#bennie pollack

[because-she-goes]

the garden

warnings: some swearing & angry nora. Enjoy!

Nora walked out of the grey, new york sky scraper and was immediately hit by the chill in the air, but blinded by the sun. A freezing cold March morning in Manhattan. However, Nora was acting like it was August. Positively beaming and walking down the busy sidewalk with a bounce in her step, she couldn’t wait to call Matty with the news. Nora, being the incredible woman she is, had just sold one of her more intricate pieces to a buyer from The Whitney Museum for just under $85,000. An absolutely ridiculous number for Nora to wrap her head around, but a minuscule number in comparison to the art world where her colleagues have sold pieces for $30 million before even having their morning coffee.

The Whitney being a place Nora has revered for years, making it a life-goal in college to have a piece in their modern art section one day. A true pinch me moment. The piece she had sold was quite bold and brash, which the buyer liked about it - needing something to stick out among their hundreds of dazzling works. She had painted it after Matty had told her about the band being invited to play SNL. She had been inspired by the longevity of the television program and the art it produced, New York and artists like Rothko, Pollack, Kline. Remembering her teachers using the term “Abstract Expressionism” to describe what she was going for. However, she remembered halfway through that abstract expressionism was more 50s-60s than the time period she was interested in. Leaning more into postmodernism (a word she taught Matty), she looked to the works of Baldessari where dots were placed on people’s face in photographs. She took the idea of the dots and ran with it, using her thickest brush and dipping it into contrasting colors, she placed huge dots in sections of the piece - covering some spots and leaving others blank or revealing the splatters underneath. An ode to the New York art scene with a dash of California. It had taken her weeks to figure everything out and research it all.

The work had been sitting in her studio, waiting to find a home for months. At this point, she was just waiting for the wire transfer to go through and be confirmed by her bank - then she’d celebrate and officially tell Matty the news, not wanting to get ahead of herself incase the deal fell through. Walking down W 15th and turning onto 10th, she makes her way to the Starbucks Reserve to get an 11am pick me up, she orders the hazelnut latte and gets Matty one of their specials, a whiskey-barrel aged coldbrew. Taking the two coffees to go and hailing a cab, she makes her way back uptown to her apartment in Hell’s Kitchen. One of the greatest financial decisions she has ever made was taking the money from her first sale and putting it towards buying a New York apartment back in 2016, before the price for everything sky rocketed. Not having to worry about rent anymore was a blessing in and of itself.

Swiping in to her building and saying hi to her doorman Bennie, she makes her way up to her home. Opening the door, she sees Matty at their kitchen table with his headphones blaring a demo George had sent him, she remembers that at this point its 6pm in London. Kissing the crown of his head and handing him the cold brew, she goes to check her bank account not expecting anything just yet. To her shock, there it is already. Talk about a new york minute! She excitedly runs out to Matty and rips the headphones off his head like a child wanting their parent’s attention immediately.

“Hey, I was working on something?-“

“And now you’re not! Guess what, baby!”

“What?” He asks almost begrudgingly.

“I sold that painting today! The SNL one I made way back in December is going to the Whitney, they just wired me the money!!” She is practically screaming at this point, not caring which of her neighbors hear her.

“Wait, baby you did? Oh my god thats fantastic, Muffin! I am so proud of you!” Exclaiming as he remembers when he first heard about her art from Adam at a party. He had shown up late to Carly’s birthday party after going out for drinks with Nora. Adam jokingly asked if he was on a date, Matty proudly said yes. Carly and Adam asked for her name and they nearly dropped dead when he said it. Adam had been a massive fan of Nora’s since way before she met Matty, astonished he was able to land someone like her - someone who may as well be his twin they were so alike.

“Thank You, Handsome! And guess what team is in town…”

“Oh brother, not the Knicks and Lakers again…”

“You are too good sometimes, ya know that?”

“Unfortunately.” He remarks blandly, he hates basketball. He never understood what was so interesting about guys running up and down a court putting a ball in a hoop, but he watched the Knicks since Nora loved them. She could rattle off any piece of their history without even hesitating. She had been to the garden more times than Matty could even count. Her father is a huge Knicks fan and when he found out he was having a daughter, he put a little pink Knicks ball in her nursery.

Quickly saving half her earnings and setting it aside before she forgot, she logged into her MSG account and got her usual. Floor seats, next to the home bench, in the corner. Best seats in the house. Matty still looking like someone had spilled hot soup on him, Nora decides to cheer him up a bit. She has a single connection at the garden and knows that Matty has always wanted to go in through the VIP entrance, not the performers one or the general admission lines. 5 hours until tip off, plenty of time to text Marco and see what strings he could pull.

“Baby, I’m gonna shower….” she says over her shoulder while walking to their en suite bathroom.

At that, Matty’s mood is totally turned around and the man is falling over himself to get to her before she shuts the door. “Right behind you, gorgeous!”

— 2 hours later —

In her Brunson jersey and a pair of Matty’s baggy jeans, she steps out of their bedroom. Taking a last look at her makeup, she applies a final coat of mascara and a swoosh of blush. Checking her teeth for lipstick and deciding she is ok, she waits for Matty.

In his Randle jersey she bought for him last year and sweatpants, he steps out. Fixing his hair and spraying on the cologne Nora loves. Lavender, mint and a little hint of smoke fills the air around him. She inhales and sighs, relaxing at just his scent.

“Ready to go, Handsome?” She asks, grabbing their house keys, her wallet and phone from the tray at the door.

“I guess, do you want me to drive?”

“Sure.” They walk down to the parking deck hand in hand, her body buzzing like a live wire with anticipation of tip off.

She gets a text from Marco, “All set, Boss. Just wave your ID when you get there and I’ll walk you guys in.” She sends back the little smile emoji.

New York was surprisingly pretty empty tonight, everyone must be home watching she thinks. Matty pulls up the artists entrance without issue.

“Keep going, we are going a different way.” She instructs, pointing towards the next entrance by the corner - more secluded and less opportunity for paparazzi to get their picture.

“What have you done now, Gorgeous?”

“Me? Oh nothing, just nothing at all!” She can’t even look him in the eye, he’d know whats going on right away.

He pulls into the private area and shows security his and Nora’s ID, both having to provide birth date confirmation.

“April the 8th, 1989”

“June 16th, 1992”

They get the okay to enter, see Marco and they’re escorted up to the floor seats. Matty looking like a child seeing Disney for the first time. This entrance has a full bar, private club and even a small portrait gallery of all the celebrities who have been to the garden over the decades.

Tip off and the first quarter happens before Matty can even process everything. Nora however is on her feet, yelling and berating the Knicks bench to get a move on and “pass the damn ball!” He laughs, how could someone so sweet and unassuming as her be the person in front of him - geminis man! He shakes his head lightly.

Half time is a blur and before they can even scarf down their hot dogs and fries, it is the 4th quarter. Knicks are up by 5 with 6 minutes left. Matty and Nora now both being the most obnoxious ridiculous sports fans in the building, yelling and high-fiving people around them whenever another point is scored. Nora can’t believe the sight before her, thee Matty Healy yelling at RJ Barrett to get his shit together while his mouth is full of concession stand food and cracker jack. She has never loved him more, she thinks.

4 minutes left, tie game. They are fuming. Nora is practically in a trance watching the game, refusing to acknowledge anyone around her. Matty not even paying attention to the score, just fully enjoying seeing her so worked up over a silly basketball game.

He then gets an idea….

“Hey Sunflower… I’m a little thirsty. Do you mind grabbing me a Fanta?” He yells in her direction, eyes still glued to the game.

“What? Now? Theres not even 5 minutes left, Handsome, this’ll be over any second!” She promises, trying to appease him and get him to just be patient.

“Yeah, I want one before they close - for the ride home ya know? My throat feels like razors from all the salty food you Americans eat!”

“Oh for fucks sake, Matty! Fine, I’ll go!” Running up the stairs as quick as she can and bolting to the concession stand closest to her spot.

“One Fanta, ASAP pronto hurry!” She rushes out to the poor teenager working. Eyes watching the monitor above him.

Randle hits a 3, the Knicks up again!

She rejoices, still waiting impatiently for the damn soda. I mean my god how long does it take to hold a squirt gun to a cup!!

“That’ll be $2.75 ma’am…” the teenager turns back around to her holding the precious soda. She throws a $5 at the kid and sprints back to Matty.

“Here you go, honey!” She shoves it towards him. He takes one sip, looks at her and says one of the most enraging things she has ever heard…

“It’s Diet! Who orders a diet Fanta, this is vile holy shit!” He proclaims.

Smoke comes out of her ears. She grabs the cup roughly and marches back to the kid.

“Fucking diet Fanta, you moron! Who would want a diet Fanta!!” The poor kid looks at her and shrugs, grabbing another cup and different squirt gun filling the vessel with soda at a snail’s pace.

Nora checks the monitor again. 1 minute left. Tied. Brunson steals, goes towards the basket and just as he scores, the kid hands her the new soda. Forgetting to pay she turns to the seats and out rushes the crowd hooting and hollering. Defeated, she her shoulders and head drop. She sees Matty emerge, hands him the soda and they go back to the car in complete, deafening silence.

Trying to get back into her good graces, he pulls out a stuffed Knicks bear from behind him. It is adorable, impossibly cute. Softening, Nora wipes a tear inching down her cheek at his thoughtfulness and wraps her arms around his neck. Holding him tightly to her and never wanting to let go.

“Congratulations on the sale again, baby. Tomorrow we celebrate for real… fancy dinner, shopping, art museum the whole nine yards. Pulling out all the stops for you, my little artiste!” He says into her ear, voice dripping in pride.

She kisses his cheek in agreement and thanks, settling back in her seat with a rosy flush to her cheeks. Holding onto the bear, she doesn’t imagine another place where she’d rather be than with Matty celebrating.

#drew’s writing :) #matty x nora #matty healy fluff #god i love nora #im sleep deprived so excuse any typos #the 1975 #matty healy #Spotify #babys first 2K! #longest one yet :) #really proud of how this turned out #the song screams NYC and nora to me #like idk something about it is just perfect #an encounter

[artbookdap]

In celebration of Indigenous Peoples' Day, here are a few works from 'Action Abstraction Redefined: Modern Native Art, 1940s to 1970s,' the first appraisal of modern Native American abstraction—merging abstract expressionism, color field and hard-edge painting with Native American art. ⁠ ⁠ Artists include: Ray Aguilar, Ralph Aragon, Sammy Begay, Larry (Littlebird) Bird, Earl Biss, Bennet Brien, Bennie Buffalo, George Burdeau, T.C. Cannon, Art Chischilly, Joseph L. Concha, Larry Desjarlais, Joe Dudley, Earl Eder, Mary Eder, Kirby Feathers, Anita (Luttrell) Fields, Phyllis Fife, Herman Fragua, Henry (Hank) Gobin, John Gritts, Harvey Herman, Patrick Swazo Hinds, John Hoover, Michael Jenkins, Peter B. Jones, Ralph Robert Kniffen, Delores Lee, Alice Loiselle, Linda Lomaheftawa, Linda Lucero, Edna Massey and more.⁠ ⁠ Pictured here: ⁠ Lloyd Kiva New, (Cherokee), Untitled, 1968⁠ Fritz Scholder, (Mission/Luiseno), New Mexico Number 1, 1965⁠ George Morrison, (Wahwahtehgonagabo) (Chippewa), White Painting #1, 1965⁠ George Morrison, (Wahwahtehgonagabo/Chippewa), White Environ VI, ca. 1967⁠ Henry "Hank" Delano Gobin, (Tulalip/Snohomish) Northwest Design, 1966⁠ Mike Medicine Horse Zillioux, (Akimel O’odham/Cheyenne/Pawnee), The Day Jackson Pollack Became Christian, 1974⁠ ⁠ Published by @iaiamocna⁠ ⁠ Text by Lara Evans, Ryan S. Flahive, Shanna Ketchum-Heap of Birds, Tatiana Lomahaftewa-Singer, Stephen Wall & @manuelawelloffman⁠ ⁠ Read more via linkinbio.⁠ ⁠ #actionabstractionredefinied #nativeamericanheritage #nativeamericanart #modernnativeart #nativeart @instituteofamericanindianarts #lloydkivanew #fritzscholder #georgemorrison #mikemedicinehorsezillioux #indiginouspeoplesday #indiginousart #indiginous https://www.instagram.com/p/Cjf1OawsN_W/?igshid=NGJjMDIxMWI=

#1 #actionabstractionredefinied #nativeamericanheritage #nativeamericanart #modernnativeart #nativeart #lloydkivanew #fritzscholder #georgemorrison #mikemedicinehorsezillioux #indiginouspeoplesday #indiginousart #indiginous

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

BUD FREEMAN, PAS COLEMAN HAWKINS MAIS...

Né le 13 avril 1906 à Austin, une banlieue de Chicago, en Illinois, Lawrence "Bud" Freeman avait commencé à s’intéresser au jazz sous l’influence de groupes comme le Original Dixieland Jazz Band, les New Orleans Rhythm Kings, et surtout le Creole Jazz Band de King Oliver qui mettait en vedette à l’époque Louis Armstrong et Johnny Dodds. Freeman avait d’ailleurs assisté à des performances du Creole Jazz Band au Lincoln Gardens avec McPartland.

