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Parcial 3: Absolutismo Lado A - Hôtel de Soubise, Grupo 3

Comparación Gráfica - Hôtel de Soubise y Palazzo Chiericati: Arquitectura Exterior

Integrantes del grupo 3:

Lisa Palacios

César Castillo

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Parcial 3: Absolutismo Lado A - Hôtel de Soubise, Grupo 3

Experiencia Personal

La evaluación se basó en grupos previamente determinados en donde a cada uno le fue asignado una edificación del periodo barroco absolutista francés, español, inglés o alemán. Toda la información investigada sobre la edificación se debía exponer concisamente el día del parcial en 10 minutos.

Al igual que con los parciales 1 y 2, esta dinámica me pareció efectiva, puesto que lleva a los estudiantes a retener la información necesaria, comprendiéndola y sintetizándola para luego exponerla en un corto lapso de tiempo donde más que dar análisis detallados, se debe ir directo al grano, apelando a los puntos claves.

En general, me pareció una modalidad evaluativa práctica para el aprendizaje y para aplicarla no sólo a las demás áreas de la carrera, sino en la vida diaria como una habilidad para resolver problemas y tener un mejor pensamiento crítico.

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Tema 9 - Ensayo: Farinelli (1994 )

La película "Farinelli" ofrece un relato psicológico y existencial especulativo de la vida de Carlo Broschi, el famoso castrato cuyo nombre artístico fue Farinelli, y su relación con su hermano, el compositor Riccardo Broschi. La película toma una licencia dramática con muchos detalles específicos, centrándose en la tensión central entre los hermanos y la experiencia de Farinelli como castrato.

Contexto histórico

"Farinelli" está ambientada en el siglo XVIII, una época de florecimiento artístico, intriga política y transformación cultural en el barroco europeo. La película hace una aproximación a la vida de Carlo Broschi, conocido hoy en día como el legendario Farinelli, el más reconocido de los cantantes castrati. Los castrati eran cantantes masculinos que fueron castrados antes de la pubertad para preservar sus voces agudas; así, de adultos, podrían mantener una voz cercana a la femenina, pero más potente, flexible y penetrante. La vida de Farinelli se desarrolla en el contexto de las cortes europeas, donde la música jugó un papel central. Su estatus como cantante oficial de la corte del rey Felipe V de España refleja la obsesión de la época por la ópera y el mecenazgo cortesano.

La ópera barroca se destacó por su escenografía subversiva y ornamentada, con cambios repentinos y complejos efectos sensoriales y de iluminación. Se utilizaron numerosos decorados, hasta quince o veinte cambios de escenario por actuación. Se inició un gusto por las voces solistas, principalmente las agudas (tenor, soprano), que desembocó en paralelo al fenómeno de los castrati. También se introdujo el canto en vibrato, consistente en fluctuaciones de timbre, tono e intensidad, lo que aportó mayor emotividad a la interpretación.

Teatro San Carlo, Napoli. Recuperado de: enlace

Theatre Royal (Covent Garden) in London. Recuperado de: enlace

Contexto arquitectónico

Los opulentos palacios y teatros de la Europa del siglo XVIII sirven como símbolos arquitectónicos en "Farinelli". La película retrata al Palacio Real de Madrid. La grandeza de este y otros espacios como los teatros italianos, ingleses y alemanes reflejan los excesos del período barroco tardío, con su decoración ornamentada, formas estructurales dramáticas y detalles dinámicos. La arquitectura barroca, como la voz de Farinelli, apuntaba a la trascendencia, uniendo los espacios terrenal y celestial. El lenguaje visual de la película captura esta exuberancia arquitectónica.

Palacio Real de Madrid, Patrimonio Nacional. Recuperado de: https://www.patrimonionacional.es/visita/palacio-real-de-madrid

También, se muestra en la película al Dresden Court Opera House (también conocido como Semperoper).

Este teatro de ópera fue construida con una combinación de varios estilos: el Renacimiento temprano y el Barroco, con pilares de estilo corintio típicos del renacimiento clásico griego. La clasificación más adecuada para describir la arquitectura del teatro sería la de eclecticismo, donde se utilizan influencias de muchos estilos, una práctica más común durante el periodo del Barroco tardío.

