#POR CIERTO ya no es belga

[xglaukoma]

@malaeartes

Aah, cuánto tiempo sin pasear por esas calles... ¿Nueve, diez meses? El tener que irse fue inesperado y sabía que iba para largo, aunque no esperaba tantos meses.

Su padre tuvo un accidente laboral y se jodió la espalda, casi no podía dar un paso sin que le doliera, ya ni digamos agacharse. Por suerte, tras dos operaciones pudieron dejarle como nuevo (bueno, a ver, como antes del accidente) y poco a poco, con recuperación, estaba prácticamente curado y ya se valía por sí mismo. Sin embargo, hasta que llegó el momento donde podía irse tranquilo sabiendo que ya todo iba a ir bien, pasó esos meses trabajando para mantener a la familia, ya que su madre cogió una excedencia del trabajo para poder cuidar de su viejo.

Hubo momentos en los que pensaba en matar a alguien, mucho estrés, demasiada gente bajo un mismo techo, pero sólo hacía tres días que se fue y ya les echaba de menos. Siempre que iba a visitarles se sentía un poco triste a la vuelta, pero esta vez no fueron un par de días o una semana, así que estaba un poco decaído.

Peeero sabía quién podía acabar de animarle.

No le concretó el día de vuelta y todavía no le había dicho nada. Sabía a qué hora salía del trabajo, por lo que se esperó por ahí cerca hasta verle salir por la puerta. Se le acercó sigilosamente por la espalda.

— ¡ISKAAA!— exclamó, dándole una palmada en la espalda— ¡Sorpresa, he vuelto!

#;nathan annoys #;starter #surprise bitch #pa que veas que tqm #me voy a leer los rols antiguos pa acordarme de todo (ᓀ ͜ʖᓀ) #malaeartes #POR CIERTO ya no es belga #ahora es irlandés eheh

[bingooline]

¿Cuál es el historial de enfrentamientos entre el Royal Antwerp Football Club y el FC Porto en las estadísticas de sus partidos?

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¿Cuál es el historial de enfrentamientos entre el Royal Antwerp Football Club y el FC Porto en las estadísticas de sus partidos?

Historial de enfrentamientos

En el mundo del deporte, el historial de enfrentamientos entre equipos o atletas es una fuente de información valiosa que permite analizar el rendimiento pasado y predecir posibles resultados en el futuro. Estos registros detallan los encuentros previos, los resultados obtenidos, así como los patrones de victorias y derrotas.

El historial de enfrentamientos no solo proporciona datos sobre el desempeño de los contendientes, sino que también revela rivalidades históricas y momentos memorables que han quedado grabados en la memoria de los fanáticos. A lo largo de los años, ciertos duelos se han convertido en clásicos, generando gran expectativa y emoción en cada nueva confrontación.

Los analistas y apostadores deportivos suelen recurrir al historial de enfrentamientos para evaluar las probabilidades de victoria de cada parte y pronosticar el resultado de un próximo enfrentamiento. Este análisis minucioso de datos pasados puede ser clave para tomar decisiones informadas y maximizar las oportunidades de éxito.

Además, el historial de enfrentamientos es una herramienta fundamental para entrenadores y equipos, ya que les permite estudiar las fortalezas y debilidades del rival, ajustar estrategias y tácticas en base a experiencias previas, y motivar al equipo para superar obstáculos anteriores.

En resumen, el historial de enfrentamientos es un recurso invaluable en el mundo del deporte, que no solo enriquece la narrativa de cada competencia, sino que también contribuye a mejorar el rendimiento de los equipos y atletas.

Royal Antwerp Football Club

El Royal Antwerp Football Club, conocido también como RAFC o simplemente Antwerp, es uno de los clubes de fútbol más antiguos de Bélgica. Fundado en 1880, el Antwerp tiene una rica historia y una base de seguidores apasionados.

El club tiene su sede en la ciudad de Amberes y juega en la Primera División de Bélgica, la liga de fútbol más importante del país. El equipo disputa sus partidos como local en el Estadio Bosuilstadion, un estadio con una capacidad para más de 16,000 espectadores.

A lo largo de su historia, el Antwerp ha logrado varios éxitos, incluyendo múltiples títulos de liga y copas nacionales. El color oficial del equipo es el rojo y blanco, y su escudo cuenta con una icónica hormiga en referencia al nombre del club.

Los aficionados del Antwerp, conocidos como "The Great Old", son reconocidos por su fervor y lealtad al equipo. Los partidos en casa suelen estar llenos de energía y pasión, creando una atmósfera única que hace del Estadio Bosuilstadion un lugar especial para presenciar un partido de fútbol.

En resumen, el Royal Antwerp Football Club es un club con una larga historia y una base de seguidores apasionados que han convertido al equipo en una parte fundamental del panorama futbolístico belga.

FC Porto

El Fútbol Clube do Porto, comúnmente conocido como FC Porto, es un club de fútbol con sede en Oporto, Portugal. Fundado el 28 de septiembre de 1893, el club ha ganado numerosos títulos nacionales e internacionales a lo largo de su larga historia.

El FC Porto es uno de los equipos más exitosos de Portugal, habiendo ganado la Primeira Liga en múltiples ocasiones, así como la Taça de Portugal y la Supertaça Cândido de Oliveira. A nivel internacional, el club ha tenido un gran éxito en competiciones europeas, incluyendo la Liga de Campeones de la UEFA, la Liga Europa de la UEFA y la Supercopa de la UEFA.

El Estadio do Dragão, con capacidad para más de 50,000 espectadores, es donde el FC Porto disputa sus partidos como local. Los aficionados del club, conocidos como "portistas", son apasionados y leales, creando una atmósfera impresionante en cada partido.

El FC Porto ha sido el hogar de numerosos jugadores icónicos a lo largo de los años, muchos de los cuales han pasado a tener carreras exitosas en otros clubes europeos. El club también se enorgullece de su academia de fútbol, que ha producido talentosos futbolistas que han llegado a destacar en la escena internacional.

En resumen, el FC Porto es un club con una rica historia y una base de seguidores apasionados. Su compromiso con la excelencia futbolística lo ha convertido en uno de los equipos más respetados en el panorama futbolístico europeo.

Estadísticas de partidos

Las estadísticas de partidos son un recurso invaluable para aficionados, entrenadores y analistas en el mundo del deporte. Estas cifras proporcionan una visión detallada del rendimiento de los equipos y jugadores, permitiendo evaluar fortalezas, debilidades y tendencias en el juego.

Uno de los aspectos más importantes de las estadísticas de partidos es su capacidad para medir el desempeño individual de los jugadores. Estos datos pueden incluir goles marcados, asistencias, pases completados, tiros a gol, entre otros. Analizar estas métricas ayuda a identificar a los jugadores más influyentes en el campo y entender su impacto en el resultado final del partido.

Además del rendimiento individual, las estadísticas de partidos también revelan patrones y estrategias utilizadas por los equipos. Por ejemplo, se pueden analizar datos sobre posesión de balón, cantidad de tiros realizados, pases precisos y faltas cometidas. Estas cifras ofrecen una comprensión más profunda de la dinámica del juego y pueden ayudar a los entrenadores a ajustar sus tácticas según las necesidades del equipo.

Otro aspecto importante de las estadísticas de partidos es su utilidad para predecir resultados y tomar decisiones estratégicas. Los analistas pueden utilizar modelos estadísticos y algoritmos para pronosticar el resultado de futuros encuentros, basándose en el rendimiento pasado de los equipos y jugadores.

En resumen, las estadísticas de partidos son una herramienta fundamental en el mundo del deporte, proporcionando información valiosa para entender el juego, evaluar el rendimiento de los jugadores y equipos, y tomar decisiones estratégicas tanto dentro como fuera del campo.

Encuentros deportivos

Los encuentros deportivos son eventos emocionantes que reúnen a atletas de diferentes partes del mundo para competir en diversas disciplinas. Estos eventos no solo son una oportunidad para demostrar habilidades físicas y destrezas técnicas, sino también para celebrar la pasión por el deporte y fomentar la camaradería entre los participantes y espectadores.

Ya sea en el ámbito local, nacional o internacional, los encuentros deportivos generan un ambiente vibrante y lleno de energía, donde se respira competitividad y espíritu deportivo. Desde torneos de fútbol hasta competiciones de natación, pasando por eventos de atletismo y encuentros de tenis, existe una amplia variedad de opciones para los amantes del deporte.

Estos encuentros no solo son emocionantes para los deportistas, sino también para los espectadores que llenan las gradas para animar a sus equipos y atletas favoritos. La emoción se puede sentir en el aire mientras los competidores se esfuerzan por alcanzar la victoria, superando obstáculos y desafiando límites personales.

Además del aspecto competitivo, los encuentros deportivos también son una oportunidad para promover valores como el trabajo en equipo, la disciplina, el respeto y la superación personal. Los deportistas aprenden a enfrentarse a la derrota con dignidad y a celebrar el éxito con humildad, lo que les ayuda a crecer tanto en el ámbito deportivo como en el personal.

En resumen, los encuentros deportivos son mucho más que simples competiciones; son eventos que unen a personas de diferentes culturas y backgrounds bajo una misma pasión, inspirando a futuras generaciones a seguir adelante y perseguir sus sueños deportivos.

[yo-sostenible]

El mensaje de los agricultores es claro: quieren trabajar en sus campos, no quedarse atrapados entre archivos. En respuesta, la Comisión ha identificado una serie de acciones a escala de la UE que podrían ayudar a aliviar la carga administrativa para los agricultores en los próximos meses y años. Un ciclista pedaleando entre tractores. ENRIC FONTCUBERTA / EFE La Comisión Europea ha enviado ayer a la Presidencia belga un documento en el que se describen las primeras medidas posibles para ayudar a reducir la carga administrativa que pesa sobre los hombros de los agricultores. El documento, que se debatirá con los Estados miembros en el Consejo de Agricultura y Pesca del 26 de febrero, enumera una serie de medidas a corto y medio plazo que pueden adoptarse para lograr la simplificación y servirá de base para los debates y la acción conjunta de los países de la UE. Las acciones enumeradas en el documento tienen en cuenta las contribuciones de las administraciones nacionales, las principales organizaciones agrícolas de la UE y la Comisión de Agricultura del Parlamento Europeo. El documento de simplificación responde al compromiso asumido por la presidenta von der Leyen en el Consejo Europeo del 1 de febrero de 2024. El modelo de aplicación de la actual política agrícola común (PAC), basado en los planes estratégicos de la PAC decididos y aplicados a nivel nacional, ya representa un paso adelante en términos de simplificación y subsidiariedad en comparación con el período anterior. Los Estados miembros desempeñan un papel clave a la hora de mantener una carga administrativa para los agricultores que sea limitada y proporcionada al alcance de los objetivos de la legislación de la UE. Esta es la razón por la que para que cualquier ejercicio de simplificación tenga éxito, debe llevarse a cabo en estrecha cooperación con las administraciones nacionales y los propios agricultores. En vista de ello, la Comisión pondrá en marcha en marzo una encuesta en línea dirigida directamente a los agricultores. Esta consulta específica ayudará a identificar sus principales motivos de preocupación y a comprender las causas de la carga administrativa y de la complejidad derivadas de las normas de la PAC, así como de otras normas de la UE para la alimentación y la agricultura y de su aplicación a nivel nacional. Con esta encuesta, ya antes del verano se tendrá una imagen más clara de los principales obstáculos administrativos que perciben y a los que se enfrentan los agricultores. Los resultados se incluirán en un análisis más detallado que se publicará en otoño de 2024. Más allá de esta necesaria recopilación de información, la Comisión propone medidas a corto y medio plazo que podrían aportar cierto alivio tanto a los agricultores como a las administraciones nacionales, que representan el primer punto de contacto para los agricultores y son responsables de la gestión y el pago de los fondos de la UE. En primer lugar, la Comisión propone simplificar algunos de los requisitos de condicionalidad que deben cumplir los agricultores de la UE. El conjunto de normas básicas —denominadas BCAM o buenas condiciones agrarias y medioambientales— que todos los agricultores deben cumplir para recibir su ayuda de la PAC ha demostrado ser difícil de aplicar en determinadas circunstancias. La Comisión ya ha actuado concediendo para 2024 una exención parcial de las normas sobre tierras en barbecho, la denominada BCAM 8. La Comisión propone ahora modificar las normas sobre la primera norma (BCAM 1), que impone el requisito de mantener estables las superficies de pastos permanentes en la UE desde el año de referencia 2018. En virtud de este requisito, se puede pedir a los antiguos ganaderos con grandes pastizales que se vieron obligados a pasar a la producción de cultivos herbáceos debido a las perturbaciones del mercado en el sector cárnico y lácteo que reconviertan sus tierras de cultivo en pastos permanentes. Esta obligación puede dar lugar a una pérdida de ingresos par...

