #ian mosley #rock progresivo #progressive rock #an hour before its dark #articulos #rock #Spotify

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rockinnews · 25 days

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Jesper Lindell & The Brunnsvik Sounds: Llegan a Madrid con su Vibrante Sonido Americana

Jesper Lindell, el talentoso músico sueco, está listo para conquistar Madrid con su cautivador sonido "americana". Después de un año frenético en 2023, donde realizó casi 100 conciertos, lanzó el EP 'Windows Vol 1' y culminó su tercer álbum de estudio, 'Before The Sun', Lindell llega a la capital española para presentar su último trabajo.

El camino hacia este nuevo álbum no ha sido fácil para Lindell. Enfrentó serios problemas de salud durante la pandemia de COVID-19, que lo llevaron al quirófano y a una larga recuperación. Sin embargo, estos desafíos no lo detuvieron. 'Before The Sun' representa una celebración de sus raíces musicales, desde el ritmo y blues de New Orleans hasta el country rock de Little Feat o The Band, con un toque distintivo al estilo de Ry Cooder.

Grabado en su estudio a las afueras de Ludvika junto a su banda, The Brunnsvik Sounds, el disco es una amalgama de influencias y sonidos que Lindell ha absorbido a lo largo de su vida, transformándolos en algo genuinamente propio. El resultado es una música vibrante, emocionante y llena de alma, que captura la esencia del sonido clásico de Muscle Shoals y el ambiente nostálgico de Big Pink.

Este brillante guitarrista y compositor no solo ha demostrado una destreza excepcional en su instrumento, sino que también ha consolidado una voz única que evoca una melancolía nórdica inconfundible. No te pierdas la oportunidad de presenciar este espectáculo único cuando Jesper Lindell & The Brunnsvik Sounds lleguen a Madrid,el 14 de noviembre, llevando consigo una experiencia musical que promete ser inolvidable.

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laopiniononline · 2 months

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Los Sillas Musicales estrenan videoclip de su single Hipoteca Love

Nueva publicación en https://ct2.cl/gq

Los Sillas Musicales estrenan videoclip de su single Hipoteca Love

El clip grabado en San Pedro de Atacama, en enero del presente año, nos presenta un relato íntimo, en primera persona, que aborda la soledad y la picardía en los difusos márgenes morales del sexo pagado.

Hipoteca Love es el primer single promocional del EP Macho Herido Vol.1, lanzado el pasado 14 de febrero (fecha escogida con pinzas). El disco nos presenta un pop moderno que sabe nutrirse de sonidos clásicos de inicios del siglo XX, dentro de la fusión de estilos característica de la banda.

En el video, “Los Sillas Musicales” personifican a Tomy Urtubia, Arnoldo Estéreo & Wiston Ramone, en una trama que nos presenta a Estéreo y Ramone confabulando para sacar del ostracismo a su amigo Tommy a través de los servicios de una bailarina de charlestón, personificada por la actriz Nathalie Esbry.

El clip es dirigido por Cristian Urtubia, vocalista del conjunto, quién ya había desarrollado una serie de estos videos para su proyecto paralelo MALA PRÁCTICA, sin embargo, con este videoclip hace su debut en este rol dentro de la banda: “estoy muy contento con el resultado, este video lo queríamos hacer en Valparaíso, pero mi traslado por trabajo a San Pedro de Atacama nos llevó a rediseñar la propuesta sin buscar que la locación fuera protagonista, pero finalmente el norte está ahí omnipresente”, comentó.

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MACHO HERIDO Vol.1 nos presenta 3 nuevos temas originales de Los Sillas Musicales y un cover de Charles Aznavour, canciones que tocan momentos oscuros de las relaciones de pareja, “momentos que muchas veces necesitan ayuda de la música para salir a la luz y poder enfrentarlos. Sabemos que es un disco que dolerá, pero también que sanará” nos comenta Felipe Zuñiga, multiinstrumentista y productor del EP, quién también toma el liderazgo vocal en el tema “Tan Serio” que cierra el EP.

