#sellos Estados Unidos 1988 | Explore Tumblr Posts and Blogs

almahiphop · 1 year

Text

A Tribe Called Quest - People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (10/04/1990)

People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm" es el álbum debut del grupo neoyorquino A Tribe Called Quest, lanzado en 1990. El álbum fue realizado por los integrantes del grupo el DJ y productor Ali Shaheed Muhammad y las habilidades liricales de los MCs de Q-Tip y Phife Dawg.El álbum fue muy bien recibido por la crítica y es considerado uno de los mejores álbumes de rap de todos los tiempos. Fue el inicio de la carrera del grupo y marcó el comienzo de una nueva era del rap en Nueva York.A Tribe Called Quest se formó en Queens, Nueva York, en 1985. El grupo fue uno de los pioneros del jazz rap y fue conocido por sus letras positivas y sus sampleos de jazz y soul.

Obtuvo la certificación de oro en los Estados Unidos el 19 de enero de 1996. Su reconocimiento se ha extendido a lo largo de los años, ya que es ampliamente conocido y considerado como un álbum central en el hip hop alternativo con su producción y lirismo poco convencionales. También se le atribuye la influencia de muchos artistas tanto en el hip hop como en el R&B. En un artículo conmemorativo de XXL , Michael Blair escribió que " People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm fue inmensamente innovador y mantendrá eternamente su relevancia dentro de la cultura y la construcción del hip-hop".

En la década de 1990, Nueva York se convirtió en la capital del rap y el hip hop. Muchos artistas emergieron en este momento, incluyendo a Public Enemy, Wu-Tang Clan y Notorious B.I.G. El rap se convirtió en una voz para las comunidades marginadas y muchos artistas utilizaron sus letras para abordar temas sociales y políticos.

Antes de grabar su álbum "People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm", el miembro del grupo Q-Tip creó gran parte de la producción del mismo en cintas de casete cuando estaba en décimo grado, varios años atrás. Su primera experiencia en estudio fue mientras grababa con Jungle Brothers en su álbum debut "Straight out the Jungle" (1988), aunque fue una experiencia de aprendizaje, adquirió más conocimientos de grabación y producción al estar presente en todas las sesiones de "3 Feet High and Rising" (1989) de De La Soul. El ingeniero de grabación Shane Faber le enseñó a Q-Tip cómo usar equipos como los samplers E-mu SP-1200 y Akai S950, y poco después, el renombrado productor Large Professor le enseñó a usar otros equipos, lo cual expandiría la producción de "People's Instinctive Travels". Inicialmente, los sellos discográficos no estaban interesados en A Tribe Called Quest debido a su imagen y sonido poco convencionales, pero se interesaron después del éxito de "3 Feet High and Rising", en el que Q-Tip hizo algunas apariciones. El grupo contrató a Kool DJ Red Alert como su manager y después de comprar su demo a varios sellos importantes, finalmente firmaron un contrato con Jive Records en 1989.

youtube

A Tribe Called Quest - Can I Kick It?

El álbum conto con tres sencillos • "I Left My Wallet in El Segundo" 11 de abril de 1990 • "Bonita Applebum" 5 de julio de 1990 • "Can I Kick It?" 29 de octubre de 1990

#Rap1990 #ATribeCalledQuest #AliShaheedMuhammad #AlternativeRap #ClassicRap #DebutAlbum #GoldCertified #GoldenAge #JazzRap #JiveRecords #NewYorkRap #QueensRap #PhifeDawg #QTip #RCARecords #Spotify #Youtube

1 note · View note

diarioelpepazo · 1 year

Text

León Magno Montiel @leonmagnom En los años treinta los carabobeños comenzaron a escuchar hablar de un niño prodigio, se decía había nacido en la barriada La Pastora de Valencia. Era el hijo del respetado maestro de música Rafael Romero en doña Luisa Zerpa, mujer piadosa que oraba para que su hijito fuese sacerdote. Era el más inquieto de los cinco hermanos del austero hogar Romero-Zerpa, su nombre Aldemaro, que significa: “El insigne, el célebre”. El chamito tocaba la guitarra con virtuosismo y hablaba con maestría a pesar de la poca edad, tenía una capacidad innata para acompañar a los cantantes invitados de cada ocasión con los acordes certeros para cada canción. Había nacido el 12 de marzo de 1928, bajo la influencia de piscis, con un talento poco usual para entender la música: sus cuevas e intersticios armónicos, la inasible álgebra de los sonidos. Su padre lo conminaba a estudiar ingeniería, a cursar una carrera técnica, temeroso de que su hijo tuviera que soslayar las dificultades económicas que él enfrentaba y que nunca terminaron. El niño Aldemaro fue un estupendo autodidacta, aprendió la música como un niño aprende su lengua materna: escuchando. Y aunque sólo estudió formalmente hasta el sexto grado, siempre fue sobresaliente en todo. A los 14 años llegó a Caracas, la capital que amó hasta el momento de su muerte, urbe que lo vio erigirse como un músico universal, a la que le compuso en agradecimiento “Doña cuatricentenaria”: “No me despiertes de tu sueño porque estoy soñando que soy caraqueño, moja mi cara con tu bruma para que parezca que yo soy de aquí”. (Romero, 1967). Ese tema está en tiempo de merengue cañonero, sonido tradicional de la Caracas que Aldemaro conoció a mediados del siglo XX, metrópoli que aún sentía nostalgia de la aldea de tejas rojas que había sido. Siendo aún adolescente entró como pianista a la orquesta Sonora Caracas, luego en 1949 entró a la respetada orquesta del maestro Luis Alfonzo Larrain, allí tuvo su tutoría, fue desarrollando su talento para ejecutar ese instrumento tan complejo. Fundó su propia orquesta “Aldemaro Romero” y realizó muchos bailes en las noches capitalinas. En las madrugadas, en pleno conticinio, entre la neblina que bajaba del Ávila, se dedicaba a componer temas tan hermosos como “De Conde a Principal”, “Quinta Anauco”, “De repente”. A los 22 años logró un contrato con el sello RCA Víctor de Nueva York. En la Gran Manzana produjo su celebérrimo álbum “Dinner in Caracas” en 1952. Para ese álbum realizó arreglos para orquesta de los grandes clásicos venezolanos: “Alma llanera”, “Moliendo café”, “Dama antañona” y sus primeras canciones. Tiene el récord de ser el disco más vendido en la historia de Venezuela, álbum récord de todos los tiempos. Eso propició una seguidilla de producciones, una dedicada a Colombia, Ecuador, otra a México. Creció su prestigio como director, arreglista, compositor y logró trabajar con celebridades como Dean Martin, Jerry Lewis, Noro Morales, Machito y el gran tenor venezolano Alfredo Sadel: los compatriotas actuaron en escenarios de Europa, Estados Unidos, Cuba, México. Fueron grandes amigos, a pesar de sus dos mega-egos, juntos lograron estremecer los auditorios. El primer tema que Sadel le grabó a Aldemaro fue el bolero “Me queda el consuelo” que, como una despedida del tenor, interpretaron juntos el 19 de mayo de 1988 en el Teatro “Teresa Carreño”, un año antes del deceso del querido cantante lírico. Aldemaro Romero, a pesar de su juventud, tenía una gran disciplina, era constante en su rutina de creación, se entregaba absorto a su trabajo. En 1968 analizó la música tradicional del llano venezolano, la que se ejecuta con cuatro, arpa y maracas. La escudriñó en demasía, hasta que a finales de ese año, presentó su versión del joropo clásico. Así nació la “Onda nueva” forma musical que logró cambiar el trío de instrumentos primarios llaneros por el piano, bajo y batería; ésta ejecutada por su gran compañero “El pavo” Frank Hernández, un músico innovador.