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#agricultura #política

[teoriasparaliticas]

IRIS VAN HERPEN: FASCINACION CENTRIFUGA

Como fue publicado en A*Desk

El siglo XXI nos ha dado algunos de los mejores encuentros entre diseño y tecnología. Pocos desfiles al respecto son tan memorables como Spring/Summer 1999 de Alexander McQueen, donde empezaba a verse en este diseñador alguno de los primeros escenarios de convergencia entre estas dos disciplinas, y la (no tan) incipiente amenaza de lo tecnológico - algo que sería evocado una vez más en su último desfile Plato’s Atlantis (2010).

Ciertamente esto no es algo que sucede a partir de finales del siglo XX ya que la relación entre moda y tecnología es en sí siempre estrecha: el diseño está ciertamente siempre ligado a esta. Pensar en diseñadores como Pierre Cardin y su incorporación del plástico y la esculturicidad en la década de los ‘60s. De igual manera que a comienzos de los 2000 los primeros desfiles del diseñador turco Hussein Chalayan daban cuenta de una línea de interconección muy marcada con diferentes niveles de tecnología que irían en incremento en los años subsiguientes. Ambos ejemplos de cómo aquello que hoy recordamos como low tech ha siempre estado ligado a la vestimenta.

Iris Van Herpen, Snake Dress (2010), Dewi Driegen by Duy Quoc Vo for V Magazine Online

En esta ocasión el museo de artes decorativas de París, propone en “Sculpting the senses” una exposición dedicada al universo fragmentario de la diseñadora holandesa Iris Van Herpen, con un recorrido enfocado en su trabajo de alta costura.

A pesar de estos precedentes, el estilo de Van Herpen es diferente, su visión hacia el futuro se encuentra a un nivel quirúrgico. Su enfoque estético roza el ascetismo, exhibiendo una pureza visual que refleja una profunda exploración del lenguaje arquitectónico más contemporáneo. No parecería haber lugar para la crudeza de ciertos materiales orgánicos, debe ser de este deseo donde afloran los versos sintéticos que dedica al agua y el viento.

Esta aproximación no solo se limita a la técnica y la ejecución basadas en la arquitectura paramétrica, caracterizada por su fluidez, fragmentación y patrones cambiantes, sino que también se extiende a la conceptualización de sus creaciones. Van Herpen es conocida por su capacidad para extraer inspiración de fuentes diversas, llegando a resultados cautivadores, y explorando temas vanguardistas que van más allá de las convenciones tradicionales de la moda.

Iris Van Herpen, de Quaquaversal (2016), Fotografía: Morgan O'Donovan

Pero la sala de operaciones es principalmente oscura - otro desacierto de la museografía - la diseñadora nos es presentada como un enigma, cuya creatividad solo será accesible a través de un proceso de reconocimiento semiológico, como replicando un proceso de ingeniería invertida.

La curaduría propuesta nos expone al trabajo de la diseñadora, confrontado con distintos objetos de arte y diseño intentando explicar cuáles son las fuentes de inspiración y dónde aparecen las relaciones con los diseños allí presentes. En este proceso solipsista todo antecedente histórico, como los ya mencionados trabajos de Hussein Chalayan o Alexander McQueen (con quien además la diseñadora dió sus primeros pasos), son erradicados.

Iris Van Herpen, Cathedral Dress (2012), Fotografía: Morgan O'Donovan

La escultura “Nautilus Penta” (2023) del belga Wim Delvoye, donde (como es habitual en su estilo) catedrales góticas son utilizadas como unidades mínimas siendo superpuestas (y en este caso) torsionadas hasta replicar la concha de este molusco del cual lleva su nombre, contrapuesta al “Cathedral Dress”, presentado en la colección primavera de 2012, donde un proceso similar es llevado a cabo, siendo quizás una de las relaciones más lineales en este esfuerzo por señalar posibles influencias.

A lo largo de la exhibición se percibe un intento de des-sensorialización de los espectadores, una búsqueda por embriagar los sentidos, alterando la percepción con una instalación sonora perturbante: el intento de materializar un efecto sinestésico, en referencia no solamente a la propia condición de Van Herpen, sino también a los temas de sus temporadas “Seijaku” (Otoño/Invierno 2017), donde explora las potencialidades estéticas de la cimática, que estudia la evolución visual de las ondas sonoras como patrones geométricos, y “Sensorie Seas” (Primavera/Verano 2020), donde convergen las teorías neurocientíficas de Santiago Ramón y Cajal, y sus dibujos estructurales del sistema nervioso, en comparación con patrones presentados por diferentes tipos de cnidarios y micelios.

Iris Van Herpen, Entangled Life Dress (2021), foto por Myrthe Giesbers

Considerando justamente el dinamismo y las sensaciones vibracionales evocadas por el uso de las prendas, resulta bastante controversial - a nivel museográfico - la decisión de eliminar casi por completo el movimiento en la exposición de las piezas, siendo claramente esta su condición sine qua non.

Ciertamente esta dimensión semoviente, es esencial desde el germen de su trabajo como puede apreciarse en diseños de su Primavera/Verano de 2010, y repuesta en las esculturas de Kate McGuire y Juliette Clovis.

Iris Van Herpen, de Hacking Infinity (2016), Fotografía: Morgan O'Donovan

Este carácter dado por la ingravidez es esencial en el trabajo de Van Herpen, donde puede reconocerse un prolífico estilo oceanico. Referencias como las siluetas evocadas por Alexander McQueen en su ya mencionado desfile “Plato’s Atlantis” dan cuenta de que la relación acuática no es la única que interesa a la diseñadora, sino toda relación anti-gravitacional, todo dinamismo de la forma que pueda estar relacionado con desafiar las concepciones entrópicas (en un sentido estrictamente físico). Algo que a su vez contrasta con la rigidez y pesantez de otros diseños que hacen clara referencia a los procesos de cristalización y fosilización.

Registro de performance del grupo Between Music durante el desfile Aeriform (2017), Fotografía: Morgan O'Donovan

Lo de Van Herpen es sin lugar a dudas un universo sintético de convergencia entre las fuerzas de la naturaleza y las presiones culturales, reorganizar y reordenar los códigos y órdenes sociales en un estilo donde crinoides y gorgueras puedan copular hasta dar vida a una intrincada mesoglea* artificial. Una simbiosis de alta tecnología y la artesanía de la alta costura, aparecen en bordados reinterpretando patrones micélicos.

En el desarrollo de apéndices tridimensionales, incluso revestidos en latex para imitar pieles de animales mitológicos, formas cócleas, y metales líquidos, los sujetos creados por Iris Van Herpen son cyborgs de cuerpos distantes. Los límites virtuales son evocados en una palpitante fascinación centrífuga, de donde se eyectan barreras sensoriales. Esta virtualidad funciona como un linde holográfico, mutable, tanto tecnológico como biológico: un límite que puede estar allí y ser un abrazo como un arma.

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*La mesoglea es el tejido principalmente acuoso que oficia de hidroesqueleto en animales del filo medusozoa (Medusas).

#iris van herpen #design #fashion #mode #adesk #gonzalopech #artcritic #art #art critique #art criticism #neederlands

[yoymialterego]

Cine al menguar la pandemia: Tori et Lokita

Es cierto que "Tori et Lokita" contiene el estilo afilado y las maneras tajantes habituales en las parábolas de resonancias sociales que suelen confeccionar los hermanos Dardenne, pero esta vez los directores belgas han dado un paso más allá asomándose sin mucho disimulo a la denuncia directa -digámoslo así- con una historia que, dados sus cánones y sus antecedentes, podría causar cierta perplejidad. El hecho es que los Dardenne no se limitan esta vez a simplemente ilustrar una crónica de implicaciones éticas que deje en nuestras conciencias el veredicto final, sino que toman partido y nos lo plantan en la cara. Aparte de eso, la película sigue teniendo su reconocida sobriedad, su fineza y sensibilidad, dentro de una solidez de acero.

Arman con libertad, eso sí, una cinta con más "argumento" que sus antecesoras. Hay misterio, thriller, el consabido drama, pero como siempre sucede, los hermanos no pierden el enfoque en lo humano, o más bien en lo terriblemente inhumana que puede llegar a ser la existencia para algunos. Sobre todo los inmigrantes. Sobre todo los indocumentados. Así es la vida para Tori (Pablo Schils) y Lokita (Joely Mbundu), un par de niños africanos (ella adolescente) llegados a Bélgica, que, como vemos en el principio, son utilizados como mulas. La fachada del narco-negocio para el que trabajan es un restaurante donde ellos mismos ayudan a animar el ambiente cantando con el karaoke. Lokita es asediada y extorsionada por prácticamente todo el mundo, desde su "pollero" o "coyote" hasta su propia madre, vía teléfono celular. Además de manera eventual es explotada sexualmente por el "cocinero" del restaurante a cambio de unos cuantos euros. La situación migrante de Lokita es diferente a la de Tori, así que las circunstancias cada vez más apremiantes le obligan a tomar un trabajo prácticamente de esclava... como sucede comúnmente con los inmigrantes ilegales.

El cariño y el mutuo apoyo entre Lokita y Tori es tan evidente que realmente parecen hermanos (en un sosegado duermevela, Lokita le canta una canción de cuna a Tori... ecos dulces pero ya muy lejanos de sus orígenes). Sin embargo en términos de política de inmigración el que parezcan hermanos no significa nada en absoluto si eso no queda legalmente comprobado. El drama toma fuerza a partir de ese precepto, y eleva su intensidad conforme crece y avanza en el tiempo. Los Dardenne han manufacturado en "Tori et Lokita" un filme poderoso en su sencillez, que por fortuna no se regodea en la infamia del desprotegido, sino que toma sentido a partir del desarrollo de una historia. Una historia que por cierto hace un reto abierto a la apatía general, pero que logra ser ilustrativa tanto como cuestionante, que ilumina lo mismo que es contundente dentro de su obscuro, deplorable, trágico proceso. Una película que duele, sí, pero que se torna absolutamente necesaria.

#Tori el Lokita #Jean-Pierre Dardenne #Luc Dardenne

[adipatadeperro-blog]

Un mali

Veo venir una moda por tener un perro Malinois por razones obvias y por eso este post

Ya sabemos que tener un perro es una responsabilidad enorme por los cuidados y atenciones que requieren cierto ? ...Bueno, tener un Mali es duplicar y hasta triplicar esas atenciones, ahora te explico.

Los perros Malinois no son perros comunes para personas comunes y nadie se ofenda por ser común, yo soy comùn y me dedico desde hace aaaaños a trabajar con y para perros y no tengo un Malinoa y por qué ? Por qué soy comùn y no necesito un perro de alto rendimiento y de trabajo con altos estándares al que no le voy a poder dar lo que requiere, ser común es que no soy militar y tampoco formó parte de un equipo táctico, por favor nadie se ofenda.

Si no eres militar o formas parte de un equipo táctico o eres educador/entrenador de perros de alto rendimiento NO TENGAS UN PERRO MALINOA, estos perros requieren de por lo menos 5 horas de trabajo D I A R I O (no del tipo te llevo al parque y te peloteo por horas,te arrastró en bici para que hagas ejercicio, lo que dicho sea de paso es pesimo para tu perro,asi que si lo haces detente! Ya te contare en otro momento por que no es bueno para tu perro) enigueis, como te decia, los perros Pastor Belga Malinois

NO SON PERROS DE COMPAÑIA; SON PERROS DE TRABAJO DE ALTO RENDIMIENTO , los Malinois son perros que adicional a el tiempo de trabajo que requieren , porqué debes saber que no hacen todas las maravillas que estamos acostumbrados a ver por si solos, es decir , que requieren a una persona capacitada, con mucha energía y de carácter adecuado para que logren todo su potencial, de no tener a esa persona capacitada si o si se vas a tener un perro con grandes problemas de conducta y enfermos de ansiedad ,que lejos de ser el perro que vimos en la película X va a ser todo lo contrario, hay otras razas si eres de l@s que solo ve la raza para tener un perr@ si ya estás en eso de tener un perro . Por cierto aquí va otra anotación que quiero dejar .

