#poesía renacentista

[ochoislas]

CONTRAEMBLEMA DE LA TETA

Teta que sólo eres pellejo, teta flaca, gacho pendón, teta sin fin, larga teta, ¿o diré más bien alforja? Teta de pezón grande y negro, que parece cabo de embudo. Teta que retiembla a todo trance sin que la sacudan ni rocen; se puede alabar quien te tienta que metió la mano en la masa. Teta pensil, teta torrada, teta ajada, teta que escurre fiero cieno en vez de leche: te formó el Maligno a su imagen. Teta que reputan mondongo, teta que robaste, creyera, o hurtaste no sé de qué modo a una vieja cabra difunta: teta que pudiera en el huerco amamantar cría del diablo. Teta con el largo de una vara, teta que tirada a la espalda vale para hacerte, y aún huelga, un capuchón de los de antaño: viéndote nos viene a las manos un deseo loco a raudales de con doble guante agarrarte para darle diez gaznatazos, y hasta una docena, en la jeta a quien al sobaco te guarda. Quita, teta fea y apestosa, que con tus sudores llenaras de algalia bujetas sin número para componer dos mil muertos. Teta de fealdad que enfada, teta que Natura repudia, teta, la más fiera entre fieros, teta cuya punta babea, compuesta de cola o de liga; cubríos allá, por Santiago, que voy a arrojar las entrañas.

*

CONTREBLASON DU TETIN

Tetin, qui n’as rien, que la peau, Tetin flac, Tetin de drappeau, Grand’ Tetine, longue Tetasse, Tetin, doy je dire bezasse? Tetin au grand vilain bout noir, Comme celluy d’ung entonnoir, Tetin, qui brimballe à touts coups Sans estre esbranlé, ne secoux, Bien se peult vanter, qui te taste, D’avoir mys la main à la paste: Tetin grillé, Tetin pendant, Tetin flestry, Tetin rendant Vilaine bourbe en lieu de laict, Le Diable te feit bien si laid: Tetin pour trippe reputé, Tetin, ce cuydé je, emprunté, Ou desrobé en quelcque sorte De quelque vieille Chievre morte: Tetin propre pour en Enfer Nourrir l’enfant de Lucifer: Tetin boyau long d’une gaule, Tetasse à jecter sur l’espaule Pour faire (tout bien compassé) Ung chapperon du temps passé, Quand on te voyt, il vient à maints Une envye dedans les mains De te prendre avec des gans doubles Pour en donner cinq, ou six couples De soufflets sur le nez de celle Qui te cache soubs son esselle. Va grand villain Tetin puant, Tu fourniroys bien en suant De civettes, & de parfuns Pour faire cent mille deffunctz. Tetin de laydeur despiteuse, Tetin, dont Nature est honteuse, Tetin des vilains le plus brave, Tetin, dont le bout tousjours bave, Tetin faict de poix, & de glus: Bren ma plume, n’en parlez plus, Laissez le là, ventre sainct George, Vous me feriez rendre ma gorge.

Clément Marot

di-versión©ochoislas

#Clément Marot #literatura francesa #poesía renacentista #epigrama #emblema #vejez #decadencia #fealdad #sátira #di-versiones©ochoislas

[cmatain]

Publicado el libro «Con aprendido canto. Tradiciones poéticas y perspectivas ideológicas en el cancionero amoroso de Garcilaso de la Vega», de Antonio Gargano («Biblioteca Áurea Hispánica», 160)

Se acaba de publicar el número 160 de la colección «Biblioteca Áurea Hispánica», el libro Con aprendido canto. Tradiciones poéticas y perspectivas ideológicas en el cancionero amoroso de Garcilaso de la Vega, de Antonio Gargano. Antonio Gargano, Con aprendido canto. Tradiciones poéticas y perspectivas ideológicas en el cancionero amoroso de Garcilaso de la Vega, Madrid / Frankfurt am Main,…

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#Antonio Gargano #Biblioteca Áurea Hispánica #Garcilaso de la Vega #Iberoamericana Vervuert #Literatura del Siglo de Oro #Poesía del Siglo de Oro #Poesía renacentista #Tradiciones poéticas

[laeternidadporlosastros]

(’Los ángeles atacan la Torre de Babel’. Libro de Horas de Bedford, París, 1410-1430)