En 1922, Freeman avait fondé avec ses camarades de classe un groupe appelé le Austin High School Gang. C’est dans le cadre de ce groupe que Freeman avait commencé à jouer du C-melody saxophone, un instrument dont la taille et la sonorité se situait entre le saxophone alto et le saxophone ténor. Freeman était passé au ténor en 1925. Plusieurs des membres du groupe étaient devenus plus tard des musiciens de jazz importants, dont le trompettiste Jimmy McPartland, le banjoïste et guitariste Eddie Condon, les clarinettistes Frank Teschemacher et Benny Goodman, le contrebassiste Jim Lannigan et les batteurs Gene Krupa, George Wettling  et Dave Tough.  À la même époque, Freeman avait également travaillé avec les Wolverines de Husk O’Hare, Bix Beiderbecke et Frankie Trumbauer.

En plus de jouer du saxophone ténor, Freeman excellait également à la clarinette. Le style doux de Freeman combiné à un profond sens du swing était considéré à l’époque comme une alternative à la tonalité plus rude de Coleman Hawkins. Très influencés par les New Orleans Rhythm Kings et Louis Armstrong, les membres du Austin High School Gang avaient progressivement bâti leur propre style basé sur celui de l’école de Chicago.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Après s’être installé à New York en 1927, Freeman avait travaillé comme musicien de studio tout en collaborant avec de grands noms du jazz de l’époque comme Red Nichols, Roger Wolfe Kahn, Ben Pollack et Joe Venuti. Freeman avait fait ses débuts sur disque les 8 et 16 décembre 1927 en enregistrant quatre pièces avec les McKenzie-Condon Chicagoans, qui comprenait également McPartland, Teschemacher, Sullivan, Condon, Lannigan et Krupa.

Au cours de la même période, Freeman avait brièvement joué avec le groupe de Ben Pollack aux côtés de Goodman et McPartland. Freeman avait enregistré deux pièces avec le groupe avant de faire un séjour de quelques mois en Europe avec le batteur Dave Tough. À son retour à Chicago, Freeman avait entregistré avec Wingy Manone avant de diriger sa première session d’enregistrement. La session avait donné lieu à la publication de la version originale de son succès “Crazeology” ainsi que de la pièce “Can’t Help Lovin’ That Man.”

Après être retourné à New York, Freeman avait travaillé à son compte durant quelques années, collaborant notamment avec Irving Mills dans un groupe qui comprenait le clarinettiste Pee Wee Russell et le tromboniste Jack Teagarden. À la même époque, Freeman avait également collaboré avec les Louisiana Rhythm Kings, Benny Goodman, Red Nichols, les Cellar Boys, Hoagy Carmichael, Bix Beiderbecke, les Mound City Blue Blowers (aux côtés de Coleman Hawkins et Fats Waller), le Dorsey Brothers Orchestra, Jack Teagarden, Chick Bullock et Joe Venuti.

Freeman avait livré une de ses plus remarquables performances de l’époque sur un enregistrement de 1933 d’Eddie Condon intitulé ‘’The Eel’’. Freeman avait d’ailleurs été surnommé ‘’The Eel’’’ en référence à ses longues improvisations. Après avoir joué avec de petits groupes dans le cadre de collaborations avec Adrian Rollini, Mezz Mezzrow et Wingy Manone en 1934, Freeman, qui n’appréciait pourtant pas tellement de se produire avec des big bands, avait joué avec les orchestres de Joe Haymes (1934-35), Ray Noble (1935), Tommy Dorsey (1936-38) et Benny Goodman (1938). 

Freeman avait particulièrement apprécié son séjour dans l’orchestre de Dorsey, où il avait été très apprécié comme soliste. Mais Freeman avait détesté son passage dans le groupe de Goodman où il avait souvent eu l’impression d’être un simple numéro et d’avoir été un peu trop pris pour acquis. Lorsque Freeman avait finalement quitté l’orchestre de Goodman en 1938, il s’était juré de ne plus jamais travailler avec un big band.

Beaucoup plus à l’aise comme soliste, Freeman avait participé le 4 décembre 1935 à une session mettant en vedette un sextet comprenant Bunny Berigan et Eddie Condon. En 1938, Freeman avait réalisé un de ses meilleurs enregistrements dans le cadre d’une session en trio pour les disques Commodore. Parmi les pièces enregistrées par le trio qui comprenait Jess Stacy au piano et George Wettling à la batterie, on remarquait des versions de “You Took Advantage Of Me”, “I Got Rhythm”, “At Sundown” et “My Honey’s Lovin’ Arms.” Le batteur Wettling avait particulièrement excellé au cours de la session. Outre sa collaboration avec le trio, Freeman avait été une des vedettes du groupe Windy City Seven d’Eddie Condon avec qui il avait participé à deux sessions mémorables pour Commodore qui avaient permis d’enregistrer les pièces “Love Is Just Around The Corner” et “Meet Me Tonight In Dreamland.” À la même époque, Freeman avait également collaboré à une session de Condon avec la chanteuse Billie Holiday et fait une apparition sur l’émission de radio de Martin Block avec un groupe tout-étoile composé de Louis Armstrong, Jack Teagarden et Fats Waller.

Après avoir quitté le groupe de Goodman, Freeman avait fondé son propre groupe, le Summa Cum Laude Orchestra, qui était demeuré en activité de 1939 à 1940. Le groupe de huit musiciens comprenait Max Kaminsky à la trompette, Brad Gowans au trombone, Pee Wee Russell à la clarinette et Eddie Condon à la guitare et au banjo. En plus d’avoir participé à plusieurs sessions d’enregistrement avec le groupe, Freeman avait également collaboré à d’autres sessions dirigées par Condon.

Durant la Seconde Guerre mondiale, Freeman avait dirigé un groupe de l’armée dans les îles Aléutiennes, ce qui l’avait malheureusement empêché de participer aux célèbres concerts de Condon à Town Hall.

Après sa démobilisation en 1945, Freeman était retourné à New York et avait dirigé ses propres groupes, tout en maintenant d’étroites relations avec les groupes de Condon et en collaborant avec des formations de type ‘’mainstream’’ comme celle de Buck Clayton, Ruby Braff, Vic Dickenson et Jo Jones. De 1945 à 1955, Freeman avait dirigé à la fois ses propres groupes et enchaîné les collaborations avec des musiciens comme Condon, Muggsy Spanier, Bing Crosby, Wingy Manone, Will Bradley, George Wettling, Louis Armstrong (avec qui il avait enregistré quatre pièces avec les All-Stars en 1954) et même la chanteuse Sophie Tucker.

Bien que John Coltrane et Elvin Jones s’étaient rendus célèbres en enregistrant de longs duos ténor-batterie dans les années 1960, on oublie souvent que le premier duo saxophone-batterie avait été enregistré par Freeman et le batteur Ray McKinley dans le cadre de la pièce “The Atomic Era” en 1945. Freeman était d’ailleurs retourné périodiquement vers ce format au cours des trente années suivantes.

De 1955 à 1960, Freeman avait continué de diriger des sessions pour différentes compagnies de disques comme Grand Award, Bethlehem, Stere-o-craft, Swingville et Dot. Parallèlement, Freeman avait continué de participer à des sessions dirigées par Condon, Wettling, Pee Wee Russell, Bob Crosby, Art Hodes et Jimmy McPartland. Il s’était aussi produit avec les Newport All Stars de George Wein dans le cadre du festival du même nom. En 1957, Freeman avait également retrouvé plusieurs de ses anciens collaborateurs dans le cadre de l’album ‘’Chicago/Austin High School Jazz In Hi-Fi.’’ En 1960, Freeman avait aussi écrit le livret et les chansons de la comédie musicale de Broadway ‘’Beg, Borrow or Steal’’, qui comprenait la ballade "Zen Is When", qui avait été enregistrée plus tard par le quartet de Dave Brubeck sur l’album ‘’Jazz Impressions of Japan’’ (1964).

Même si les années 1960 avaient été particulièrement difficiles pour les musiciens de swing, Freeman avait continué à tirer ses marrons du feu. Freeman avait notamment participé en 1961 à une émission spéciale de télévision intitulée Chicago And All That Jazz qui comprenait des retrouvailles avec des pionniers du jazz de Chicago des années 1920. En 1962, Freeman avait collaboré à un album des guitaristes George Barnes et Carl Kress, tout en faisant de nouvelles apparitions avec les Newport All-Stars. Continuant de voyager en Europe, Freeman s’était rendu en Angleterre où il avait travaillé avec le groupe d’Alex Welsh avant de faire une tournée du continent en 1967 avec la comédie musicale  Jazz From A Swinging Era. De 1967 à 1974, Freeman avait également collaboré de façon intermittente avec The World’s Greatest Jazz Band, un groupe qui comprenait les trompettistes Yank Lawson et Billy Butterfield, le clarinettiste Bob Wilber, les trombonistes Vic Dickenson et Lou McGarity, le pianiste Ralph Sutton, le contrebassiste Bob Haggart et le batteur Gus Johnson.

DERNIÈRES ANNÉES

Freeman avait passé la seconde moitié des années 1970 à Londres. Demeuré très actif à la fin de sa carrière, Freeman avait continué de se produire en Europe et en Australie et d’enregistrer plusieurs albums par année. Au cours de la même décennie, Freeman avait également passé un certain temps sur l’île de Man comme invité du musicien Jim Caine.

Toujours au sommet de sa forme en 1980 à l’âge avancé de soixante-quatorze ans, Freeman avait enregistré l’album  ‘’The Dolphin Has A Message’’.

Plus tard dans les années 1980, Freeman s’était finalement décidé à ralentir ses activités en raison de sa mauvaise santé. En plus d’avoir publié deux livres de souvenirs, ‘’I You Don’t Look Like A Musician’’ (1974) et ‘’If You Know Of A Better Life, Please Tell Me’’ (1976), Freeman avait collaboré avec Robert Wolf dans le cadre d’une troisième autobiographie intitulée ‘’Crazeology’’ (1989). Après être retourné à Chicago en 1980, Freeman avait publié deux derniers albums en 1982 et 1983. Après avoir tourné un vidéo avec le pianiste Art Hodes in 1985, Freeman avait terminé sa carrière en enregistré deux chansons sur un album de l’accordéoniste Mat Mathews en 1986.

Bud Freeman est mort le 15 mars 1991 au Warren Barr Pavilion, une maison de retraite de Chicago. Il était âgé de quatre-vingt-quatre ans. Le décès de Freeman était survenu deux jours à peine après la mort de son ancien collègue du Austin High School Gang, Jimmy McPartland.

Caractérisé par un large vibrato et un son plutôt ‘’cool’’, Freeman était considéré comme un des pionniers du saxophone ténor, un instrument qui contrairement au saxophone alto et le C-melody saxophone, n’avait commencé à s’établir comme instrument majeur qu’après que Coleman Hawkins se soit joint au grand orchestre de Fletcher Henderson en 1923. Avant cette date, le saxophone ténor était surtout considéré comme une curiosité, plus particulièrement dans le cadre d’un groupe connu sous le nom de The Six Brown Brothers. Si Isham Jones s’était illustré comme excellent saxophoniste ténor dans le cadre de ses propres groupes au début des années 1920, il avait éventuellement abandonné l’instrument pour se concentrer sur la composition et la direction de son orchestre. À l’exception de Jones, Hawkins s’était donc retrouvé pratiquement seul pour développer son propre style, collaborant notamment avec les Jazz Hounds de la chanteuse de blues Mamie Smith de 1921 à 1923 avant de faire partie de l’orchestre de Fletcher Henderson durant plus d’une décennie.

Grand responsable de la nouvelle popularité du ténor, Hawkins avait pratiquement exercé un monopole sans partage jusqu’à ce que Lester Young se joigne au big band de Count Basie à la fin de l’année 1936. À l’époque, Hawkins avait une telle influence que même des saxophonistes comme Ben Webster et Chu Berry avaient été contraints de l’imiter.

Ce qui n’avait pas empêché Freeman d’avoir rapidement développé un style très personnel. Même si Freeman n’avait jamais été aussi dominant que Coleman Hawkins, il avait exercé une influence majeure sur des saxophonistes comme Lester Young (même si ce dernier, tout en exprimant son admiration pour l’originalité de Freeman, avait affirmé qu’il avait plutôt été marqué par Frank Trumbauer), Eddie Miller et Bob Crosby, dont le son était très similaire à celui de Freeman même s’il était beaucoup plus simple et non moins apparenté au swing. Quant à Hawkins, il avait lui-même exprimé son admiration pour le talent de Freeman et applaudi sa décision de façonner son propre style plutôt que de s’approprier celui de quelqu’un d’autre. Parmi les albums les plus importants de Freeman, on remarquait The Bud Freeman All-Stars (enregistré avec Shorty Baker en 1960) et ‘’The Big Challenge’’, un album enregistré en 1957 avec le groupe de Cootie Williams et Rex Stewart, qui lui avait permis de retrouver son éternel rival Coleman Hawkins.

Bud Freeman a été admis au sein du Big Band and Jazz Hall of Fame en 1992.

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SOURCES:

‘’Bud Freeman.’’ Wikipedia, 2023.

‘’Bud Freeman.’’ All About Jazz, 2023.

‘’Bud Freeman, American musician.’’ Encyclopaedia Britannica, 2023.

YANOW, Scott. ‘’Bud Freeman.’’ The Syncopated Times, 30 juin 2020.

#jazz

[sonyclasica]

AARON COPLAND

COPLAND CONDUCTS COPLAND

Las grabaciones completas para Columbia del "Decano de los compositores americanos".

Consíguelo AQUÍ

El "decano de los compositores americanos" era un intérprete formidable de su música. Gramophone calificó a Aaron Copland de "espléndido defensor de sus propias partituras", y poco después de su muerte, en 1990, el New York Times escribió: "Las interpretaciones de los compositores no siempre son definitivas, pero Copland era un director y pianista fino y comunicativo, y Columbia lo grabó con orquestas y solistas de primera categoría. ... En todos los sentidos, estas grabaciones deben considerarse el corazón de la discografía del compositor".