La desición de tener un perro no debe venir de un deseo de tener un perro, déjame explicarme .

En este tiempo de trabajo con perros(20 años) he visto dos tipos de personas que tienen un perro en su vida.

Las personas que tienen un perro por qué pensaron en darle un hogar y mejorar la vida de un ser sin importar si era de raza o no y lo integraron a su vida brindándole una familia como un miembro más

Y las personas que pensaron en tener un perro de raza por qué tener un perro era cool y lo que hicieron fue cubrir una necesidad personal sin pensar en brindarle una vida mejor al perro , que no necesariamente una vida mejor es darle alimento premium y una cama pachona en el patio, me explique? ... Espero si 🙏🏼

Bueno, si eres del primer grupo entenderás que tener un Malinois quizás no es la mejor idea aún cuando podrías darle esa familia y Cuidados que un Mali necesita ( hay sus honrosas excepciones , conozco a quien adoptó a un Mali que abandonaron justo por qué se les salió de las manos y los dejaron a su suerte y ellos SIN ser ni militares ni Tacticos ni educadores pudieron darle con mucho trabajo , trabajo del tipo no estoy acostumbrado a la disciplina que un Mali te exige y los vi casi dejarlos en otras manos por qué sintieron que no podian por lo demandante que es tener un Mali y otros que en el camino un Mali los metió tanto al terreno que se convirtieron en educadores caninos pues en esas malas conductas que sus perros presentaron se vieron en la necesidad de ser personas diferentes para poder proporcionar a su perro lo necesario, ufff, hasta la piel de gallina se me acaba de hacer ( perdón, me conmueve muchísimo ) de esos pocos , la mayoría abandona al perro a su suerte , no formes parte de ese grupo de personas por favor.

Razones para NO TENER UN MALI:

En resumen, si tu trabajo no te deja tiempo para darle tiempo de TRABAJO todos los días a un Mali , no tengas un Malinois

Si vives en un pequeño departamento y por tu trabajo no tendrá la compañía durante el día para darle supervisión , ejercicio , NO tengas un Mali

Si vives en una casota con un jardín enorme y él estará siempre ahí sin convivencia salvo esporádicamente o para cuando tú sientas la necesidad de tener un perro NO tengas un Mali

Si te dijeron que son excelentes guardianes y quieres uno para la casa de tu mamá que está sola o para que cuide a tus hijos y casa cuando no estás NO tengas un Mali ; pues si, no te han mentido, todos lo sabemos y hemos visto que tienen gran potencial para lo que sea que lo quieras pero qué crees, te tengo noticias, eso se da creando un vínculo y si no vas a trabajar con tu perro NO LO VAS A CREAR el vínculo no es darle de comer y ya.

Si es la primera vez que vas a tener un perro NO TENGAS UN MALINOIS

Razones para si tener un Mali

Cómo dije, tener un perro es tener una responsabilidad pero tener un Mali, tener un Mali es convertirse en una persona capacitada y comprometida en la formación de un perro que no necesariamente va a ser un perro de trabajo pero que si necesita trabajar

Si estás dispuesto a trabajar muy cabron con tu perro , no solo cuidando su aspecto físico, si no también sus emociones, que dicho sea de paso las emociones son la base de una conducta saludable ( saludable en términos de comportamiento) entonces si ten un Mali si no, mejor no tengas un Mali y si ya tienes un perro se el humano que tú perro necesita

Adriana SànchezTorres

Educador, Coach y Terapeuta holistico Humano-Animal

#perros amoamiperro adipatadeperro notengasperro educacioncanina miperro

[miguelmarias]

Les Rendez-vous d'Anna (Chantal Akerman, 1978)

Aunque casi nada de lo que pasa en Les Rendez-vous d'Anna (o, mejor, en Los encuentros de Anna, ya que se trata de rencontres al azar tanto como de citas o reuniones prefijadas), parece, durante el transcurso de la película, previsible, lo cierto es que, cuando acaba, deja una curiosa sensación de deja vu, de poco sorprendente, de «conocida», que tiende a hacer olvidar lo mucho que, a mi entender, tiene de apreciable. Para quien haya visto el primer largometraje de esta joven belga, el último es algo así como un remake, cuatro años después, más controlado y sutil quizá, pero también menos desesperado y original y, sobre todo, mucho menos impúdico, de Je tu il elle (1974), donde la propia directora encarnaba a la protagonista. Además, y aunque aquí sea el tren el único medio de transporte utilizado, Los encuentros de Anna puede tomarse por una versión femenina de ciertos filmes de Wim Wenders —Die Angst des Tormanns beim Elfmeter (1971), Alice in den Städten (Alicia en las ciudades, 1974), Falsche Bewegung (1975), Im Lauf der Zeit (En el curso del tiempo, 1976)—, con los que tiene en común hasta detalles tan insignificantes (pero llamativos) como la presencia de un televisor encendido y sin imagen; este parentesco invita a comparaciones que han de resultar desventajosas para Akerman.

Es probable que la autora de Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce - 1.080 Bruxelles (1975), suscriba las palabras de Wenders cuando dice: «En mi vida jamás he estado envuelto en historias con principio y final. He vivido situaciones, momentos, sentimientos, pero nunca tramas novelísticas. A mí lo que me interesan son las personas, sus relaciones, las reacciones ante determinadas situaciones. Nunca he creído que una película deba seguir una historia y ajustarse a una trama.» (En Dezine, núm. 5). Sin embargo, esta postura, en sí tan comprensible como razonable, encierra ciertos peligros que Wenders ha sabido eludir mejor que Akerman. En efecto, cuando se sustituye una historia por una mera trayectoria, la exención de desarrollar un argumento tiene por contrapartida la necesidad imperiosa de inventar varios, que el filme no narra, pero que nos cuentan los numerosos personajes secundarios que ocupan el hueco dejado en el filme por la ausencia de un protagonista fuerte de trama y de dramatismo. Del interés de tales personajes y de sus vidas o ilusiones, del acierto en la elección y dirección de los actores que, en muy poco tiempo, sin hacer otra cosa que hablar, tratarán de darles vida, depende, en última instancia, el éxito de este tipo de películas, que suelen ser episódicas, deshilvanadas y descentradas; el protagonista se reduce a cumplir una función de hilo conductor, de receptor —que mira o escucha, generalmente en silencio—, a menudo pasivo —pues se limita a desplazarse espacialmente durante un cierto tiempo, sin apenas desvelarse—, que actúa fundamentalmente como revelador de los demás (de ahí que, pese a ocupar el lugar del espectador del filme, éste tenga dificultades para identificarse con él, precisamente por ser un mero espectador). Todo ello hace que, salvo casos excepcionales —como Alicia en las ciudades y En el curso del tiempo, seguramente por ser dos los viajeros y establecerse entre ellos un cierto diálogo o contraste—, este tipo de películas sean irregular e intermitentemente apasionantes o indiferentes, en función de lo que a cada cual puedan importarle los seres que los protagonistas —siempre de paso y reacios a comprometerse— encuentren en su camino (y lo que cuentan).

Personalmente, entre las personas que Anna conoce o vuelve a ver durante su recorrido Essen-Colonia-Bruselas-París, por ferrocarril, encuentros patéticos y conmovedores a los solitarios —uno, estático y abandonado; otro, condenado a errar en busca de la felicidad— interpretados, respectivamente, por Helmut Griem y Hanss Zischler —el «kamikaze» de En el curso del tiempo—, cuyos monólogos —en inseguro francés con acento alemán— me parecen lo mejor de la película; en cambio, no consigo interesarme por la gente que Anna conocía ya (Magali Noel, Lea Massari y Jean-Pierre Cassel). De la protagonista, cineasta de veintiocho años, que es, sin duda, el álter ego de Chantal Anne Akerman, no se llega a saber gran cosa, aunque inspire cierta curiosidad: sólo cuenta una historia, frente a las cinco que escucha atentamente, con paciencia, pero sin opinar ni responder otra cosa que «Sí» o «Ah, bueno», siempre a una distancia segura, defensiva, casi indiferente; sólo la agradable o inteligentemente discreta interpretación de Aurore Clément —sobre todo, cuando sonríe tímida y misteriosamente, o cuando canta a palo seco una larga canción para Cassel—, impide que su personaje parezca excesivamente frío, apático e insensible, lo que dado a que se nos obliga a acompañarla durante más de dos horas, hubiese hundido la película.

Un segundo problema que plantea la road movie europea —aunque aquí sea ferrocarril, y no carretera, la estructura es la misma— es el del empleo del tiempo. Al no haber mucho que narrar y carecer de impulso dramático, se da en este género una propensión al derroche de metraje que pocas veces beneficia al filme —tal vez sólo En el curso del tiempo, porque su paso es parte del tema, porque una vez superadas las dos horas y media se sitúa uno en otras perspectivas, y porque Wenders supo modular el ritmo cuidadosamente, justifique su duración, aunque podía haber sido menor o todavía mayor— y que se dedica a la descripción, a veces morosa, del ambiente. Al que le guste viajar en tren, asomado a la ventanilla y ver desfilar el paisaje nocturno, las ciudades dormidas y distantes, las estaciones desiertas y llamativa e irregularmente iluminadas, y no rehúya la conversación con desconocidos y tenga tendencia a que la gente le haga confidencias, le será fácil aguantar sin impaciencia los tiempos de espera, comprenderá el tenue feeling de esta película privada y poco llamativa; el que nunca  haya pasado media hora contemplando simplemente la noche, y prefiera viajar dormido, se verá tentado a hacer precisamente esto último durante buena parte del recorrido que Chantal Akerman, por mediación de la encantadora Aurore Clément, nos propone sin insistencia.

Miguel Marías

Revista “Casablanca” nº 1 (enero de 1981)

#miguel marías #chantal akerman #les rendez-vous d'anna #casablanca

[tengomilpalabrasparati]

El 6 de noviembre se celebra el Día Mundial del Saxofón, una fecha emblemática para celebrar el natalicio del creador del saxofón Adolphe Sax, un músico y fabricante de instrumentos belga que, gracias al saxofón, popularizó uno de los movimientos musicales más difundidos en todo el mundo como lo es el jazz.

¿Quién fue Adolphe Sax?

Adolphe Sax fue un músico y fabricante de instrumentos musicales de origen belga, que con los años se dio a conocer por fabricar distintos instrumentos de viento. Fue con la invención del saxofón, cuando su fama y prestigio aumentó, ya que este instrumento empezó a ser utilizado por las grandes orquestas militares de la época y también en la ópera.

Sin embargo, tuvo que transcurrir mucho tiempo para que el saxofón fuera empleado en las grandes orquestas sinfónicas y por los grandes músicos como Maurice, Ravel, George Bizet, Richard Strauss, entre otros.

Pero su consolidación como instrumento musical, llega a partir del nacimiento del jazz, lo cual se ha mantenido vigente hasta nuestros días y esto se debe a que posee muchas posibilidades técnicas. Se cree que este gran invento de Sax, estuvo inspirado en el conocimiento que él tenía sobre el clarinete, y en la idea de querer combinar el sonido acústico que produce un instrumento de madera con uno que estuviese construido de metal.

El saxofón y su gran aporte al mundo del jazz

No cabe ninguna duda que el saxofón se ha convertido con el paso de los años en un instrumento musical que combina a la perfección la fuerza de la trompeta y la agilidad que posee el clarinete. Esta perfecta simbiosis es la que ha permitido que este mágico instrumento sea el más idóneo para el movimiento musical conocido como jazz.

En la actualidad, podemos ver con beneplácito como el saxofón también es utilizado para tocar cualquier clase de música, como por ejemplo el blues, el soul e inclusive el rock and roll. Pero la cosa no queda allí, la belleza armónica de este instrumento se extrapola a su apariencia visual, convirtiéndolo en un verdadero ícono para las marcas publicitarias, los artistas plásticos y los diseñadores gráficos, que marcaron una época.

Los más grandes saxofonistas de la historia

El jazz es un género musical mundialmente conocido, donde el instrumento principal que le da vida y belleza, es el saxofón. Sin embargo, no podemos dejar de mencionar al artista, que, con sus manos, es capaz de entonar las más suaves y dulces notas hasta embriagar a los que disfrutan escuchar del jazz.