"Ahora se puede entender qué es este vulgar ilustre que Dante persigue como si se tratara de una pantera perfumada (I, xvi, 1). Inaprensible, aparece a veces en los textos de los poetas que Dante considera mayores, pero no parece estar aún formado, regulado, explicitado en sus principios gramaticales. Frente a los vulgares existentes, naturales pero no universales, frente a una gramática universal pero artificial, Dante persigue el sueño de una restauración de la forma locutionis edénica, natural y universal. Pero -a diferencia de lo que harán los renacentistas cuando vayan en busca de una lengua hebrea que haya recuperado su poder revelador y mágico- Dante pretende recrear la condición original mediante un acto de invención moderna. El vulgar ilustre, cuyo máximo ejemplo será su lengua poética, es el medio con el que un poeta moderno sana la herida posbabélica. El segundo libro del De vulgari eloquetia no hay que interpretarlo como un mero tratado de estilística, sino como el esfuerzo por fijar las condiciones, las reglas, la forma locutionis de la única lengua perfecta concebible: el italiano de la poesía dantesca (Corti, 1981).  De la lengua perfecta este vulgar ilustre tendrá la necesidad (opuesta a la convencionalidad), porque así como la forma locutionis perfecta permitía a Adán hablar con Dios, el vulgar ilustre es el que permite al poeta hacer que las palabras se adecuen a lo que deben expresar, y que no podría expresarse de otra manera.  De esta atrevida concepción de su propio papel de restaurador de la lengua perfecta deriva el hecho de que Dante, más que criticar la multiplicidad de las lenguas, pone de relieve su fuerza casi biológica, su capacidad de renovarse, de cambiar en el tiempo. Porque precisamente sobre la base de esta sostenida creatividad lingüística puede proponerse inventar una lengua perfecta moderna y natural, sin la necesidad de ir en busca de modelos perdidos. Si un hombre del temple de Dante hubiera creído realmente que el hebreo inventado por Adán era la única lengua perfecta, habría aprendido el hebreo y en hebreo habría escrito su poema. No lo hizo porque creía que el vulgar que él tenía que inventar correspondería a los principios de la forma universal otorgada por Dios mejor de lo que podía hacerlo el hebreo adánico. Dante pretende ser un nuevo (y más perfecto) Adán”.

La búsqueda de la lengua perfecta, Umberto Eco

#dante alighieri #adan #paraiso #lingua adamica

[naran-blr]

Averil Mary Burleigh, nacida como Averil Mary Dell (1883-1949) pintora británica.

Nació en Hassocksin West Sussex y pasó a estudiar en la Escuela de Arte de Brighton.

Se casó con el pintor Charles Burleigh y vivieron y trabajaron juntos como artistas en Hove y Sussex. Diseñaron una casa con un gran estudio en el último piso iluminado por el sol.

Su hija Verónica, que también se convertiría en una artista notable, nació allí en 1909. La familia nunca se hizo rica con sus obras y, a menudo, confió en el talento de Burleigh para comprar y vender acciones.

En 1911, Averil Burleigh ilustró un libro de poesía de John Keats y pasó a ilustrar obras de Shakespeare.

En 1913 apareció en la revista Studio. En 1927, Averil Burleigh ilustró Thistledown de Leolyn Louise Everett.

Desde 1939 fue miembro de la Real Sociedad de Pintores en Acuarelas.

Con sede en Sussex , Burleigh era conocida por pintar al temple al huevo y el tema generalmente involucraba una figura central, aunque también trabajó con tiza y acuarela. Su marido y su hija también pintaron, pero ella es la mejor considerada de los tres.

Con frecuencia, sus obras retratan temas decorativos renacentistas, generalmente dominados por una figura femenina que regularmente sigue el modelo de su hija, Veronica Burleigh.

Sin embargo, también se sabe que Burleigh completó imágenes de naturalezas muertas y flores. A lo largo de su carrera, el estilo prerrafaelita de Burleigh se desarrolló hacia un estilo más libre.

Averil Burleigh enfermó gravemente en la década de 1940 y murió en 1949. Poco antes de morir, fue elegida asociada de la Royal Watercolour Society .

Le ponemos cara, pintada por su marido.

#pintoras británicas

[guitarts3]

Explorando Guitarras Clásicas En Venta: Desvelando las Guitarras de Palo Escritas

Supongamos que es usted un aficionado o un músico profesional en busca de un instrumento de cuerda que no sólo se haga eco de melodías intemporales, sino que también tenga un significado histórico. Quizá las guitarras clásicas sean la mejor opción para usted. Famosas por sus tonos ricos y cálidos y su artesanía distintiva, las guitarras clásicas han cautivado a los músicos durante siglos. Sin embargo, dentro de este reino de las guitarras clásicas se esconde un tesoro único y menos conocido: las guitarras Written Stick, que ofrecen una mezcla de tradición e innovación..

Las guitarras clásicas son un testimonio de la herencia musical, cuyos orígenes se remontan a los periodos renacentista y barroco. Fabricadas con precisión y delicadeza, estas guitarras cuentan con cuerdas de nylon que producen un sonido más suave y resonante en comparación con las guitarras de cuerdas de acero. Su versatilidad permite a los intérpretes explorar una amplia gama de géneros musicales, desde composiciones clásicas hasta piezas contemporáneas, lo que las convierte en las favoritas de músicos de todo el mundo.

A la hora de buscar Venta De Guitarras Clásicas, hay que tener en cuenta varios factores, como las maderas, el acabado y la facilidad de ejecución. Las guitarras clásicas de alta calidad se construyen normalmente con maderas como el abeto, el cedro o la caoba para la caja de resonancia, y con palisandro, ébano o arce para el fondo y los aros. El meticuloso ensamblaje y la atención al detalle por parte de luthiers expertos garantizan un equilibrio armonioso entre estética y calidad de sonido, dando como resultado instrumentos que inspiran la creatividad y la expresión musical.