Respecto a la versión de Aznavour, Marcelo Baeza, bajista de la banda, nos revela: “esta versión de Debes Saber se abrió espacio entre casi una docena de opciones, ya que en un momento planeamos lanzar un disco completo de covers, incluyendo versiones en español de Radiohead, Pet Shop Boys y Portishead. Soy fan del maestro francés desde niño, siempre he querido versionar uno de sus clásicos”.

El EP está disponible desde este miércoles 14 de febrero en todas las plataformas de streaming y el arte de su carátula es obra de la destacada dibujante porteña COTONA (IG @srta_cotona), colaboradora habitual de la banda.

#Hipoteca Love #lanzamiento #los sillas musicales #Videoclip #Música #Música Chilena

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sonyclasica · 2 months

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ALEXIS FFRENCH

CLASSICAL SOUL VOL. 1

El pianista y compositor Alexis Ffrench anuncia el lanzamiento de su próximo álbum de estudio Classical Soul Volume One, que saldrá a la venta este otoño a través de Sony Classical. Hoy disponible el primer adelanto: "The Way It Was".

Escucha el adelanto AQUÍ

Reserva el álbum AQUÍ

Classical Soul Volume One de Alexis Ffrench es una colección de composiciones originales para piano y orquesta, intercaladas con pequeños y refrescantes fragmentos de himnos soul populares.

Convertido en uno de los artistas más inconfundibles y rompedores del Reino Unido, pionero del género "Soul Clásico" y con más de mil millones de streams en su catálogo, la noticia viene acompañada del lanzamiento de su nuevo single a piano solo "The Way It Was", inspirado en la colección de discos de su difunto padre y grabado en los famosos Estudios Miraval de Brad Pitt y Damien Quintard.

Alexis acerca el piano al gran público. Ya sea actuando en el Concierto de la Coronación del Rey en 2023 ante una audiencia de más de 18 millones de espectadores, presentando su programa de Apple Music después de Rocket Hour de Elton John, actuando en los principales festivales de música y en salas con las entradas agotadas de todo el mundo, impartiendo clases magistrales de educación musical en todo el país o publicando versiones de éxitos actuales de Central Cee, Billie Eilish y otros para una entusiasta audiencia en las redes sociales, Alexis es un apasionado de que la música sea accesible para todos.

“The Way It Was” se inspira en la colección de discos del difunto padre de Alexis. En el primer single, que sale hoy, Alexis toma la profundidad y la emoción de su amor infantil por el soul y lo combina con su talento para la música clásica para crear una canción nostálgica y conmovedora, pero atemporal y edificante.

En cuanto a “The Way It Was”, Alexis escribe: “The Way It Was se inspira en la vasta colección de discos de mi padre. Durante mi infancia, nuestra casa tenía una rica banda sonora de Sam Cooke, Aretha Franklin, Stevie Wonder, Roberta Flack, algunos de los cuales considero mis primeros maestros.

Mientras tocaba el piano ‘imaginario’ en la mesa de la cocina, al son de clásicos como Superstition y At Last, me sentía transportado a un lugar maravilloso y sentía una llamada. Y mientras escuchaba, absorbía la pasión, el orgullo y el propósito de estos iconos del soul y soñaba con un camino paralelo, informado por las vidas llenas de historia de estos grandes del soul y su misión más amplia.

Cuando miro atrás y recuerdo cómo era, y el espacio ilimitado que se me brindó para crecer creativa y espiritualmente, he llegado a comprender mejor todo lo que se me había regalado, y la deuda que tengo.

Estos artistas, y el poder de sus voces colectivas, conectaron conmigo en lo más profundo de mi ser y me abrieron una puerta a un mundo de Soul Clásico, y por ello estoy verdaderamente agradecido.”

Refiriéndose al próximo álbum, Alexis añade: “Por eso he querido crear una mixtape moderna, una sinfonía de soul clásico para el siglo XXI. Un álbum que pretende replantear la historia clásica, construyendo elevados pilares sinfónicos de 'Black Ivy' a partir de los ecos de los clásicos del soul, en una majestuosa expresión de orgullo, amor, nostalgia y elixir curativo.”