El rol del arpa solista lo haría el piano. El acompañamiento armónico del cuatro, lo haría el bajo y la percusión de las maracas, la asumiría la batería: con marcado acento en el hi-hat sincopado. A ese género a tres tiempos, le agregó armonías del jazz, sus escalas y acordes, las influencias de la bossa nova que estaba en boga gracias a Sergio Mendes y al pionero Tom Jobim. La nueva forma musical venezolana causaría un gran revuelo en América Latina y ejercería influencia en los músicos venezolanos sin distingo alguno. El nombre “Onda nueva” lo sugirió su amigo Jacques Braunstein, músico austríaco que gozaba de su afecto y confianza. En 1971 realizó en Caracas el Primer Festival de Onda Nueva, con invitados de gran prestigio, como el maestro Armando Manzanero, Chucho Avellanet, Mona Bell, Carlos Soto, Paúl Muriat, Frank Pourcel, Magdalena Iglesias, Luis Aguilé, Bruno Lauzzi, Rucky Raya, Daniel Riolobos, Jo-Dee Keiler, Marlene Shaw, Jean François Michael y Hdenny Street. El magno evento de la música progresista, vanguardista, tuvo dos ediciones más, en los años subsiguientes 72 y 73. Su éxito fue muy local, no logró trascender al público continental, por ello sólo tuvo esas tres importantes puestas en escena. En 1974, Aldemaro se residenció en Europa, allí compartió con la élite de los músicos italianos. Comenzó a componer obras para orquesta completa, fugas, suites, música de cine. En 1969 ganó el Premio de los Intelectuales por la Paz de Moscú, por la banda sonora de la película “La epopeya de Bolívar”, galardón que recibió en el Kremlin. Pasó a España, siguió componiendo en medio de sus días nostálgicos obras como “De polo a polo” donde rinde al polo margariteño, como un homenaje a la forma musical oriental y, a la vez, a la distancia que lo separa de su amada patria. En 1979 regresó del exilio voluntario en Europa y fundó la Orquesta Filarmónica de Caracas, con una importante dotación de músicos italianos, franceses, húngaros y especialmente venezolanos. En esa orquesta comenzó, bajo su tutela, el joven director Eduardo Marturet, considerado hoy en día una figura mundial de la música. La carrera de Aldemaro siguió creciendo, ganando reconocimiento, pasó por dirigir las orquestas europeas más exquisitas, y hasta por tocar los boleros más íntimos en la barra de algún cabaré, como su clásico “Lo que pasa contigo”: “Lo que pasa contigo es que te enredas en la inmensa maraña de las horas y detienes el tiempo y aprisionas la aurora y no sé si te vas, o si te quedas. Lo que pasa contigo es que tú eres, ciudadana de un mundo sin urgencias” Fue un excelente locutor, exitoso productor de radio y televisión. Realizó programas con gran solvencia, clase, alto contenido artístico. Llegó a compartir responsabilidades con su paisano valenciano Renny Ottolina, en su show de televisión y en el programa especial “El angelito más pequeño”. Para ese programa compuso el tema “El sueño de una niña grande”, que según Cecilia Todd: “es la canción más hermosa de la zafra aldemariana”. La hija del maestro, Elaiza Romero lo cantó en la televisión y luego lo grabó en 1972: “Cabecita que sueña lino y almohadas mi criatura risueña canto de hadas” (Romero, 1967). El maestro Romero escribió cinco libros, todos sobre la música, y fue cronista de varios periódicos. Comenzó a recibir solicitudes de entrevistarlo para revistas, diarios, canales internacionales. Al mismo tiempo comenzó a percibir regalías por sus temas, que grababan con admiración artistas internacionales como el mexicano Marco Antonio Muñíz y el actor Álvaro Zermeño. Simón Díaz también nació en 1928. Ambos compositores: Aldemaro y el Tío Simón, pertenecieron a esa generación musical, influenciada en los años 30 por el tango, en los 40 por el bolero, en los 50 por el jazz y en los 60 por la samba y la bossa nova. Pero siempre colocaron al frente de su carrera artística el folclor nacional, los ritmos de su patria. A Simón Díaz, el maestro Romero dedicó en 1970 el tema “Carretera” que describe uno de sus viajes por las rutas llaneras:

“Carretera, acórtate carretera remontá la cordillera antes de que me convierta en tolvanera cementera perdóname cementera si tumbo la flor del llano con mi carrera” Ese tema lo arregló para cine el maestro mexicano Rubén Fuentes y lo cantó el actor Zermeño. En 1974, la compañía CBS Columbia Records le pidió que hiciera un disco en inglés, Aldemaro aceptó el reto y produjo “Onda Nueva en inglés”, osado, inquieto, logró una gran producción, aunque tuvo una tímida aceptación en el público anglófono del Caribe. Conocí personalmente al maestro Aldemaro el año 2004, en el estudio de Global TV ubicado al lado del Cine Roxy, cuando asistió a mi programa “Conexión Global”. Lo acompañó esa mañana su amigo Jorge Polanco, el reconocido concertista de cuatro. En ese momento, estaban presentando una serie de conciertos en dueto: para piano y cuatro venezolano. Me declaró: “La forma musical venezolana más exportable es la gaita”. De hecho, él compuso cuatro gaitas, que arregló y grabó con grupo de Onda Nueva: “Tonta , gafa y boba”, “Toma lo que te ofrecí”, “Conocí una maracucha”, son algunas de ellas. En 1967 grabó gaitas junto a Mario Suárez, el álbum “Maracaibo” donde el piano fue el solista que interpreta un mosaico de gaitas: “La cotorra”, “La cabra mocha” y “El perico”. Me confesó su pasión por la gastronomía criolla, disfrutaba todos los platos de la geografía venezolana, era un sibarita respetado. Con su esposa Elizabeth solía comer en los puestos populares de Valencia, donde llegaban los camioneros a desayunar chicharrones y arepas. Ella es caraqueña, nacida el 9 de octubre de 1945, licenciada en estadística de la UCV, su principal admiradora y mecenas. Comentaba que su esposo cocinaba muy bien y era un aliado permanente del buen humor, por ello trabajó en radio con Manuel Graterol Santander y participó en varias ocasiones en la Cátedra del Humor “Aquiles Nazoa”. Federico Pacanins, el musicólogo caraqueño, afirma que “Aldemaro es el músico más importante de Venezuela por su versatilidad y vigencia”. Las jóvenes generaciones siguen versionando sus temas, algunos en música electrónica, los grandes cantantes siguen grabando su obra genial. El cronista gaitero Humberto “Mamaota” Rodríguez reconocía que Aldemaro influyó grandemente en el concepto Guaco, ellos tomaron sus armonías para enriquecer la gaita que hacían, el poli-instumentista Nerio Franco fue uno de sus mejores discípulos a distancia, quien estuvo al frente de los arreglos del Grupo Guaco en la década de los 70. A pesar de no haber tenido formación universitaria, Aldemaro tenía un gran respeto y valoración por la academia, por ello se sintió tan regocijado cuando le confirieron sus tres Doctorados Honoris Causa: la Universidad “Lisandro Alvarado” en Lara, la Universidad de Carabobo, de su estado natal, y la Universidad del Zulia. Se le vio muy feliz, sonriente, de toga y birrete en las fotos testimoniales de los tres eventos rigurosamente académicos. Oscar D’ León, María Rivas, William Alvarado, Alfredo Sadel, Ilan Chester, María Teresa Chacín, Luz Marina, Las Cuatro Monedas (Los hermanos O’ Brien), Rafael “Pollo” Brito, Biella Da Costa, Alí Agüero y Los Cuñaos, María Alejandra, Huáscar Barradas, Mirtha Pérez, C4 Trío, Cecilia Todd, Ricardo Montaner, Karla Lara, Armando Manzanero, Mirna Ríos, Ofelia del Rosal, Mirla Castellanos y Alexis Cárdenas han sido sus reverenciales intérpretes, ellos lograron darle su sonido a las obras que creó el maestro valenciano, agigantando poco a poco el alcance de su repertorio, como su vals homónimo: “En el colmo de mis ansias se confunden tu presencia y tus distancias, como duele la agonía de tenerte que volver a perdonar y esconder mi soledad cada vez que te das vuelta y te me vas” Tal como lo poetizó Vicente Gerbasi, otro célebre carabobeño: la edad de Aldemaro estaba hecha de sonidos silvestres, lumbre de orquídeas, del compás que marca el pájaro carpintero, dueño del tiempo. Aldemaro murió el 15 de septiembre de 2007 en la clínica Ávila, producto de una oclusión intestinal.