En el mundo de la guitarra clásica, existe un instrumento menos conocido pero intrigante: la guitarra Written Stick. Combinando la elegancia de las guitarras clásicas con un toque de innovación, las guitarras Written Stick se fabrican con un diseño único que incluye inscripciones, notas o incluso poesía grabada en el instrumento. Esta característica distintiva no sólo añade un toque artístico, sino que también narra historias y emociones a través del propio instrumento, convirtiéndolo en una pieza apreciada por coleccionistas y músicos que buscan algo excepcional.

Estas guitarras a menudo incorporan la artesanía tradicional con técnicas modernas, ofreciendo a los músicos una mezcla de significado histórico y estética contemporánea. Las guitarras Written Stick sirven de puente entre el pasado y el presente, celebrando la herencia musical al tiempo que abrazan la creatividad y la individualidad.

Para los músicos y coleccionistas interesados en explorar las guitarras clásicas, incluidas las raras guitarras de palillo escrito, las plataformas en línea como esta página ofrecen una amplia colección para satisfacer diversas preferencias. Este sitio web ofrece una cuidada selección de guitarras clásicas, que incluye modelos tradicionales y variaciones únicas como las Guitarras de palo escrito, lo que garantiza un abanico de opciones tanto para entusiastas como para profesionales.

Conclusión

Las guitarras clásicas son un testimonio del arte atemporal y la herencia musical que sigue cautivando a generaciones de músicos. Dentro de este ámbito, las guitarras Written Stick añaden un toque distintivo, fusionando la tradición con la innovación y la narración. Ya sea que uno busque la elegancia clásica de las guitarras clásicas tradicionales o el encanto único de las guitarras Written Stick, plataformas como guitarts.com.mx sirven como puerta de entrada a un mundo de tesoros musicales, ofreciendo una diversa gama de instrumentos para adaptarse a las preferencias individuales y viajes musicales.

[armatofu]

Garcilaso de la Vega

(Toledo, 1501? - Niza, 1536) Poeta renacentista español. Perteneciente a una noble familia castellana, Garcilaso de la Vega participó ya desde muy joven en las intrigas políticas de Castilla. En 1510 ingresó en la corte del rey Carlos I y tomó parte en numerosas batallas militares y políticas. Participó en la expedición a Rodas (1522) junto con Juan Boscán y en 1523 fue nombrado caballero de Santiago.

En 1530 Garcilaso se desplazó con Carlos I a Bolonia, donde el monarca fue coronado emperador. Permaneció allí un año hasta que, debido a una cuestión personal mantenida en secreto, fue desterrado a la isla de Schut, en el Danubio, y después a Nápoles, donde residió a partir de entonces. Habiendo sido herido de muerte en combate durante el asalto a la fortaleza de Muy (Provenza), Garcilaso fue trasladado a Niza, donde murió.

Su escasa obra conservada, escrita entre 1526 y 1535, fue publicada póstumamente junto con la de Juan Boscán en Barcelona, bajo el título de Las obras de Boscán con algunas de Garcilaso de la Vega (1543), libro que inauguró el Renacimiento literario en las letras hispánicas. Sin embargo, es probable que antes hubiera escrito poesía de corte tradicional, y que fuese ya un poeta conocido.

Garcilaso se sumó rápidamente a la propuesta de su amigo Juan Boscán de adaptar el endecasílabo italiano a la métrica castellana, tarea que llevó a cabo con mejores resultados, puesto que adoptó un castellano más apto para la acentuación italiana y la expresión de los nuevos contenidos poéticos, de tono neoplatónico, propios de la poética italiana renacentista.

Muchas de sus composiciones reflejan la pasión de Garcilaso por la dama portuguesa Isabel Freyre, a quien el poeta conoció en la corte en 1526 y cuya muerte, en 1533, le afectó profundamente. Los cuarenta sonetos y las tres églogas que escribió se mueven dentro del dilema entre la pasión y la razón que caracteriza la poesía petrarquista; en estos poemas el autor recurre, como el mismo Petrarca, al paisaje natural como correlato de sus sentimientos, mientras que las imágenes de que se sirve y el tipo de léxico empleado dejan traslucir la influencia de Ausiàs March. Escribió también cinco canciones, dos elegías, una epístola a Boscán y tres odas latinas, inspiradas en la poesía de Horacio y Virgilio.

Cómo citar este artículo: Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. «Biografia de Garcilaso de la Vega». En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/garcilaso.htm [fecha de acceso: 7 de octubre de 2023].

[linnydreamy]

ઇ 𝔏𝔞 𝔳𝔦𝔰𝔦𝔬𝔫 𝔈𝔲𝔯𝔬𝔠𝔢𝔫𝔱𝔯𝔦𝔰𝔱𝔞 𝔡𝔢 𝔩𝔞𝔰 ℜ𝔢𝔩𝔦𝔤𝔦𝔬𝔫𝔢𝔰 𝔍𝔲𝔡𝔢𝔬𝔠𝔯𝔦𝔰𝔱𝔦𝔞𝔫𝔞𝔰 ଓ

Recientemente me dí cuenta de algo muy interesante y revelador acerca de las religiones judeocristianas. Y para eso hay que tomar en cuenta que yo soy una persona sumamente espiritual, mas no religiosa. No sigo dogmas ni instituciones que tratan de controlar la fé y el alma.