Alexis es una estrella pionera del Soul Clásico, y su sonido se resiste a encajar en un solo género, épocas o expectativas. En lugar de inclinarse hacia el estrecho y tradicional concepto de "clásico", Alexis se abre hacia el exterior, con una perspectiva expansiva, recurriendo a un mosaico de influencias que lleva de la mano al oyente a través de un mundo de posibilidades.

“The Way It Was” es el primer tema del gran año musical de Alexis, y en Classical Soul Volume One nos espera parte de su música más sentida y comprometida hasta la fecha.

Sigue a Alexis Ffrench en: INSTAGRAM | TWITTER | YOUTUBE | WEB

Sony Music Masterworks abarca los sellos Masterworks, Sony Classical, Milan Records, XXIM Records y Masterworks Broadway. Para recibir información y actualizaciones por correo electrónico visita www.sonymusicmasterworks.com/

#alexis ffrench

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flamingstaromunicacionnews · 4 months

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Pau Walters pasion por la fusión y mestizaje, rompiendo las fronteras de Hip Hop, el lofi, el trap, el old school y géneros experimentales.

Pau Walters, nacido en el centro de Palma de Mallorca de una madre inglesa y un padre catalán. Cuando era aún muy joven su familia decidió mudarse a un pueblo llamado Elvas en Portugal, y una vez obtuvo la mayoría de edad se mudó a Barcelona, donde inició su carrera como músico y productor, llegando a formar parte de una banda durante 2 años. Como pueden imaginar Pau destaca por la fusión y mestizaje, tanto como productor ha trabajado en infinidad de proyectos siempre consiguiendo adaptarse a las necesidades artísticas y a los distintos subgéneros que sus compañerxs necesitaban; y como cantante ya que debido a su pasado multicultural lleno de idiomas, podemos oír cómo fluye entre el Castellano, Portugués e Inglés sin dificultad ninguna.

Después de acabar su FP de Sonido en Barcelona, está de vuelta a la isla y ya se encuentra colaborando con artistas locales siendo introducido a la crew Kantalas Mob, lanzando Ernesto que ha conseguido casi 5000 streams en Spotify.

Sus últimos lanzamientos como Carnal (también hay una versión en directo con Live Deck) o Tengo nos muestran su cómo puede variar de géneros musicales, lanzando anteriormente también Grate en Portugués.

En definitiva su objetivo como artista es provocar la ilusión de que en cada lanzamiento nace un artista nuevo y reinventado.

Y para celebrar este año nuevo, en vez de salir de fiesta he lanzado mi mixtape Avant Garde vol.1 y estoy buscando promocionarlo al mundo!

Tomando inspiración tanto de las vanguardias del s.XX como sagas de mixtapes clásicas como The Carter de Lil Wayne o Blueprint de Jay -Z.

Avant Garde vol.1 es el primer episodio de esta saga donde se exploran temas políticos, como espirituales, la sexualidad, la identidad cultural e incluso se re-crean mitologías griegas como en Cnidaria que cuenta el cuento de Medusa desde una nueva perspectiva y podéis verlo en este link.

Sonoramente no existen fronteras, subgéneros del Hip Hop, el lofi (tanto en portugues como en castellano), trap, el old school, géneros experimentales. Y llegaremos a explorar subgéneros como el drill y el amapiano (en la segunda parte claro…)

Si aprecias la música en general encontrarás algo para ti en este proyecto.

Sin reglas, sin límites ni tabúes!

Para celebrar esto he lanzado un One Shot grabado por Dann Films de una de mis canciones preferidas de este proyecto Miento/Viento una vibra G-Funk en español con un bajo de house que habla de mi relación con la adicción y el autoengaño.

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#Youtube

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minamoo · 6 months

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9. 11/22/23

Amanda Miguel - Él Me Mintió (El Sonido Vol 1)

BoA - Amazing Kiss (Amazing Kiss)

#song of the day!#november song of the day!