Generalmente, los teatros de ópera barrocos tenían las siguientes características:

1. Arco del proscenio: Los teatros presentaban un gran arco del proscenio que separaba el escenario del público. Este arco a menudo estaba elaboradamente decorado con esculturas y diseños ornamentados.

2. Maquinaria escénica: Los escenarios tenían una maquinaria compleja que permitía elaborados cambios de escenario, efectos especiales y efectos de vuelo. Esta maquinaria fue operada por un equipo de tramoyistas expertos.

3. Palcos y balcones: Los teatros de ópera barrocos generalmente tenían múltiples niveles de asientos, incluidos palcos y balcones decorados con intrincadas tallas y escenas pintadas.

4. Foso de orquesta: El foso frente al escenario fue diseñado específicamente para la orquesta y a menudo estaba ubicado más bajo que el escenario. Las paredes del foso están especialmente diseñadas para proporcionar la mejor acústica posible, asegurando que el sonido de la orquesta fluya por todo el teatro sin abrumar la actuación en el escenario.

5. Áreas detrás del escenario: Los teatros de ópera barrocos tenían grandes áreas detrás del escenario para que los artistas se movieran. Estas áreas se usaban a menudo como almacenamiento, camerinos y ensayos. 6. Acústica: Los teatros de ópera barrocos fueron diseñados con una excelente acústica, con superficies reflectantes del sonido y cámaras de resonancia. Esto permitió que la música se escuchara claramente en toda la sala.

Contexto político y cultural

La película critica sutilmente las políticas de mecenazgo, donde los artistas navegaban por alianzas, rivalidades y lealtades cambiantes. El papel de Farinelli como cantante de la corte resalta el delicado equilibrio entre libertad artística y servidumbre. Las maquinaciones políticas detrás de escena reflejan el drama operístico en el escenario, enfatizando la interconexión del arte y el poder. Las presentaciones de los músicos virtuosos no sólo eran expresiones artísticas, sino herramientas políticas.

El caso de la ópera proporciona numerosas ideas sobre el papel de la cultura en las sociedades europeas. La ópera fue un "arte inventado", esto es, fue un tipo de expresión cultural ideado por un grupo de nobles y humanistas florentinos como un medio de expresión artística, mejora de la ciudadanía y cohesión o unión entre las sociedades europeas. La ópera tuvo un rol en la consolidación de nuevos formas de Estado en la población, así como estructuras sociales y económicas; esto lo logró al buscar transmitir un tipo de mensaje político-cultural, donde más que hacer propaganda, buscaba ilustrar el día a día de su contexto, además de encarnar un nuevo enfoque hacia las emociones y la personalidad.

El posterior auge de la ópera pública y comercial más allá de las fronteras italianas ilustra el papel de las nuevas relaciones de producción en la creación de la cultura. El caso de la ópera revela la importancia del desarrollo cultural para las relaciones internacionales, siendo una herramienta conocida en ciencias políticas como "poder blando", donde, en lugar de utilizar medios bélicos o de coerción directa, se apelan por medios culturales que moldeen las perspectivas de las personas con respecto a una nación o comunidad. Es decir, el poder blando es la capacidad de cooptar en lugar de coaccionar; implica moldear las preferencias de los demás a través de la atracción, utilizando la cultura propia, las ideologías nacionales y las políticas exteriores.

Louis XIV in Ballet Royal de la Nuit (1653). Recuperado de: enlace

Performance of La Princesse de Navarre by Jean-Philippe Rameau on 23 February 1745 at the Théâtre de la Grande Écurie, Versailles, as part of the celebrations of the marriage of Dolphin Louis to Maria Theresa of Spain. Recuperado de: enlace

En conclusión, Farinelli es una película que entrelaza elementos históricos, culturales y personales para brindar un relato especulativo de la vida del famoso cantante castrato. Ofrece una ventana al mundo de la ópera del siglo XVIII, la práctica de los castrati y las luchas y triunfos personales de su personaje central, Carlo Broschi. El enfoque de la película en la dinámica familiar, el sacrificio personal y el significado cultural y musical de la voz de Farinelli la convierte en una importante exploración cinematográfica sobre el arte y la sociedad barroca europea.