Pero, amo el arte sacro. Me encantan las pinturas renacentistas, barrocas, romanticistas y góticas; todas esas corrientes artísticas donde se retrata la divinidad, y contiene todos esos elementos religiosos como el cielo, los ángeles, querubines, la virgen María, Dios,cruces, entre otros elementos.

Se retrata esa pureza y gloria que conlleva ser cristiano y se ve aspiracional. Uno quiere sentir esa divinidad y al reino de Dios dentro y sobre de tí con toda su magnificencia. Y me parece curioso porque al menos en algunas corrientes artísticas, como lo fue el Barroco, surgió como una necesidad de la Iglesia católica de llamar y recuperar gente después del Protestantismo.

Y puedo decir que en definitiva lo lograron, porque gente como yo, se siente profundamente atraído a toda su estética y su concepto artístico, que muchas veces me la he pensado en volver a formar parte de la Iglesia. Incluso en la música, se vió ese impacto con los canto gregorianos que personalmente son de mis favoritos para cantar.

En uno de esos arranques de volver a reeconectar con esa espiritualidad y reconciliarme con la iglesia, decidí leer la Biblia para sentir esa divinidad en forma de poesía y sentir el espíritu santo dentro de mí. Pero al leerla, me dió una impresión completamente diferente, no era lo que esperaba en lo absoluto.

Para empezar, yo esperaba un tipo de escritura más poética, cosa que solo en los salmos pude encontrar y donde encontré lo más rescatable. En segundo, esperaba encontrar en sus lecturas una experiencia espiritual donde sintiera que la luz de Dios entrara en mí, pero no; no sentí nada, solo encontré muchas plegarias y oraciones donde veneraba a Dios, y personalmente me incomodó porque yo no quiero venerar a nadie, yo quiero sentir el espíritu y jamás se presentó entre sus páginas algo para sentirme parte de Dios, somos seres espirituales aprendiendo a volver a ser ángeles y con muchas plegarias me sentía mas bien como algo insignificante y pretendían que me dejara llevar por eso. Y por último, en los relatos "históricos" uno al leerla piensa que se verá el cielo como en las pinturas barrocas, pero la imagen que se me vino a la cabeza en todo lo que leí en la Biblia, fue un desierto, pobreza, civilizaciones antiguas y culturas del medio oriente.

Y allí es donde me dí cuenta que las religiones judeocristianas, en especial la religión católica romana, tiene una visión completamente eurocentrista, vemos solo lo que nos dejaron las corrientes europeas artísticas de esos años. Y es jodidamente confuso para mí porque de donde yo vengo en mis raíces familiares y culturales está muy presenta esa visión y no sé como la gente puede seguir su espiritualidad cuando la realidad es muy diferente. El tipo de arte y estética que para mí respeta mucho la verdadera visión de la religión, fué el Judaísmo, la Cábala e incluso el Islam.

Me pareció interesante éste descubrimiento y cómo nos hace mucha desconolización en todos los ámbitos incluso en la religión.

#𝔏ιᥒᥒᥡ ʚїɞ #me #angelcore #my diary #religous trauma #morute #writing #just girly thoughts

[placapetri]

El pensamiento renacentista y las artes (I)

"Aunque los términos 'Arte' y 'Bellas artes' se identifiquen a menudo con las artes visuales exclusivamente, nosotros las entenderemos en un sentido más amplio. Desde esta perspectiva más amplia, el término 'Arte' comprende sobre todo las cinco grandes artes de la pintura, la escultura, la arquitectura, la música y la poesía. Estas cinco artes constituyen el núcleo irreductible del sistema moderno de las artes (...) a veces se añaden (...) el cuidado del jardín, el grabado y las artes decorativas, la danza y el teatro, la ópera, la elocuencia y la literatura en prosa.

Esta noción básica de que las cinco 'artes mayores' constituyen todo un universo por sí solas, separadas claramente, gracias a características comunes, de los oficios, las ciencias y otras actividades humanas (...) no ha sido impugnada (...) es también empleada libremente por los críticos de arte y literatura que dicen no creer en la 'estética' (...)

Es mi propósito mostrar que este sistema de las cinco artes mayores, que subyace a toda la estética moderna es de un origen relativamente reciente y que no adoptó esta forma definitiva antes del siglo XVIII, aunque posea muchos ingredientes que se remonten al pensamiento clásico, medieval y renacentista (...) [pretendo hablar] del hecho de que estas distintas artes aparezcan 'juntas'. Esta cuestión no afecta directamente a los cambios o logros concretos de dichas artes, sino más bien a sus relaciones recíprocas y su lugar en el marco general de la cultura occidental."

#paul oskar kristeller

[elmartillosinmetre]

Una ópera sobre la creación

[Un momento del estreno de ‘Renacer’ el pasado 27 de noviembre en el Teatro Odeón de Viena. / MARKUS SEPPERER - WIEN MODERN]

Alberto Carretero presenta en el Espacio Turina ‘Renacer’, una vídeo-ópera que acaba de estrenarse en el Teatro Odeón de Viena

En conversación mantenida con este periódico el pasado jueves, Alberto Carretero (Sevilla, 1985) se mostraba exultante tras el estreno en Viena el 27 de noviembre de Renacer, una vídeo-ópera nacida gracias a la Beca Leonardo de la Fundación BBVA: “El público reaccionó de forma muy calurosa y las críticas han sido muy buenas. Estoy contentísimo de haber podido presentar este trabajo en una ciudad tan emblemática para la música como Viena, en un festival tan importante como Wien Modern, en un teatro histórico como el Odeón. Y muy agradecido a la Fundación BBVA, que se involucró de lleno en el proyecto. Espero que en Sevilla vaya todo igual de bien.”