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zigzagderogeliogarza · 7 months

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Por: ROGELIO GARZA

LA ESCRITURA TAMBIÉN ES MÚSICA para muchos autores que disfrutan leer en voz alta. Desde su origen, la música y la letra siempre han sonado de la mano. Y en el caso de Techxturas Sonoras, la mano es de Jairo Guerrero, el artista sonoro y productor que ha creado un sincretismo entre la literatura mexicana y la música electrónica. Ambas vertientes confluyen a través de la tecnología como instrumento mágico en su reciente Homenaje electrónico a la memoria literaria de México, Vol. 1, disco que recoge lo mejor de una serie de lecturas sonorizadas: Gravitación, de Juan José Arreola; Óptica, de María Enriqueta Camarillo; Sueños, de Efraín Huerta; Los adioses, de Rosario Castellanos; Palabras de un rencoroso, de Juan José Arreola y Agua de bordes lúbricos, de Coral Bracho, reciente ganadora del Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances 2023.

GUERRERO HA INCURSIONADO en el periodismo musical, la creatividad publicitaria, el cortometraje, la producción radiofónica y musical, desde hace más de treinta años. Es un músico experimental y lector voraz de narrativa y poesía. Su apetito por las letras mexicanas lo llevó a crear las Techxturas Sonoras en 2016, un diálogo que el artista genera en la intersección de la literatura de —además de los mencionados—, Jaime Sabines, Juan Rulfo y Octavio Paz, con sonidos y ritmos electrónicos que incluyen el down beat, el dark wave, el ambient. La experiencia revela al escucha una dimensión literaria en cada pasaje sonoro.Como explorador de sonidos, Guerrero crea atmósferas para las lecturas en voz de los propios autores, como las de Arreola y Huerta, cintas que logró rescatar en lo que llama su “alquimia”. Otras fueron grabadas, como las de Ángela Pardo Guerrero y Ruth Cabrera. Su discografía va más allá de la serie Techxturas Sonoras; ha explorado otros caminos populares para bailar, como Madre Cumbia, la Arqueología del futuro, que tienden más al industrial y la EDM, más el Experimento Händel, de música acuática. Los últimos años se ha concentrado en los homenajes literarios. Es importante anotar que ninguna IA fue utilizada en el proceso creativo.

Los discos de Guerrero se pueden escuchar en las plataformas de streaming y se pueden obtener en formato de disco en el sitio soyjairoguerrero.com. En septiembre estará presentándose los días 12 y 23 en el auditorio La Faro Cosmos y el 11 de noviembre, en el Auditorio de la Biblioteca Vasconcelos. En vivo improvisa con sus máquinas para crear momentos sonoro-literarios irrepetibles.

#rogeliogarza #periodismomusical #jairoguerrero

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rutaalrocknoticias · 8 months

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Gaby Moreno regresa con nuevo single “Solid Ground”

Tras su explosivo inicio de este año, la cantante, compositora y productora Gaby Moreno regresa con el lanzamiento de su nueva canción: “Solid Ground”. Para celebrarlo, se complementa con un video dirigido por Joseph Ros que captura en broma el anhelo universal en búsqueda de la estabilidad y seguridad en la vida y, en última instancia, la sensación liberadora que surge al dejar ir. La naturaleza caprichosa del video combinada con el sonido que Gaby mezcla del género “Americana” por el que ha sido elogiada, marca el comienzo de una nueva era para la excepcional cantante. La canción es una continuación de su trabajo transformador que durante mucho tiempo ha visto a Gaby como la única latina prominente en este género musical y, por lo tanto, abriendo el espacio para otros músicos también.

El lanzamiento sigue al impresionante EP X Mí (Vol. 1) de Gaby que produjo una de las colaboraciones más emocionantes del año entre Gaby y el actor, productor y músico ganador del Globo de Oro y nominado al Emmy Oscar Isaac en el tema “Luna de Xelajú”. El lanzamiento recibió grandes elogios de la crítica como Rolling Stone, Variety, Billboard, Entertainment Weekly, People en Español, Popsugar, Latina Magazine, CNN en Español y muchos más.