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Tema 8 - Informe: Sarduy

Imagen recuperada de: Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. «Biografia de Severo Sarduy». En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sarduy.htm

Severo Sarduy, destacado escritor, poeta y crítico del arte procedente de Cuba, ofrece su perspectiva sobre la arquitectura barroca en su ensayo "La Cosmología Barroca: Kepler".

Imagen recuperada de: Biblioteca de Google Drive de Historia de la Arquitectura II

Sarduy profundiza en la intrincada interacción entre la estética barroca y el simbolismo cósmico. Las principales ideas o temas que Sarduy destaca en el texto son las siguientes:

1. La influencia de Kepler

Johannes Kepler, Episode #7 of the course “Unknown Scientists Who Changed The World”. Imagen recuperada de: enlace

Al vincular la estética barroca con temas cósmicos, Sarduy se inspira en Johannes Kepler, el renombrado astrónomo. El innovador trabajo de Kepler sobre el movimiento planetario y la armonía celestial resuena con las formas en espiral y los ritmos dinámicos de la arquitectura barroca. Kepler descubre el movimiento heliocéntrico de los planetas, lo que provoca un cambio de paradigma no sólo en la ciencia, sino en la manera de percibir la existencia humana en general en el siglo XVII, siglo de crisis existenciales y cambios de perspectivas.

La arquitectura barroca, de acuerdo a Sarduy, utiliza estos mismos modelos y figuras de elipses para todo tipo de edificaciones; se trata de una elasticidad del círculo, una "dilatación longitudinal". Ya la estricta perfección y orden del Renacimiento no se toman al pie de la letra. Las concepciones de la cosmología antigua y los órdenes clásicos empiezan a desdoblarse en la arquitectura, llevando a -en palabras de Sarduy- una "dialéctica formal", un diálogo dinámico entre las formas y las posibilidades que existen en ellas.

Extraído de página 185 del libro Ensayos generales sobre el Barroco. 1987

Se pasa de una estricta e inamovible perfección renacentista del círculo a una dinámica y cambiante "imperfección" del elipse, cambiando los puntos focales y la manera de percibir y experimentar el arte y la arquitectura.

Sarduy celebra la visión de Kepler como un puente entre lo terrenal y lo cósmico, reforzando la simbiosis entre arte y ciencia.

Plan of the Late Baroque Basilica of the Fourteen Holy Helpers by Balthasar Neumann, constructed between 1743 and 1772. The altar is in an oval in the center. Reecuperado de: enlace

2. El Barroco como espejo cósmico

Sarduy sostiene que la arquitectura barroca sirve como reflejo del propio cosmos. Las fachadas ornamentadas, los detalles intrincados y las formas dinámicas que se encuentran en las estructuras barrocas reflejan la complejidad y la grandeza del reino celestial. Así como los cielos están repletos de cuerpos celestes, los edificios barrocos rebosan de plasticidad, geometría compleja y transgresión de los órdenes clásicos, creando una sensación de abundancia y exuberancia cósmica.

Palacio de San Telmo in Seville by Leonardo de Figueroa (1682–1754). Recuperado de: enlace

Royal Palace of Amsterdam by Jacob van Campen (1665). Recuperado de: enlace

Baldaquin by Bernini in the Basilica of Saint Peter, Rome (1623–34). Recuperado de: enlace

3. La tensión dinámica entre orden y caos

La arquitectura barroca encarna una tensión entre el orden y el caos, entre la realidad y el engaño, entre lo preciso y lo ambiguo, entre la complejidad y la practicidad para resolverla. Sarduy ve esta tensión como un microcosmos de la lucha cósmica entre las leyes cósmicas y la entropía. La elaborada ornamentación estructural (columnas retorcidas, escaleras de caracol, e ilusiones ópticas) simboliza la danza perpetua entre fuerzas cósmicas. Los arquitectos barrocos buscaron armonizar estos elementos opuestos, creando un delicado equilibrio que resuena con el equilibrio cósmico.