Por esta razón, aquí te dejamos una lista de los más grandes saxofonistas que han ganado fama y se han convertido en verdaderas leyendas en todo el mundo y han hecho historia. Entre ellos están:

Charlie Rouse: Nacido en Estados Unidos en el año 1924, fue un gran saxofonista, pero también tocaba la flauta a la perfección. Se caracterizaba por tocar el hard bop, por ello, fue muy reconocido y aclamado en su país.

Pharoah Sanders: Saxofonista norteamericano, que nació en el año 1940 y que se dedicó desde muy joven al mundo de la música. Tocaba varios instrumentos musicales, entre ellos, el saxofón.

John Coltrane: Está considerado como uno de los más grandes saxofonistas del siglo XX. Manejaba distintos estilos como el free jazz, el jazz modal y el hard bop. Tuvo mucha fama y reconocimiento internacional.

Mindi Abair: Es una famosa compositora de jazz y rock, nacida en el año 1991 en Estados Unidos. Es mundialmente conocida y ha tenido la oportunidad de tocar con bandas aclamadas en todo el mundo.

Candy Dulfer: De origen holandés, se inició en el mundo del jazz desde muy temprana edad. Con una fuerte influencia del llamado jazz-pop, el hip-hop y el funk, ha logrado alcanzar un estilo propio. Hoy tiene su propia banda musical, dando conciertos en distintos países y ha alcanzado un rotundo éxito en ventas con su álbum "Saxuality".

Algunas películas que te harán entender y amar el jazz

El jazz, al igual que muchos estilos musicales sigue imponiéndose a pesar de los años. Esto se debe a que este género musical no deja de tener un matiz hasta cierto punto melancólico y romántico, que cautiva a más de uno.

A través de la historia, hemos conocido a grandes intérpretes del jazz, que sin lugar a dudas han dejado un gran legado y que, por esta razón, el mundo del cine y del entretenimiento han querido rendirles un homenaje, llevando a la gran pantalla parte de su vida y obra musical.

A continuación, te dejamos algunas de ellas para que puedas conocer un poco más de estas fascinantes estrellas del jazz.

Ray (2004): La película narra la vida de uno de los más grandes artistas del Jazz y el Soul, como fue Ray Charles. Con una discapacidad física, como fue la ceguera, logró ser un verdadero genio, reconocido a nivel mundial, donde le fueron otorgados premios y galardones a lo largo de su carrera.

Born to be blue (2015): Película biográfica de Chet Baker, quien fuera considerado uno de los más grandes trompetistas norteamericanos de todos los tiempos. Un gran músico, que fue víctima de sus adicciones y que finalmente sucumbió debido a los excesos, las drogas y una vida desenfrenada.

Amy (2015): Un documental que narra la vida de la joven promesa musical Amy Winehouse, que cantaba y componía sus propias canciones de jazz y blues. Murió a la temprana edad de 27 años, debido a una sobredosis. En vida recibió muchos premios y reconocimientos por su gran talento y estilo personal.

¿Cómo celebrar el Día Mundial del Saxofón?

Para celebrar el Día Mundial del Saxofón, sólo bastará con que conozcas y escuches la melodiosa armonía y belleza que sale de este reconocido instrumento musical, que ha sido una verdadera inspiración para componer grandes temas musicales, sobre todo del jazz y el blues.

Sí quieres disfrutar de buena música, entonces no te pierdas la oportunidad de conocer uno de los más populares géneros musicales de todos los tiempos, que, acompañados con el saxofón, le atribuyen estilo, belleza y vida. Además, puedes compartir a través de las redes sociales algún video o información valiosa sobre este interesante tema y no te olvides de incluir el hashtag #DíaMundialdelSaxofón.

#6 de noviembre se celebra el Día Mundial del Saxofón

[ultimaepopeya]

Verónica Bergman

Resumen

— Tapadera: Verónica Bergman, alias Goldfinger, 34 años

 — Identidad: Narcisa Therapolidis, 26 siglos

 — Pseudologo (personificación de la mentira).

 — Perfecta ejecución y detección de su elemento. Regencia del Tártaro por designación de Hades.

 — Filiación: Triunvirato

 — Papel: Manipulación de la actualidad mediante el terrorismo mutante de cara a incrementar la tensión política que favorece a los intereses hegemónicos del Triunvirato.

 I. Pseudologos

En la mitología griega existen figuras referidas como encarnaciones. Situadas en un escalafón superior a los daimones (criaturas que dependen íntegramente de la voluntad del dios al que sirven) e inferior a las deidades menores (seres semejantes a los mutantes contemporáneos, que por servir a la deidad que albergaba sus dones veían sus poderes acentuados), las encarnaciones, como su nombre indica, son entidades abstractas que toman una forma humana, la cual se ve poseída por el efecto de dicha abstracción al mismo tiempo que participa de ella en sus manifestaciones. En el caso de los pseudologos, el principio al que dan forma es la mentira.

 El pseudologo representa, en su encarnación, las mentiras y las falsedades que las personas adoptan en sus roles o identidades sociales. Como tal, es capaz de detectar y desempeñar la mentira, teniendo facilidad para ver más allá del rol social que cada quién ejecuta. Sin embargo, el pseudologo es preso de su propia condición; incapaz de revelar su verdadera persona, es como un actor que interpreta de constante un personaje en la vida real, algo que, con el tiempo, tiende a causar desequilibrios mentales, siendo los más frecuentes el narcisismo y la mitomanía.

 Su naturaleza dificulta el dañarles, ya que siempre están ocultos bajo una máscara con la que no se identifican. Asimismo, el mayor peligro que afrontan estos seres es la pérdida del verdadero yo. Sometidos a una manipulación excepcionalmente hábil, pueden desprenderse de su propia realidad y tomar por cierto el relato al que son expuestos.

 Tras esta introducción a la naturaleza fundamental del personaje, la narradora deja al juicio del lector y al transcurso de la historia el determinar qué es cierto y qué es falso. La posterior descripción de las distintas capas que componen su personalidad en la actualidad será hecha desde la óptica, los conocimientos y las creencias que ella mantiene a tiempo presente (febrero, 2021).

 II. Narcisa Therapolidis

Nace en la isla de Thera, actual Santorini, en el archipiélago de las Cícladas, en el Egeo. Hija de Morfeo y de Afrodita, su infancia y su juventud se vio profundamente afectada por la guerra divina que, posteriormente, se manifestaría en la política de los hombres y que actualmente conocemos como la Guerra del Peloponeso (431 a.C.- 404 a.C.). Despreciada por su madre, maltratada por su padre y manipulada por Ares, el único dios al que entregó su amor y devoción, se convirtió en una criatura desconfiada y henchida de rencor.

 Resultado de tan trágica juventud, creció en ella un odio desmedido hacia su panteón natal. Producto de este sentimiento y del anhelo de venganza y liberación, fueron sus actos los que precipitaron la caída del Olimpo y, con este, de la civilización griega. Presa del estigma que supuso el tener las manos manchadas de la sangre de sus contemporáneos y diana del resentimiento de sus semejantes, se vio condenada al ostracismo, apartada del nuevo panteón que floreció en Roma. Así, durante su primera etapa de independencia, vivió modestamente, escondida y manteniendo su naturaleza divina en secreto, consciente de que no eran pocos ni despreciable el poder de quienes pedían su cabeza.

 Habiendo conseguido pasar desapercibida durante siglos, la suerte determina que resulte capturada por el ejército romano en la región belga del río Mosa a mediados del siglo I a.C., durante las expediciones punitivas. Hades, que por entonces había tomado la identidad de Cayo Julio César, no tarda en reconocerla y someterla a un castigo proporcional a sus crímenes que, siguiendo con la sentencia, habría de acabar con la ejecución de la traidora ante el panteón a su regreso a Roma. Sin embargo, el complicado clima político que devino en la segunda guerra civil de la República romana no solo retrasó dicho regreso, sino que la identidad tras Pompeyo Magno, líder opositor del César, avivó los rencores de Narcisa. La determinación de aquella criatura maltrecha a participar en la desgracia de su rival político sumada a su habilidad para la estrategia despertó la simpatía de Hades, que dispuso la anulación de su castigo a cambio de lealtad hacia él y sus cómplices divinos, que desde este entonces se conocerán bajo el nombre del Triunvirato.

 A partir de este momento Narcisa viviría bajo la protección de Hades, posicionándose en las sombras como el minion más letal del Triunvirato. Junto a ellos ostentó diferentes cargos de poder, siendo el más significativo su participación en la historia como Teodora de Bizancio. Su deserción en el siglo VII d.C. pondría su fidelidad en entredicho hasta que, a principios del siglo XX, esta se consolidó con mayor fuerza que nunca al ser nombrada por el dios ctónico como regenta del Tártaro.

 Las gracias y desgracias vividas por una criatura tan voluble como ella pusieron en jaque su integridad mental. Perseguida y avasallada durante la mayor parte de su existencia, atesoró los pocos momentos cándidos que vivió en sus años de juventud junto a Ares como muestra de su verdadero ser, motivo por el cual Narcisa presenta, en las ínfimas ocasiones que es forzada a revelarse como ella misma, una apariencia más juvenil que la que acostumbra a lucir de cara al público.

III. Tártaro

Como personificación de la mentira, Narcisa siempre tuvo unas capacidades modestas en contraste a sus semejantes en lo que a poder se refiere. Esto cambia radicalmente cuando, en la primera mitad del siglo XX, Hades le da la regencia del Tártaro.

 El Tártaro es descrito con frecuencia como un abismo sin fin, como una enorme fosa que conforma región más cruenta y árida del Hades a la cual son llevados los pecadores para recibir su castigo. Esta región es también la prisión de incontables monstruos y criaturas míticas que fueron derrotadas y desterradas por los dioses a lo largo de la historia. Fue el caso de los cíclopes y los centímanos, posteriormente de los titanes y de otras bestias, como Tifón.

Si bien son narrados los tormentos específicos a los que fueron sometidos algunos pecadores como Tántalo o Sísifo, menos conocido es el castigo común a todas las almas que allí son condenadas: mientras se ven acosadas constantemente por sus peores recuerdos se ven forzadas a vagar por el frío y yermo paraje sin más alimento que las almas de sus semejantes, sustento por el que deben competir con el resto de criaturas que pueblan este lugar terrible.

En su extensión destaca una única construcción: el Palacio de Hueso, tallado sobre los restos del titán Atlas, cuya estructura aún separa el Hades del Érebo. En este lugar, además de las estancias reales y el salón del trono, se encuentran los calabozos, lugar al que son trasladadas las almas de aquellos que son condenados a un castigo específico.

Un último detalle a tener en cuenta es que en esta región solo funciona la magia de los titanes. Encadenados y condenados a servir, estos poderes quedan a disposición de Hades, así como del regente de este lugar. No obstante, es tanta su magnitud y tanto el poder que se requiere para su correcto control que solo Hades es capaz de aprovechar el máximo de su potencial, y no sin esfuerzo. Por su parte, Verónica solo es capaz de canalizar una modesta parte de este poder, la cual está aprovechando en el presente para justificar su condición de mutante mediante la aplicación del toque áureo de Febe.

IV. Identidad actual

Verónica Bergman, hoy más conocida como la señorita Goldfinger, es, probablemente, la criminal más mediática de toda América. 

Dos años atrás, su nombre saltó a los titulares por un caso de timo y estafa. Su caso fue sonado y obtuvo gran repercusión ya que en el transcurso del juicio hubo una avalancha de titulares amarillistas que giraban en torno a su relación con el Secretario del Tesoro y Arthur Lensherr, el por entonces líder de la agrupación terrorista mutante conocida como Hellfire Club. Dos versiones se hicieron eco: mientras que los medios afines al gobierno la presentaron como una estafadora pro mutantes que financiaba con los frutos de su fraude los ardides del Hellfire, los medios de la oposición narraron la historia de una joven víctima extorsionada por el ministro de economía americano, cuya caída en desgracia se debería a su negativa para con los mandatos del susodicho. Independientemente de qué versión fuera veraz, Bergman perdió los papeles durante el último tramo del juicio, como atestiguó la agresión casi letal que sufrió una periodista que se acercó demasiado a la acusada. Con motivo de ello, fue condenada a ingresar hasta su recuperación en el psiquiátrico Arkham.