Días antes, su cuadro clínico se hizo más delicado por su condición de diabético, mal que lo importunó por años. Su deceso a los 79 años de edad fue reseñado en toda América y Europa occidental, él nos legó casi 300 obras musicales; entre populares y sinfónicas. Tal como le pidió a su esposa Elizabeth Rossi en un viaje amoroso por Italia, sus cenizas fueron arrojadas al Lago Di Como en Lombardía. Así se cumplió su último deseo de trovador de mundos: sus cenizas cayeron a las aguas mansas y azules del lago lombardo, formando ondas concéntricas que no han cesado. Para recibir en tu celular esta y otras informaciones, únete a nuestras redes sociales, síguenos en Instagram, Twitter y Facebook como @DiarioElPepazo El Pepazo

0 notes

lennykomaeda15 · 3 years

Text

¿Quienes eran “Nirvana”?

Fue una banda de rock estadounidense formada hacia 1986 por Kurt Cobain y Krist Novoselic. Quienes pasaron parte de su adolescencia en la ciudad de Aberdeen (estado de Washington).

En 1988 grabaron una maqueta y el sello Sub Pop les ofreció grabar un sencillo. Casi al mismo tiempo que se producían cambios en el asiento del batería; el puesto lo ocupó definitivamente Chad Channing Love Buzz se editó en noviembre de ese año.

En junio de 1989 vio la luz Bleach, el primer álbum de la banda, fresco y amargo a la vez, producido por el gurú Jack Endino. Ese mismo año se les unió Jason Everman como segundo guitarra, unión efímera de sólo unos meses, y poco después se embarcaron en una gira por Europa con TAD.

youtube

En mayo de 1990, al final de la gira americana, Channing dejó el grupo. Después de estos cambios, Dave Grohl ocuparía finalmente este puesto, tras editar un single, Sliver, en el que todavía tocaba Channing en una cara y en la otra, Dan Peters, de Mudhoney. También marcó su primera colaboración con el productor Butch Vig, otro gurú de la después llamada "movida Grunge", y más conocido últimamente por su nuevo grupo, Garbage.

Con Butch Vig grabaron su primer álbum para Geffen, Nevermind, editado en septiembre de 1991, que tardaría menos de un mes en vender medio millón de copias en USA.

El vídeo del primer single extraído del larga duración Smells like teen spirit fue emitido masivamente por la MTV, contribuyendo a su rápida expansión por el globo. El álbum llegó a número uno en las listas de Estados Unidos en enero de 1992.

Aunque el paso a una multinacional discográfica se dejó notar en algo del contenido del disco, su segundo larga duración siguió la línea abierta por Bleach: sentimientos y pasiones prevalecen sobre la perfección técnica y, ayudados por una buena promoción, se encumbraron como abanderados del movimiento Grunge.

1 note · View note

undergroundmafiapy · 4 years

Text

Coolture: Detroit Techno

Detroit techno es un estilo de música electrónica que nació al comienzo de los años 1980. Detroit está considerado el lugar de nacimiento del techno. Los artistas de Detroit techno más importantes son Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson. Este trio era llamado The Belleville Three.

Lo más distintivo del Detroit techno el uso de sintetizadores analógicos y cajas de ritmos, especialmente la Roland TR-909.

The Belleville Three Se conocieron en el instituto donde estudiaban, Belleville High School, ubicado en Belleville, un barrio de burgueses ubicado a 50km de Detroit. Kevin Saunderson había nacido en Nueva York, pero se mudó a los 9 años a Detroit, ciudad en la que Atkins y May habían nacido. En la época en que se conocieron, había pocos negros más aparte de ellos en el instituto.

Como otros jóvenes de su generación, la mayor influencia musical del trío de Belleville fue el programa de radio nocturno "The Midnight Funk Association", conducido por The Electrifying Mojo.

Este espacio se caracterizaba por una programación ecléctica que generalmente estaba fuera de los sonidos de moda de la época. Su parrilla daba un especial protagonismo al p-funk, y lo combinaba con sonidos europeos como los de Kraftwerk, Depeche Mode o los nuevos románticos, todo ello intercalado con música clásica o funk clásico. Juan Atkins fue el primero de los tres en adquirir un sintetizador, y fue él también el primero que enseñó a los otros a mezclar discos. Bajo el nombre Deep Space Soundworks, Aktkins y May comenzaron a tocar como DJs en el circuito de fiestas de Detroit.

En 1981, Mojo ya ponía las sesiones grabadas por The Belleville Three. El trío viajó a Chicago para investigar la incipiente escena house, y en especial a legendarios DJs como Ron Hardy o Frankie Knuckles.

Juan Atkins formó el grupo de electro Cybotron con el veterano de Vietnam Richard Davis, al que conoció en un curso de sonido en el Washtenaw Community College. Su primer single, “Alleys of Your Mind”, fue grabado en su sello Deep Space en 1981 y vendió 15.000 copias.

youtube

Gracias a este éxito consiguieron un contrato con el sello californiano Fantasy, en el que publicaron temas como “Cosmic Cars” y “Clear”. Tras la disolución del grupo, Atkins siguió grabando bajo el nombre Model 500 en su propio sello, Metroplex, dejando el electro para encaminarse hacia el sonido techno cuyas bases se habían sentado en Clear.

youtube

El grupo de pioneros del Detroit techno, entre los que se encontraban además de los tres de Belleville otros músicos como Eddie Fowlkes y James Pennington, estaba bastante unido. Compartían equipo y material de estudio y colaboraban en proyectos conjuntos. También existieron divergencias y fricciones entre ellos, lo que quizá explique la creación por cada uno de los Belleville de un sello discográfico propio: Metroplex por Atkins, Transmat por May y KMS por Saunderson.

Inspirados por la escena de clubs de Chicago, los tres pusieron en marcha una discoteca propia en el downtwon de Detroit, llamada Music Institute. El club contribuyó a generar un espíritu de unidad en la escena, desarrollándose una familia underground que inspiró a numerosos músicos de la época.

En 1988, gracias a la popularidad que iba alcanzando la música de baile en Inglaterra, el empresario Neil Rushton estableció contacto comercial con Derrick May, quien le facilitó copias de su música. El sonido de Detroit terminó de configurarse como un género con entidad propia y diferenciada de otras escenas norteamericanas gracias al recopilatorio Techno! The New Dance Sound of Detroit publicado en 1988.7 El término techno fue sugerido por Juan Atkins y su origen parece estar en su tema "Techno City".

youtube

El acuerdo comercial de Derrick May y el posterior salto internacional del Detroit techno no fue originalmente bien visto por algunos de los pioneros del género, como el mismo Juan Atkins, que desconfiaban de su exposición fuera del circuito underground. La primera ola de Detroit techno alcanzó su cénit hacia 1988-1989. En aquel momento, la escena rave europea abrazó el sonido de Detroit, logrando algunos de sus temas la categoría de himnos generacionales, como "Strings of Life" de Derrick May.

Una vez que el Detroit techno se convirtió en un género musical con unos elementos distintivos claramente identificables, surgió toda una segunda generación de músicos en la ciudad del motor que comenzaron a desarrollar un sonido propio a partir del original. Entre ellos se cuentan el colectivo de techno militante Underground Resistance, con sus creadores Jeff Mills, Mike Banks y Robert Hood a la cabeza, o el dúo de los hermanos Octave One. También desde fuera de Estados Unidos se produjeron acercamientos, como el del canadiense Richie Hawtin, más centrado en el sonido que en el mensaje futurista y afrocéntrico del Detroit techno. Otros como Carl Craig dotaron a esta música de una nueva sonoridad cósmica y en ocasiones buscaron su fusión con elementos del jazz.

#detroit #techno #paraguay

2 notes · View notes

arathsito · 4 years

Text

Green Day

„Un tipo se me acerca y me pregunta: "¿Qué es punk?". Yo le doy una patada a la basura y digo: "Eso es punk". Entonces él le da una patada a la basura y dice: "¿Eso es punk?" y yo le digo: "¡No, eso es moda!“ — Billie Joe Armstrong

Grupo estadounidense de música rock con reminiscencias punk, formado en 1988 en Berkeley e integrado por Billie Joe Armstrong (voz, guitarra), Mike Dirnt (bajo) y Tre Cool (batería). Billie Joe Armstrong (nacido en 1972 en California) y Mike Dirnt (cuyo verdadero nombre es Mike Pritchard, nacido en 1972), vecinos de la localidad californiana de Rodeo, formaron la banda a finales de los años ochenta.

Billie Joe Armstrong había crecido en una familia de seis hermanos, cuyo padre, camionero y músico de jazz, falleció cuando Billie Joe tenía diez años; su madre, camarera y fanática del country, le regaló un año después una guitarra que todavía posee y toca. Por su parte, Mike Pritchard era hijo de una adicta a la heroína, lo que hizo que fuera adoptado por una pareja que, a su vez, se divorció cuando Mike tenía siete años. A la edad de quince años, Mike alquiló una habitación en la casa de Billie Joe.