Retable in the Sagrario Chapel of Segovia Cathedral (1686) by Jose Benito de Churriguera, the earliest architect of the Churrigueresque style. Recuperado de: enlace

Interior of the Church of St. Peter and St. Paul in Vilnius, designed by Jan Zaor, Giambattista Frediani and completed in 1701. Recuperado de: enlace

4. La teatralidad del espacio

Para Sarduy, la arquitectura barroca es inherentemente teatral. El juego de luces y sombras, el uso dramático de la perspectiva y la ilusión de movimiento dentro de estructuras estáticas evocan una sensación de actuación. Justo cuando los actores suben al escenario, los edificios barrocos invitan a los espectadores a participar en un drama cósmico. El escenario arquitectónico se convierte en un lienzo para narrativas celestiales, donde los mortales interactúan con fuerzas y conceptos que les trascienden.

Hall of Mirrors in the Palace of Versailles by Jules Hardouin-Mansart (begun 1678–1686). Recuperado de: enlace

Library of the Clementinum, the Jesuit university in Prague (1722). Recuperado de: enlace

5. La búsqueda de la trascendencia

Los arquitectos barrocos buscaban la trascendencia: elevar los espacios terrenales hacia lo divino. Sarduy ve esta aspiración como un reflejo del deseo de la humanidad de conectarse con el cosmos, de la inmortalidad, de lo que está más allá de nuestra existencia limitada y efímera. Las elevadas cúpulas, los intrincados frescos y los motivos celestiales evocan una sensación de ascenso, invitando a los espectadores a trascender la existencia mundana. La arquitectura barroca se convierte en un conducto para la comunión espiritual, uniendo lo terrenal y lo celestial.

Interior view of dome of the Church of the Gesù by Giacomo Barozzi da Vignola, and Giacomo della Porta. Recuperado de: enlace

Oriental Orthodox Church. Smol'nyy Cathedral in St. Petersburg, Russia. Recuperado de: enlace

Asamkirche interior. Recuperado de: enlace

A modo de conclusión personal, puedo decir que este ensayo de Sarduy sobre la arquitectura barroca y su relación con los descubrimientos de Kepler me ayuda a comprender de mejor manera el desarrollo del barroco y cómo se diferenció considerablemente de lo que se venía proyectando durante el Renacimiento y el Manierismo.

Como todo movimiento histórico, el Barroco se produjo en un contexto muy específico donde los nuevos descubrimientos tambaleaban las concepciones que tenían, tal como lo fue el descubrimiento del movimiento heliocéntrico de los planetas.

Los arquitectos y artistas barrocos adaptaron este nuevo entendimiento a sus oficios, abrazando la crisis que trae el cambio, creando cosas nuevas sin olvidar lo que les precedía (los elementos y conceptos clásicos, el orden y la simetría). En la arquitectura barroca, se busca que todos los elementos se vuelvan piezas que contruyan una experiencia, donde la edificación no sólo se recorre, sino que se viviera.

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Mapa de Temas 8, 9 y 10

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Tema 10: Barroco y Absolutismo Lado A - Francia y España

Fuentes:

Boiserie:

Diccionario de la Real Academia Española, Boiserie. Recuperado de: https://dle.rae.es/boiserie.

Wikipedia - La Enciclopedia Libre, Boiserie. https://es.wikipedia.org/wiki/Boiserie

Rocalla: Wiktionary - El diccionario libre, Rocalla. Recuperado de: https://es.wiktionary.org/wiki/rocalla

Mansarda: Wikipedia - La Enciclopedia Libre, Mansarda. Recuperado de. https://es.wikipedia.org/wiki/Mansarda

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Tema 9 - Roma: La ciudad de la eterna rivalidad. Glosario

Fuentes:

Columnata: Wikipedia - La Enciclopedia Libre, Columnata. Recuperado de: https://es.wikipedia.org/wiki/Columnata

Trampantojo: Diccionario de la Real Academia Española, Trampantojo. Recuperado de: https://dle.rae.es/trampantojo

Galería: Wikipedia - La Enciclopedia Libre, Galería. Recuperado de: https://es.wikipedia.org/wiki/Galer%C3%ADa_(arquitectura)

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Tema 8 - Barroco, arquitectura y ciudad: Glosario