Cuando un año después Bergman se dio a la fuga, no tardó en dar a conocer su condición de mutante por mediación de las redes, donde comenzó a publicar sus fechorías; le costó un pulso sangriento con Google y Facebook, puesto que sus perfiles eran borrados sistemáticamente, pero consiguió salirse con la suya so amenaza de seguir forzando a los altos cargos a asistir al funeral de sus seres queridos. Por descontado, los medios tradicionales también se hicieron eco de sus andadas. Conseguir semejante atención no podía hacer más feliz a la frívola dama, que adoptó desde entonces el seudónimo de Goldfinger.

V. Bando y papel que desempeña

Desde que fue capturada a mediados del siglo I a.C., Narcisa ha sido uno de los peones habituales del Triunvirato, esto es, el grupo con fines hegemónicos formado por la coalición entre Atenea, Hades y Hermes. Más concretamente, ella es el minion personal de Hades.

En su caso, ha desempeñado varios tipos de funciones distintas dependiendo de las necesidades históricas del grupo. Su habilidad como estratega la llegó a poner al frente de imperios, como fue el caso de su reinado como Teodora de Bizancio. No obstante, la mayoría de las veces el Triunvirato se ha servido de su capacidad teatral para usarla como espía, asesina y, sobre todo, como influyente. Este es el rol que desempeña en la actualidad, pues mediante la representación del papel de Goldfinger busca crear el clima político conveniente a los intereses del clan.

Más:

— Instragram

— Ask

— Mail: [email protected]

— Avatares: Amber Heard y Freya Allan

— Tramas (material/inspiración): Mitología grecorromana; Más allá del muro (Tártaro); Caminantes blancos e Hijos del bosque (titanes y titánides).

— Personajes históricos utilizados: Simonetta Cattaneo y Teodora de Bizancio.

#VerónicaBergman #Triunvirato

[cuadernodeliteratura]

«VII», Patrick Modiano

Sí, en ese cine pequeño del barrio de Les Ternes ponían de complemento Captain Van Mers du Sud.

Un sábado de agosto por la noche, en París. Después de la película principal, la mayoría de los espectadores se fue y solo quedaron en la sala alrededor de diez personas. Cuando se apagaron las luces, noté una contracción en pleno pecho.

Los créditos aparecían con un artificio antiguo: las páginas de una agenda que van pasando muy despacio al compás de una música suave. Las letras eran de un tono pardo y de forma alargada. El nombre de Bella aparecía antes que el de Bruce Tellegen aunque fuesen protagonistas de la película a partes iguales. Mi nombre venía a continuación del nombre del cámara y con la siguiente indicación: «adaptación» y «diálogos de…». Por fin, en la última hoja, estallaba en caracteres góticos y rojos: CAPTAIN VAN MERS DU SUD.

Un yate de buenas dimensiones navega hacia una isla que no es aún, en el horizonte, sino una manchita verde. Y vemos a Bella, de pie en la proa, con la melena flotando al viento. El color esmeralda del mar y el azul del cielo se pasan un poco de chillones y se matan entre sí. Tuvimos muchos problemas con el color. Tampoco el sonido estuvo nunca como tenía que estar. Ni la interpretación, por cierto. Y la historia no es que fuera muy interesante. Pero esa noche, en esa sala casi vacía, al asistir a la proyección de Captain Van Mers du Sud…

Siete años antes, un productor llamado Yvon Stocklin me llamó por teléfono a una hora muy avanzada para rogarme que pasase por su casa al día siguiente. Íbamos a hablar de un «proyecto». Yo no conocía al Stocklin aquel y me he preguntado con frecuencia por qué azar se había enterado él de mi existencia.

Me recibió en un piso de la avenida de Iéna sin ningún mueble. Lo fui siguiendo por la hilera de habitaciones vacías y llegamos a un salón donde había dos sillas de camping. Nos sentamos frente por frente. Se sacó una pipa del bolsillo, la llenó concienzudamente, la encendió, dio una chupada y no se la quitó de entre los dientes. Yo no podía apartar la vista de esa pipa porque era lo único estable y tranquilizador en el vacío y la desolación de aquel decorado. Más adelante supe que Yvon Stocklin se pasaba noches enteras sentado en la cama, fumando en pipa. Era su forma personal de luchar contra el carácter fluctuante y quimérico de su oficio de productor. Toda una vida malgastada como el viento… Cuando fumaba en pipa tenía por fin la sensación de ser un hombre de peso, una «roca» y —como decía él— de «juntar sus pedazos».

Esa noche me expuso sin más demora su «idea».

Quería encargarme la adaptación al cine de una novela y, mejor que dirigirse a uno de esos guionistas profesionales «de tanto lustre» con los que había trabajado muchas veces —me citó dos o tres nombres que luego han caído en el olvido—, prefería dar carta blanca a un «joven» y, a mayor abundamiento, a un «escritor». Se trataba de un libro «estupendo» cuyos derechos acababa de conseguir: Capitaine des Mers du Sud. Pero, al tratarse de una coproducción con mayoría anglo-holandesa, la película iba a llamarse Captain Van Mers du Sud. ¿Aceptaba la «fórmula»? Con él había que decidirse muy deprisa y «a ojos cerrados». Y nunca se arrepentía uno. ¿Sí o no?

Bueno, pues «sí».

En tal caso, el señor Georges Rollner, el director, nos estaba esperando para cenar en Le Pré-Catelan.

La orquesta tocaba valses y Rollner nos hablaba con locuacidad. Le repetía a Stocklin que era una buena idea haber recurrido a un «joven» como yo. Los dos habían cumplido los cincuenta. Supe, más adelante, que Stocklin había empezado con Pathé-Natan. El apellido de Rollner me sonaba. Había tenido éxitos comerciales en los años cincuenta, sobre todo con una película muy conmovedora sobre la vida de los cirujanos. Poco a poco había llegado a la dirección tras haber desempeñado las actividades de director de plató, de asistente y de director de producción. Stocklin daba una impresión de solidez, completamente ilusoria, con aquella cara de braquicéfalo, aquel cutis rojo y aquellos ojos azules (aseguraba que era oriundo de Saboya), pero, en cambio, de los ojos negros de Rollner, de su silueta y de su sonrisa brotaba un encanto frágil. Cuando estaba acabando la cena, pregunté, pese a todo, por la «novela».

Rollner se sacó en el acto del bolsillo de la chaqueta un libro de un formato diminuto. Me lo alargó. La novela era de 1907 y la había editado Édouard Guillaume en su colección popular «Lotus Alba».

—Pongo en sus manos Capitaine des Mers du Sud —me dijo, sonriente—. Y espero que hagamos juntos un buen trabajo.

Al día siguiente firmé el contrato en casa de Stocklin y en presencia de Rollner. Me pagaban a tocateja seiscientos mil francos antiguos, mi nombre aparecería en el cartel y los paneles publicitarios y tenía unos derechos de un dos por ciento de los «beneficios netos de la producción». Stocklin decidió que me fuera al día siguiente con Rollner a Port-Cros, donde se iba a rodar la película. Allí escribiríamos el guión que había que «liquidar» lo antes posible. Las tomas empezarían al mes siguiente. El equipo técnico ya estaba listo. Todavía no habían terminado el reparto de papeles, pero solo era cuestión de días.

En Port-Cros, Rollner y yo nos acomodamos en un hotelito al fondo de una bahía. Me propuso trabajar conmigo una semana. Me dejaba «total libertad» y me aconsejó que escribiese directamente una «continuidad dialogada».

El libro era de un formato tan exiguo y los caracteres de imprenta tan microscópicos que tuve que rendirme a la evidencia: no conseguiría leer Capitaine des Mers du Sud sin una lupa. En el hotel no había lupas. Alquilamos una motora y fuimos hasta Giens. Tampoco allí encontramos ninguna. A Rollner parecía divertirle. No veía inconveniente en que siguiéramos buscando hasta Tolón, pero un óptico de Hyères me proporcionó un cristal de aumento.

Me levantaba entrada la mañana y trabajaba por la tarde. Se trataba de una historia de corsarios que transcurría en el siglo pasado, pero Rollner quería que la trasladásemos a nuestros días. Para relajarme, me reunía con él en una calita que había descubierto. Se zambullía continuamente desde una roca en forma de pirámide. E incluso hacía el salto del ángel con mucho arte. Los saltos de trampolín habían tenido siempre para él mucha importancia y un poder terapéutico. Era la mejor forma —me explicaba— de «recargar las baterías».

Yo acababa por pensar que estábamos de vacaciones los dos, como dos viejos amigos. Aquel mes de junio hacía un tiempo radiante; todavía no había turistas. Cenábamos en la terraza del hotel, frente a la bahía. Rollner me contaba su paso por la RAF durante la guerra, el acontecimiento más importante de su vida. Se había alistado porque quería probarse a sí mismo y a los demás que «era posible ser judío y un as de la aviación». Y lo había sido.

Concluí en quince días la «adaptación» de Capitaine des Mers du Sud. Confieso que las treinta últimas páginas fueron una chapuza. Cuando Rollner me pidió que le leyera el texto me entró una gran aprensión. Como nunca había hecho un trabajo así, temía sobre todo que la «división en secuencias» que había hecho no le gustase. (En realidad, me había atenido escrupulosamente al orden del libro, párrafo a párrafo). Según iba leyendo, la atención de Rollner se iba relajando. Estaba pensando en otra cosa. Cuando acabé, me dio la enhorabuena: «Tiene mucha vida y está muy bien enjaretado», me dijo con voz afectuosa. Luego, tras titubear un instante:

—¿No podría añadir una frase en alguna parte de los diálogos?

—Claro que sí —me apresuré a decir.

—Es la siguiente… En un momento dado, el individuo ese podría decir: «Ya ven: se puede ser judío y un as de la aviación».

Aunque el comentario no tuviera nada que ver con la historia, pese a todo conseguí encajarlo en boca del protagonista.

Rollner tenía mucho empeño en ello. Era, por lo demás, lo único que le interesaba, porque la perspectiva de rodar una película estaba claro que lo sumía en un estado de profundo letargo.

Los técnicos —un equipo muy reducido— llegaron un domingo por la noche, cargados con todo el material. El yate en que se iban a rodar las primeras escenas estaba anclado en el puerto. La productora se lo había alquilado a un barón belga. Los actores que interpretaban los papeles secundarios (tres mujeres y dos hombres) llegaron a la isla el martes siguiente.

Estábamos esperando a los dos protagonistas, Bella F. y Bruce Tellegen.

A media tarde, una motora grande se detuvo ante el pontón del hotel. Salieron dos hombres que llevaban una camilla mientras otro subía al muelle muchas maletas de cuero leonado. Rollner y yo estábamos sentados en la terraza del hotel y me parece incluso que estaban con nosotros el cámara y la script. Los hombres se acercaron. Reconocimos en el acto al que llevaban en la camilla: Bruce Tellegen. Rollner se levantó y lo saludó con la mano. Tellegen llevaba barba de tres días y el sudor le chorreaba por la cara. Tiritaba de fiebre. Cuando vio a Rollner le dijo con voz agonizante:

—Georges Rollner, I presume?

Pero ya se lo estaban llevando los dos hombres a su habitación. Se quedó acostado y Rollner me explicó que Tellegen padecía las secuelas de una antigua malaria y que era algo que podía suponer un riesgo para la película. Pero le quería y apreciaba, y a él le traía sin cuidado que esa «porquería» de aseguradoras se negaran desde entonces a «cubrir» a Tellegen.

Entretanto, Bella F. había llegado también.

Las primeras tomas se hacían a bordo del yate y, como Tellegen no aparecía en esas escenas, Rollner empezó a rodar. Lo hacía con muy poco entusiasmo y yo sospechaba que tenía la esperanza de que se prolongase la enfermedad de Tellegen para tener un pretexto e interrumpir la película.

Me rogó que me quedase en Port-Cros durante el rodaje, explicándome que a lo mejor había que modificar el guión, pero este siguió hasta el final tal y como yo lo había escrito.