Como pianista dotado, Copland participó en las primeras grabaciones de su música, allá por los años 30, así como en muchas otras que siguieron a lo largo de casi tres décadas. Aunque hasta 1950 no dirigió por primera vez en un estudio, más tarde tomó la batuta con creciente frecuencia. Una vez le dijo a la coreógrafa Agnes de Mille: "No creo que vaya a componer nunca nada más. Me lo estoy pasando muy bien dirigiendo".

Sony Classical ya ha publicado muchas de sus grabaciones de CBS/Columbia en CD, incluido un importante set de 5 discos en 2013, pero esta nueva colección de 20 discos supone la primera recopilación integral de las interpretaciones autorizadas de Aaron Copland, con las seis primeras grabaciones del compositor por primera vez en CD a través de Sony Classical.

Columbia grabó aquí las piezas más antiguas en 1935: Copland interpretando las difíciles Variaciones para piano de 1930, una de sus obras maestras más complejas, y acompañado por el solista y líder de cuarteto de origen ruso Jacques Gordon en dos piezas para violín y piano. "Gordon toca la punzante Americana de la Serenata al Ukelele, la segunda de las piezas... con un brío desenfrenado", escribió MusicWeb International. Y para esta "lectura evocadora y poderosamente declamatoria" (MusicWeb International) de su trío para piano Vitebsk, se unió al violinista Ivor Karman, que tocó en el estreno, y al violonchelista David Freed.

Avancemos hasta la década de 1960. Ahora con el Cuarteto Juilliard, Copland volvió a grabar Vitebsk, junto con su Cuarteto y Sexteto para piano. Fue compañero de Isaac Stern en la Sonata para violín y, con Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York, grabó "una interpretación maravillosa y sin duda históricamente importante" de su Concierto para piano. Así escribió el biógrafo definitivo de Copland, Howard Pollack, que continúa diciendo: "Copland interpreta la parte solista con un ímpetu inigualable, y Bernstein transmite el toque urbano de la música -que puede haber servido de base para sus propios paisajes de ciudad- con un gusto inimitable".

La primera grabación de Copland como director fue la del Concierto para clarinete en 1950, con su dedicatario Benny Goodman y la Orquesta Sinfónica de Columbia. Es la primera vez que se publica en CD. En el nuevo set podrás compararlo con su célebre versión estéreo de 1963. Otra interpretación clásica de principios de los 60 es Old American Songs, con el barítono William Warfield y Copland al piano. También hay versiones mono y estéreo de los 12 Poemas de Emily Dickinson, con Copland acompañando a la mezzo Martha Lipton en 1950 y a la soprano Adele Addison en 1964.

En el caso de la obra más apreciada de Copland, el ballet Appalachian Spring que compuso en 1944 para Martha Graham, hay aún más versiones para disfrutar y comparar. En 1959, dirigió la Orquesta Sinfónica de Boston en lo que muchos siguen considerando la grabación definitiva de la suite de concierto para orquesta completa: "La interpretación tiene una atractiva amplitud y calidez de humanidad, ayudada por la resonancia de la Sala Sinfónica: el clímax con sacudidores es maravillosamente expresivo" (Penguin Guide). RCA Victor la acopló con la suite de The Tender Land, la única ópera de Copland, que más tarde grabó con más detalle (en una versión abreviada de una hora de duración) con la Filarmónica de Nueva York. Ese lanzamiento de 1966, también incluido aquí, le valió un Grammy®.

Luego, en 1973, con la Orquesta de Cámara de Columbia, Copland grabó la partitura original completa del ballet Appalachian Spring para conjunto de cámara. Le sigue aquí un bonus track: el ensayo que también la acompañó en LP. Tres años antes había vuelto a grabar la suite en su partitura de concierto completa con la Orquesta Sinfónica de Londres, con la que disfrutó de una feliz y productiva alianza tanto en la plataforma de conciertos como en el estudio.

Sus otras grabaciones con la LSO incluyen la evocadora Quiet City, así como obras tan importantes, pero menos conocidas como la neoclásica Short Symphony, una "notable síntesis de lo culto y lo vernáculo". ... Una representación singularmente 'completa' de su inventor" (el crítico Michael Steinberg), así como la Sinfonía de la Danza, las Variaciones Orquestales, las Declaraciones para Orquesta y la Oda Sinfónica. Está claro que a Copland le gustaba dirigir orquestas inglesas. Eligió la Philharmonia para grabar su Tercera Sinfonía y suites de sus célebres partituras cinematográficas.

Aaron Copland no solo creó algunas de las composiciones más originales, influyentes y atractivas de la historia de la música estadounidense. Grabaciones que ilustran exactamente cómo quería que fueran estas piezas: un nuevo e inestimable legado de 20 CD de interpretaciones auténticas, el "corazón de la discografía del compositor".

CONTENIDO DEL SET:

DISC 1:

Copland: Concerto for Clarinet, Strings & Harp with Benny Goodman (1950)

Copland: Piano Quartet

Copland: Piano Variations (1930)

Copland: Nocturne (1928)

Copland: Vitebsk, Study on a Jewish Theme for Piano Trio

Copland: Ukulele Serenade

DISC 2:

Copland: Old American Songs with William Warfield (1951/53)

Copland: Twelve Poems of Emily Dickinson with Martha Lipton

DISC 3:

Copland: Appalachian Spring (Ballet for Martha)    

Copland: The Tender Land: Suite    

DISC 4:

Copland: Concerto for Clarinet, Strings & Harp with Benny Goodman (1963)

Copland: Old American Songs with William Warfield (1962)  

DISC 5:

Copland: Piano Concerto    

Copland: Music for the Theatre (Suite in 5 Parts for Small Orchestra)

DISC 6:

Copland: The Tender Land (Opera in Three Acts)    

DISC 7:

Copland: Music for a Great City    

Copland: Statements for Orchestra    

DISC 8:

Copland: Twelve Poems of Emily Dickinson with Adele Addison

Copland: Las Agachadas    

Copland: In the Beginning    

Copland: Lark    

DISC 9:

Copland: Piano Quartet    

Copland: Sextet for Clarinet, Piano and String Quartet    

Copland: Vitebsk, Study on a Jewish Theme for Piano Trio    

DISC 10:

Copland: Short Symphony "Symphony No. 2"    

Copland: Dance Symphony    

DISC 11:

Copland: An Outdoor Overture    

Copland: Our Town Suite    

Copland: 2 Pieces for String Quartet (Instrumental)    

Copland: Quiet City    

DISC 12:

Copland: Billy the Kid Suite    

Copland: 4 Dance Episodes from Rodeo    

DISC 13:

Copland: Fanfare for the Common Man    

Copland: Lincoln Portrait    

Copland: Appalachian Spring    

DISC 14:

Copland: Symphonic Ode    

Copland: Preamble for a Solemn Occasion    

Copland: Orchestral Variations    

DISC 15:

Copland: Appalachian Spring    

Copland: Copland Rehearses Appalachian Spring    

DISC 16:

Copland: Sonata for Violin and Piano (1942/3) with Isaac Stern

Copland: Duo for Flute and Piano with Elaine Shaffer

Copland: Nonet for String Orchestra    

DISC 17:

Copland: Danzón Cubano    

Copland: 3 Latin American Sketches    

Copland: El Salón México    

Copland: Dance Panels    

DISC 18:

Copland: The Red Pony Suite    

Copland: John Henry    

Copland: Music for Movies    

Copland: Letter from Home    

Copland: Down a Country Lane    

DISC 19:

Copland: Symphony No. 3    

DISC 20:

Copland: Inscape    

Copland: Connotations    

#aaron copland

[filmes-online-facil]

Assistir Filme A Música Irresistível de Benny Goodman Online fácil

Assistir Filme A Música Irresistível de Benny Goodman Online Fácil é só aqui: https://filmesonlinefacil.com/filme/a-musica-irresistivel-de-benny-goodman/

A Música Irresistível de Benny Goodman - Filmes Online Fácil

O jovem Benny Goodman é ensinado clarinete por um professor de música. Ele é aconselhado a jogar qualquer tipo de música que ele goste melhor, mas para ganhar a vida, Benny começa juntando-se à banda de viagem Ben Pollack.

[sheetmusiclibrarypdf]

Sing, Sing, Sing (Louis Prima) as performed by BENNY GOODMAN (Piano Solo arr. sheet music, Noten)

Sing, Sing, Sing (Louis Prima) as performed by BENNY GOODMAN (Piano Solo arr. sheet music, Noten)

https://www.youtube.com/watch?v=JosTvkiL4vQ

BENNY GOODMAN (Pseudonym of Benjamin David; Chicago, 1909 - New York, 1986) American jazz clarinetist and bandleader, one of the undisputed swing figures of the 1930s and 1940s. He alternated the music of a large formation (his first large orchestra dates from 1934) with that of a small combo (his groups with Teddy Wilson, Gene Krupa and Lionel Hampton stand out ). He introduced jazz to white America and was able to develop a personal and unmistakable style of swing. He was also a noted performer of classical music: Bela Bartok , Paul Hindemith , and Aaron Copland wrote pieces for him. The figure of the American clarinetist Benny Goodman was an authentic revolution for the history of jazz, as he was the one who for the first time successfully combined the intrinsic black elements in this musical modality and the influences of the white race tradition. Early talented, at fourteen he was already a member of the American Federation of Musicians. After his first clarinet studies in his hometown, Benny Goodman began working with various groups and was part of Ben Pollack's jazz band, with which he recorded his first album in 1926. Three years later, Benny Goodman went to New York and, in 1934, organized his own orchestra, achieving extraordinary success with a weekly radio program, Let's Dance . For ten years his orchestra was one of the most successful in his country; instrumentalists who would later be great figures of jazz formed part of it. A historic date was January 16, 1938, when he performed with his orchestra at Carnegie Hall in New York at the 20 Years of Jazz concert , in which he was symbolically crowned "king of swing ". Certainly, Goodman and his orchestra managed to popularize swing in the United States, one of the basic jazz rhythms, characterized by speed, multiple improvisations and a succession of solos. During the 1950s he conducted various orchestras, and in 1955 the soundtrack for his film biography, Benny The Goodman Story , was recorded. In 1962, he traveled with his orchestra to the Soviet Union and since then his performances BECAME more sporadic. Read the full article

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Liked on YouTube: Mel Blanc Associates Presents Superfun

Mel Blanc Associates Presents Superfun SUPERFUN The Radio Comedy Service SUPERFUN, What It Is A comedy void has existed on radio since Jack Benny, Fred Allen, and the other comedy shows left the air. Comedy albums, the only produced humor available to today's radio, have never become a major factor in programming because too few of them are suitable for airing, due to the nature and length of the sketches. As important, no one station in a market has their exclusive usage and the one or two really funny albums released each year become overexposed. SUPERFUIN fills this existing void. It is the most ambitious radio comedy project ever undertaken. Each subscribing station becomes, at once, the prime source of humor in its market...whether the market is Los Angeles, California or East Liverpool, Ohio. One reason for this is SUPERFUN'S scope; the initial service alone fills nine twelve-inch discs. Equally important, by virtue of its unique design and execution, SUPERFUN belongs to you alone in your market, not to us. The writers, producers and performers are to your listeners, anonymous. Creative Supervision... Mel Blanc Produced & Directed by Noel Blanc Head Writer... Richard Clorfene Exec. Producer... Harry O'Connor PERFORMERS: Mel Blanc, Len Weinrib, Byron Kane, Joan Gerber, Arte Johnson, Howard Morris, Joe Sirola, Gary Owens, Lee Zimmer, Rudy Hoffman, Jesse White, Dave Ketchum, Henry Corden, Hazel Shermut, Ed Prentiss, Pat Carroll, Naomi Lewis, Leo De Lyon, Sid Melton, John Stephenson, Diane Hale. WRITING STAFF: John Rappaport, David Pollack, Elias Davis, Red Baker, Bob Ridolfi, Bob Arbogast, Jack Margolis, Judy Corrigan, Robert Biheller, Bill Schwartz. CONTRIBUTING WRITERS: Vance Colvig, John Gentri, Robert Einstein, Nick Bennion, Frank Barron, Albert Einstein, Bill Lutz, Robert Kurtz, Steve Clark, Paul Pumpian, Mal Sharpe, Bob Goodwin, Jim Ashton, Jonathan Socher. SOUND EFFECTS: Eugene Twombly AUDIO ENGINEERS: Paul Ryan and Mike Cerone COVER DESIGN: Nick Bennion via YouTube https://www.youtube.com/watch?v=iMnKuZWraNI

#IFTTT #YouTube

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''EL PRÍNCIPE DE BEL-AIR'' (THE FRESH PRINCE OF BEL-AIR)

Es una telecomedia estadounidense creada por Andy Borowitz y Susan Borowitz y producida por la cadena NBC. Emitida entre el 10 de septiembre de 1990 y el 20 de mayo de 1996. Fue protagonizada por un joven Will Smith que en aquel entonces ya tenía una destacada carrera en el mundo de la música como parte del dúo "Dj Jazzy Jeff & The Fresh Prince" y que ahora se embarcaba en el papel que lo haría una estrella mundial de la actuación primero en la televisión y luego a la pantalla grande. La serie trata sobre un adolescente de Filadelfia llamado William Smith (abreviado Will) que tras meterse en problemas con un matón de su barrio (Will sin querer lo golpea en la cabeza con un balón de baloncesto y éste se molesta y lo agrede), es enviado por su madre a vivir en Bel-Air con unos parientes ricos (la hermana de ella, Tía de Will y su familia) como una forma de evitar que se meta en problemas y a la vez que pueda tener una buena educación que ella no puede darle.