Fuentes: Marquesina: Publicado por Julián Pérez Porto y Ana Gardey. Actualizado el 13 de noviembre de 2019. Marquesina - Qué es, definición y concepto. Disponible en https://definicion.de/marquesina/

Obturado: Obturar, Diccionario de la lengua española (2001). Recuperado de: https://www.rae.es/drae2001/obturar

Retombée: Retombée, Contexto Reverso. Recuperado de: https://context.reverso.net/traduccion/frances-espanol/retomb%C3%A9e

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Tema 7: Palladio - Propuesta de diseño de Villa realizado con IA

Por medio de la inteligencia artifical, se realizó el diseño de una villa de verano, ubicada hipotéticamente en una locación del sur de Italia (región del Mediterráneo). El proceso de diseño estuvo inspirado en el Palacio Chiericati (tomando como elementos referenciales el refuerzo horizontal y vertical de la edificación, la fachada con una jerarquía central, y el juego rítmico de llenos y vacíos en las fachadas), y la Villa Piovene (incorporando el uso de una planta rectangular y del pronaos).

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Parcial 2 - Anthony Blunt: Manierismo. Grupo 4

Al investigar colectivamente el texto de Anthony Blunt "El Concilio de Trento y el Arte Religosos (S. Carlos Borromeo y la Arquitectura)", se pudo apreciar que, durante el movimiento de Contrarreforma, la Iglesia Católica buscó subvertir los órdenes clásicos de acuerdo a sus objetivos e ideales políticos y religiosos, usando los mismos elementos con distintos conceptos, símbolos o significados, buscando una innovación y distinción de lo pasado para lograr sus propósitos.

Para ilustrar esto, Blunt expuso las distintas perspectivas que habían sobre el tema entre los arquitectos y teóricos de la época, como Vignola, Serlio, Cataneo o Palladio. Estas opiniones iban desde la configuración de planta de una iglesia (ya sea de forma circular para representar la perfección, de forma cuadrada para el orden total, o de forma de cruz latina por su significado teológico), el diseño interior y exterior de la edificación (debatiendo dónde se debía poner mayor énfasis en la decoración), hasta la manera de llevar a acabo la liturgia (qué recorridos o acciones podían causar el mayor impacto entre los visitantes).

Blunt lleva a cabo una extensa contextualización de este tema para comprender las opiniones de aquellos que se encontraban en ese momento histórico. Concluye que, si bien la Iglesia "reciclaría" ideas del pasado, estas se ejecutarían de un modo alternativo, buscando diferenciarse de lo que se había hecho antes.

Como grupo, pudimos observar que, a lo largo de la historia de la arquitectura, siempre se han presentado distintas perspectivas que respondían a su contexto, por lo que es importante evaluarlas objetivamente para poder comprenderlas y aplicar esas lecciones a nuestro contexto actual.

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Integrantes del grupo 4:

Lisa Palacios

Astrid Rodríguez

Valentia Colmenarez

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Parcial 2 - Anthony Blunt: Manierismo. Grupo 4 Experiencia Personal

La evaluación se basó en grupos previamente determinados en donde a cada uno le fue asignado una lectura de un autor especializado en una de las temáticas vistas en clase. Se debían investigar la vida y obra del autor, las obras y arquitectos mencionados en la lectura y elaborar un glosario de términos. Toda esta información se debía exponer concisamente el día del parcial en un rango de 15 minutos.

Al igual que con el parcial 1, esta dinámica me pareció efectiva, puesto que lleva a los estudiantes a retener la información necesaria, desarrollar el pensamiento crítico y sintetizar la información para luego exponerla en un corto lapso de tiempo donde más que dar análisis detallados, se deben apelar a los puntos claves. En general, me pareció una modalidad evaluativa práctica para el aprendizaje y para aplicarla a las demás áreas de la carrera.

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Tema 6 - Biografía: Esther John

Our Church Speaks, Esther John. Recuperada de: enlace

“Deja todos los demás vínculos. Jesús está llamando”.

- Esther John (14 de diciembre de 1929 - 2 de febrero de 1960), instructora y estudiosa de la Biblia, enfermera, misionera y mártir.

Esther John nació en Madrás (Chennai), territorio de la India Británica, con el nombre de Qamar Zia, siendo una de los 7 hijos de una familia islámica.