Renacer es una coproducción entre el Ensemble Phace, el Festival Wien Modern y el Espacio Turina, que la presenta el próximo martes dentro de su ciclo D X M (Drama x Música). La idea nació de la voluntad de fundir un ciclo de poemas de Francisco Deco, gran especialista en la poesía y el arte experimental y de vanguardia, “que estaba trabajando sobre conceptos que tenían que ver con el artista y la germinación de su trabajo creativo” y unas acuarelas de Juan Lacomba, “que tenían como objeto la naturaleza de la marisma”. Para crear una dramaturgia con todo eso “incluimos en el proyecto a Miguel Alonso, de Cyan Animática, que es quien pone en movimiento las pinturas de Lacomba”.

Dividida en tres secciones (“Colores ácidos”, “Colores oscuros”, “Colores claros”), la obra no tiene una línea narrativa convencional, sino que “es más bien como una serie de círculos concéntricos o una espiral que te va llevando a otro nivel. Hay muchas capas de comprensión, uno tiene que ir de alguna manera navegando entre toda esa lluvia de estímulos; todos giran en torno al mismo tema, la creación, la germinación, lo que tiene que nacer, lo que renace, toda esa fuerza de lo que es creado”.

La obra está instrumentada para siete solistas (flauta, clarinete, trompeta, trombón, percusión, violín y contrabajo) que serán del Ensemble Phace, conjunto vienés que tiene por director artístico a Reinhard Fuchs, aunque para la ocasión será dirigido por el asturiano Nacho de Paz (Oviedo, 1974), un maestro especializado en la música de los siglos XX y XXI. Se incluye también la voz de Johanna Vargas, una soprano colombiana “que tiene una paleta de colores inmensa y un registro amplísimo, desde graves muy graves hasta agudos de vértigo. Ella interpreta los poemas, que se cantan, se dicen, se gritan, se susurran... Utilizo muchas capas en esos ciclos de renacimiento, esas espirales, que también tienen un reflejo en la voz, que va mutando, a veces puede recordar a una cantante renacentista, otras veces a una cantante de jazz, otras a una mujer mayor, a una mujer joven, va cambiando mucho…”.

[Nacho de Paz y Alberto Carretero saludando al final de la interpretación en Viena. / MARKUS SEPPERER - WIEN MODERN]

La producción exige además un ingeniero de sonido (que será Alfred Reiter), ya que Renacer incluye una parte electrónica, una cinta electroacústica, “que se escucha en falso tiempo real. Está todo grabado, pero en algunos momentos crea la ilusión de estar modificando lo que sucede en la escena, parece que reacciona a los sonidos que llegan de ella”.

El de la vídeo-ópera es un género que tiene una historia reciente, pero ya con títulos significativos como An Index of Metals de Fausto Romitelli (que presentó en Sevilla Zahir Ensemble el año 2016) o The Cave de Steve Reich. Al público no especialmente familiarizado con la música contemporánea que quiera acercarse al Espacio Turina, Carretero recomienda “ir sin ningún tipo de prejuicios. Lo que verá es un espectáculo para los sentidos. Hay que dejarse llevar por ese laberinto y no tratar de buscar inmediatamente las salidas, la salida llegará (o no). Ahora bien, quien espere escuchar La Bohème ya le digo que no va a ser La Bohème, una obra maravillosa, por otro lado”.

[Diario de Sevilla. 5-12-2022]

Un poema de Francisco Deco para Renacer

según Leonardo el aire perfecto para hacer un retrato se obtiene en un patio casi cerrado de paredes negras al atardecer o cubierto por una vela de lino se trata de alcanzar la dulzura de los rostros que se ven por la calle un día de lluvia cuando se hiere una muchacha las mejillas y se altera la percepción del spleen para buscar sólo la esencia siendo la pintura como la poesía una forma de cambiar la vida y una preparación para la muerte

#alberto carretero.ensemble phace #nacho de paz #johanna vargas #francisco deco #juan lacomba #miguel alonso #fausto romitelli #steve reich #zahir enesmble #música #music

[ochoislas]

ELEGÍA CONTRA LOS LEÑADORES DEL BOSQUE DE GASTINE

[...]

Escucha, leñador, detén un tanto el brazo: más que selva es aquello que en tierra derribas; ¿no ves correr acaso la sangre a raudales de ninfas que moraban bajo la corteza? Matancero sacrílego, ¿si un ladrón cuelgan por robar un botín de menguado valor, cuantos fuegos y cepos, muertes y suplicios no merecerás tú, que nuestras diosas matas?