Año de inicio: 10 de septiembre de 1990

Año de finalización: 20 de mayo de 1996

Dirección: Benny Medina, Jeff Pollack

Créditos: Tomado de Wikipedia

https://es.wikipedia.org/wiki/The_Fresh_Prince_of_Bel-Air

Para ver el tráiler ingresa al enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=jpRuVpqfSA4

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Maroon 5 Greatest Hits Full Album 2022 - Best Songs Of Maroon 5 Playlist New 2022 Maroon 5 Greatest Hits Full Album 2022 - Best Songs Of Maroon 5 Playlist New 2022 28.86 MB Music Popular 19 There's a time that I remember, when I did not know no pain Toast to the ones that we lost on the wayĪnd the memories bring back, memories bring back you 'Cause the drinks bring back all the memories Maroon 5 - Memories mp3 download 4.39 MB Call YouĬheers to the wish you were here, but you're not Get Maroon 5 - Memories (Lyrics): /MemoriesMaroon5 This instrumental was recorded by maroon 5, and released 2 years ago on friday 20th of september 2019.ĭownload download memories by maroon 5 instrumental mp3 courtesy in mp3 media uploaded by david castro.Maroon 5 - Memories (Lyrics) 4.23 MB 7cloudsĭownload Mp3 Play Maroon 5 - Memories (Official Video) 4.49 MB Maroon5VEVOĭownload Mp3 Play Maroon 5 - Memories (Audio) 4.37 MB Maroon5VEVOĭownload Mp3 Play Maroon 5 - Memories 4.76 MB Unique Vibes This production is musically considered acoustic, danceable and lethargic. The instrumental for memories is in the key of b major, has a tempo of 91 bpm, and is 3 minutes and 9 seconds long. #maroon5 #maroon5memories #maroon5memories #maroon5lyrics #maroon5memorieslyrics #maroon5payphone #maroon5girlslikeyou #maroon5girlslikeyoulyrics #maroon5cov.

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Play over 265 million tracks for free on soundcloud. Stream maroon 5 memories (piano instrumental) by benny martin piano on desktop and mobile. Musically, the song is a pop track and it has a tempo of 91 beats per minute. It was released on 2019 and was originally written by adam levine / jacob hindlin / jonathan bellion / jordan johnson / michael pollack / stefan johnson / vincent ford. Memories is a song by maroon 5 from the album memories. Toast to the ones that we lost on the way. ‘cause the drinks bring back all the memories. (made popular by maroon 5) song online, amplify your emotions through lyrics of the song.Ĭheers to the wish you were here but you’re not.

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It might be a funny scene, movie quote, animation, meme or a mashup of multiple sources. You can take any video, trim the best part, combine with other videos, add soundtrack. Memories (originally performed by maroon 5) vox freaks. Listen to memories (originally performed by maroon 5) on spotify. Download the song in hd quality for offline listening.ĭownload Memories By Maroon 5 Instrumental Source: Memories – Maroon 5 – Memories (Karaoke Version) – YouTube. Download memories maroon 5 instrumental mp3 download mp3. Maroon 5 Memories (Piano Instrumental) by Benny Martin Piano | Free. Source: Lirik Lagu Memories – Maroon 5 – YouTube. Memories Lyrics Maroon 5 Instrumental – LYCIKA. com are demo's with all instruments included. Source: Maroon 5 – Memories | Cover song (Karaoke) by XIB LEE | animated Lyric. Source: Maroon 5 – Memories ( Official Video ) – Instrumental Ringtone – YouTube. كلمات اغنية Memories Maroon 5 – Kalimat Blog. Listen to memories (instrumental version) on the english music album imagine chart. Source: Maroon 5 – Memories (Acoustic Karaoke) – YouTube. Memories here's to the ones that we got cheers to the wish you were here but you're not 'cause the drinks bring back. Source: ĭownload Mp3 Memories Maroon 5 Instrumental – Download Mp3 Music for. Source: Maroon 5 – Memories (Instrumental) – YouTube. Source: Maroon 5 'Memories' (Karaoke/Instrumental) – YouTube. Source: Memories Maroon 5 Instrumental – YouTube. Memories Lyrics Maroon 5 Instrumental – LYCIKAĬoub is youtube for video loops. Download Memories By Maroon 5 Instrumental.

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The Fresh Prince of Bel-Air TV Show Fun Facts & Quiz

The Fresh Prince of Bel-Air One of the most enjoyed show ever by 90s liners. We discovered some of the amazing facts about this TV show.

The Fresh prince of Bel-Air has many guests' appearances

We were used to seeing a lot of celebrities' appearances time to time in this show. Included: - Quincy Jones Bo Jackson, Naomi Campbell, Isaiah Thomas, Queen Latifah, Zsa Zsa Gabor, Bell Biv DeVoe, Milton Berle, Oprah Winfrey, Tom Jones, Hugh Hefner, Boyz II Men, Stacey Dash, Donald Trump, Dick Clark, Brad Garrett, Karim Abdul Jabbar, Jay Leno, Isaac Hayes, Chris Rock, B.B. King, Wayne Newton, Regis Philbin, William Shatner, and, Gary Coleman.

Fresh prince was actually based on Benny Medina's life

Music manager Benny Medina and his business partner Jeff Pollack decided to make a TV show and Benny involved his real-life story into the main character. In real life, Benny became friends with white, who was from rich family, and he moved to his home and he went under the same circumstances as will. However, in the show they changed white family into blacks.

The Fresh Prince; Will Smith was going through financial crises before joining the show

Will Smith was famous under the name of ' fresh prince', an established music star. Will Unfortunately got into a lot of depth. He had to give his 70% of salary of the first three seasons to settle his depth. Medina forced Will Smith about this show.  Later they both attended a party by Quincy Jones (producer of the show). Quincy asked Will to give an audition on the spot, and he made it. Jada Pinkett Smith too auditioned  for the role of Lisa Jada Pinkett also auditioned for Lisa's role, but she got rejected because, firstly lack in chemistry, secondly difference in height. But they got married three years later and share two children. Jane Hubert and Will Smith was something off with each other Jane Hubert was facing a lot of difficulty with the cast in terms of "work as a unit." Later, she disclosed about her abusive marriage and unhealthy life, which leads trouble with others, and will be among them. James Avery (Uncle Phil) said, " he constantly had to remind her that the show is about " fresh prince" not " Philip and Vivian. Credit: The Fresh Prince of Bel-Air This TV Show Available on: - soap2day website Read the full article

#Moviereviews #soap2day #TvSeries #TVShow

[aneddoticamagazinestuff]

Public Domain Day: 50,000 titles from 1923 available

New Post has been published on https://www.aneddoticamagazine.com/public-domain-day-50000-titles-from-1923-available/

Public Domain Day: 50,000 titles from 1923 available

January 1, 2019 is (finally) Public Domain Day

  For the first time in over 20 years, on January 1, 2019, published works will enter the US public domain.1 Works from 1923 will be free for all to use and build upon, without permission or fee. They include dramatic films such as The Ten Commandments, and comedies featuring Charlie Chaplin, Buster Keaton, and Harold Lloyd. There are literary works by Robert Frost, Aldous Huxley, and Edith Wharton, the “Charleston” song, and more. And remember, this has not happened for over 20 years. Why? Works from 1923 were set to go into the public domain in 1999, after a 75-year copyright term. But in 1998 Congress hit a two-decade pause button and extended their copyright term for 20 years, giving works published between 1923 and 1977 an expanded term of 95 years.2

But now the drought is over. How will people celebrate this trove of cultural material? Google Books will offer the full text of books from that year, instead of showing only snippet views or authorized previews. The Internet Archive will add books, movies, music, and more to its online library. HathiTrust has made over 50,000 titles from 1923 available in its digital library. Community theaters are planning screenings of the films. Students will be free to adapt and publicly perform the music. Because these works are in the public domain, anyone can make them available, where you can rediscover and enjoy them. (Empirical studies have shown that public domain books are less expensive, available in more editions and formats, and more likely to be in print—see here, here, and here.) In addition, the expiration of copyright means that you’re free to use these materials, for education, for research, or for creative endeavors—whether it’s translating the books, making your own versions of the films, or building new music based on old classics.

Here are some of the works that will be entering the public domain in 2019. A fuller (but still partial) listing of over a thousand works that we have researched can be found here. (You can click on some of the titles below to get the newly public domain works.)

Films

Safety Last!, directed by Fred C. Newmeyer and Sam Taylor, featuring Harold Lloyd

The Ten Commandments, directed by Cecil B. DeMille

The Pilgrim, directed by Charlie Chaplin

Our Hospitality, directed by Buster Keaton and John G. Blystone

The Covered Wagon, directed by James Cruze

Scaramouche, directed by Rex Ingram

  Books

Edgar Rice Burroughs, Tarzan and the Golden Lion

Agatha Christie, The Murder on the Links

Winston S. Churchill, The World Crisis

e.e. cummings, Tulips and Chimneys

Robert Frost, New Hampshire

Kahlil Gibran, The Prophet

Aldous Huxley, Antic Hay

D.H. Lawrence, Kangaroo

Bertrand and Dora Russell, The Prospects of Industrial Civilization

Carl Sandberg, Rootabaga Pigeons

Edith Wharton, A Son at the Front

P.G. Wodehouse, works including The Inimitable Jeeves and Leave it to Psmith

Viginia Woolf, Jacob’s Room

  Music

Yes! We Have No Bananas, w.&m. Frank Silver & Irving Cohn

Charleston, w.&m. Cecil Mack & James P. Johnson

London Calling! (musical), by Noel Coward

Who’s Sorry Now, w. Bert Kalmar & Harry Ruby, m. Ted Snyder

Songs by “Jelly Roll” Morton including Grandpa’s Spells, The Pearls, and Wolverine Blues (w. Benjamin F. Spikes & John C. Spikes; m. Ferd “Jelly Roll” Morton)

Works by Bela Bartok including the Violin Sonata No. 1 and the Violin Sonata No. 2

Tin Roof Blues, m. Leon Roppolo, Paul Mares, George Brunies, Mel Stitzel, & Benny Pollack

(There were also compositions from 1923 by other well-known artists including Louis Armstrong, Irving Berlin, George Gershwin, WC Handy, Oscar Hammerstein, Gustav Holst, Al Jolson, Jerome Kern, and John Phillip Sousa; though their most famous works were from other years.)3

Of course, 1923 was a long time ago. (Under the 56-year copyright term that existed until 1978, we could be seeing works from 1962 enter the public domain in 2019.) Unfortunately, the fact that works from 1923 are legally available does not mean they are actually available. Many of these works are lost entirely or literally disintegrating (as with old films and recordings), evidence of what long copyright terms do to the conservation of cultural artifacts. For the works that have survived, however, their long-awaited entry into the public domain is still something to celebrate.

Technically, many works from 1923 may already have entered the public domain decades ago because the copyright owners did not comply with the “formalities” that used to be necessary for copyright protection. Back then, your work went into the public domain if you did not include a copyright notice—e.g. “Copyright 1923 Charlie Chaplin”—when publishing it, or if you did not renew the copyright after 28 years. Current copyright law no longer has these requirements. But, even though those works might technically be in the public domain, as a practical matter the public often has to assume they’re still copyrighted (or risk a lawsuit) because the relevant copyright information is difficult or impossible to find—older records can be fragmentary, confused, or lost. That’s why January 1, 2019 is so significant. On that date, the public will know that works published in 1923 are free for public use without tedious or inconclusive research.

For example, in 2019, we will know that Robert Frost’s famous poem “Stopping by Woods on a Snowy Evening” is in the public domain because copyright over the collection containing the poem, New Hampshire, will lapse. (It’s possible that the poem might have entered the public domain earlier because it was first published in a magazine and that earlier copyright was not renewed on time—see discussion thread here—but we can be confident that its copyright has expired in 2019.) Frost’s estate has used copyright law to strictly control uses of his works. Eric Whitacre, who composed the incredible Virtual Choir works, discovered this the hard way when he wrote a piece in memory of a couple who had died within weeks of each other after being married over fifty years. The piece was commissioned by the couple’s daughter, whose favorite poem was “Stopping By Woods on a Snowy Evening.” Whitacre wrote a choral work based on the poem, and it was so well-received that other conductors began asking him for the work. He writes:

After a LONG legal battle (many letters, many representatives), the estate of Robert Frost and their publisher, Henry Holt Inc., sternly and formally forbid me from using the poem for publication or performance… I was crushed. The piece was dead, and would sit under my bed for the next 37 years because of some ridiculous ruling by heirs and lawyers.

(Eventually he asked the poet Charles Anthony Silvestri to write new words for the music that had been set to Frost’s poem, you can see the Virtual Choir performance of that composition here and read his full story here; note that Frost’s lawyers were mistaken about when the copyright ends, as indicated above, it lapses in 2019, if it hasn’t already.) Beginning in 2019, the next Whitacre won’t face this frustration, and anyone may use this powerful poem in their own creations.

Note that copyright law has a way of introducing complexities into any analysis. There are some familiar works that appear to be from 1923, but are not in fact entering the public domain in 2019 because of publication details. One is Felix Salten’s Bambi, A Life in the Woods, the basis for Disney’s famous movie. Salten first published it in Germany without a copyright notice in 1923, then republished it with a compliant copyright notice in 1926. When Disney (of all companies) claimed that Bambi was in the public domain, a court disagreed, holding that because the initial 1923 publication was in Germany, the failure to include a copyright notice did not put the book into the US public domain. The 1926 publication was valid, so the book’s copyright expires after 95 years in 2022.4 (The court’s full opinion is here.) Also, while the copyrights in several Jelly Roll Morton songs lapse in 2019, his famous “King Porter Stomp” was not copyrighted until 1924 (even though it was recorded in 1923), so it is not entering the public domain until 2020.