Asistía a una escuela pública cuando era niña; sin embargo, una vez cumplió los 17 años, fue enviada por su padre a una escuela cristiana, debido a las posibilidades educativas ofrecidas por este tipo de escuelas en la región.

Allí, quedó profundamente conmovida por la fe transparente y sincera de una de sus maestras, y se propuso a leer la Biblia con seriedad, buscando comprender la fe de su maestra. Mientras leía el capítulo 53 del libro de Isaías, de repente la invadió una sensación de certeza sobre el mensaje de Jesús, decidiendo conventirse en su seguidora, aún sabiendo los obstáculos que pudieran surgir en el camino.

En 1947, ella y su familia zarparon de Madrás a Karachi para convertirse en ciudadanos del nuevo país creado en nombre del Islam: Pakistán. Su maestra de Madrás se puso en contacto con una maestra cristiana en Karachi, llamada Marian Laugesen. Marian pudo encontrar a Qamar entre los refugiados en Karachi. Le dio un Nuevo Testamento de bolsillo, el cual Qamar leyó en secreto al rededor de veintisiete veces. Su fe cristiana siguió creciendo en secreto, leyendo y estudiando la Biblia. Siete años después huyó de su hogar, temiendo que sus padres la forzaran a un matrimonio islámico, hallando refugio con un grupo de cristianos en Karachi.

Karachi hoy en día

Durante un tiempo, Qamar Zia trabajó en un orfanato allí. Su familia todavía la presionaba para que regresara y se casara, pero el 30 de junio de 1955 tomó un tren hacia el norte, hacia Sahiwal, en Punjab. En ese mismo año se bautizó y adoptó el nombre de Esther John. Ahí vivió y trabajó en un hospital misionero, tuvo una estadía con el primer obispo anglicano de Karachi, Chandu Ray, y celebró su primera Navidad.

Pese a su turbulenta vida familiar, seguía su camino de fe con convicción. Consideraba que seguir los pasos del Maestro era lo que realmente daría sanidad a la tierra, por lo que permanecía en su profunda esperanza de ayudar a todo aquel que se encontrara en su camino, sin acepción de personas.

Encontrando en sí misma una vocación para enseñar y animada por su comunidad, ingresa en septiembre de 1956 al United Bible Training Center en Gujranawala, para formarse como maestra de la Biblia, y en 1959 se mudó a Chichawatni una vez concluidos sus estudios para vivir con misioneros presbiterianos estadounidenses, la familia White. Ella muchas veces acompañaba a a la Sra. White en giras para visitar a mujeres en muchos pueblos de los alrededores. A veces permanecían varios días en tiendas de campaña.

Esther John By Gordon Bell (Own work) [CC BY-SA 4.0], via Wikimedia Commons

Durante este tiempo trabajó arduamente como misionera compartiendo las enseñanzas y la vida de Jesús en los pueblos, siendo conocida por trasladarse de una aldea a otra en su bicicleta; enseñó a leer a las mujeres y trabajó con ellas en los campos de algodón.

Su fe tuvo la capacidad de tocar la vida de aquellos que estaban a su alrededor. Sabía mantener la calma bajo las presiones turbulentas de su vida, pero avanzando un paso a la vez en el día a día; permaneció fiel a su vocación con mansedumbre y, al mismo tiempo, con firmeza, rompiendo las expectativas sociales en un contexto donde no era seguro salirse de la norma; buscó cada vez más amar a Jesús, y, en consecuencia, pudo amar más a las personas que interactuaban con ella. Así como trabajaba con las mujeres en los campos de algodón, así la recordaban sus compañeros y amigos de la fe: trabajando con constancia y humildad en las enseñanazas de su Maestro.

Su muerte fue repentina y misteriosa. El 2 de febrero de 1960, Esther John fue encontrada muerta en su cama en la casa donde vivía en Chichawatni. Había sido asesinada violentamente, desconociéndose a día de hoy el autor del crimen; el concenso entre los investigadores y policías que manejaron el caso es que la razón de su asesinato se debió a su labor misionera, la cual causaba incomodidad y descontento a varios habitantes de los poblados que ella visitaba. Tenía 30 años de edad.