Además, Gaby recibió nominaciones a los premios US Grammy y Guild of Music Supervisors Awards que la consolidan como una artista integral y multifacética. El impacto de Gaby en el panorama musical y su sonido único le han valido grandes elogios y la atención de algunos de los artistas más estimados de la actualidad, lo que la ha llevado a compartir escenario con artistas como Tracy Chapman, Jorge Drexler, Love of Lesbian, Depedro, Leiva, Xoel López, Punch Brothers, Hugh Laurie, Buena Vista Social Club, Calexico, Omara Portuondo, y muchos más.

Más allá de sus numerosos reconocimientos, Gaby ha demostrado ser una artista innovadora cuyo impacto se ha extendido más allá de la música. A través de sus diversos proyectos, Gaby ha aprovechado el poder de su arte para luchar por aquellos que son marginados, como los migrantes en todo el mundo. Gaby es la primera the first Embajadora de Buena Voluntad de UNICEF para Guatemala y trabaja en estrecha colaboración por la educación de los niños y niñas.

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ayudarajzaaganarmillonessiempree · 10 months

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♫ Best Progressive House Mix 2023 Vol. #1 ♫

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Chicos y chicas, preparar vuestros mejores sistemas de sonido, SUBIR EL VOLUMEN DE LA MUSICA, y cambiar a todos vuestros mejores temas.

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thespectraltiger · 2 years

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Guatauba Vol 1 - Tony Touch x Nico Canadá - Historia y Orígenes del Reggaetón, Temp. 01, Ep. 02

Video y texto por Antonio Carlos (@thespectraltiger)

Nos transportamos al año 1997, para ponerle play a Guatauba Vol. 1 de Tony Touch y Nico Canadá, álbum que va del Dancehall, al Raggamuffin, Pounder-Riddim y Rap. Este panorama musical, producido con cuidado, nos recuerda porqué es uno de los lanzamientos clásicos del Underground.

La producción lleva por nombre Guatauba, deidad mensajera taína que anunciaba con nubes, truenos y relámpagos la inminencia del huracán. Nombre que también conocemos por Guatauba Productions y Manolo Guatauba, aunque él no participó en este proyecto.

La portada del disco es una mezcla de graffiti, uno de los elementos fundamentales del Hip Hop, y una representación de un cemí y otros motivos taínos. Es un disco que en términos estéticos mezcla dos tradiciones, la de la urbe, asociada con Nueva York, y la de la cultura taína y caribeña, asociada con Puerto Rico.

Tony Touch es DJ, rapero y breakdancer nuyorican respetado en la comunidad Hip Hop; y Nico Canadá es productor musical, ingeniero de sonido, compositor y dj puertorriqueño que lleva más de 25 años de carrera musical, que ha generado muchas controversias en los últimos meses.

Este álbum es un ejemplo explícito del puente cultural entre Puerto Rico y la ciudad de Nueva York, que ha posibilitado tantas producciones musicales a lo largo de los años.

Guatauba cuenta con artistas puertorriqueños, estadounidenses y panameños, entre los que se encuentran Daddy Yankee, Mexicano, Alberto Stylee, Pirin, Panamasta, pero también a figuras de la cultura Hip Hop de Nueva York como KRS One y Mad Lion.

Los letras de esta producción van del festejo, a narrativas acerca del crimen y la vida en las calles, al amor y la pérdida de éste, así como el fronteo de la habilidad musical tan característico de la cultura del rap.

El panorama lingüístico del álbum es interesante pues se da en las fronteras entre el español y el inglés, recordando que el origen de este género es híbrido y multicultural.

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rocknews13 · 10 months

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Dieaway presenta su potente single Involution

Durante estos meses nos hemos ido metiendo poco a poco en el potente mundo musical de Dieaway. Los madrileños siguen presentando lo que será su nuevo trabajo y tras diversos singles llega el momento de centrarnos en la nueva perlita de Dieaway. Un single que no hace más que seguir marcando el camino sonoro de una banda que poco a poco se esta posicionando como una de las propuestas más interesante del hard rock nacional.