In an abundance of caution, our list above only includes works where we were actually able to track down the notice and renewal data suggesting that they are indeed still in-copyright until 2019. We’ve also compiled—to the best of our research capabilities—a fuller spreadsheet showing other renewed works from 1923. You can find it here. But we want to emphasize that this is only a partial collection; many more works are entering the public domain as well, but we could not find the legal minutia to confirm their copyright status.

It’s a Wonderful Public Domain. . . . What happens when works enter the public domain? Sometimes, wonderful things. The 1947 film It’s A Wonderful Life entered the public domain in 1975 because its copyright was not properly renewed after the first 28-year term. The film had been a flop on release, but thanks to its public domain status, it became a holiday classic. Why? Because TV networks were free to show it over and over again during the holidays, making the film immensely popular. But then copyright law reentered the picture. . . . In 1993, the film’s original copyright holder, capitalizing on a recent Supreme Court case, reasserted copyright based on its ownership of the film’s musical score and the short story on which the film was based (the film itself is still in the public domain). Ironically, a film that only became a success because of its public domain status was pulled back into copyright.

What Could Have Been

Works from 1923 are finally entering the public domain, after a 95-year copyright term. However, under the laws that were in effect until 1978, thousands of works from 1962 would be entering the public domain this year. They range from the books A Wrinkle in Time and The Guns of August, to the film Lawrence of Arabia and the song Blowin’ in the Wind, and much more. Have a look at some of the others. In fact, since copyright used to come in renewable terms of 28 years, and 85% of authors did not renew, 85% of the works from 1990 might be entering the public domain! Imagine what the great libraries of the world—or just internet hobbyists—could do: digitizing those holdings, making them available for education and research, for pleasure and for creative reuse.

Want to learn more about the public domain? Here is the legal background on how we got our current copyright terms (including summaries of recent court cases), why the public domain matters, and answers to Frequently Asked Questions. You can also read James Boyle’s book The Public Domain: Enclosing the Commons of the Mind (Yale University Press, 2008)—naturally, you can read the full text of The Public Domain online at no cost and you are free to copy and redistribute it for non-commercial purposes. You can also read “In Ambiguous Battle: The Promise (and Pathos) of Public Domain Day,” an article by Center Director Jennifer Jenkins revealing the promise and the limits of various attempts to reverse the erosion of the public domain, and a short article in the Huffington Post celebrating a previous Public Domain Day.

1 No published works have entered our public domain since 1998. However, a small subset of works—unpublished works that were not registered with the Copyright Office before 1978—have been entering the public domain after a life plus 70 copyright term. But, because these works were never published, potential users are much less likely to encounter them. In addition, it is difficult to determine whether works were “published” for copyright purposes. Therefore, this site focuses on the thousands of published works that are finally entering the public domain.

2 Works published between 1923 and 1977 had to meet certain requirements to be eligible for the 95-year term—they all had to be published with a copyright notice, and works from 1923–1963 also had to have their copyrights renewed after the initial 28-year term.

3 The list of public domain music refers to the “musical composition”—the underlying music and lyrics—not the sound recordings of those compositions. Federal copyright did not used to cover sound recordings from before 1972 (though pre-1972 sound recordings were protected under some states’ laws). However, a new law from 2018 called the Music Modernization Act has federalized copyright for pre-1972 sound recordings, in order to clear up the confusing patchwork of state law protection. For more information about this law, please see the Copyright Office’s summary.

4 Foreign works from 1923 are still copyrighted in the US until 2019 if 1) they complied with US notice and renewal formalities, 2) they were published in the US within 30 days of publication abroad, or 3) if neither of these are true, they were still copyrighted in their home country as of 1/1/96. Note that the copyright term for older works is different in other countries: in the EU, works from authors who died in 1948 will go into the public domain in 2019 after a life plus 70 year term, and in Canada, works of authors who died in 1968 will enter the public domain after a life plus 50 year term.

Special thanks to our tireless and talented research maven and website guru Balfour Smith for building this site and compiling the list of works from 1923.

Public Domain Day 2019 by Duke Law School’s Center for the Study of the Public Domain is licensed under a Creative Commons Attribution-ShareAlike 3.0 Unported License.

Center for the Study of the Public Domain

#000 titles from 1923 available #50 #Aldous Huxley #and Harold Lloyd. There are literary works by Robert Frost #Buster Keaton #Center for the Study of the Public Domain #charlie chaplin #copyrights #published works #US public domain

[widowsresolve]

I’ve been sitting on this idea for a while now and decided it’s ready to share!

Inspired by the Keeping Up With the Joneses film, our favorite couple of master assassins end up undercover in suburbia next to the curious neighbor combo of Bennie and Claire (from the Item 47 one shot).

Chapter 1 on AO3

#clintasha #clint barton #natasha romanoff #clint x natasha #monkeyfic #claire weiss #bennie pollack #kuwtb #claire x bennie

[artbookdap]

In celebration of Indigenous Peoples' Day, here are a few works from 'Action Abstraction Redefined: Modern Native Art, 1940s to 1970s,' the first appraisal of modern Native American abstraction—merging abstract expressionism, color field and hard-edge painting with Native American art. ⁠ ⁠ Artists include: Ray Aguilar, Ralph Aragon, Sammy Begay, Larry (Littlebird) Bird, Earl Biss, Bennet Brien, Bennie Buffalo, George Burdeau, T.C. Cannon, Art Chischilly, Joseph L. Concha, Larry Desjarlais, Joe Dudley, Earl Eder, Mary Eder, Kirby Feathers, Anita (Luttrell) Fields, Phyllis Fife, Herman Fragua, Henry (Hank) Gobin, John Gritts, Harvey Herman, Patrick Swazo Hinds, John Hoover, Michael Jenkins, Peter B. Jones, Ralph Robert Kniffen, Delores Lee, Alice Loiselle, Linda Lomaheftawa, Linda Lucero, Edna Massey and more.⁠ ⁠ Pictured here: ⁠ Lloyd Kiva New, (Cherokee), Untitled, 1968⁠ Fritz Scholder, (Mission/Luiseno), New Mexico Number 1, 1965⁠ George Morrison, (Wahwahtehgonagabo) (Chippewa), White Painting #1, 1965⁠ George Morrison, (Wahwahtehgonagabo/Chippewa), White Environ VI, ca. 1967⁠ Henry "Hank" Delano Gobin, (Tulalip/Snohomish) Northwest Design, 1966⁠ Mike Medicine Horse Zillioux, (Akimel O’odham/Cheyenne/Pawnee), The Day Jackson Pollack Became Christian, 1974⁠ ⁠ Published by @iaiamocna⁠ ⁠ Text by Lara Evans, Ryan S. Flahive, Shanna Ketchum-Heap of Birds, Tatiana Lomahaftewa-Singer, Stephen Wall & @manuelawelloffman⁠ ⁠ Read more via linkinbio.⁠ ⁠ #actionabstractionredefinied #nativeamericanheritage #nativeamericanart #modernnativeart #nativeart @instituteofamericanindianarts #lloydkivanew #fritzscholder #georgemorrison #mikemedicinehorsezillioux #indiginouspeoplesday #indiginousart #indiginous https://www.instagram.com/p/Cjf3pzAuKpA/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

HARRY JAMES, LES HAUTS ET LES BAS D’UN CHEF D’ORCHESTRE

“He had a black sound, and it was obvious he had been raised musically around black musicians. He was completely different from any other white trumpet player of his day.”

 

- Lionel Hampton

 

Né le 15 mars 1916 à Albany, en Georgie, Harry Haag James était le fils d’Everett Robert James, et de Myrtle Maybelle (Stewart). Le père de James était un chef d’orchestre qui jouait dans un cirque itinérant, le Mighty Haag Circus, et sa mère était acrobate et conductrice de chevaux. Sa soeur aînée était funambule.

 

Véritable enfant-prodige, James avait commencé à se produire dans un cirque à partir de l’âge de trois ans. Après avoir appris à jouer de la batterie à l’âge de sept ans (il avait même remplacé le batteur du cirque en donnant deux spectacles par soir), James avait commencé à apprendre la trompette avec son père trois ans plus tard. En fait, James était si talentueux qu’il avait commencé à diriger un des groupes du Christy Brothers Circus à l’âge de douze ans. Également contortionniste, James avait commencé à faire des acrobaties à l’âge de cinq ans sous le nom de “The Human Eel.” Malheureusement, après être entré en collision avec une cheval, une opération aux mastoïdes avait mis fin à la carrière de contortionniste de James, qui s’était alors tourné vers la trompette.

Le père de James lui avait donné un horaire très strict. Pour chaque leçon, James devait apprendre quelques pages de la méthode de trompette de J.B. Arban et n’était pas autorisé à poursuivre aucun autre passe-temps jusqu’à ce qu’il les ait complètement maîtrisées. Mais James avait relevé le défi. James, qui apprenait rapidement, s’était bientôt produit avec plusieurs groupes du Texas.

En 1924, la famille James s’était installée à Beaumont, au Texas. James était étudiant au Dick Dowling Junior High School lorsqu’il était devenu un membre régulier du Royal Purple Band du Beaumont High School. En mai 1931, James avait été couronné meilleur trompettiste soliste dans le cadre du concours annuel organisé par la Texas Band Teacher's Association à Temple, au Texas. James avait été surnommé "The Hawk" en raison de son habileté à lire la musique. Une plaisanterie avait même prétendu que si une mouche s’était posée sur une de ses partitions, James aurait été capable de la jouer...

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Au début des années 1930, à l’âge d’environ quinze ans, James avait commencé à jouer avec des groupes de danse locaux. À l’époque, James se produisait aussi régulièrement avec le groupe d’Herman Waldman. C’est dans le cadre d’une de ses performances avec le groupe que James avait été remarqué par le célèbre chef d’orchestre Ben Pollack. C’est lors de sa collaboration avec Pollack en 1935 que James avait rencontré sa future épouse, la danseuse et chanteuse Louise Tobin. James avait découvert Tobin un peu par accident en écoutant l’émission "Dance Parade" diffusée sur les ondes de la station new-yorkaise WNEW.

James avait quitté le groupe de Pollack en décembre 1937 pour se joindre à l’orchestre de Benny Goodman dont il avait fait partie jusqu’en 1938.

Avec le groupe de Goodman, James avait formé ce qu’on avait appelé le “powerhouse trio” avec les trompettistes Ziggy Elman et Chris Griffin qui était devenu une des meilleures sections de trompettes de l’histoire du jazz. Ravi de sa nouvelle acquisition, Goodman avait déclaré au sujet du trio qu’il s’agissait de la meilleure section de trompette de l’histoire depuis l’époque de Fletcher Henderson. L’opinion de Goodman était d’ailleurs partagée par d’autres chefs d’orchestre comme Glenn Miller qui avait qualifié le trio de ‘’Marvel of the Age." Un des membres de l’orchestre, Chris Griffin, se souvenait particulièrement des commentaires de Duke Ellington. Griffin expliquait: "The best compliment we ever got, is when Duke Ellington once said we were the greatest trumpet section that ever was, as far as his liking."

Devenu le principal soliste du trio, James était devenu une grande vedette après avoir joué en solo sur les pièces “Ridin’ High” “Sing, Sing, Sing” et “One o’Clock Jump.” Dans le cadre de sa collaboration avec Goodman, James avait également composé et arrangé la chanson “Life Goes to a Party” qui était devenue une des meilleurs pièces du répertoire de l’orchestre.  Dans sa biographie de James intitulée ‘’Trumpet Blues: The Life of Harry James’’ publiée en 1999, Peter J. Levinson avait mentionné quelques musiciens qui avaient témoigné de l’impact du trompettiste sur le groupe de Goodman, dont Jimmy Maxwell. Trompettiste lui-même, Maxwell avait déclaré: “...When Harry joined the band, it got looser, much looser. It just totally changed like it had been electrified.’’ Très populaire, James avait été couronné meilleur trompettiste dans le cadre des sondages des magazines Down Beat et Metronome en 1937. En 1938, James avait connu un des grands sommets de sa carrière en accompagnant l’orchestre de Goodman dans le cadre du célèbre concert de Carnegie Hall. Décrivant sa collaboration avec Goodman, James avait commenté: "Benny's too great a guy to work for!"

Avec l’aide financière de Goodman, James avait formé son propre big band en janvier 1939. Même si l’orchestre avait livré sa première performance au Benjamin Franklin Hotel de Philadelphie le 9 février, il n’avait vraiment connu du succès qu’après avoir ajouté une section de cordes à son orchestre en 1941. Le 20 février 1939, l’orchestre avait fait ses premiers enregistrements pour les disques Brunswick. Même si les premières pièces enregistrées par le groupe n’avaient pas été très impressionnantes, les spectateurs et les auditeurs des émissions de radio avaient été comblés. James semblait également ravi. Lorsqu’on avait demandé à James s’il avait fait une erreur en quittant le groupe de Goodman, il avait simplement répondu: "No, I don't think I made any mistake when I left Benny. When I was with Benny, I often had to play sensational horn. I was one of a few featured men in a killer-diller band. Each of us had to impress all the time. Consequently, when I got up to take, say, sixteen bars, I'd have to try to cram everything into that short space." Doté d’une mémoire phénoménale, James pouvait non seulement se rappeler parfaitement de ses propres partitions, mais également de celles des autres membres de son orchestre.