Bruce Tellegen, nuestro protagonista, había sido veinte años atrás uno de los actores jóvenes más notables de Hollywood. Destacaba en las películas de aventuras y de capa y espada, encarnando a Lagardère, a Quentin Durward o a la Pimpinela Escarlata con fogosidad y encanto tales que le valieron enseguida una gran popularidad. Luego interpretó papeles diferentes: misionero, explorador, navegante solitario. Siempre se presentaba con los rasgos de un héroe de inmaculada pureza a quien la vida mancillaba y que se desesperaba con la maldad de los hombres. El público se emocionaba ante aquel personaje angelical y misterioso que luchaba contra el mal, sin éxito muchas veces e incluso con cierto masoquismo, puesto que en todas sus películas había siempre una escena en que torturaban salvajemente a Tellegen… Decían que esas escenas le gustaban. De película en película, fue perdiendo algo de su magnetismo. La bebida tenía mucho que ver, pero también la edad, pues, rondando ya los cuarenta, no podía seguir interpretando papeles que exigían una forma física excepcional. Y, además, una mañana se despertó con el pelo blanco.

Bella —voy a llamarla por el nombre— me llevaba unos quince años y tenía a la espalda una carrera larga ya. Había sido, a los diecisiete años, el prototipo de esas aspirantes a estrellas que posaban ante los fotógrafos durante el Festival de Cannes. Luego tuvo algunos éxitos. Como bailaba muy bien y hablaba con fluidez el inglés la contrataron para interpretar en Norteamérica papelitos en comedias musicales. Al regresar a Francia con la aureola de su estancia en Hollywood protagonizó varias películas que realizaban honrados fabricantes a principios de la década de los cincuenta. Al público le gustaba bastante. Pero pasaron diez años.

Era una morena diminuta de ojos verdes, pómulos anchos, nariz respingona y frente testaruda.

Tellegen se levantó de la cama al cabo de una semana, pero había adelgazado dos kilos y andaba con paso prudente y, con frecuencia, con ayuda de un bastón. Rollner le hizo rodar primero las escenas en exteriores.

Apenas asistí a las tomas porque me levantaba demasiado tarde. Rollner tenía reputación de lento y minucioso. Dudaba mucho rato entre dos planos y eso le suponía terribles casos de conciencia. El ingeniero de sonido, que ya había trabajado con él, me explicó que en el montaje sufría aún más: lo había visto en circunstancias así al borde del suicidio, y no estaba empleando la palabra a la ligera. Sin embargo, pasados unos días, Captain Van Mers du Sud tuvo en Rollner un efecto desacostumbrado. Se amodorraba, a lo que decían, entre toma y toma. E incluso una vez llegó a quedarse dormido.

Cierto es que la intriga no destacaba por su abrumadora originalidad. Bella, en la proa del barco, no aparta la vista de la isla en que van a atracar ella y sus cinco amigos, jóvenes, ricos y ociosos, que están haciendo un crucero. No tienen moralidad alguna y «el ambiente más depravado reina a bordo del yate». En la isla, se encontrarán con el «Capitán de los Mares del Sur», un exmarino mercante que lleva retirado allí más de veinte años. Un hombre puro a quien Tellegen presta su rostro de antiguo protagonista joven. Bella se va a enamorar de él pese a la diferencia de edad y a abandonar a sus amigos para vivir con el «Capitán» en la soledad de esa isla de vegetación tupida.

Tellegen y Bella eran una pareja peculiar; él de estatura gigantesca y ella tan menuda que hubiérase dicho que eran el padre y su hija pequeña. Me acuerdo de una tarde en que asistí al rodaje de una escena. Bella y Tellegen dan su primer paseo por el corazón de la isla. El Capitán de los Mares del Sur le dice:

—Con usted tengo la impresión de haber recuperado la juventud…

Y ella contesta:

—¿Por qué dice eso? Es usted joven…

Hacía mucho calor y Tellegen tenía la camisa empapada de sudor. Se la cambiaba cada diez minutos. Se desplomaba en el sillón plegable y había que retocarle el maquillaje. Bella tampoco soportaba el sol. Estaba de bastante mal humor. Rollner, con su eterno anorak azul marino, intentaba bromear con ellos mientras les daba indicaciones. En las pausas, Tellegen se aflojaba el corsé de cuero. Se lo ponía cuando las escenas le exigían quedarse de pie mucho rato, pues, efectivamente, le costaba estar derecho.

Volvimos al hotel al crepúsculo. Había que andar alrededor de un cuarto de hora y los técnicos fueron delante. Nos quedamos solos Bella, Rollner, Tellegen y yo. Antes de echar a andar, Tellegen nos alargó a todos, por turno, la botella de vodka de la que nunca se separaba y nos conminó a echar un buen trago. Nos daría ánimos.

Rollner abría la marcha y sostenía a Tellegen, quien apoyaba la palma de la mano en el hombro derecho de Georges y se ayudaba con el bastón. Bella y yo íbamos detrás, a unos metros de distancia. Se había cogido de mi brazo. Había un precioso claro de luna y, a trechos, los helechos tapaban el camino, así que nos costaba dar con su trazado. El aroma de los pinos y de los eucaliptos adensaba el aire y en la actualidad aún me evocan esos perfumes nuestra caminata nocturna. El roce de nuestros pasos alteraba un silencio cada vez más hondo y, al final, Bella me apoyaba la cabeza en el hombro. Al cabo de un rato, Tellegen dio muestras de cansancio.

Cojeaba, tropezaba y se agarraba in extremis al brazo de Rollner. Se detuvo de pronto. Allí estaba, ante nosotros con la cara sudorosa y la mirada ausente y nos indicaba por señas que siguiéramos andando. A la luz de la luna parecía haber envejecido otros diez años.

Rollner y yo acabamos por llevarlo a rastras al hotel. Daba diente con diente. Era el mismo hombre a quien yo había visto en el cine de pequeño, tan esbelto y tan saltarín, en La pimpinela escarlata.

Nos juntábamos los cuatro en la misma mesa del comedor del hotel. Bella había rodado ya una película con Rollner e intercambiaban recuerdos comunes.

Después de cenar, Bella, Rollner, el ingeniero de sonido y el cámara iniciaban una partida de póquer. Yo me quedaba a solas con Tellegen, que hablaba un francés muy aceptable. Me hacía confidencias. A él también le habría gustado ser escritor. Había empezado a escribir sus recuerdos de juventud, aquellos tiempos en que llevaba una vida aventurera en África y en Nueva Guinea y navegaba en un barco pequeño, el Tasmanian. Pero «no tenía ni puta idea de qué hacer con una pluma». Filosofaba con frecuencia. Me decía que en la vida no hay que hacer caso nunca de los consejos de los demás. Y que es muy difícil vivir con una mujer. Y que la juventud, la fama y la salud duran lo que duran, que él estaba en buena situación para saberlo. Y me contaba otras reflexiones que no recuerdo ya.

Creo que me tenía mucho afecto. Éramos de la misma estatura, un metro noventa y cuatro él y un metro noventa y ocho yo. Todas las noches lo llevaba a su habitación sujetándolo del brazo por culpa del vodka que se había tomado. Me decía siempre:

—Thank you, my son… —antes de quedarse dormido como un leño.

En cuanto a Bella, me pidió que le prestase dinero porque acababa de perder una cantidad elevada al póquer. Me quedaban cuatrocientos mil francos de los seiscientos mil francos antiguos que me habían pagado por el guión. Le entregué tres cuartas partes. Estaba enamorado de ella porque siempre había sentido debilidad por esas mujeres diminutas y morenas de ojos verdes. Pero era demasiado tímido para decírselo.

El rodaje duró tres semanas. Rollner ni se había molestado en ir a ver las pruebas de cámara que habían proyectado en un cine de Hyères. Mandaba al ingeniero de sonido. Me pidió que «condensara» las cuarenta últimas páginas del guión para «liquidar» el final en tres días. Ya no podía más. Se quedaba dormido de aburrimiento entre plano y plano.

No recobró el interés por el trabajo hasta el momento de rodar la secuencia en que restallaba como un estandarte esta réplica: «Es posible ser judío y un as de la aviación, caballero». Le hizo repetir quince veces la escena a Tellegen, pero nunca llegó a conseguir lo que le habría gustado.

Hubo una fiestecita al final del rodaje. Para esta ocasión, Stocklin llegó de París en una avioneta. La pilotaba personalmente e hizo con éxito un aterrizaje acrobático delante del hotel con la pipa entre los dientes.

Esa noche hubo un ambiente muy animado. Una noche de agosto con aquel olor a pino y a eucalipto. Rollner parecía aliviado por haber rematado la película.

Sacaron una foto de todo el equipo, que espero volver a encontrar. Yo estaba entre Bella y Tellegen. Tellegen bebía como un cosaco. Daba lástima verlo. Bella me cuchicheaba que había perdido el dinero que le había prestado, pero me juraba que me lo devolvería cuando volviera a París. Me daba su número de teléfono: Auteuil 00 08.

Durante la velada, pude llevarme a Rollner a un rincón y le pregunté cuándo estrenarían Captain Van Mers du Sud.

Tenía la mirada turbia. Él también había bebido mucho.

—Pero si no la estrenarán nunca, muchacho… —me dijo, encogiéndose de hombros.

Luego me llevó fuera de la sala donde estábamos todos reunidos. Lo ayudé a subir las escaleras. Se detuvo en el primer descansillo. Me miraba fijamente.

—Dígame, muchacho…, nunca he entendido por qué lo contrataron para hacer este guión. ¿Es usted familia de Stocklin?

—No… no creo —le dije.

Me sonreía y me daba palmaditas en la cabeza con mano paternal.

—De todas formas… Todos somos familia unos de otros… El cine es una gran familia…

Seguimos subiendo las escaleras. Tropezaba en todos los peldaños.

—Esta película es una mierda…

—¿Usted cree? —le dije.

—A mí me importa un carajo. He dicho todo lo que tenía que decir en esta película. TODO.

Arrimaba la cara a la mía.

—Ya sabe…, mi frasecita…

Yo lo sostenía pasillo adelante. Abrí la puerta de su habitación.

—Lo siento por usted, Patrick —me dijo—. Pero yo he dicho todo lo que tenía que decir en esta película. Una simple frase…

De pronto se fue hacia el lavabo, se inclinó y vomitó. Lo esperaba en el hueco de la puerta. Se volvió hacia mí, lívido. Sonreía.

—Disculpe. Estoy fatal. Debería usted regresar con los demás.

Me senté en medio del pasillo, cerca de su puerta, pensando que a lo mejor me necesitaba. Oí el estruendo de un mueble que se caía y el ruido quejumbroso de los resortes de una cama vieja cuando alguien se desploma en ella. Un silencio. Y luego esta frase, apenas inteligible, que Rollner musitaba entre dientes:

—Es posible ser judío y un as de la aviación, caballero…

Autor: Patrick Modiano

[lifestylefashionlabel]

LA DECONSTRUCCIÓN

En los años 80, los diseñadores Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto, procedentes de Japón los dos, se convirtieron en los maestros del “ragged chic”, una moda centrada en la deconstrucción y contrucción de la ropa, dando a la misma un efecto totalmente contrario a la estética limpia y ordenada de la época. Lo que en los 80 se definía como moda era un estilo lujoso, limpio y glamuroso, que se contrastó con lo aparentemente sucio, viejo, humilde, representando una autocrítica del sistema de la moda y una crítica al concepto de la belleza occidental. Tanto Kawakubo como Yamamoto, como otros cuantos, han estado trabajando un cierto estilo que es denominado como “anti-moda”, buscando una asimetría, rotos, cortes sin rematar, y una holgura entre persona y prenda que son características de dicho estilo.

No se sabe seguro quién denominó por primera vez a este estilo con el nombre de "deconstrucción", aunque se encuentran dos teorías diferentes acerca de ello: por un lado,se encuentra la revista "Infra-Apparel" de los 80, donde se comentaron las tendencias que empezaron a aparecer en la Alta Costura y Ready-To-Wear. Por otro lado, nos encontramos con que el nombre proviene de una exhibición del MoMA: la de la Arquitectura Deconstruída, específicamente. Esto se debe a que este estilo vanguardista no solo se encontró (y se sigue encontrando) en el ámbito de la moda, sino que en la arquitectura y diseño gráfico también. Martin Margiela supo relacionar la moda con la arquitectura mediante la deconstrucción, jugando con la visibilidad de las costuras que previamente se escondían del ojo del público; el diseñador siempre tenía presente el concepto de arquitectura en sus prendas, definiendo la deconstrucción como un proceso de creación analítica. 