En 1998, en memoria de su trabajo arduo y humilde y su personalidad misericordiosa, se colocó una estatua de Esther John sobre la puerta oeste de la Abadía de Westminster (Londres, Inglaterra), junto a otros nueve mártires modernos de la fe cristiana del siglo XX.

Esther John's Statue - Modern Martyrs of the 20th Century. Image © 2024 Dean and Chapter of Westminster

A día de hoy, Esther John es conocida por muchos creyentes de todo el mundo por ser quién ella fue: una servidora humilde al más necesitado, sin importar quien fuera; alguien que se acercaba al prójimo cuando muchos optaban por recluirse. El hecho de ser ella misma es lo que la hace reconocida hoy en día; en su vida, no buscó la fama ni le importó obtener los premios, galardones o el reconocimiento público, sino dedicarse a hacer las labores de los simples, de los pobres, de los necesitados; se dedicó a los que eran invisibles en su sociedad, pero no fueron invisibles para ella ni para el Maestro.

La razón por la que su historia sigue siendo recordada hoy en día es por su disposición y su fe a seguir un llamado que le llevaría a ayudar a aquellos que lo necesitaban (incluso si debìa dar la vida por ello), como al huérfano, a la viuda, a los enfermos, al pobre que no tenía comida para ese día, al refugiado que no sabía cómo vivir en una tierra que no era la suya, a las mujeres que no sabían leer y trabajaban duramente en los campos de algodón, o a los vecinos y familiares que pensaban diferente a ella.

Con la obra de sus manos y la convicción de su fe, dió trabajo que dignifica, educación y servicios de salud al que no lo tenía, ya que consideraba que todas las acciones con amor y compasión serían las que traerían el Reino a la tierra, transformando su entorno.

Ella tenía fe de que el Maestro que se le presentó a ella cuanto tenía 17 años proveería esperanza, sanidad y luz a todas las personas, como lo hizo con ella. Su humildad, constancia, mansedumbre y firmeza fueron su fortaleza. Dejó todo aquello que la ataba en los sistemas tradicionales y se arriesgó a romper las reglas sociales y culturales al volverse seguidora de Jesús. Por el testimonio de sus compañeros, amigos y conocidos, ella fue comprendiendo vívidamente a lo largo de sus experiencias y sufrimientos que su mayor deleite es Jesús, y no dudó en compartir ese deleite con los demás, porque para ella, al final del día, todo ese dolor y esos obstáculos valían la pena si la vida de la gente florecía gracias al amor del Maestro.

Para cerrar su biografía, cito el poema Soneto (Para Recobrar lo Recobrado), del poeta argentino Francisco Luis Bernárdez, el cual ilustra, en cierta manera, el pensamiento de vida por el cual Esther fue conocida:

Si para recobrar lo recobrado Debí perder primero lo perdido, Si para conseguir lo conseguido Tuve que soportar lo soportado,

Si para estar ahora enamorado Fue menester haber estado herido, Tengo por bien sufrido lo sufrido, Tengo por bien llorado lo llorado.

Porque después de todo he comprobado Que no se goza bien de lo gozado Sino después de haberlo padecido.

Porque después de todo he comprendido Que lo que el árbol tiene de florido Vive de lo que tiene sepultado.

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Tema 5 - Ensayo: Película Lutero (2003)

La película "Lutero", estrenada en 2003 y dirigida por Eric Till, es un drama histórico que profundiza en la vida de Martín Lutero, el monje y teólogo alemán del siglo XVI que desempeñó un papel fundamental en la Reforma Protestante al desafiar al establecimiento religioso de la Iglesia Católica de aquel entonces. La película ofrece una aproximación histórtica de los entornos arquitectónicos y el panorama religioso, político y cultural de la época, ofreciendo información sobre el contexto que dió forma a la vida de Lutero y al movimiento de Reforma.

Se retrata cómo eran las comunidades del medioevo socialmente; en el tiempo de Lutero, muchos poblados estaban sufriendo enfermedades y pestes, guerras, pobreza e inconformidad social, además de las crisis que empezaron a presentarse en los incios del siglo XVI. En este contexto, las indulgencias representaban una esperanza escatológica para una población que deseaba escapar de un entorno hostil.