Dès le départ, James avait décidé de concentrer son attention sur les ballades, particulièrement sur des pièces comme "I Surrender, Dear," "Just a Gigolo," "I'm in the Market for You" et "Black and Blue." Il expliquait: "Playing what you want to play is good for a guy's soul, you know.’’ Témoignant de l’importance de la danse pour son orchestre, James avait ajouté: "I want to have a band that really swings and that's easy to dance to all the time. Too many bands, in order to be sensational, hit tempos that you just can't dance to." À l’époque, Glenn Miller venait d’ailleurs de former son propre groupe qui mettait l’accent sur des pièces au tempo rapide. James poursuivait: "We're emphasizing middle tempos. They can swing just as much and they're certainly more danceable." 

Les uniformes de l’orchestre avaient d’ailleurs contribué à ajouter encore plus de couleur. James avait grandi dans un cirque, et ses goûts personnels avaient reflété cette réalité. Les musiciens du groupe portaient des vestons de couleur rouge plutôt voyants qui avaient contribué au caractère spectaculaire de la formation. Malgré tout, James avait continué d’afficher un tempérament sincère et plutôt candide. Partisan d’une approche informelle, James avait maintenu une très grande proximité avec ses musiciens.

En juin 1939, l’orchestre de James se produisait au Paramount Theater de New York. James était toujours au lit lorsqu’il avait entendu le groupe d’Harold Arlen jouer à Englewood, au New Jersey. James avait été particulièrement impressionné par le jeune chanteur du groupe dont il avait oublié de noter le nom. Le lendemain soir, après avoir présenté son concert, James s’était précipité au New Jersey pour faire connaissance avec le jeune chanteur. Il expliquait: "I asked the manager where I could find the singer, and he told me, 'We don't have a singer. But we do have an MC who sings a little bit.'"

Le maître de cérémonie en question était nul autre que Frank Sinatra. Après que Sinatra ait chanté quelques chansons, James avait été suffisamment convaincu pour lui faire une offre. Même si Sinatra avait accepté l’offre de James, ce dernier avait eu moins de succès lorsqu’il avait tenté de lui faire changer de nom pour adopter celui de ‘’Frankie Satin.’’ James précisait: "He did, and we made a deal. It was as simple as that. There was only one thing we didn't agree on. I wanted him to change his name because I thought people couldn't remember it. But he didn't want to. He kept pointing out that he had a cousin up in Boston named Ray Sinatra and he had done pretty well as a bandleader, so why shouldn't he keep his name?"

Sinatra avait enregistré ses premières pièces avec le groupe le 13 juillet 1939. Les chansons enregistrées étaient "From the Bottom of My Heart" et "Melancholy Mood." Mais le jeune chanteur manquait encore de confiance en lui et avait besoin d’encouragement. James avait rapidement su mettre en confiance son nouveau poulain et avait vite établi une excellente relation avec lui.

Premier chef d’orchestre important à engager Sinatra, James lui fait avait fait signer un contrat de 75$ par semaine en 1939 (l’équivalent de 1589$ par semaine au cours de 2022). En réalité, Sinatra n’avait d’abord été engagé que pour une durée de six mois. Ironiquement, la chanson “All or Nothing at All” avait été échec lorsque James et Sinatra l’avaient enregistrée initialement en 1939, mais elle avait vendu plus d’un million de copies lorsque le groupe l’avait de nouveau enregistrée en 1943. L’arrangeur Jack Matthias avait d’ailleurs écrit d’excellents arrangements pour Sinatra.

Sinatra avait fait partie de l’orchestre de James durant sept semaines avant de se joindre au groupe de Tommy Dorsey en 1940. L’orchestre de James comprenait aussi la chanteuse Helen Forrest. Par la suite, le batteur Buddy Rich et le contrebassiste Thurman Teague avaient également fait partie du groupe. Parmi les autres membres de la formation, on remarquait le saxophoniste et chanteur Johnny MacAfee, les saxophonistes Corky Corcoran, Claude Lakey, Vido Musso, Sam Donahue et Dave Matthews, le tromboniste Dalton Rizzotti et le pianiste Jack Gardner.

Après avoir terminé son contrat au Roseland Ballroom, l’orchestre s’était rendu à Los Angeles où il avait joué dans un restaurant appelé le Victor Hugo. C’est alors que les problèmes avaient commencé. James expliquait: "The owner kept telling us we were playing too loud. And so he wouldn't pay us. We were struggling pretty good and nobody had any money, so Frank would invite us up to his place and Nancy would cook spaghetti for everyone." 

Après le séjour avorté en Californie, l’orchestre était parti pour Chicago et s’était produit à l’Hôtel Sherman. C’est alors que Sinatra, dont l’épouse Nancy était enceinte, avait quitté le groupe pour se joindre à l’orchestre de Tommy Dorsey. C’est Dick Haymes qui avait pris la relève de Sinatra avec le groupe.

Même si les disques de l’orchestre ne se vendaient pas toujours très bien, James avait continué d’être adulé par ses musiciens. En janvier 1940, James avait même été couronné meilleur trompettiste dans le cadre de deux sondages du magazine Metronome. Le groupe était alors retourné jouer au Roseland Ballroom, où il avait excellé. Mais James avait d’autres ambitions que de jouer uniquement dans les salles de danse et les rares hôtels qui n’interdisaient pas les groupes de swing.

Lorsqu’il avait quitté l’orchestre de Goodman en 1939 pour former son propre groupe, James n’avait pas tardé à se rendre compte que le fait de diriger un groupe viable sur le plan commercial exigeait davantage d’habilité que d’être uniquement un musicien talentueux dans l’orchestre de quelqu’un d’autre.

Après avoir connu des difficultés financières, il était devenu de plus en plus difficile pour  James de payer les salaires de ses musiciens. En 1940, les disques Columbia avaient mis fin au contrat de James (il en avait signé un nouveau en 1941). Comme si ce n’était pas suffisant, Sinatra avait quitté le groupe en janvier 1940. Déterminé à revenir au sommet et à relancer son groupe, James avait décidé de jouer le tout pour le tout en adoptant un style plus doux, en ajoutant des cordes à son orchestre et en sélectionnant un répertoire plus commercial qui était beaucoup moins conforme à ses racines jazz. La décision avait éventuellement été profitable pour James qui avait eu plusieurs succès au Hit Parade. En 1945, un rapport du département du Trésor avait d’ailleurs mentionné James et son épouse Betty Grable comme le couple le mieux payé au pays. James avait également fait quelques changements à son alignement, en remplaçant notamment le saxophoniste Dave Matthews par Claude Lakey.

Après avoir terminé son contrat avec les disques Varsity, James était retourné chez Columbia. À l’époque, Columbia avait un très astucieux directeur du recrutement appelé Morty Palitz qui avait connu du succès avec la chanteuse Mildred Bailey et les compositeurs Eddie Sauter et Alec Wilder. C’est d’ailleurs Palitz qui avait suggéré à James de se doter d’une section de bois et d’un quatuor à cordes. Contre toute attente, James avaient réussi là où de grands chefs d’orchestre comme Artie Shaw et Glenn Miller avaient échoué. James avait expliqué: "I'm going to add strings and maybe even a novachord. Then we'll be able to play anywhere.’’ En avril 1941, l’orchestre avait remporté un grand succès avec la chanson “Music Makers” qui lui avait valu d’être surnommé “Harry James and His Music Makers”.

Avec son nouvel orchestre, James avait enregistré des pièces très audacieuses comme "The Flight of the Bumble Bee," "The Carnival of Venice" ainsi qu’une "Trumpet Rhapsody" en deux parties. Contrairement à des groupes comme ceux de Duke Ellington et Count Basie, l’orchestre de James avait adopté comme musique-thème la pièce “Chiribiribin”, une ancienne chanson folklorique européenne.

Le 20 mai 1941, James avait commis l’impensable en enregistrant la pièce ‘’You Made Me Love You’’ avec son orchestre à cordes. Même si la pièce avait été très mal reçue par les puristes du jazz, elle avait remporté un grand succès commercial. L’orchestre de James était de retour au sommet. James avait publié la pièce ‘’You Made Me Love You’’ pour une simple raison: il avait adoré la façon dont Judy Garland avait interprété la chanson.

Grand amateur de baseball, James avait également enregistré une pièce en l’honneur des Dodgers de Brooklyn intitulée "Dodgers' Fan Dance." Si la pièce n’avait pas remporté un grand succès, tel était loin d’être le cas de la chanson "You Made Me Love You"  qui avait changé radicalement le son du groupe. Devenue le plus grand succès de l’histoire du groupe, la chanson avait atteint la cinquième position du palmarès Billboard en novembre 1941. Du début de novembre 1941 jusqu’à la fin de janvier 1942, le simple avait passé dix semaines consécutives sur le Top Ten. Le groupe avait poursuivi sur sa lancée au cours des années suivantes avec des succès comme “I Don’t Want to Walk Without You”, “I’ll Get By” et “I’m Beginning to See the Light.” En fait, l’orchestre de James était si populaire à l’époque que les disques Columbia n’avaient pu imprimer suffisamment de copies pour répondre à la demande.Tout en continuant de jouer du swing, le groupe s’était concentré de plus en plus sur les ballades qui mettaient en vedette le son de James, avait écrit le magazine Metronome, ‘’with an inordinate amount of feeling, though many may object, and with just cause, to a vibrato that could easily span the distance from left field to first base."

Ironiquement, la chanson "You Made Me Love You"  n’avait pas été publiée avant quelques mois, possiblement parce que les dirigeants de Columbia partageaient les réserves des critiques de jazz au sujet de l’utilisation de cordes. Sur la face B, on retrouvait une des meilleures ballades du groupe, "A Sinner Kissed an Angel’’, qui avait contribué à démontrer quel grand chanteur Dick Haymes était devenu. À la même époque, Haymes avaient également enregistré d’autres chansons remarquables comme ‘’I'll Get By," "You Don't Know What Love Is" et "You've Changed."

Avec des chanteurs comme Sinatra et Haymes, James croyait sans doute qu’il n’avait pas besoin de chanteuse. Après avoir eu des chanteuses comme Bernice Byers puis Connie Haines lors des premières années d’activité de son orchestre, James avait recruté en mai 1941 Helen Ward, l’ancienne chanteuse de Benny Goodman, à qui il avait fait enregistré une nouvelle version de ‘’Daddy.’’ Par la suite, James avait eu à son emploi la showgirl Dell Parker qui avait été remplacée en juillet 1940 par Lynn Richards. Mais aucune de ces chanteuses ne s’était vraiment détachée du lot avant l’arrivée d’Helen Forrest. Après avoir enregistré quelques excellentes pièces avec Artie Shaw et Benny Goodman, Forrest avait fini par tout claquer à la fin de 1941, car elle ne pouvait plus supporter le tempérament autoritaire de Goodman qui lui avait presque fait faire une dépression nerveuse. De sa propre initiative, Forrest avait alors décidé de contacter James. Elle expliquait:

"I decided to contact Harry. I loved the way he played that trumpet, with that Jewish phrasing, and I thought I'd fit right in with the band. But Harry didn't seem to want me because he already had Dick Haymes to sing all the ballads and he was looking for a rhythm singer. Then Peewee Monte, his manager, had me come over to rehearsal, and after that the guys in the band took a vote and they decided they wanted me with them. So Harry agreed.’’

Très reconnaissante à James de lui avoir donné une seconde chance, Forrest avait ajouté: "I've got to thank Harry for letting me really develop even further as a singer. I'll always remain grateful to Artie and Benny. But they had been featuring me more like they did a member of the band, almost like another instrumental soloist. Harry, though, gave me the right sort of arrangements and setting that fit a singer. It wasn't just a matter of my getting up, singing a chorus, and sitting down again."

En construisant des arrangements autour de sa trompette et de la voix de Forrest, James avait fait de la chanteuse une grande vedette. Forrest, qui avait remporté le prix du magazine Metronome décerné à la meilleure chanteuse en 1941, était aussi chaleureuse en personne que sa voix le laissait suggérer. Forrest était également le complément idéal à la nouvelle orientation du groupe qui avait contribué à transformer l’orchestre en un des big bands les plus populaires au pays. Forrest avait également enregistré d’excellentes ballades comme ‘’He's I-A in the Army and He's A-I in My Heart", "I Don't Want to Walk Without You", "He's My Guy", "That Soldier of Mine", "My Beloved Is Rugged", "Make Love to Me", "But Not for Me", "Skylark", "I Cried for You", "I Had the Craziest Dream" et "I've Heard That Song Before." Une autre acquisition majeure de l’époque était le saxophoniste Corky Corcoran. Agé de dix-sept ans, Corcoran venait d’être congédié du groupe de Sonny Dunham après être passé sous la bistouri à la suite d’une opération à l’appendicite. Lorsque Corcoran s’était joint à l’orchestre, la formation venait de s’assurer les services de deux excellents saxophonistes alto, Sam Marowitz et Johnny McAfee. Ce dernier, qui était également chanteur, avait pris la relève de Haymes lorsqu’il avait quitté le groupe.

La nouvelle orientation du groupe n’avait d’ailleurs pas tardé à produire des dividendes. Au printemps 1942, l’orchestre avait brisé des records tant sur la Côte est que sur la Côte ouest: d’abord au Meadowbrook de Cedar Grove, au New Jersey, puis au Palladium d’Hollywood, où il avait attiré 35 000 spectateurs en une semaine, dont 8000 en une seule soirée ! Cependant, le meilleur était encore à venir : à l’été 1942, l’orchestre avait remporté le sondage "Make Believe Ballroom" de Martin Block couronnant le meilleur big band au pays, devant le groupe que plusieurs considéraient comme le meilleur au pays, l’orchestre de Glenn Miller. Lorsque peu après, Miller avait démantelé son groupe pour entrer dans l’armée, son commanditaire, les cigarettes Chesterfield, avait choisi James pour le remplacer. Grâce à cette commandite, l’orchestre de James avait commencé à se produire à la radio cinq soirs par semaine dans le cadre de l’émission "The Jack Benny Show". Lors de son séjour dans l’est, le groupe s’était de nouveau produit au Meadowbrook. James avait également profité de l’occasion pour rembourser  une vieille dette envers Maria Kramer, la propriétaire du Lincoln Hotel où il avait souvent joué au début de sa carrière. James avait finalement dû mettre fin à son contrat précipitamment pour faire une apparition dans une adaptation cinématographique de la comédie musicale de Broadway ‘’Best Foot Forward.’’