La deconstrucción es una moda que se desprende de la silueta sexualizada de la mujer, para dar paso, en palabras de Yamamoto, una mujer que ha trabajado duro en su vida sin tener que ser sexualizada por la mirada masculina ni se ha tenido que vestirostentosamente para ello. Además, los diseñadores de este estilo manifiestan un chaos, guerra y pobreza muy presente en la época de los 80, trabajando así el concepto japonés “wabi sabi”: wabi, refiriéndose a la apreciación por objetos que presentan vejez, y sabi, a las imágenes de trascendencia y lo decayente. Aun trabajando el mismo concepto, cada uno lo lleva a su entendimiento individual y representación única: por una parte, Yamamoto crea diseños desde el ámbito del trabajador (el mono y la chaqueta (pea jacket), por ejemplo), mientras que Kawakubo trabaja más la técnica “sashiko” para representar esa idea de pobreza en sus diseños: costuras que parecen estar mal cosidas, prendas que parecen usadas cosidas entre ellas... son algunas de las técnicas que han sido estudiadas en su taller.Aparte de lxs diseñadorxs vanguardistas japonesxs, es interesante hablar de la ola de deconstrucción que se estaba dando en la época dentro de Europa. El Antwerp Six Group -donde entraban lxs diseñadorxs Ann Demewemeester, Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs, Dirk Van Saene, Marina Yee yWalter Van Beirendonck- puso en marcha "The Textile Plan" (1981) en Bélgica, para empezar con la moda del lugar desde cero, convirtiéndola en una de las más importantes de la época. Desde un inicio, tanto lsx belgas como lxs japonesxs iban en contra de la Alta Costura de la época: el uso de materiales reciclados, elementos Ready-Made y la el concepto de descontextualización general fueron las características que marcaron el inicio de este estilo vanguardista. La desfiguración  de la silueta humana también resultó muy impactante para la moda de la época, ya que estxs diseñadrxs jugaban tanto con la abstracción como con el uso de tallas mucho más grandes que utilizaban lxs modelxs de sus pasarelas.

Ann Demeulemeester

Dirk Bikkembergs

Dries van Noten

Marina Yee

Walter van Beirendonck

Dirk Van Saene

Antwerp Six

#research #deconstruccion

[unblogparaloschicos]

Cine: Mi vida en rosa (1997)

Los Fabre ya no saben qué hacer con su hijo Ludovic (Georges Du Fresne). El pequeño, de siete años, está convencido de que es una niña y que algún día se casará con se vecino Jérôme (Julien Rivière). Más temprano que tarde, ese deseo aparentemente inocente comenzará a influir en la vida familiar, social e incluso laboral de su padres Hanna (Michèle Laroque) y Pierre (Jean-Philippe Écoffey), además de sus hermanos mayores Thom (Gregory Diallo), Jean (Erik Cazals De Fabel) y Zoé (Cristine Barget).

La alternativa más obvia parece ser la ayuda psicológica para que Ludovic “deje de pensar en esas cosas raras” de una vez por todas y acepte su género biológico, pero, mientras el tiempo se sucede y el niño parece no claudicar en su tendencia a “avergonzar” a su familia, la vida diaria parece teñirse de un sino amargo de gritos, discusiones y rencores. 

En cierto modo, lo noventa fueron una década revolucionaria en el tratamiento e ciertos temas referidos a la diversidad sexual, en especial adolescente. “Mi vida en rosa” es un punto alto porque se enfoca en la necesidad de comprensión del complejo tópico de la disforia de género durante la etapa infantil. Es una película revolucionaria que llegó muy alto: coproducción belga, francesa y británica, escrita y dirigida por Alain Berliner, ganó el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera y por poco no resultó nominada al Oscar.

#cine #MiVidaEnRosa #1997 #MaVieEnRose #MyLifeInPink #Bélgica #reino unido #infancia #transexual #musée fabre #LudovicFabre #GeorgesDuFresne #Jerome #JulienRiviere #Hanna #MicheleLaroque #Pierre #JeanPhilippeÉcoffey #Thom #GregoryDiallo #Jean #ErikCazalsDeFabel #Zoe #CristineBarget #AlainBerliner #GlobodeOro #bullying #transfobia #Francia

[algunasnotasqueleer]

Vivarium (Irlanda-Dinamarca-Bélgica, 2019)

(C12) Director: Lorcan Finnegan Guión: Garret Shanley Actores: Imogen Poots, Jesse Eisenberg.

Vivarium se estrena en medio del confinamiento mundial debido a la pandemia que vive la humanidad. Y que mejor momento para hacer junto con esta película una reflexión sobre los espacios cerrados, la cuarentena, y las rutinas a las que día a día nos hemos visto sometidos y acostumbrado. Una pareja joven, Gemma y Tom, encarnados respectivamente por una increíble Imogen Poots y Jesse Eisenber, están en busca de un hogar. Se da a entender mediante el origen de la película, residen en Irlanda. Un día, van a una pequeña inmobiliaria, un local chico, algo nada fuera de lo normal, con sus maquetas y anuncios enormes donde muestran a las familias  viviendo felices en dichos hogares. Al fondo, allá en un escritorio se encuentra Martin (estupendamente personificado por Jonathan Aris, este actor sabe manejar perfectamente su rostro y estas facciones tan frías, parsimoniosas, manipuladoras tal vez) quien con un rostro robotizado, y con movimientos muy cuidados los recibe. Casi no los deja hablar, se acerca primero a Gemma. Sabe que ella es la que toma el rumbo de ambos. Después de una charla pequeña, los convence (casi a la fuerza) de ir a visitar el complejo residencial: Yonder. A la llegada, recorren varias calles en donde por ambos lados, hay casas exactamente iguales. “Los suburbios” dice Tom, no muy convencido de esto. La casa que les muestra Martín es la número 9. Comienzan un extraño recorrido por la casa. Ya amueblada, tiene colores sobrios, todo cuidosamente colocado en su respectivo lugar, una cocina ya con todo instalado, y hasta las recamaras amuebladas, incluida la de un niño. Cuando se disponen a ver el jardín trasero, Martín desaparece. Y ambos personajes, Gemma y Tom, quedarán atrapados en la casa y en los suburbios en una especie de pesadilla urbana. Como primer punto y creo que sería algo esencial destacar es el peculiar trabajo de imagen que crean Finnegan de la mano de su director de fotografía, el español Macgregor. Añaden los toques futuristas, casi al alcance de películas tan delicadas como “Robot & Frank” (Que también estudia un poco sobre la soledad y el distanciamiento) o incluso “Ex Machina”, esto resaltado en los vehículos de los personajes, compactos, coloridos, rápidos. O la tendencia en los acabados tan minimalistas pero a la vez, elegantes. Aunado a esto, el arte que se imprime en cada fotograma de la película, desde el poster promocional, podemos encontrar claras referencias a la obra pictórica de M. C. Escher, esta arquitectura laberintesca con la que se juega, invitándonos a perdernos inconcientemente entre este montón de casas. Magritte también reluce por acá. Véase la escena en donde se puede ver un cuadro que esta en la pared de la sala. La pintura es de una casa, casi idéntica a la de ellos, una referencia a la serie de pinturas que el pintor belga realizaría, una casa, solitaria, con algunos arboles altos y esparcidos por detrás, mientras que lo único que lo ilumina es una tenua farola. Y como última referencia me atrevería a decir que también podremos encontrar referencias al trabajo de Edward Hopper. Con estos ambientes solitarios y desolados, funcionan perfectamente cuando se trata de lugares abandonados o como en este caso, sitios donde no reside mucha vida humana. La principal lectura y propósito de este filme es el que da su propio director. Finnegan nos invita a relizar una introspección a profundidad sobre uno de los problemas que sufre la humanidad en pleno siglo XXI; la capacidad casi nula de adquirir hogares con una calidad humana rescatable. Las inmobiliarias, en conjunto con los gobiernos y esta displicencia sobre querer crear espacios reducidos, alejados en la nada, y en condiciones horrorosas, ha llevado a la creación y nacimientos de estos suburbios en donde ya no importa la calidad de vida, privacidad, el espacio recreativo, o la cercanía con la ciudad y la naturaleza. Imponen  ciertos estándares de vivienda a alto costo adquisitivo, y que pocos pueden pagar. Esta situación recorre el mundo entero. No solo es Irlanda. Sino las grandes capitales como Alemania, China, Japón, y por supuesto, México. Por otro lado, que bien queda el uso de las canciónes “Rudy, a message to you” de Dandy Livingstone y de “007 Shanty Town” de Desmond Dekker, que en ambas canciones pueden dar una premisa bien de lo que va a suceder durante el largometraje. Una joya la escena en la que Gemma y Tom bailan a la mitad de la calle, mientras que lo único que los ilumina son las luces de su automóvil. Como bien dice el título de la película, sin dar spoilers, la segunda y gran parte del resto de la película va sobre esto. Sobre estar en una especie de vivero, en donde estos dos personajes tendrán que enfrentar diferente adversidades, como las rutinas, el constante pensar en que si alguien o algo irá por ellos, el choque de ideas, la maternidad, complicidad, entre otros dilemas. Para finalizar, Vivarium tiene varios propósitos, lecturas y tramas. Es una película de ciencia ficción, de suspenso, terror psicológico. Pero lo más notable es la forma en que llega, justo en este momento en el que la realidad esta superando a la ficción. En el que cada vez estamos más cerca de este mundo ficticio que poco a poco el humano se ha ido creando, y se ha ido acostumbrando. Vivarium es una gran película que no tenemos que perder de vista, ni mucho menos a su director ni al gran elenco que la conforma.

5.04.20 

Crítica escrita por: Aldo Martínez T.

#VivariumMovie #Vivarium #Jesse Eisenberg #Imogen Poots #Movie #Cine #Cinema #Photography #Critics #Analitics #Aldo Martinez T #AlgunasNotasQueLeer

[thebestfabulouspotato]

Dear Matthew & Alfred

Day 2 of @frukweek: FACE Family Time/Children

Summary: Arthur y Francis reflejan en su conversación cómo se enamoraron el uno del otro y proceden a recordar el proceso que llevaron a cabo para adoptar a los tiernos gemelos.

Language: Español

Relationships: FrUK

Rating: T +13

Word Count: 2046

–¿Cuándo te enamoraste de mí?

Arthur dejó de restregar el plato en sus manos para levantar la mirada. Su esposo estaba cruzado de brazos, recostado contra el refrigerador y mirándolo fijamente.

–¿A qué viene esa pregunta? –Preguntó el inglés, mientras las comisuras de sus labios se levantaban ligeramente. Francis ladeó la cabeza.

–Me dio curiosidad –respondió el francés, alejándose de la nevera para acercársele y abrazarlo por la espalda.

–Creí que lavar los platos era suficiente tortura por hoy, no pensé que un interrogatorio vendría incluido –Sintió el aliento de su esposo contra su cuello cuando este se echó una risilla.

–Yo me encargué de la cena, es lo justo –objetó el otro, sonriendo contra su cuello. Arthur no pudo evitar sonreír de vuelta.

–Si tú lo dices.

Tras secar la última cuchara, la acomodó en el cajón de los cubiertos. Procedió a lavarse las manos, mientras su acompañante continuaba aferrándose a su espalda. Suspirando, terminó de secarse sus manos.

–No creo tener un momento exacto en que me haya enamorado de ti –respondió al fin, acomodándose las mangas de su camisa–. Sabes que no creo en el amor a primera vista ni esas cosas –cuando sintió al francés aferrarse más a su camisa, supo que la conversación aún no había terminado– ¿Y tú, mi querida rana?

–¿Recuerdas cuando tuvimos nuestro primer beso?

–¿Aquella vez en el gimnasio? Creí que ya sentías algo por mí. Para esa época ya estábamos juntos, ¿no?

–No me refiero a esa vez, sino a nuestro primer beso, cuando éramos niños –respondió Francis, separándose del cuerpo de Arthur para que pudiera voltearse.

–¿Nos habíamos besado antes? –Cuestionó Arthur, tomando las manos de su pareja entre las suyas.

–Sí. Yo tenía como 8 años y tú como 6. Estábamos jugando en el patio de mi casa y yo te había quitado un libro o algo así, ¿lo recuerdas? –Explicó el hombre, acariciando los nudillos del otro.