La película captura la agitación social y el fermento intelectual del Renacimiento, el cual proporcionó un terreno fértil para que echaran raíces las ideas de Lutero (esto es, la intersección entre el humanismo/cultura clásica y la fe cristiana). Retrata el impacto de la imprenta en la difusión de los escritos de Lutero y el movimiento de Reforma en general, subrayando las transformaciones culturales que acompañaron a los cambios religiosos de la época.

Se exploran distintos temas religiosos, describiendo la lucha de Martín Lutero con su fe y su eventual desafío a las doctrinas de la Iglesia Católica de ese entonces, desentonada por la publicación de las 95 tesis, un ensayo cuya motivación inicial era la de comenzar un debate académico para mejorar la insitución eclesial, no necesariamente reemplazarla.

Se profundiza en los fundamentos teológicos de la Reforma, enfatizando:

el compromiso de Lutero con la autoridad de las Escrituras en contraste con la autoridad de los entes eclesiales,

la justificación por la fe y el amor de Dios (la gracia) por encima del miedo o la imposisicón doctrinal,

la relación con Cristo por encima de las estructuras religiosas,

y su oposición a la venta de indulgencias que explotaba y oprimía a la población (especialmente, a los campesinos y a las familias más pobres).

La película refleja el fervor religioso de la época y el profundo impacto de las ideas teológicas de Lutero en la sociedad y en la teología y práctica cristianas hasta nuestros días.

Con respecto al clima político, este es representado centrándose en las luchas de poder entre la Iglesia católica, el Sacro Imperio Romano Germánico y varios principados alemanes. Los aspectos claves del clima político retratado en la película incluyen:

Apoyo de los príncipes alemanes: La película destaca la importancia del apoyo de los príncipes alemanes en el éxito de la Reforma Protestante. Estos príncipes vieron la oportunidad de romper con la autoridad de la Iglesia católica y establecer sus propias bases de poder. Se demuestra de una forma matizada y paradójica que, si bien muchas comunidades cristianas a lo largo de su historia no han estado de acuerdo con la unión de la iglesia con los entes políticos, el avance de la propia Reforma protestante y muchos de sus aportes positivos no hubieran sido posibles sin el apoyo politico que recibió.

Rol de la Iglesia Católica y pugnas de poder: La película busca señalar la corrupción y la naturaleza represiva de la Iglesia Católica en los tiempos de Lutero, donde la jerarquía eclesial poseía poder y control en el panorama político de Europa, siendo este el objetivo principal del establecimiento religioso por encima de los asuntos de fe. Con la Reforma protestante, ese poder político se vería amenzado al punto que, unas décadas más tarde, el mapa político de Europa quedaría divido entre poderes políticos católicos y protestantes.

En cuanto a la escenografía y arquitectura, la película fue filmada en 20 localidades repartidas entre Alemania, Italia y la República Checa, retratando las edificaciones góticas de la Baja Edad Media, y ciertas edificaciones italianas renacentistas/manieristas, como es el caso del Palazzo Farnese con su llamativa escalera principal (o Scala Regia), una espiral de escalones sostenida por pares de columnas jónicas que se elevan a lo largo de tres pisos y con frescos de Antonio Tempesta.

Algunas características arquitectónicas clave de las edificacions medievales mostradas en la película (y de la arquitectura gótica de la Baja Edad Media en general) incluyen arcos de punto, paredes masivas para destacar la verticalidad de la edificación, los vitrales, los techos abovedados para dar una sensación de altura extendida y simbolizar grandeza, y contrafuertes y arcos.

En conclusión, la película "Lutero" entrelaza temas religiosos, políticos, culturales y arquitectónicos para proporcionar un retrato multifacético de la era de la Reforma. Al profundizar en la vida de Martín Lutero y el contexto histórico más amplio, la película ofrece valiosas ideas sobre las complejidades del siglo XVI y el impacto duradero de la Reforma Protestante en el mundo moderno. A través de su atención a los detalles históricos y su narración, "Lutero" sigue siendo una importante exploración cinematográfica de este período crucial de la historia occidental.

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