¡Selva, de nemorosas aves alto albergue! Ya el ciervo solitario y los ligeros corzos no guardarán tus sombras, ni tu verde crin empecerá la luz de ardiente sol de estío. Ya el zagal amoroso, apoyado en un tronco, su pífano de tres agujeros hinchiendo, a los pies el mastín, la cayada al costado, no cantará el ardor de su linda Juanilla: todo tornará mudo; y sin voces el eco; te tornarás campiña, y en vez de tu espesura, que menea despacio sombras vagarosas, sentirás del arado el dental y la reja. Perderás tu quietud, tus sátiros y panes, no esconderá la cierva sus aleros contigo.

[...]

¡Desventurado aquél que pone fe en el mundo! ¡Oh dioses, qué veraz es la filosofía! ¡que toda cosa, dice, ha de morir al fin, y, mudando de forma, revestir lo nuevo! De Tempe la vaguada un día será cima, y el Atos encumbrado una vasta campaña; Neptuno alguna vez las mieses cubrirán: la materia perdura y se pierde la forma.

*

ÉLÉGIE CONTRE LES BUCHERONS DE LA FOREST DE GASTINE

[...]

Escoute, Bûcheron, arreste un peu le bras : Ce ne sont pas des bois que tu jettes à bas ; Ne vois-tu pas le sang, lequel dégoûte à force, Des Nymphes qui vivoient dessous la dure escorce ? Sacrilège meurtrier, si on pend un voleur Pour piller un butin de bien peu de valeur, Combien de feux, de fers, de morts, et de détresses Merites-tu, meschant, pour tuer nos Déesses ?

Forest, haute maison des oiseaux bocagers ! Plus le cerf solitaire et les chevreuls légers Ne paistront sous ton ombre, et ta verte crinière Plus du soleil d’esté ne rompra la lumière. Plus l’amoureux pasteur sur un tronc adossé, Enflant son flageolet à quatre trous persé, Son mastin à ses pieds, à son flanc la houlette, Ne dira plus l’ardeur de sa belle Janette : Tout deviendra muet ; Echo sera sans vois ; Tu deviendras campagne, et, en lieu de tes bois, Dont l’ombrage incertain lentement se remue, Tu sentiras le soc, le coutre, et la charrue. Tu perdras ton silence, et Satyres et Pans, Et plus le cerf chez toy ne cachera ses fans.

[...]

Que l’homme est malheureux qui au monde se fie ! Dieux, que véritable est la philosophie, Qui dit que toute chose à la fin périra, Et qu’en changeant de forme, une autre vestira ! De Tempe la vallée, un jour, sera montagne, Et la cyme d’Athos, une large campagne ; Neptune, quelquefois, de blé sera couvert : La matière demeure et la forme se perd.

Pierre de Ronsard

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#Pierre de Ronsard #literatura francesa #poesía renacentista #La Pléiade #elegía #dicterio #bosque #silvestre #mudanza #di-versiones©ochoislas

[cmatain]

«Lo primero que sorprende, al considerar la inmensa labor del príncipe del ingenio [Quevedo], es su variedad deslumbradora. Todos los géneros ha cultivado: la Filosofía, la Teología, la Moral, la Crítica, la Filología, la Política, la Sátira, la Novela, el Teatro, la Poesía en cada uno de sus órdenes. Nada le es ajeno; y así, sus obras constituyen una verdadera biblioteca: algo abrumador y sin rival, pues si en la unidad le sobrepuja Lope de Vega, en la diversidad le queda por debajo. Y lo más peregrino es que a sus producciones no puede aplicárseles (como a las de tantos escritores insignes) aquellas palabras de nuestro Valerio: Sunt bona, sunt quaedam mediocria, sunt mala plura; Porque don Francisco de Quevedo de todo escribió, pero de todo escribió bien. Esta poligrafía se explica perfectamente por el temperamento renacentista del autor, sin duda el último de los renacentistas españoles y acaso de los pocos que prolongaron en su siglo el rayo libre del Renacimiento, que, nutriéndose de imitaciones paganas, hacía la revolución con el método experimental. La variedad de Quevedo no deja, sin embargo, de ir animada de cierta unidad: la sátira. Por poliforme que sea el autor, en todas sus obras alienta el satírico; en todas (más o menos velado) apunta un deseo de reformación. No hay decadencia que no produzca un satírico; la española, como grande que fue, produjo al gran Quevedo; de aquí que pueda llamársele el campeón del buen pasado; y de aquí también que él propendiera insensiblemente a los escritores, no de la edad de oro, sino más bien próximos a la decadencia: Luciano, Juvenal, Séneca, Tácito, Marcial. No hay sino evocar la época para explicarse a Quevedo.» Texto: Luis Astrana Marín, «Introducción general» a _Obras completas de don Francisco de Quevedo Villegas. Obras en prosa_, Madrid, Aguilar, 1932, p. V. Imagen: retrato de Francisco de Quevedo incluido en Francisco Pacheco, _El libro de descripción de verdaderos retratos de ilustres y memorables varones_, Sevilla, s. i., 1599. #Literatura #SiglodeOro #Quevedo #FranciscodeQuevedo #LuisAstranaMarín https://www.instagram.com/p/Cgv9SiNMoNh/?igshid=NGJjMDIxMWI=

#literatura #siglodeoro #quevedo #franciscodequevedo #luisastranamarín

[betoxalapa]