Tre Cool, cuyo verdadero nombre era Frank Edwin Wright III, nació en 1972 en Alemania, y creció en Wilitis, una localidad situada al norte de San Francisco. Pronto creó junto a un vecino el grupo The Lookouts, que llegó a editar un disco en su propio sello, Lookout Records. Con este grupo comenzó a tocar por los clubes punk de la zona de Berkeley, California.

Billie Joe y Mike, hacia el año 1987, formaron The Sweet Children, antecedente real de lo que sería Green Day, nombre que adoptaron en el año 1989. El cambio de nombre se debió a que otra banda local había fichado por Warner Records, y su nombre era parecido (Sweet Baby).

La formación se completó con John Kiftmeyer, más conocido como Al Sobrante, que ejerció de batería al principio de la carrera de la formación. Y, casualidades de la vida, Lookout Records, la productora de Tre Cool, se interesó por el nuevo grupo y editó su primer disco, titulado 1000 Hours, en 1989. A este le siguió un año más tarde el álbum 39 / Smooth, tras la edición del cual Kiftmeyer decidió abandonar el grupo. Tre Cool entró entonces en la banda para ocuparse de la batería.

Continuadores de bandas punk de primera ola como The Ramones, pero influidos también por el rock renovado de Queen y otros grupos, Green Day se embarcó en una gira nacional que les llevó a clubes y parques de skate, lo que cimentó su reputación en el circuito underground. En el año 1992 llegó la edición de su segundo álbum, Kerplunk, grabado en cinco días y lanzado en Lookout Records.

Como auténtica banda independiente, hicieron varias giras nacionales a bordo de una furgoneta que antes había servido de biblioteca móvil, comprada y conducida por el padre de Tre Cool, Mr. Wright. Gracias a todo ello, la popularidad de la banda creció de manera inusitada, y el trío dejó de manera amigable Lookout Records para fichar en abril de 1993 por Reprise Records.

La siguiente entrada del grupo en un estudio se prolongó por espacio de cinco semanas, durante las cuales grabaron su tercer álbum, Dookie, un disco de apenas 39 minutos y catorce canciones. El larga duración llegó a las tiendas en abril de 1994, y en un par de meses había vendido más de un millón de copias; ese mismo año actuaron en la gira Lollapalooza y en el festival de Woodstock.

Al año siguiente, Armstrong y Cool fueron padres, y Dirnt se casó. Dookie llevaba una carrera imparable que sólo se detuvo cuando el número de copias vendidas superó los nueve millones. En ese año de 1995 llegó Imsomniac, el siguiente álbum del trío, que, a pesar de no obtener el rotundo éxito de su antecesor, logró vender más de un millón de copias en los Estados Unidos.

Tras la gira posterior a la edición del álbum, el trío decidió tomarse un tiempo de descanso, hasta que en el verano de 1997 grabaron Nimrod, álbum que llegó a las tiendas el 14 de octubre de ese año. En este último disco el grupo introdujo algunos elementos que enriquecieron sus composiciones, como un violín o instrumentos de viento.

Las últimas grabaciones de la banda de Berkeley han sido Warning (2000), Americanidiot (2004) y el directo Bullet in a Bible (2005). Por una de las canciones que integran este último trabajo, Boulevard of broken dreams, la banda recibió un Grammy a la mejor grabación del año.

#Fuente: https://citas.in/autores/billie-joe-armstrong/#Ruiza M. Fernández T. y Tamaro E. (2004). Biografia de Green Day. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (Esp #green day #punk #rock #tarea #computación

2 notes · View notes

rocknews13 · 2 years

Photo

The Wave Pictures publica su nuevo EP "SPRING"

Escúchalo ahora"

Spring" es el tercero de los EPs que The Wave Pictures publica, y que conformará, junto con un cuarto EP, "Summer", su nuevo álbum: 'When The Purple Emperor Spreads His Wings'

Su nuevo y doble álbum verá la luz el 20 de mayo a través de Moshi Moshi Records

The Wave Pictures publica hoy "Spring", la tercera de las cuatro caras de su próximo doble álbum, 'When The Purple Emperor Spreads His Wings'. Este nuevo largo verá la luz el próximo 20 de mayo a través del sello discográfico Moshi Moshi.

ESCUCHA AHORA "SPRING" - THE WAVE PICTURES

La canción principal de este nuevo EP primaveral es "Dale It's A Damn Shame", y el vídeo que acompaña al single de adelanto "Never Let You Down" ya está disponible en streaming.

youtube

Trayendo consigo la sensación de un nuevo comienzo, "When The Purple Emperor Spreads His Wings", que también es el título del álbum, anuncia la primavera cuando todas las mariposas cobran vida. Esta canción está inspirada tanto lírica como musicalmente en Syd Barrett y William Blake.

"Never Let You Down" continúa ahondando en los nuevos comienzos y las promesas de los amantes. Comienza con un riff tipo Jumping Jack Flash y va progresando hacia el reino de John Lennon de 1965. Es la canción perfecta para aquellas personas que todavía se preguntan quién es mejor, si los Beatles o los Rolling Stones.

"Dale It's A Damn Shame". Este tema rockabilly, en la línea de Sun de Sun Records, trata de un insomne que no puede conciliar el sueño en primavera, cuando el sol sale cada vez más temprano y los pájaros empiezan a cantar más allá de su ventana.

"Walking To Wymeswold" es un shuffle country acústico inspirado en Roky Erickson y los 13th Floor Elevators, y también una meditación sobre la libertad y las responsabilidades de vivir una buena vida.

"Secret Messages" evoca a Lou Reed y a Dion & The Belmonts. Esta canción se inspira en lo que dejamos atrás cuando nos vamos. La primavera, irrumpiendo a través de las nubes.

The Wave Pictures es una banda de rock inglés formada por David Tattersall (voces y guitarra), Franic Rozycki (bajo) y Jonny Helm (batería). Su estilo se enmarca dentro del rock alternativo, en la escena lo-fi. Sus comienzos la sitúan en la localidad de Wymeswold, en 1988. Tras decenas de conciertos en pubs y salas de Londres, se abrieron grupo en la escena musical de la capital británica.

Poco a poco la banda comienza a ampliar su círculo de actuaciones, incluyendo festivales en París y Estados Unidos. Tras varios álbumes autoproducidos, fichan por Moshi Moshi Records, sello con el que lanzaron 'Sophie' e 'Instant Cofee Baby', que consolidaron su posición en el underground británico, catapultándoles definitivamente al escenario europeo. En España han tocado en festivales como Tanned Tin, Muévete Weekend o Primavera Sound.

Con diez álbumes a sus espaldas, The Wave Pictures se han consagrado como la banda inglesa por antonomasia, y vuelven con un nuevo sonido más cuidado, limpio y adornado que en los primeros discos en los que primaba un sonido más “sucio”, amateur y despreocupado.

0 notes

allthatchernobyl · 6 years

Photo

The Breeders- Mountain Battles (2008)