En 1945, James avait remplacé l’acteur Danny Kaye durant l’été sur son émission diffusée sur le réseau CBS. James avait également dirigé son orchestre dans le cadre de l’émission ‘’Call for Music’’, qui avait été diffusée du 13 février 1948 au 29 juin 1948 sur les réseaux CBS et NBC.

Dans un article publié dans le magazine Metronome en décembre 1942, Barry Ulanov avait expliqué ainsi les raisons du succès remporté par l’orchestre de James:

‘’Rarely has the public's faith in a band been so generously rewarded as it has in the organization headed by Harry James. Of the number one favorites of recent years, Harry's gives its fans the most for its money. . . His taste is the public's taste, and his pulse runs wonderfully right along with that of the man in the street and the woman on the dance floor. . . Whether or not you agree with or accept Harry James' taste doesn't matter in appraising this band. It's not the band of tomorrow. It's not an experimental outfit. It's not even the brilliant jazz crew that Harry fronted a couple of years ago. It's just a fine all-around outfit that reflects dance music of today perfectly.’’

Le jour où l’orchestre devait inaugurer un lucratif contrat de 25 500$ par semaine au Théâtre Paramount de New York, il pleuvait à torrents. Malgré tout, les spectateurs n’avaient pas hésité à faire la queue pour se procurer des billets. En fait, si les autorités n’avaient pas appelé des policiers en renfort pour maintenir l’ordre, il y aurait probablement eu une émeute ! Autre signe de la popularité de l’orchestre: en juin 1942, les disques Columbia avaient annoncé que la version du groupe de la chanson "I've Heard That Song Before" était devenu leur meilleur vendeur de tous les temps avec un total de 1 259 000 copies vendues. Quant aux pièces "Velvet Moon" et "You Made Me Love You", elles avaient dépassé le cap des un million. Quant aux chansons "All or Nothing at All" et "Flash", qui s’étaient vendues à 16 000 exemplaires lorsqu’elles avaient été publiées trois ans plus tôt, elles avaient été rééditées et avaient vendu 975 000 copies à ce jour.

En plus d’avoir enregistré plusieurs disques à succès, James avait plusieurs apparitions au cinéma avec son groupe. Après avoir participé au tournage des films ‘’Private Buckaroo’’, ‘’Springtime in the Rockies’’ (tous les deux tournés en 1942) et ‘’Two Girls and a Sailor’’ (1944), James avait joué de la trompette dans le film de 1950 ‘’Young Man with a Horn’’ en tant que doublure de Kirk Douglas. L’orchestre de James avait également accompagné la chanteuse et actrice Doris Day, ce qui avait permis à la bande sonore du film d’atteindre la première position du Hit Parade. Toujours en 1950, James avait également fait une apparition dans le film ‘’I’ll Get By.’’ Grand amateur de westerns, James s’était même arrangé pour décrocher un rôle dans le film ‘’Outlaw Queen’’ en 1957.

Parallèlement à ses apparitions au cinéma, James avait aussi participé à de nombreuses émissions de télévision dans les années 1950 et 1960.

Mais il y avait également eu des signes inquiétants. Après avoir signé un contrat pour jouer dans deux autres films, ‘’Mr. Co-Ed’’ et ‘’A Tale of Two Sisters’’, James avait commencé à se rapprocher de plus en plus d’Hollywood, et plus particuliètrement de Betty Grable, qui avait occupé une table à chaque soir au Astor Roof lorsque le groupe s’y était produit au printemps 1943. James avait finalement épousé Grable à Las Vegas le 5 juillet. Plus préoccupant encore, James avait également commencé à se désintéresser de plus en plus du jazz au profit d’une musique beaucoup plus racoleuse destinée à plaire à ses admirateurs.

Lorsque le groupe était retourné dans l’est pour jouer à Meadowbrook, le critique Barry Ulanov avait fait remarquer que l’orchestre avait de nouveau mis davantage d’accent sur le jazz et avait invité James à jouer du swing plutôt que de miser sur la sécurité. Ulanov expliquait: "He has taken advantage of his unassailable commercial position to play good music, to diminish the amount of tremulous trash which formed the bulk of his sets when he was coming up. Now, if he will just drop those meaningless strings. . . " Mais James n’avait rien voulu entendre. Il avait même augmenté le nombre de membres de sa section de cordes à vingt-quatre musiciens.

Devenu de moins en moins intéressé à la musique, James était devenu un simple artiste de divertissement. En janvier 1945, James avait signé un contrat pour participer à l’émission de radio de Danny Kaye, non seulement comme trompettiste, mais également comme figurant et acteur. Le pire c’est que James semblait apprécier son nouveau rôle, peut-être encore plus que sa carrière de musicien.

Au cours de cette période, James avait également développé d’autres intérêts. Avec son épouse Betty Grable, James s’était impliqué de plus en plus dans les courses de chevaux. Il passait même le plus clair de son temps sur les pistes de courses. De fait, James avait remporté tellement de succès dans le cadre de compétitions hippiques qu’il avait commencé à choisir soigneusement les morceaux qu’il voulait interpréter avec l’orchestre, de façon à pouvoir mieux se concentrer sur ses activités en dehors de la musique.

Même si les membres du groupe avaient continué d’interpréter des ballades, ils étaient aussi beaucoup plus désabusés qu’auparavant. Comme un critique l’avait écrit en juillet 1943, "The stuff instead of sounding solid, sounds stolid, on the pompous side. You get the feeling that the men are plodding through the notes... I don't know whether it's because they are living too well, or because they just aren't capable of playing more rhythmically. . . "

Mais James avait également d’autres motifs de préoccupation. Avec la guerre qui s’éternisait, James avait perdu plusieurs de ses meilleurs musiciens qui avaient été mobilisés par l’armée. Après avoir été classé ‘’4-F’’ par l’armée le 5 août, des rumeurs avaient laissé entendre que James serait reclassé dans la catégorie I-A. Après avoir passé son examen médical le 11 février 1944, James avait avisé son groupe de se tenir aux aguets et d’attendre. En réalité, la partie était joué pour que le commanditaire de son émission de radio avait déjà annoncé le congédiement de l’orchestre en mars. À la dernière minute, James avait été reclassé dans la catégorie 4-F en raison d’une ancienne blessure. Se retournant rapidement, James avait rappelé certains de ses vétérans et leur avait annoncé que Buddy DiVito et Helen Ward deviendraient les chanteurs de l’orchestre (Helen Forrest avait quitté le groupe pour démarrer sa carrière solo à la fin de 1943). Finalement, Ward avait été remplacée par Kitty Kallen lorsque l’orchestre était retourné à l’Astor Roof le 22 mai. Pendant ce temps, Juan Tizol avait quitté l’orchestre de Duke Ellington pour venir jouer du trombone avec le groupe.

Ces difficultés n’avaient cependant pas empêché l’orchestre de multiplier les succès. Après avoir joué à l’Astor Roof, James avait fait le tour des États-Unis dans le cadre d’une tournée qui avait connu son point culminant au Rubber Bowl d’Akron, en Ohio, où il avait attiré une foule de 6000 personnes. La tournée s’était terminée en Californie, où l’orchestre avait amorcé une nouvelle série d’émissions commanditées par Coca-Cola.

En raison de la grève de l’Union des musiciens qui limitait les enregistrements dans les grandes studios, l’orchestre n’avait pas gravé de nouvelles pièces depuis plus de deux ans. Lorsque la grève avait finalement pris fin le 11 novembre 1944, l’orchestre était entré dans les studios de Columbia à New York pour enregistrer quatre pièces, dont un version du standard "I'm Beginning to See the Light" mettant en vedette sa nouvelle chanteuse Kitty Kallen. Dans ce cadre de cette session, le groupe avait également enregistré une première pièce de jazz en plus d’un an, "I'm Confessing", qui mettait en vedette Willie Smith, l’ancien saxophoniste alto de Jimmie Lunceford, qui venait tout juste de se joindre à la formation. Un brillant jeune pianiste appelé Arnold Ross participait également à l’enregistrement.

James ayant passé son enfance dans un cirque itinérant, il avait hérité d’un style flamboyant qui était caractérisé par l’utilisation d’un lourd vibrato et d’un important trémolo. Même si de telles techniques étaient très populaires au début de la carrière de Louis Armstrong, une des plus grandes influences de James, elles étaient tombées en désuétude dans les années 1950 avec l’avènement du Cool jazz. Les nombreuses heures de pratique que James s’était imposées au cours de son enfance lui avaient inculqué une solide technique. James ayant grandi dans le Sud, il avait également été exposé au blues, ce qui avait grandement influencé son style. James expliquait: "I was brought up in Texas with the blues – when I was eleven or twelve years old down in what they call 'barbecue row' I used to sit in with the guys that had the broken bottlenecks on their guitars, playing the blues; that's all we knew." Après avoir entendu James jouer en solo avec l’orchestre de Benny Goodman, Louis Armstrong avait déclaré à son ami Lionel Hampton:  "That white boy – he plays like a jig!"

Mais les succès commerciaux n’avaient pas nécessairement fait l’affaire de tout le monde. Dan Morgenstern, le critique et directeur de Institute of Jazz Studies, avait commenté en 1941 le succès de la pièce "You Made Me Love You" en déclarant que les critiques de jazz n’avaient jamais pardonné à James d’avoir enregistré la chanson. Plus James avait continué d’enchaîner les succès dans les années 1940, plus son jeu avait été qualifié de "schmaltzy" (larmoyant) et méprisé par les critiques, même si ses enregistrements de l’époque continuaient de démontrer de son dévouement sincère envers le jazz. Même si les enregistrements typiquement jazz de James à l’époque n’étaient pas aussi nombreux que ses chansons à succès, ils comprenaient plusieurs arrangements très modernes de Neal Hefti, Frank Devenport, Johnny Richards et Jimmy Mundy. Lorsque le bebop avait commencé à surclasser le swing à la fin des années 1940, James s’était d’ailleurs démontré ouvert à son développement.

DERNIÈRES ANNÉES

Au milieu des années 1940, lorsque les big bands étaient entrés dans une période de déclin, James avait commencé à se remettre en question et à réévaluer les choix qu’il avait adoptés plus tôt dans sa carrière. Lorsque Count Basie avait ouvert le mouvement en transformant son big band en groupe de seize musiciens, James avait emboîté le pas.

Le déclin avait commencé en 1946.

À l’époque, les contrats lucratifs ayant commencé à se faire plus rares, James s’était mis à accepter des contrats d’un seul soir, ce qu’il avait refusé jusque-là parce qu’il désirait demeurer au coeur de l’action. Mais les réalités avaient changé, et en février James avait annoncé son intention de faire une nouvelle tournée avec son groupe. Même si ses attentes étaient élevées, James n’avait pas réussi à attirer des foules aussi nombreuses qu’auparavant. En décembre 1946, dix ans après s’être joint à l’orchestre de Benny Goodman, James avait annoncé qu’il laissait tomber les cordes. Au cours du même mois, Goodman avait d’ailleurs pris la même décision. À l’été 1947, James avait expliqué sa décision en déclarant: "First of all, I've settled a few problems in my mind, problems nobody ever knew I had and which I didn't bother telling anyone about. But when you're worried and upset, you don't feel like playing and you certainly can't relax enough to play anything like good jazz."

Déterminé à remonter la pente, James avait même coupé ses tarifs de moitié. Il avait aussi accepté de présenter des concerts d’un seul soir partout où il en avait l’opportunité. Contre toute attente, ce nouveau départ avait même suscité un regain d’enthousiasme chez les musiciens. Trente ans auparavant, James avait déclaré: "The most important thing that makes me want to play, is this new band of mine. You know what I've had in the past. Well, now I've got me a bunch of kids and their spirit kills me. They're up on the bandstand wanting to play all the time, so how can I possibly not feel like blowing! I haven't had a bunch like this since my first band." Après des mois d’incertitude, il semble que cette profession de foi était de nouveau à l’ordre du jour. Pour célébrer cette renaissance, James avait même formé un nouveau groupe de swing qui ne comprenait aucune corde.

En 1953, James avait poursuivi sur sa lancée en recrutant le batteur Buddy Rich. Afin de regarnir les goussets de son orchestre, James se produisait durant plusieurs mois par année au célèbre casino Flamingo de Las Vegas.

Même si après avoir signé un contrat avec les disques Capitol en 1955, James avait publié de nouvelles versions studio de chansons qu’il avait d’abord publiées avec les disques Columbia, il avait aussi enregistré dix nouvelles pièces pour un album intitulé ‘’Wild About Harry!’’ Premier d’une série d’albums enregistrés pour Capitol, et poursuivis plus tard pour MGM, le disque était représentatif du style pro-Basie que James avait choisi d’adopter durant cette période. Plusieurs des nouveaux arrangements du groupe avaient d’ailleurs été composés par Ernie Wilkins, l’ancien saxophoniste et arrangeur de Basie, que James avait ‘’débauché’’ pour venir jouer avec son orchestre. Le batteur Buddy Rich, qui avait d’abord joué avec le groupe sur une base intermittente, avait de nouveau fait partie de l’orchestre de 1962 à 1966, ce qui avait permis au groupe de retrouver une certaine rentabilité. À l’époque, James se produisait principalement au Nevada, au rythme de quarante semaines par année.