EL ACTO SAGRADO DE ESCRIBIR POESÍA / Autor: Carlos Eduardo Lamas Cardoso

EL ACTO SAGRADO DE ESCRIBIR POESÍA / Autor: Carlos Eduardo Lamas Cardoso

A través de los años y de la historia, la poesía ha sido el género literario más sublime, sobresaliendo por la belleza de su contenido y la exquisitez de sus formas.Desde la época renacentista y hasta la modernidad, aunque debemos recordar que se han encontrado textos poéticos egipcios de más de veinte siglos AC, grandes e inspirados poetas nos han dejado su obra para nuestro deleite.Hoy más que…

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[schooloffeminism]

#Herstory #UnDíaComoHoy Marguerite Annie Johnson, conocida como #MayaAngelou (San Luis, Misuri; 4 de abril de 1928-Winston-Salem, Carolina del Norte; 28 de mayo de 2014), fue una #escritora, #poeta, #cantante, #feminista y #activista por los derechos civiles estadounidense. Publicó 7 autobiografías, 3 libros de ensayos y varios libros de poesía. Participó en una larga lista de musicales, obras teatrales, películas y programas de tv. Recibió docenas de premios y más de 50 títulos honoríficos. Fue muy conocida por su serie de 7 autobiografías, la primera de las cuales, I Know Why the Caged Bird Sings (1969), que describe el peso de la segregación racial en su infancia y adolescencia, le valió el reconocimiento internacional. A los 8 años, el novio de su madre, Freeman, abusó sexualmente de ella. Maya se lo contó a su hermano y este al resto de la familia. Hubo un juicio, en el que Maya testificó, y a Freeman se le declaró culpable (abandonó la cárcel poco después). Cuatro días más tarde fue asesinado, quizás a manos de los tíos de Maya. La experiencia traumatizó a Maya y dejó de hablar durante casi 5 años. En su primera autobiografía explicó: "Creí que mi voz lo había matado; maté a ese hombre, porque dije su nombre. Y después pensé que nunca volvería a hablar, porque mi voz podría matar a cualquiera." Fue en ese periodo de silencio cuando desarrolló su increible memoria, su amor por los libros y la literatura y su habilidad de observar el mundo. Descrita como «mujer renacentista» se convirtió en autora y poeta después de ejercer diversas profesiones. Fue activa en el Movimiento por los Derechos Civiles y colaboró con Martin Luther King, Jr. y Malcolm X. En 1993, Angelou recitó "On the Pulse of Morning" en la inauguración de Bill Clinton, convirtiéndose, en la primera poeta en participar en una inauguración presidencial desde Robert Frost (John F. Kennedy, 1961). Con I Know Why the Caged Bird Sings, demostró su solvencia con la autobiografía, especialmente importante para la minoría afroamericana por constituir un foro abierto en el que informar sobre la triste condición de su raza, exponer los detalles de su lucha y promover una sociedad más justa. https://www.instagram.com/p/CeG781kDdS3/?igshid=NGJjMDIxMWI=

#herstory #undíacomohoy #mayaangelou #escritora #poeta #cantante #feminista #activista

[nosvemosenprimerafila]

La hermosa historia oculta tras el "Hierático" de Coque Tornado........ Tuvimos la suerte de estrenarlo en exclusiva en nuestro programa, pero ya lo tenéis disponible en todas las plataformas digitales para oirlo en bucle. Músico oriundo de Toledo cuyo nombre apareció en el 2018 junto con el primer disco "24 años de éxitos". Coque nació en los años 80 y fue popero en los 00 por eso hay tanto de esa música en sus ya tres discos.  "El Toledano" e "Invisible" fueron publicados en el 2021. Va a por el cuarto este año, "Invisible otra vez qué remedio" o quizás otro nombre, pero ese refleja su condición sine qua non. Presentamos su nueva canción titulada “Hierático”. Un post-punk lleno de matices ochenteros. Al escucharlo te transporta a la Edad de Oro descubriendo a un nuevo grupo independiente de vanguardia de esos que no vienen de multinacionales.  La canción ha sido totalmente producida e interpretada por Coque en su estudio a las afueras de Toledo dándole más valía a su prolífico proyecto. ”Hierático es una palabra que descubrí gracias a mi primo, cuando teníamos 18 años y él 20 fuimos a una excursión a Marruecos con mucha gente. En un autobús íbamos juntos y yo no paraba de hablar, con mi carrete feliz habitual. Cuando vi que no, paré y me puse serio mirando al frente, solemne. -”¿Qué te pasa? Te has quedado hierático” -¿Qué significa? - le contesté.    Siempre aprendía muchas palabras suyas. Era muy leído y culto. Manido es otra palabra que me descubrió mientras hablábamos de arte y también la he incluido en la canción. Es un bonito homenaje, ha pasado un año desde que la pandemia se lo llevó.  En el resto de la canción hay una campanilla, como la de Peter Pan con la que hablo mientras canto. Me acompaña de fondo en los estribillos. Y me contesta a la pregunta “¿quieres seguir cantando?”. Es poesía. #coquetornado #elefectotornado #invisible #hieratico #inclasificable #renacentista #mocactor #Toledo #autoproducido #synthpop #pop #punk #dreampop #jpop #kpop #toledanpop #indietronica #electropop #bubblepop (en Tornado) https://www.instagram.com/p/CdxRQSajk4D/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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[arleth-h]

-El sin fin de palabras que salen de mi mente cuando te veo, me permiten escribirte las más cautivas palabras. Extrañamente la tristeza me carcome y no puedo escribirte más que relámpagos y truenos, disculpa si no puedo decirte más de lo que mis pensamientos desearían hablarte. -Nada me podía poner más tonto, le dije lo que menos quería que supiera, ella me miró fijamente, sus ojos eran tan perfectos, pero no podía tenerlos, a lo que ella me contestó.