The Breeders es, a priori, una banda de rock alternativo formada en 1988 por Kim Deal de Pixies y Tanya Donelly de Throwing Muses. Originalmente, The Breeders era el nombre con el que Kim y Kelley Deal tocaban ocasionalmente en Dayton, Ohio, a principios de los años 80. En 1989, aún siendo miembro de los Pixies, Kim rescató el nombre para un proyecto paralelo planeado junto a Tanya Donnelly (entonces de las Throwing Muses, y más tarde con Belly), Josephine Wiggs y la violinista Carrie Bradley. Mientras grababa una canción con Pixies en Chicago, Kim conoció al baterista Britt Walford, que después formaría parte de los legendarios Slint, quien accedió a tocar en el proyecto. La banda se reunió en Edimburgo y grabó el álbum Pod con Steve Albini como productor, con quien Kim ya había trabajado en el álbum de los Pixies, el emblematico "Surfer Rosa". "Pod" se grabó de forma tan veloz que al grupo le sobró tiempo en el estudio para grabar unas Peel Sessions. Al cabo de un tiempo, después del lanzamiento de Pod, los Pixies se separaron temporalmente y Kelly Deal se unió al grupo para la grabación del EP Safari (editado en abril de 1992), que también significó la última colaboración en el grupo de Tanya Donnelly y Britt Walford. Britt fue reemplazado por Jim MacPherson, a quien Kim conocía del grupo de Dayton Raging Mantras. The Breeders grabaron Last Splash en San Francisco mientras vivían en casas flotantes. Después de su edición en agosto de 1993, la banda giró con Nirvana, vendió dos millones de discos y tuvo un éxito masivo con el sencillo "Cannonball". El vídeo de dicha canción lo dirigió Kim Gordon (de Sonic Youth) junto a Spike Jonze. The Prodigy sampleó un fragmento de "S.O.S." para su tema "Firestarter". El estrés y la dureza de la vida en la carretera tuvo sin embargo, nefastas consecuencias. Kelley se hizo adicta a las drogas y tuvo muchos problemas con la justícia norteamericana. Además, Josephine decidió empezar una vida sedentaria en Nueva York. Kim aún quería seguir grabando discos así que formó una nueva banda temporalmente junto a Jim MacPherson llamada The Amps, que editó el álbum "Pacer" en 1995 y posteriormente hizo una gira mundial. En verano de 1999, Kim y Kelly se volvieron a reunir en Austin para componer algunos de los temas que formaron parte de Title TK, el nuevo disco que The Breeders editó esa primavera. Para la grabación, Kim decidió no utilizar ordenadores ni nuevas tecnologías digitales, con la idea de conseguir un disco de sonoridad clásica. Ese mismo invierno Kim conoció en East Los Angeles a los miembros del grupo punk Fear, a los que invitó a tocar con ella en una formación de The Breeders. Así pues, al grupo se unieron el guitarrista Richard Presley, el bajista Mando López y Jose Medeles. Mountain Battles es el cuarto album de estudio de la banda y el segundo desde el regreso de la banda alrededor de 2002. Fue lanzado a traves del sello 4AD el 7 de abril de 2008 en el Reino Unido y al dia siguiente en los Estados Unidos. El álbum se grabó en varias locaciones distintas con ingenieros como Steve Albini, Erika Larson y Manny Nieto. La formacion que grabo este "Mountain Battles" fue con Kim y Kelley Deal a la cabeza en guitarra y voz, Mando Lopez en bajo y Jose Medeles en bateria. Se trata de 13 canciones (14 en la version de iTunes) con animos baladistas que oscilan entre la dulzura y la oscuridad, destacando la agridulce "Overglazed", la parca "Istanbul" y la hermosisima version de "Regalame esta noche", clasico del bolero que se le atribuye a Javier Solis alla por la decada del 50'. En esta obra es menos palpable el legado del Alt-Rock de Pixies con respecto a, por ejemplo, su predecesor "Tittle TK", y es tal vez lo que hace que valga la pena escuchar. No porque haya algo de malo en el legado maravilloso de los Pixies, sino porque apuesta a la frescura y la renovacion, que siempre fueron, son y seran necesarias en el panorama musical. Y es que incluso, seguramente, a "Mountain Battles" no le alcance para ser lo emblematico que fue "Pod", pero es un disco que en su intimismo convencera al oyente meticuloso de darle bola. Y lo retribuira con satisfacciones.

Genero: Rock Alternativo

Año: 2008

País: Inglaterra / EEUU

Duración: 36:36

Compresión: 320kbps

Tamaño: 89,3mb

Tracklist:

1- Overglazed 2- Bang On 3- Night of Joy 4- We're gonna rise 5- German Studies 6- Spark 7- Istanbul 8- Walk it off 9- Regalame esta noche 10- Here no more 11- No way 12- It's the love 13- Mountain Battles

ESCUCHAR

DESCARGAR

#the breeders #mountain battles #2008 #steve albini #pixies #rock #alternative #rock alternativo #pop #indie #eeuu #usa #estados uidos #united states #england #inglaterra #reino unido #united kingdom

1 note · View note

verdepradera · 3 years

Text

Candelo tricolor - Sello Estados Unidos 1988

Candelo tricolor – Sello Estados Unidos 1988

Candelo tricolor – Sello Estados Unidos 1988 Pájaros – Aves ¿Qué sabes sobre este sello?Recuerda… para comenzar solo necesitas tu primer sello 😊 después no puedes parar. Si tienes esta estampilla de Estados Unidos con Candelo tricolor – Pheucticus ludovicianus, y quieres saber el precio de mercado accede como usuario “PLATINO” o deja un mensaje en este artículo (post), o en el foro para…

View On WordPress

#Animales #Aves #Fauna #Flores #Pájaros #sellos Estados Unidos 1988 #United States stamps #USA stamps

0 notes

elmartillosinmetre · 3 years

Text

Haendel, luz divina

[Haendel con el rey Jorge I sobre el Támesis en 1717 (óleo de Édouard Hamman)]

Con este libro, Jane Glover sintetiza y pone al día nuestro conocimiento sobre la vida y obra de Haendel

Cuando Haendel llegó a Londres en 1710, la ópera italiana parecía al fin haber empezado a arraigar entre la aristocracia británica, aunque la polémica sobre el idioma en que se presentaban las obras estaba en plena ebullición (y sería recurrente durante décadas). Haendel se encontró además una nación en pleno proceso de cambio dinástico.

En ambos asuntos (la ópera y el cambio de la dinastía), el músico alemán tendría bastante que decir. En el terreno de la ópera convirtiéndose en el auténtico dueño del género en la ciudad durante veinte años. En el de la monarquía, porque cuando viajó a Londres el compositor acababa de ser contratado como maestro de capilla del elector de Hannóver, quien se convertiría en sólo cuatro años en Jorge I de Inglaterra. Las relaciones de Haendel con la familia real británica serían siempre privilegiadas, muy especialmente las que estableció con el príncipe heredero, que acabaría reinando como Jorge II, y su esposa Carolina, con quienes establecería vínculos de auténtica amistad.

[Jane Glover (Helmsley, 1949) como directora]

Son estas las dos columnas esenciales en las que se apoya esta biografía inglesa del Haendel de Jane Glover que acaba de publicar en español la recuperada colección de Musicalia Scherzo y Antonio Machado Libros: por un lado, la actividad pública como compositor del personaje, exhibida principalmente en los teatros de la ciudad; por otro, sus relaciones con la corte y los asuntos de relevancia política que requirieron su participación artística (coronaciones, bodas, funerales, tratados internacionales...).

Es una pena que la biografía de Jonathan Keates (1985, con reedición en 2008) no conozca de una traducción al español, pues se trata de un trabajo espléndido, que abarca además toda la vida del compositor. Habida cuenta de que la biografía de Christopher Hogwood (1984; reedición de 2007), que Alianza Editorial publicó en 1988 hace tiempo que desapareció de su catálogo (aunque se encuentra en librerías de viejo), esta obra de Glover viene a llenar un vacío incomprensible en la divulgación musical en castellano. Incomprensible pues en los últimos 30 años Haendel se ha convertido en compositor de cabecera de los más importantes teatros líricos del mundo, lo que, unido a la popularidad inmarcesible de algunas de sus obras (fundamentalmente, El Mesías), lo hacen uno de los músicos más escuchados y presentes en las programaciones españolas de la actualidad.

Como Hogwood, antes de ejercer de biógrafa de Haendel, Jane Glover fue reconocida por su actividad concertística y discográfica. Algunos la recordamos aún, entusiasta y dinámica, en el podio de sus London Mozart Players, con los que visitó frecuentemente España hace más de treinta años, o sonriente en aquellas portadas de sus discos mozartianos para el sello ASV. Como ensayista, Glover es clara, convencional, sensata. Su prosa no busca deslumbrar, sino informar. Sus análisis musicales no son eruditos, sino descriptivos. Su relato se mueve en el terreno del gran reportaje periodístico. Haendel no se caracterizó por exteriorizar ni dar publicidad a su vida íntima. No dejó apenas cartas ni documentos personales. Se agradece que Glover evite convertirse en psicóloga sabelotoda y sobreintepretadora y aún más que no sienta en ningún momento la tentación de vincular su música con sus estados de ánimo vitales.