En 1966,  James avait ramené son groupe à New York pour quelques semaines. À l’époque, l’orchestre comprenait des jeunes recrues ainsi que des vétérans aguerris comme Corky Corcoran et Louis Bellson, qui venait de prendre la relève de Rich à la batterie. Ravi de son nouveau groupe, James n’avait pu contenir son enthousiasme et avait déclaré: "This is the best band I've ever had in my life! These young musicians, they're getting so much better training and they can do so much more! It was quite a sight to see and quite a sound to hear!”

Même si James était retourné vers des enregistrements plus orientés vers le jazz à la fin des années 1950 et durant les années 1960, il n’avait jamais vraiment retrouvé la faveur des critiques qui l’avaient abandonné lors de son virage plus commercial. Comparant James à Louis Armstrong, Bill Kirchner écrivait dans les notes de pochette de la compilation ‘’Harry James Verve Jazz Masters 55’’:

“If a poll were taken to pick the most famous trumpeters in the history of twentieth-century music, chances are that Louis Armstrong and Harry James would top most lists. Armstrong, of course, also has a most secure place in the jazz pantheon, but James does not, due to the "burden" of having achieved enormous commercial success early in his career. It's ironic that while few judge Armstrong's achievements on the basis of such hits as "Hello, Dolly", James is still viewed in many quarters mainly as an early-Forties purveyor of schmaltzy ballads such as "You Made Me Love You" and such virtuoso pop-classical fare as "Flight of the Bumble Bee". 

Mais c’est James qui avait finalement eu le dernier mot. Lors d’une visite à Londres en 1972, le critique anglais Steve Voce avait demandé à James si les spectateurs qui assistaient à ses concerts étaient venus pour entendre ses grands succès ou plutôt la musique de jazz qui l’avait caractérisée à ses débuts. James avait répondu:

"That would depend on for whom you are playing. If you're playing for a jazz audience, I'm pretty sure that some of the jazz things we do would be a lot more popular than 'Sleepy Lagoon,' and if we're playing at a country club or playing Vegas, in which we have many, many types of people, then I'm sure that 'Sleepy Lagoon' would be more popular at that particular time. But I really get bugged about these people talking about commercial tunes, because to me, if you're gonna be commercial, you're gonna stand on your head and make funny noises and do idiotic things. I don't think we've ever recorded or played one tune that I didn't particularly love to play. Otherwise, I wouldn't play it."

Reconnu pour être un coureur de jupons, James s’était marié à trois reprises. Le 4 mai 1935, James avait d’abord épousé la chanteuse Louise Tobin. Le couple a eu deux fils, Harry Jeffrey James (né en 1941) et Timothy Ray James (né en 1942) avant de divorcer en 1943. Plus tard la même année, James s’était remarié à l’actrice Betty Grable. James et Grable ont eu deux filles, Victoria Elizabeth (née en 1944) et Jessica (née en 1947). Grable, qui en avait finalement eu assez du mode de vie dépensier de James, de ses infidélités notoires et de son importante consommation d’alcool, avait obtenu le divorce en 1965 pour des motifs d’extrême cruauté.

En décembre 1967, James s’était remarié avec  Joan Boyd, une danseuse de Las Vegas. Le couple a eu un fils, Michael, avant de divorcer en 1970. Décrit par un de ses musiciens comme un ‘’perpétuel adolescent’’, James n’avait jamais su résister à ses inhibitions et n’avait jamais eu aucune envie de changer sa conduite.

Mais James avait également ses bons côtés. Il savait se montrer généreux envers ses collaborateurs et avait défendu énergiquement les musiciens de couleur de son orchestre lorsqu’ils avaient souffert de discrimination raciale. Par exemple, pendant qu’Artie Shaw demandait à Billie Holiday d’utiliser l’ascenseur de service pour éviter de côtoyer les clients blancs, James avait demandé à ses musiciens de faire leurs valises lorsqu’on avait interdit aux membres de couleur de son orchestre d’avoir une chambre d’hôtel.

Mais même si James savait faire preuve d’empathie à l’occasion, il n’avait jamais été très proche de ses musiciens. Un de ses batteurs avait commenté: "Harry never got close to people. I don't think anybody really liked him." La première épouse de James, Louise Tobin, l’avait même qualifié d’être inhumain, froid et complètement indifférent au sort de ses propres enfants. Particulièrement immature, James n’avait jamais pu contrôler ses impulsions et ne se sentait à l’aise que lorsqu’il jouait de la trompette. La chanteuse Helen Forrest avait commenté: ‘’He was at peace and he knew he was loved, when he was playing the trumpet.... He knew nobody could hurt him." Une autre chanteuse, Marion Morgan, croyait pour sa part que James donnait tout ce qu’il avait quand il jouait de la trompette. Elle avait ajouté: ‘’There just wasn't much left." Finalement, malgré tous ses succès, James avait eu une existence plutôt triste. Son biographe Peter Levinson croyait même que James ne connaissait même pas la signification du mot amour.  

Grand amateur d’équitation, James était propriétaire de plusieurs chevaux de race Thoroughbred qui avaient remporté des courses dans le cadre de compétitions comme les California Breeders' Champion Stakes (1951) et les San Vicente Stakes (1954). James avait également été un des premiers investisseurs de la course d’Atlantic City. En 1958, on avait fait l’éloge des connaissances des courses de chevaux de James dans le cadre d’un épisode de la Lucy–Desi Comedy Hour intitulé "Lucy Wins A Racehorse.’’ Passionné de baseball, James recrutait les membres de son groupe à la fois pour leurs aptitudes musicales que pour leurs qualités athlétiques.

Bon vivant, James aimait également fumer, boire et parier. Même si on lui avait diagnostiqué un cancer lymphatique en 1983, James avait continué de travailler même s’il ne pouvait plus jouer de trompette en raison du mauvais état de ses dents. James a présenté son dernier concert dans le cadre d’une performance à Los Angeles avec son orchestre le 26 juin 1983. Il est mort le 5 juillet à Las Vegas à l’âge de soixante-sept ans. C’est Frank Sinatra qui avait prononcé l’éloge funèbre de James lors de ses funérailles qui avaient également été tenues à Las Vegas.

Au cours de sa carrière, Harry James avait enregistré trente albums studio, plus de 200 simples, 47 EP’s, plusieurs albums live et compilations, sans parler de ses apparitions avec d’autres musiciens. Neuf chansons de James avaient atteint la première position du Hit Parade, trente-deux s’étaient classées au Top 10, et soixante-dix avaient terminé au Top 100 des palmarès américains, tandis que sept s’étaient classées sur le palmarès R & B.

Caractérisé par une technique impeccable et par une sonorité très puissante marquée par un profond sens du swing, James avait été décrit par l’historien du jazz Gunther Schuller comme “the most technically assured and prodigiously talented white trumpet player of the late Swing Era and early postwar years, both as an improvising jazz and blues player and as a richly expressive ballad performer.” James avait eu plusieurs arrangeurs talentueux à son emploi au cours de sa carrière, dont Ralph Burns, Bob Florence, Neal Hefti, Ray Conniff, Johnny Thompson, Dave Matthews, Leroy Holmes, Thad Jones et surtout Ernie Wilkins. Wilkins et Hefti avaient d’ailleurs travaillé pour Count Basie que James admirait par-dessus tout et qu’il avait souvent tenté d’imiter. Parmi les musiciens qui avaient fait partie de l’orchestre de James, on remarquait le batteur Buddy Rich, le saxophoniste alto Willie Smith, les saxophonistes ténor Corky Corcoran et Sam Firmature, le tromboniste Ray Sims (le frère du saxophoniste Zoot Sims), le pianiste Jack Perciful, le guitariste Alan Reuss et les contrebassistes Red Kelly et Ed Mihelich.

Avec Duke Ellington, James avait été un des premiers chefs d’orchestre à exploiter pleinement le potentiel de ses chanteurs et chanteuses en créant des arrangements expressément à leur intention. En 1999, Peter Levinson avait publié une biographie de James intitulée Trumpet Blues: The Life of Harry James. Décrivant James à la fois comme "one of the most essential trumpeters and bandleaders in the history of American music’’ et comme un homme triste qui avait été très mal dirigé, Levinson écrivait:

"I first met James in the fall of 1959 when I was a young MCA talent agent. During the next twenty-four years, or until his death in July 1983,I spent considerable time with him in New York, Las Vegas, Hollywood—on the road, at personal appearances, and during recording sessions. I also wrote several magazine articles on him over the years. Through knowing him, I discovered the other side of stardom in the music business. Here was a musician who combined both extraordinary talent and dashing good looks, who could play a romantic ballad like no other trumpeter, which had enabled him to achieve enormous success; yet this was also a man who ruined his life through serious addictions to alcohol and gambling." 

L’ouvrage était basé non seulement sur les souvenirs de Levinson, mais sur environ deux cents entrevues menées auprès des collaborateurs et amis de James. Selon Levinson, qui est décédé des suites de la maladie de Lou Gehrig (sclérose latérale amyotrophique) en 2008, James aurait même servi d’inspiration au chanteur des Rolling Stones, Mick Jagger. Levinson était également l’auteur d’une biographie de Tommy Dorsey publiée en 2005.

Rarement mentionné parmi les plus grands trompettistes de l’histoire aus côtés de Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Miles Davis et Clifford Brown, Harry James est considéré beaucoup plus favorablement de nos jours. En 2014, Marc Myers du magazine JazzWax avait commenté:  "[James's] band of the mid-1940s was more modern than most of the majors, and in 1949 he led one of the finest bands of the year." Décrivant les disques publiés par James de 1958 à 1961, Myers avait ajouté: "The James band during this period has been eclipsed by bands led by Basie, Maynard Ferguson and Stan Kenton. While each served up its own brand of magnificence, James produced more consistently brilliant tracks than the others... virtually everything James recorded during this period was an uncompromising, swinging gem." Pour sa part, Joe Cabot, le trompettiste et futur directeur du Harry James Orchestra, avait déclaré: "Harry James was a deep, deep, deep man; he may not have been academically educated guy, but he was street educated. He was as perceptive as anybody I have ever known. His first exposure to life was to circus people. If you want to learn about life, those are the people you want to talk to." Quant au saxophoniste Arthur Rollini, un ancien membre de l’orchestre de Benny Goodman de 1937 à 1938, il avait ajouté: "Harry James was a genius. He could read all of the highly syncopated charts at sight, and he played fantastic jazz solos—different every time {...}. He was also a good conductor and a fine arranger." Penchant dans le même sens, le saxophoniste ténor Jay Corre avait déclaré que James était le meilleur musicien avec lequel il avait joué au cours de sa carrière.

Décrivant le jeu de James, l’historien du jazz Gunther Schuller écrivait dans l’ouvrage The Swing Era publié en 1991:

“James's own playing had lost none of its assurance; his solo work poured out of his horn—as it was to throughout his career—with a sense of inevitability that no other trumpeter could equal with such consistency. In a long and truly remarkable career as a trumpet player James hardly ever missed a note. He played extraordinarily well almost until the day he died, an astonishing achievement for a brass player.” Schuller avait ajouté: ''His solo work poured out of his horn with a sense of inevitability that no other trumpeter could equal with such consistency." 

 

Plusieurs trompettistes avaient exprimé leur admiration pour le jeu de James, dont Miles Davis, Clark Terry et Louis Armstrong. Terry, qui croyait que James pouvait jouer n’importe quoi, avait déclaré à son sujet: “Don’t go to sleep on Harry James. He’s a bad dude.” Quant à Lionel Hampton, il avait soutenu que James jouait tellement comme un Noir qu’on aurait cru qu’il avait été élevé parmi les gens de couleur. Hampton avait déclaré: “He had a black sound, and it was obvious he had been raised musically around black musicians. He was completely different from any other white trumpet player of his day.”

 

Après la mort de James, ses anciens collaborateurs avaient fondé le Harry James Orchestra pour lui rendre hommage. Le groupe était toujours en activité en 2018. Toujours interprétée au cinéma, la musique de James peut être entendue dans des films comme ‘’My Dog Skip’’ (2000) ainsi que dans les films de super-héros de la série Marvel ‘’Captain America: The Winter Soldier’’ (2014) et ‘’Avengers: Endgame’’ (2019). La musique de James est également en vedette dans le film de Woody Allen ’’Hannah and Her Sisters’’ (1986).

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SOURCES:

CERRA, Steven.’’Harry James: Parts 1-6 Complete.’’ Steven Cerra, 17 juillet 2021.

‘’Harry James.’’ Wikipedia, 2023.

‘’Harry James.’’ Jazzstandards.com, 2023.

‘’Harry James, American musician.’’ Encyclopaedia Britannica, 2023.

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Ben Pollack (June 22, 1903 – June 7, 1971) was an American drummer and bandleader from the mid-1920s through the swing era. His eye for talent led him to employ musicians such as Benny Goodman, Jack Teagarden, Glenn Miller, Jimmy McPartland, and Harry James. This ability earned him the nickname the "Father of Swing".

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Musical Monday: The Benny Goodman Story

Musical Monday: The Benny Goodman Story

It’s no secret that the Hollywood Comet loves musicals. In 2010, I revealed I had seen 400 movie musicals over the course of eight years. Now that number is over 600. To celebrate and share this musical love, here is my weekly feature about musicals. This week’s musical: The Benny Goodman Story (1956) – Musical #331 Studio: Universal Studios Director: Valentine Davies Starring: Steve Allen, Donna…

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