-Si de tus pensamientos no han de salir más que mil palabras derrumbantes, déjame llevarte al otro lado del acantilado, no quiero ser la que te escribe cada invierno, prefiero de ti no ser nada a que me retumben tus palabras llenas de catastróficos versos.

"El principio del final", escrito por Arleth.

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[armatofu]

Luis de Góngora y Argote

(Córdoba, España, 1561-id., 1627) Poeta español. Nacido en el seno de una familia acomodada, estudió en la Universidad de Salamanca. Nombrado racionero en la catedral de Córdoba, desempeñó varias funciones que le brindaron la posibilidad de viajar por España. Su vida disipada y sus composiciones profanas le valieron pronto una amonestación del obispo (1588).

En 1603 se hallaba en la corte, que había sido trasladada a Valladolid, buscando con afán alguna mejora de su situación económica. En esa época escribió algunas de sus más ingeniosas letrillas, trabó una fecunda amistad con Pedro Espinosa y se enfrentó en terrible y célebre enemistad con su gran rival, Francisco de Quevedo. Instalado definitivamente en la corte a partir de 1617, fue nombrado capellán de Felipe III, lo cual, como revela su correspondencia, no alivió sus dificultades económicas, que lo acosarían hasta la muerte.

Aunque en su testamento hace referencia a su «obra en prosa y en verso», no se ha hallado ningún escrito en prosa, salvo las 124 cartas que conforman su epistolario, testimonio valiosísimo de su tiempo. A pesar de que no publicó en vida casi ninguna de sus obras poéticas, éstas corrieron de mano en mano y fueron muy leídas y comentadas.

En sus primeras composiciones (hacia 1580) se adivina ya la implacable vena satírica que caracterizará buena parte de su obra posterior. Pero al estilo ligero y humorístico de esta época se le unirá otro, elegante y culto, que aparece en los poemas dedicados al sepulcro de El Greco o a la muerte de Rodrigo Calderón. En la Fábula de Píramo y Tisbe (1617) se producirá la unión perfecta de ambos registros, que hasta entonces se habían mantenido separados.

Entre 1612 y 1613 compuso los poemas extensos Soledades y la Fábula de Polifemo y Galatea, ambos de extraordinaria originalidad, tanto temática como formal. Las críticas llovieron sobre estas dos obras, en parte dirigidas contra las metáforas extremadamente recargadas, y a veces incluso «indecorosas» para el gusto de la época. En un rasgo típico del Barroco, pero que también suscitó polémica, Góngora rompió con todas las distinciones clásicas entre géneros lírico, épico e incluso satírico. Juan de Jáuregui compuso su Antídoto contra las Soledades y Quevedo lo atacó con su malicioso poema Quien quisiere ser culto en sólo un día... Sin embargo, Góngora se felicitaba de la incomprensión con que eran recibidos sus intrincados poemas extensos: «Honra me ha causado hacerme oscuro a los ignorantes, que ésa es la distinción de los hombres cultos».

El estilo gongorino es sin duda muy personal, lo cual no es óbice para que sea considerado como una magnífica muestra del culteranismo barroco. Su lenguaje destaca por el uso reiterado del cultismo, sea del tipo léxico, sea sintáctico (acusativo griego o imitación del ablativo absoluto latino). La dificultad que entraña su lectura se ve acentuada por la profusión de inusitadas hipérboles barrocas, hiperbatones y desarrollos paralelos, así como por la extraordinaria musicalidad de las aliteraciones y el léxico colorista y rebuscado.

Su peculiar uso de recursos estilísticos, que tanto se le criticó, ahonda de hecho en una vasta tradición lírica que se remonta a Petrarca, Juan de Mena o Fernando de Herrera. A la manera del primero, gusta Góngora de las correlaciones y plurimembraciones, no ya en la línea del equilibrio renacentista sino en la del retorcimiento barroco. Sus perífrasis y la vocación arquitectónica de toda su poesía le dan un aspecto oscuro y original, extremado si cabe por todas las aportaciones simbólicas y mitológicas de procedencia grecolatina.

Su fama fue enorme durante el Barroco, aunque su prestigio y el conocimiento de su obra decayeron luego hasta bien entrado el siglo XX, cuando la celebración del tercer centenario de su muerte (en 1927) congregó a los mejores poetas y literatos españoles de la época (conocidos desde entonces como la Generación del 27: Federico García Lorca, Rafael Alberti, Dámaso Alonso, Jorge Guillén, Pedro Salinas, Luis Cernuda y Miguel Hernández, entre otros) y supuso su definitiva revalorización crítica.

Cómo citar este artículo: Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. «Biografia de Luis de Góngora y Argote». En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gongora.htm [fecha de acceso: 7 de octubre de 2023].