¨Involution¨ es el nuevo adelanto de lo que será su disco doble «Trisected Liminality vol. 1 & 2». Este nuevo corte es una de las de mayor aceptación entre el público en los conciertos de presentación de la banda, en ella encontraremos los sonidos caracterices de la banda, donde nos llevarán de nuevo a los 90. La canción, como su nombre indica, trata del desvanecimiento e ignorancia de la historia, cultura y otros valores a través de los cambios generacionales. Muchas veces, la sociedad no parece aprender de su pasado. Dieaway ha querido aportar en el video una crítica más ácida sobre el maltrato a la naturaleza .Además de presentarse en plataformas digitales, ¨Involution¨ viene acompañada de un videp-lyric estilo comic con varias capas interiorizadas en la letra de la canción.

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DieAway nace en Alcalá de Henares, los fundadores del grupo fueron David y Juan Carlos, ambos guitarristas, que empezaron juntándose en casa hasta que poco a poco le fueron dando forma a lo que seria el esqueleto de la banda. En sus primeros años el grupo sufrió distintos cambios en sus componentes hasta que la formación se asienta con Raúl al bajo y Oliver a la batería. Siempre buscando la máxima perfección en sus creaciones, la banda ha ido subiendo escalones durante estos años en las trincheras.

Durante sus existencia, Dieaway la banda ha tocado en multitud de salas tales como: Gruta77, Sala Live,Fanatic, Imagina, Festival del oeste, Arena/Heineken, Silikona, Metropolis, Honky tonk, Moon, mardigrass, La boca del lobo, Siroco... . Una larga lista de lugares donde la banda ha ido puliendo un directo contundente a la par que elegante, a la que pronto se unirán nuevos lugares donde disfrutar de este directo.

Escucha Involution

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sonido-de-libertad · 10 months

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El sonido de la libertad (o simplemente, Guardianes de la Galaxia volumen 3nota 1; titulada originalmente en inglés como El sonido de la libertad) es una próxima película de superhéroes estadounidense basada en el equipo de superhéroes Guardianes de la Galaxia, perteneciente a Marvel Comics. Producida por Marvel Studios y distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures, está destinada a ser la secuela de Guardianes de la Galaxia (2014) y Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (2017) y la película número 32 del Universo cinematográfico de Marvel (UCM). La película está escrita y dirigida por James Gunn y está protagonizada por un elenco conjunto de Chris Pratt, Zoe Saldaña, Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Karen Gillan, Pom Klementieff, Elizabeth Debicki, Sean Gunn, Sylvester Stallone, Will Poulter, Chukwudi Iwuji y Maria Bakalova. En la película, los Guardianes se embarcan en una misión para proteger a Rocket (Cooper) del Alto Evolucionador (Iwuji).

James Gunn dijo en noviembre de 2014 que tenía ideas iniciales para una tercera película de la serie y anunció su regreso para escribir y dirigir en abril de 2017. Disney lo despidió de la película en julio de 2018 luego del resurgimiento de publicaciones controvertidas en Twitter, pero el estudio cambió de rumbo en octubre y reintegró a Gunn como director. El regreso de Gunn se reveló públicamente en marzo de 2019, y la producción se reanudó después de que Gunn completara el trabajo en su película El Escuadrón Suicida (2021) y su serie derivada Peacemaker (2022). El rodaje comenzó en noviembre de 2021 en Trilith Studios en Atlanta, Georgia y duró hasta principios de mayo de 2022.

El sonido de la libertad tuvo su estreno mundial en Disneyland Paris el 22 de abril de 2023, y está programada para ser estrenada en Estados Unidos el 5 de mayo de 2023, como parte de la Fase Cinco del UCM.

En "El sonido de la libertad" de Marvel Studios, nuestra querida banda de inadaptados se ve un poco diferente en estos días. Peter Quill, aún conmocionado por la pérdida de Gamora, debe reunir a su equipo a su alrededor para defender el universo y proteger a uno de los suyos. Una misión que, si no se completa con éxito, podría conducir al final de los Guardianes tal como los conocemos.

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Ficha técnica de la película completa “El sonido de la libertad”

Sinopsis de la película completa “El sonido de la libertad”

Billy Batson y sus hermanos adoptivos, que se transforman en superhéroes al decir "¡Shazam!", se ven obligados a volver a la acción y luchar contra las Hijas de Atlas, a quienes deben evitar que use un arma que podría destruir el mundo.

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