Evita también Glover el recurso a Mainwaring (del que tanto abusó Hogwood), primer biógrafo, bastante poco fiable, del músico. No es que no lo cite, pero lo hace con prudencia, y desde luego el dibujo de su personalidad emerge de su actividad pública, de todo aquello de lo que ha quedado constancia. Suficiente para encontrarnos con un Haendel obsesionado con su trabajo, optimista radical, que perseveró siempre, pese a las dificultades, en mantener su actividad de músico y empresario en los teatros disponibles, previsor y minucioso en la planificación de sus temporadas, pero flexible en su desarrollo, siempre atento a los cambios del gusto y a las oportunidades del mercado.

Glover desmenuza también cómo el compositor fue capaz de explotar el talento de sus cantantes, adaptando siempre su música a sus condiciones, para dejar unas cuantas decenas de obras dramáticas (óperas, oratorios) de una calidad media altísima, con al menos una docena absolutamente excepcionales, lo que justifica de largo aplicarle al compositor aquel primer verso al que en 1713 puso música como oda de cumpleaños para la reina Ana: Haendel, “eterna fuente de luz divina”.

[Diario de Sevilla. 23-11-2020]

Handel en Londres. La forja de un genio Jane Glover. Traducción de Juan Lucas. Madrid: Musicalia Scherzo & Antonio Machado Libros, 2020. 458 págs. 21,76 euros.

#georg friedrich haendel #jane glover #musicalia scherzo #antonio machado libros #libros #books #christopher hogwwod #jonathan keates #london mozart players #asv #música #music #alianza editorial

0 notes

fredymetalshow · 4 years

Photo

05 de julio de 1988. La banda estadounidense Slayer publica su cuarto álbum de estudio llamado ''South of Heaven''. Es el segundo disco producido por Rick Rubin, después del exitoso Reign in Blood, que supuso un cambio evolutivo en el sonido de la banda. South of Heaven fue el segundo álbum de Slayer en entrar en la lista de álbumes del Billboard 200, además del último en ser lanzado por el sello Def Jam Recordings, aunque se convirtió en una producción de American Recordings, después de que Rick Rubin acabara su asociación con Russell Simmons, cofundador de la discográfica y actual dueño de Russell Simmons Music Group. Fue uno de sólo dos álbumes de Def Jam en ser distribuido por Geffen Records a través de Warner Bros. Records porque su distribuidor original, Columbia Records, se negó a trabajar con la banda. Llegó al puesto número 57 de la lista de álbumes y en 1992 fue certificado oro por la RIAA en Estados Unidos. Con la idea de cambiar la pauta de los anteriores álbumes de la banda, Slayer deliberadamente ralentizó el tempo del álbum. En contraste con los anteriores, la banda usó guitarras sin distorsión y bajó el tono de las partes cantadas. Mientras que algunos críticos alabaron este cambio, otros estuvieron decepcionados. A pesar de todo, las canciones «Mandatory Suicide» y «South of Heaven» son temas habituales en los conciertos de la banda. https://www.instagram.com/p/CCRlhgrF2wr/?igshid=14v5ys4r4az84

0 notes

elrefugiodelabuenamusica · 4 years

Text

Eternal Flame (1988)

youtube

Artista: The Bangles (Estados Unidos)

Álbum: Everything

Año: 1988

Géneros: Soft rock

Compositores: Susanna Lee Hoffs, Thomas F. Kelly, William E. Steinberg

Sello: CBS Records

Letra

Close your eyes, give me your hand, darling Do you feel my heart beating Do you understand? Do you feel the same Am I only dreaming Is this burning an eternal flame?

I believe it's meant to be, darling I watch you when you are sleeping You belong with me Do you feel the same? Am I only dreaming Or is this burning an eternal flame?

Say my name Sun shines through the rain A whole life so lonely And then come and ease the pain I don't want to lose this feeling, oh

Close your eyes, give me your hand Do you feel my heart beating Do you understand? Do you feel the same Am I only dreaming Or is this burning an eternal flame?

Close your eyes, give me your hand, darling Do you feel my heart beating Do you understand? Do you feel the same Am I only dreaming Is this burning an eternal flame?

Close your eyes, give me your hand, darling Do you feel my heart beating Do you understand? Do you feel the same Am I only dreaming, ah An eternal flame

Close your eyes, give me your hand, darling Do you feel my heart beating Do you understand? Do you feel the same Am I only dreaming, ah Is this burning an eternal flame?

Close your eyes, give me your hand, darling

#EternalFlame #1988 #TheBangles #EstadosUnidos #Everything #SoftRock #SusannaLeeHoffs #ThomasFKelly #WilliamESteinberg #CBSRecords

1 note · View note

culturizando · 6 years

Text

#UnDíaComoHoy: 30 de noviembre en la historia

El 30 de noviembre es el día 334º día del año. Quedan 31 días para finalizar el año. Te presentamos una lista de eventos importantes que ocurrieron un día como hoy 30 noviembre.

-El día de hoy ha sido declarado “Día Internacional de la Seguridad de la Información” desde 1988, con el objeto de concientizar sobre la importancia de la seguridad de la información y de los sistemas y entornos que operan con ella.

-1835: nace Samuel Langhorne Clemens conocido como Mark Twain. Fue un popular escritor, orador y humorista estadounidense. Escribió obras de gran éxito como El príncipe y el mendigo o Un yanqui en la corte del Rey Arturo, pero es conocido sobre todo por su novela Las aventuras de Tom Sawyer y su secuela Las aventuras de Huckleberry Finn.

-1874: nace Winston Churchill, político y estadista británico, conocido por su liderazgo del Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial. Es considerado uno de los grandes líderes de tiempos de guerra y fue Primer Ministro del Reino Unido en dos períodos (1940-45 y 1951-55). Notable estadista y orador, Churchill fue también oficial del Ejército Británico, historiador, escritor y artista. Es el único Primer Ministro Británico galardonado con el Premio Nobel de Literatura, y fue nombrado ciudadano honorario de los Estados Unidos de América.

-1900: muere Oscar Wilde, escritor y político irlandés. Wilde es considerado uno de los dramaturgos más destacados del Londres victoriano tardío; además, fue una celebridad de la época debido a su gran y aguzado ingenio. Hoy en día, es recordado por sus epigramas, sus obras de teatro y la tragedia de su encarcelamiento, seguida de su temprana muerte.

-1937: nace Ridley Scott, director de cine británico. Ha sido nominado en tres ocasiones a los premios Óscar a la mejor dirección. En enero de 2003 fue nombrado caballero por la reina Isabel II. Algunas de sus películas son consideradas como auténticas obras de culto, especialmente Blade Runner y Alien, el octavo pasajero.

-1955: nace Billy Idol, músico de rock británico.

-1965: nace Ben Stiller, acto y cineasta estadounidense. Reconocido por películas como There’s Something About Mary, Zoolander, Noche en el Museo, The Secret Life of Walter Mitty, DodgeBall: A True Underdog Story, entre otras.

-1970: muere Maria Adélaïde Nielli mejor conocida como Nina Ricci, modista francesa de origen italiano.

-1978: nace Gael García Bernal, actor mexicano. Conocido por películas como Amores Perros, Y tu mamá también, Babel, entre otras.

-1979: en Inglaterra se publica el exitoso disco The Wall, de la banda británica Pink Floyd. Es el undécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo y espacial Pink Floyd publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Ezrin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Considerado por la crítica musical y seguidores del grupo como “uno de los mejores trabajos de la banda” y “uno de los mejores en la historia del rock”, cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos. Del mismo modo fue un inmenso éxito comercial mundial acreditándose discos de platino en más de veintitrés ocasiones, situándolo como el disco más vendido en los años 70 y en el tercer lugar de los discos más vendidos de todos los tiempos.

– 1982: sale a la venta el disco más vendido de todos los tiempos, Thriller de Michael Jackson. bajo el sello de Epic Records, y se calculan unas ventas estimadas de 65 millones de unidades. Oficiales, porque las copias piratas son interminables y habría que sumar además las distribuidas con motivo de la reedición del trabajo coincidiendo con su 25 aniversario.

-1982: en Reino Unido, la primer ministro Margaret Thatcher recibe un paquete bomba en su residencia en la calle Downing Street.

-1985: nace Kaley Cuoco actriz estadounidense. Conocida por interpretar el papel de Penny en la serie The Big Bang Theory.

-1995: Bosnia y Herzegovina juega su primer partido oficial de fútbol ante Albania.

-1998: el Deutsche Bank compra Bankers Trust por US$ 10.000 millones creando la institución financiera más grande del mundo.

-2006: Microsoft Windows presenta al mundo el sistema operativo Windows Vista.

-2007: muere Evel Knievel, motociclista estadounidense de acrobacias. Una de sus más famosas hazañas fue la de haber intentado saltar el Cañón Snake River en Idaho en 1974. Fueron relevantes también sus aparatosas caídas al aterrizar de sus saltos, las cuales, sin embargo, no le impidieron seguir con su carrera de espectáculos.

-2013: muere Paul Walker, actor estadounidense, conocido por interpretar a Brian O’Conner en la saga The Fast and the Furious y por su actuación en diversas películas y series de televisión. Falleció en un accidente automovilístico, yendo como copiloto, tras chocar contra un árbol en el barrio de Valencia de la ciudad de Santa Clarita, California, cuando éste se encontraba de camino a un evento de caridad realizado por Reach Out Worldwide para las víctimas del tifón Haiyan en Filipinas.

La entrada #UnDíaComoHoy: 30 de noviembre en la historia aparece primero en culturizando.com | Alimenta tu Mente.

4 notes · View notes

rockandblognet · 4 years

Text

“Sex Sells”. El disco perdido de Bon Jovi.

Esta es la historia de “Sex Sells”, el disco de BON JOVI que nunca vio la luz y que estaba previsto para salir el año 1999

Corría 1996 y Bon Jovi acababan de concluir una extenuante gira mundial presentando su disco “These Days”(Mercury,1995). La sangre no llegó al rio como si lo hizo en 1989 cuando la banda se separo por enfrentamientos personales después del tramo sudamericano de aquel “The Jersey Sindicate World Tour”.

Esta vez solamente se darían un pequeño respiro y Jon aprovecharía para grabar y presentar su “Destination Anywhere”(Mercury,1997). Richie Sambora haría lo mismo con aquel “Undiscovered Soul” de 1998. Ambos proyectos no tuvieron la repercusión necesaria como para darles continuidad y decidieron volver a engrasar la maquinaria BON JOVI y empezar a dar forma a su nuevo trabajo.

Contaron con su co-compositor habitual, Desmond Child, y llamarón a la puerta de un viejo conocido, Bruce Fairbairn, que le había producido “Slippery When Wet”(Polygram,1986) y “New Jersey”(Polygram,1988). Estaba claro que la intención era la de volver a los orígenes, buscando ese puntito hard rockero pero accesible para toda clase de públicos.

Grabaron unas cuantas demos. Canciones como “Billy”, ”Garageland”, ”Hush”, ”Two Story Town”, etc… fueron prácticamente completadas en el estudio de Jon, previo paso a meterse en el estudio definitivo que Bruce Fairbairn tenia en Canadá junto a otro viejo conocido de la banda, Bob Rock.

El proyecto estaba más que avanzado, el disco(sin grabar aún) tenia titulo y fecha de salida: “Sex Sells” y ocurriría a lo largo de 1999. Más aún, se lanzo una especie de primer single para una película titulada “EdTV”. Este adelanto llevó por título “Real Life” y en su video promocional alternaban imágenes del film y de la banda.

vimeo

Además aparecieron anuncios promocionales, en carteles, por las calles de Nueva York en los que rezaba “Bon Jovi. Sex Sells. Coming 1999”. Insisto una vez más, todo esto sin haber grabado en estudio absolutamente nada.

Las demos fueron enviadas a la compañía de discos(Mercury/Island Records) y no les entusiasmo. De hecho, tumbaron el proyecto y eso que Bon Jovi presento en la anterior década tres discos multiplatino: ”Keep The Faith(1992), “Croosroad”(1994) y “These Days”(1995), todos ellos bajo el sello Mercury.

Jon y compañía lo aceptaron y decidieron darle otra vuelta compositiva al futuro proyecto. Se suavizo el tono de las composiciones, se alternaron los medios tiempos pero a la hora de entrar a grabar, Bruce Fairbairn moriría un 17 de mayo de 1999. Nuevo traspiés.

Pero la máquina no pararía. Jon decidió grabar en su estudio de New Jersey absolutamente todo el proyecto. En una jugada “maestra” contó con un casi desconocido productor llamado Luke Ebbin, que venía de participar en un disco titulado “Millennium” de los BackStreet Boys y que había vendido 11 millones de copias sólo en Estados Unidos. Luke Ebbin trajo consigo a un escritor llamado Max Martin (que también escribió canciones para ese “Millennium”). Martin, junto a Bongiovi y Sambora, escribió el primer single para el nuevo disco. Se titularía “It´s my life”. El álbum saldría en junio del año 2000. “Crush”(Island) vendió cerca de 10 millones de copias.

Artículo de Rubén Gómez Postigo

“Sex Sells”. El disco perdido de Bon Jovi. en el artículo original de Rock and Blog

#BON JOVI #CRUSH #SEX SELLS #rock music #heavy metal #rock

0 notes

adiosmacondo · 7 years

Text

Gloria Fuertes, lesbianismo y feminismo

Gloria Fuertes nace en Madrid en 1917. Perteneciente a una familia humilde y sin medios, Fuertes vive la guerra y la consiguiente posguerra, y empieza a escribir a temprana edad a la vez que obtiene diferentes diplomas y trabaja en oficinas. La crítica la vincula a la Generación de los 50 y al postismo. Escribió poesía, literatura infantil, obras de teatro y material televisivo donde, aparte de los temas infantiles, trata el feminismo, el pacifismo, la denuncia moral, y otros temas que trataremos en extendido más adelante. Muere en 1988 a causa de cáncer de pulmón, a los 81 años.

Considerada la poeta de los niños por España, fue justamente ese papel cosechado a partir de su éxito en TVE con programas infantiles lo que ha relegado su poesía más adulta al público, cercando la extensión de su obra a la destinada a los más pequeños. A esto debemos sumar la intención de Fuertes de reflejar en parte de su poesía el lesbianismo del que nunca renegó, lo que invisibiliza más a la poetisa. Esto se explica en The Apparitional Lesbian: Female Homosexuality and Modern Culture de Terry Castle, que habla del efecto fantasma que el lesbianismo provoca en la sociedad, donde aunque se sitúe ante ella no existe. Según Jill Robbins en The (in)visible lesbian, está claro que las autoras lesbianas se han marginado tanto en lo público como en lo académico. Ser mujer es, aún en nuestros días, motivo para ser infravalorada. Fuertes, doblemente reprimida por su homosexualidad, trata de visibilizar la temática lesbiana y la lucha antipatriarcal a través de una poesía subversiva y escondida del Régimen donde encontramos claras referencias a estas causas.

Gloria Fuertes se sitúa a menudo en su texto en el intento de reafirmar la propia identidad, utilizando el lenguaje como rebelión lingüística. Al introducirse ella misma en la obra, lesbiana, crea una voz que es capaz de dar una visión distinta desde el lugar de poder que adquiere.

Volviendo a esa invisibilidad que el lesbianismo sufre, el franquismo tenía por costumbre martirizar a los gays e ignorar la existencia del lesbianismo, de manera que a menudo la mujer lesbiana, concebida como algo imposible ya que la sexualidad se relegaba únicamente a la reproducción, era designada como solterona, chica rara o mujer loca. En Celibato (lección tercera), Fuertes habla de esto:

[…]

La soltera por vocación,

lo lleva a la perfección.

La solterona

-soltera a la fuerza

con ramito de azahar-,

lo lleva fatal.

Amargada (la pobre)

cotilla y tal,

-como no vive su vida

vive la de los demás-,

En cambio, comparad,

la perfecta soltera

(perdón Fray Luis)

es una dulce pera,

perita en dulce,

su amor sin papeleos

¡qué bien la luce!

(1981:285)

Aunque estos versos no podrían considerarse feministas a día de hoy, puestos en el contexto de Gloria Fuertes son una gran afrenta a las convenciones sociales de su época. Mientras muestra la idea de solterona como la mujer casta y pura, hace una diferencia entre ella y la mujer libre por elección propia, renegando del papel tradicional doméstico de la mujer. El verso de “su amor sin papeleos” es el indicador de que Fuertes habla del lesbianismo. Al final del poema Yo, en un monte de olivos, leemos -Ahí va Gloria la vaga./ -Ahí va la loca de los versos […], volviendo a asociar la imagen de loca a su propia condición y haciendo referencia a cómo es ella misma para España.

La soledad es un recurso del que Fuertes dispone a menudo para hablar encubiertamente de su sexualidad. La soledad es la forma que tiene de dibujar el rol de la lesbiana sola y negada, fuera de lo establecido y culpable de no seguir el papel que la dictadura reservaba a la mujer. Convierte así Fuertes la soledad por la que se la criticó en otra arma de subversión. Podemos ver esto en, por ejemplo, el poema Cabra sola:

Hay quien dice que estoy como una cabra;

lo dicen, lo repiten, ya lo creo;

pero soy una cabra muy extraña

[…]

Vivo sola, cabra sola

-que no quise cabrito en compañía-,

[…]

Y vivo por mi cuenta, cabra sola;

que yo a ningún rebaño pertenezco.

[…]

(1980:212)

Aquí Fuertes abandera su soltería y homosexualidad por decisión propia, fuera del pensamiento de la época que dictaba que si una mujer no estaba casada era por problemas físicos o mentales. Hace alusión al lesbianismo en el verso –que no quise cabrito en compañía- y que yo a ningún rebaño pertenezco. En este último se alude a la imposibilidad de ser lesbiana según el pensamiento dominante de aquel entonces. Además, con el primer verso, vuelve a hablar de la etiqueta de loca que se le atribuía.

Hay una interpretación errónea de la soledad que ha creado la crítica especializada, tanto con Gloria Fuertes como con otras autoras lesbianas como Teresa de la Parra o Gabriela Mistral, donde se justifica la soltería y soledad de estas con un primer y fallido amor heterosexual por el que estas reniegan de las relaciones, que, si bien no es falso, invisibiliza su verdadera sexualidad. Respecto a Fuertes, se habla de un obrero que fallece en el transcurso de la guerra. En el poema Del 34 al 46, la autora se encarga de renegar de esta excusa recordándolo como mi primera equivocada sexualidad.

El lenguaje también es heteropatriarcal por norma, y como indica Judith Butler en El género en disputa, reproduce el mundo a su imagen y semejanza a través de un acto de representación o construcción lingüística y cultural. Es esta tradición falocentrista contra la que la voz poética de Fuertes pelea. Un ejemplo de ello es la desestabilización de los géneros que introduce con algunos de sus poemas. Podemos verlo en Mis amigas los hombres:

[…]

En la depresión me decía:

-Te quiero porque eres poeta

y porque eres un hombre…

-No, mira, no soy un hombre,

pero bueno sí,

es igual…

[…]

(1981:355)

Aquí, una transexual la confunde con un hombre. Se suman los hechos de que su propia voz poética crea la confusión y que no le importa lo más mínimo. Esta es una forma de negar el binarismo que la norma heterosexual reinante establece de manera contundente. Encontramos otra referencia a esto en Tenemos que:

Todo parejo,

cada almeja

con su almejo.

(1981:320)

Aunque sin reflexión estos versos parezcan aludir a la relación heterosexual, Fuertes juega con el lenguaje para llevarlo al terreno de su poesía. El masculino de almeja no existe, por lo que el poema vendría a decir cada almeja con su almeja, haciendo una llamada al lesbianismo. El fuerce de la palabra almejo, masculinizada, es una denuncia a la imposición del binarismo y lo heterosexual. Además, en niveles vulgares del castellano, la palabra almeja se utiliza para designar los genitales femeninos, lo que apoya lo que la autora quiere decir bajo sus juegos de palabras.

En el poema La marioneta y el robot, Fuertes utiliza metáforas para mostrar los estereotipos de la pareja heterosexual que el régimen exigía en pos de la reproducción; eufemísticamente, habla de la monotonía a la que el binarismo heterosexual reduce las relaciones románticas:

La marioneta y el robot

formaban la clásica pareja,

ella, inculta, pueblerina,

cálida, inexperta.

Él, culto, técnico, científico, frío.

[…]

La marioneta y el robot se casaron

y tuvieron dos títeres.

Les pusieron de nombre Adán y Eva,

y vuelta a empezar.

(1981:327)

En Cada uno copula como puede también hace leña del canon tradicional heterosexual, creando ironía del proceso reproductivo y rechazándolo para sí misma:

Los peces

Se reproducen sin «hacerlo».

La hembra suelta los huevos

En el mar,

Y el macho atraído y excitado

Por aquella pedrea,

Los «padrea».

[…]

Quisiera ser como los peces.

(1981:326)

La palabra mendigo toma varios significados dentro de la poesía de Gloria Fuertes. En 1954 entra en vigor en nuestro país de la mano del régimen la Ley de vagos y maleantes, según la cual los homosexuales podían castigarse del mismo modo que proxenetas y mendigos. Fuertes da la vuelta a la palabra vagabundo para hablar de forma encubierta de los homosexuales, aunque hay otros muchos poemas sobre mendigos que versan en torno a la preocupación social de la autora. El doble sentido que maneja se ve reflejado en Mendigos del Sena:

Hay muchos

[…]

Los hay de todas las edades

y ni siquiera tienen ideas de izquierdas.

[…]

Llegamos a lo más sorprendente,

también hay mendigas.

(1980:55)

Hace hincapié en la gravísima cantidad de sintechos de la época, expone que la existencia de los vagabundos/sexuales no diferencia de ideologías y al final da voz a ese grupo de lesbianas inexistentes a ojos de la sociedad y el régimen.

La poesía más erótica y explícita de Fuertes surge con el fallecimiento de Franco. La autora encuentra una situación más libre para expresar su sexualidad, y hay numerosos poemas en los que hace gala de ello (Hundidos en amor, Lo que me enerva, Ser antorcha…); para dar un ejemplo, Letra bailable, donde también proclama que nunca se avergonzó de ser una mujer homosexual:

Me gustan las sevillanas

cuando bailan sevillanas,

se cogen de la cintura

¡qué gran orgía lesbiana!

criatura.

[…]

Nunca me importó ser huérfana

ni ser lo que soy, miradme.

(1996:48)

Estos últimos poemas, donde la identidad lesbiana no está tan escondida comparada con sus poemas más tempranos, pueden dar a entender que el sello de Gloria Fuertes con el que intentó reivindicar una verdad prohibida y marginada es algo notorio. Hay datos de que, al recibir la beca Fullbright que le permitió dar clases en Estados Unidos, vivió allí con su novia, Phyllis Turnbull, con la que estuvo quince años. Ella misma se enarbola como solitaria, religiosa, lesbiana, enamoradiza, soltera, feminista, fumadora empedernida, pacifista, castiza y poeta con el carácter autobiográfico de su poesía. Pero tristemente no es algo que la crítica haya ensalzado, siendo ahora en 2017 con el centenario del nacimiento de Fuertes cuando el sentimiento de su obra empieza a salir a la luz y ser admirado en España.

Bibliografía

ROBINS, Jill (2003). "The (in)visible lesbian", Journal of Lesbian Studies (septiembre), 7, 3, 107-131.

CASTLE, Terry, 1993. The Apparitional Lesbian: Female Homosexuality and Modern Culture. EEUU: Columbia University Press.

BUTLER, Judith (2001). El género en disputa. Traductoras: Mónica Mosour, Laura Manríquez. España: Paidós.

NORANDI, Elina (coordinadora) (2009). Ellas y nosotras: Estudios lesbianos sobre literatura escrita en castellano. Madrid, España: EGALES.

“Gloria Fuertes la poeta de Lavapiés: mujer, lesbiana y pobre

”, en http://www.tribunafeminista.org/2017/01/gloria-fuertes-la-poeta-de-lavapies-mujer-lesbiana-y-pobre/ [Enero de 2017].

“Gloria Fuertes: profesora, poeta y lesbiana”, en http://hayunalesbianaenmisopa.com/2014/11/28/gloria-fuertes-profesora-poeta-lesbiana/ [28 de noviembre de 2014].

“Gloria Fuertes resucita como mito lésbico”, en http://www.elconfidencial.com/cultura/2013-12-07/gloria-fuertes-resucita-como-mito-lesbico_62963/ [7 de diciembre de 2013].

“Phyllis: el gran amor de Gloria Fuertes”, en http://xlsemanal.abc.es/personajes/20170129/gloria-fuertes.html [29 de enero de 2017].

“Autobiografía: Gloria Fuertes (La mitad invisible, 2012)”, en http://www.ejemplo.cohttps://www.youtube.com/watch?v=xPbnFdAIiWY [27 de octubre de 2012].

#gloria fuertes #lesbianismo #feminismo

1 note · View note