–¡Es cierto! Creo que me había tropezado y sin querer te caí encima. Mi mamá siempre nos molestaba por eso.

–Te juro que fue la primera vez en que sentí mariposas –confesó Francis, con una  sonrisa nostálgica decorando su rostro. Arthur inevitablemente soltó una carcajada, que su esposo no tardó en acallar.

–¿Estabas sintiendo maripositas mientras yo fingía que estaba vomitando? –Ante sus risas sofocadas, Francis rodó los ojos.

–Siempre has sido tan grosero –murmuró, soltando sus manos para cruzarse de brazos. A Arthur por poco y se le escapa otra carcajada.

Negando con la cabeza, Francis se dirigió a la sala de espera, mientras Arthur lo seguía de cerca, aún intentando sofocar su risa. Su relación siempre había funcionado así: Francis era encantador, apuesto, dulce y el mayor de los dos, así que el británico constantemente le seguía los pasos de cerca, inseguro de si quería ser como él o estar con él.

Francis siempre había sido popular y codiciado, tenía muchos amigos y seguidores, mientras que Arthur se había acostumbrado a apartar a las personas, a vivir en su propio mundo. Por una parte, lo envidiaba irremediablemente y deseaba que fuera miserable. Por otra parte, su corazón se aceleraba cada vez que el francés le sonreía o siquiera le dirigía la mirada.

Una vez que estaban en la sala de estar, Francis tomó asiento en el sofá y dándole palmaditas al campo a su lado, le indicó que se sentara. Rodando los ojos, el británico se recostó en tal lugar.

–Creo que debería plantear la pregunta de una manera distinta: ¿cómo te diste cuenta de que estabas enamorado de mí? –Cuestionó Francis, colocando su mano en la rodilla de su esposo.

–Justo eso estaba pensando –confesó Arthur, su mirada fija sobre la mano de su marido–. No creo que pueda decirte un momento exacto. Creo que siempre lo supe, pero no quería admitirlo.

–¿Recuerdas algún momento en específico en que lo hayas pensado? –La mano subió un poco. Arthur sonrió.

–Cada vez que tenías novia me daban celos. Al principio creía que quería estar con ellas, luego me di cuenta de que en realidad quería estar en su lugar –Francis se echó una risilla, mientras su mano seguía subiendo–. Cuando empezaste a salir con Antonio, me di cuenta de que quería partirle la cara más de lo normal –A Francis casi se le escapó una carcajada. Siempre le había causado mucha gracia la enemistad entre Antonio y Arthur.

–Entonces tuviste la brillante idea de salir con su hermano –replicó el francés, alzando las cejas burlonamente.

–Hey, João tiene lo suyo.

Arthur se dio cuenta de su error cuando ya era demasiado tarde.

Con una expresión escandalizada en su rostro (para ese punto, su esposo había aprendido que él nunca iba a dejar de ser un rey del drama), Francis no tardó en retirar su mano, levantarse del sofá y marcharse de la habitación. Fue entonces cuando Arthur recordó un minúsculo detalle: la única persona de quien Francis se ponía genuinamente celoso era, de hecho, João Fernández Carriedo.

Supuso que era un buen momento para despedirse de su preciado “tiempo privado” con Francis.

En un miserable intento por remendar su estupidez, se dirigió al pasillo donde se ubicaban las habitaciones, para entonces toparse con su esposo recostado al marco de la puerta de una de las recámaras, mirando hacia el interior. Sonrió suavemente y no tardó en acercársele.

–Son adorables, ¿no crees, Rana? –Sutilmente, deslizó su brazo por la cintura de Francis, quien en un principio rodó los ojos juguetonamente, para asentir y recostarse contra él.

–Somos padres, Cejas.

Arthur sonrió nuevamente, contemplando a los pequeños gemelos durmiendo profundamente. No tenía duda de que después de tanto planeamiento y tantos enredos, habían encontrado a los niños perfectos.

En un principio, cuando Francis había sugerido que tuvieran hijos, Arthur creyó que había perdido la cabeza. Apenas se habían mudado juntos para contraer matrimonio y el francés de la nada había comenzado la conversación mientras tomaban el té de la tarde. El sabor del té del británico mágicamente fue perdiendo el sabor en el transcurso del diálogo.

Un bebé significaba muchas cosas: risas, felicidad y esas cosas, claro, pero también deudas, estrés, noches sin dormir y no más privacidad ni tiempo libre ni “tiempo privado” (Francis había coincidido en que el último era un buen punto). Arthur creía ser demasiado estricto, malhumorado y olvidadizo para ser un buen padre. Así, Francis le había respondido con una sonrisa que entonces el tremendo contraste entre sus personalidades (al ser él demasiado suave, relajado y observador) era toda una dicha.

Arthur nunca lo admitiría en voz alta, pero apenas Francis lo sujetó del brazo y le hizo ojitos, dio por perdida la batalla. Maldito manipulador con sus hermosos ojos y su sedoso cabello.

De tal manera, ambos comenzaron a esforzarse por hacer tareas y horas extra en sus trabajos, en decorar su pequeña casa y adaptarla para niños, en fortalecer su relación y en general, en darles una buena impresión a las agencias de adopción. Tras mucho papeleo y tanto promesas como favores a sus contactos en el sistema, lograron visitar un albergue con la intención de adoptar a uno de sus niños.

La pareja había acordado en que cada uno se iría por su lado, hablarían con los niños que les llamaran la atención y posteriormente discutirían las opciones juntos y con la encargada, una mujer belga muy amable (familiar lejana de Francis, para variar).

Irónicamente, Arthur se había dirigido hacia el patio de juegos desde un inicio, y en el camino se había llegado a topar con tanto niños sumamente dulces y amables como con otros que sencillamente le gruñeron. Estaba observando a unas pequeñas jugar a perseguirse, recordando su infancia y el tiempo que solía pasar con su ahora esposo, cuando un balonazo le dio justo en su nariz. Mientras el mocoso culpable se reía incontrolablemente (que a fin de cuentas terminó por contagiársele) en su patético intento de disculpa, Arthur supo que había encontrado a su futuro hijo.

Francis, por su parte, había decidido echarle un vistazo a la sala de arte, en la cual algunos niños pintaban o dibujaban, otros cantaban y algunos incluso bailaban. Incluso estuvo un rato animando a unos chicos que estaban realizando una obra de teatro con medias decoradas. Fue después de un rato que notó al final de la habitación (y tuvo que fijarse dos veces para asegurarse de que no se estaba volviendo loco) se encontraba un niño que era un vivo reflejo de él en su infancia. Al acercársele para hablarle, notó varias cosas: era sumamente tímido, solo respondía a las preguntas con gestos y era muy dulce y educado. Finalmente, el francés podría jurar que sintió como si se hubiera derretido cuando el pequeño le obsequió un dibujo en que aparecían los dos tomados de la mano.

Cuando se reunieron para conversar sobre los niños, al principio creyeron que se habían topado con el mismo (dada su apariencia física), luego se percataron de que eran dos pequeños completamente diferentes (según su personalidad) y por último, se confundieron aun más cuando la supervisora estalló en carcajadas.

A fin de cuentas, se enteraron de que se habían topado con los gemelitos: Matthew, el tímido y educado y Alfred, el gracioso y travieso. Aparentemente, muchas personas querían adoptarlos por separado (unos creían que el pequeño Alfie era demasiado ruidoso y otros, que el pequeño Mattie era demasiado callado), pero ellos se rehusaban.

Si bien Arthur palideció al principio por la palabra “gemelos” y la mirada cómplice que le dedicó su esposo, después de varias conversaciones y entrevistas con los niños, él y Francis terminaron por firmar los papeles de adopción para ambos. Y ahí estaban, contemplando a los pequeños dormir en su primera noche en casa.

–Espero que tarden mucho en crecer –susurró Arthur, recostando su cabeza contra la de su pareja. No tardó en sentir una pequeña gota en su cabello–. ¿Estás llorando?

–Es que estoy muy feliz –Arthur pensó en que le encantaba cuando Francis era así de sentimental y dramático. Jamás lo admitiría en voz alta, por supuesto.

–Siempre has sido tan llorón –susurró, limpiándole las lágrimas con dulzura. El otro sonrió.

–¿Sabes qué deberíamos hacer?

–¿Qué?

–Regalarles un perro –una risilla se le escapó ante la expresión de indignación y desconcierto en el rostro de su esposo.

–Ya mi billetera ha sufrido lo suficiente. Muchas gracias.

Dejaron de conversar un momento cuando creyeron escuchar unas risillas y susurros provenientes de la recámara de los niños.

–¿Alfred? ¿Matthew? ¿Están despiertos? –Preguntó Francis, levantando un poco la voz. Un par de cabezas surgieron entre las sábanas.

–Sería bonito tener un perro. A Mattie y a mí nos gustan mucho, ¿saben? Una vez vimos uno que tenía solo un oj…

­–Alfred, cariño, ¿por qué están despiertos? Ya es hora de dormir –intervino Arthur, encendiendo el interruptor para ver mejor a los pequeños.

–¿Los despertamos?

–No, no. Es que Mattie tuvo un sueño feo y no se podía dormir, entonces me despertó, ¿verdad, Mattie? –Francis y Arthur sonrieron al ver al mencionado sutilmente negar con la cabeza.

–¿Quieren dormir con nosotros esta noche? –Ofreció el francés, su sonrisa ampliándose cuando los ojos de los dos pequeños se iluminaron.

–¡Claro! ¡Vamos, Mattie! –Así, el menor hizo arrastrado al otro hacia la habitación de sus padres, quienes se quedaron observando la escena.

Francis estuvo a punto de seguirlos, hasta que Arthur lo sujetó del brazo y lo jaló para atraerlo. El francés parpadeó un par de veces, ladeando la cabeza.

–Déjame ahorrar un poco para acomodarnos y luego los llevamos al refugio de animales –susurró el británico. Francis chilló no muy sutilmente–. ¿Creíste que no notaría que también quieres un perro?

–Un gato también sería lindo.

–No me presiones –Aún sonriendo, Francis depositó un beso en los labios de Arthur.

–Te amo. Mucho.

–¿Eso significa que mañana sí tendremos “tiempo privado”? ­–Inmediatamente, la sonrisa del francés por una que a su esposo no le agradaba en lo absoluto.

–João –dijo simplemente, para entonces darse la vuelta e irse a su habitación.

Arthur se quedó en el mismo lugar como si fuera de piedra, preguntándose seriamente si era un buen momento para comentarle a su esposo que el mismísimo João llegaría a visitarlos en un par de días.

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[diana-de-egara-89]

Lluvias y flores sobre Francia - ¿Cómo es exactamente este proyecto de novela?

Empiezo con el artículo sobre mi novela en proceso #ProyectoJehanne, títulado “Lluvias y flores sobre Francia”, una biografía novelada sobre la vida de la heroína francesa Juana de Arco:

La idea de escribir sobre ella estuvo siempre en mi cabeza. Juana de Arco (Jehanne, en francés de su época) fue mi heroína preferida desde que  descubrí su existencia en un libro, cuando tenía 8 años. Pero nunca tuve el tiempo para esa obra, pues es un desafío enorme dado que es sobre un personaje y hechos reales del siglo XV.

En realidad llevo toda mi vida documentándome sobre esta historia y su protagonista. Así que tengo montones de enciclopedias, revistas y libros sobre la vida de Juana de Arco, sus compañeros y enemigos, y sobre toda la situación de Francia de esa época.

Aún así, desde que empecé con esta novela, también estoy tirando de internet. Concretamente de sitios web donde me puedo descargar libre y legalmente documentos de la época desde la Biblioteca Nacional de Francia. Son los textos de los cronistas medievales mecanografiadas en el siglo XIX, unidos en varios volúmenes y dossieres. 

Me encantaría poder viajar para consultar yo misma esos libros y algunos más, pero mi mala situación económica no me lo permite. Lo que si tengo a mano es a mi novio que, como es belga, francófono y estudiante de historia, siempre me contesta las posibles dudas que tengo sobre algunos temas.

Aún así, la documentación es bastante confusa a veces. Hay tanto y tan bien detallado que es incluso sospechoso. Hasta muchos medievalistas franceses coinciden en que hay documentos confusos y repetitivos. Y es cierto, no sé si porque quisieron maquillar su vida de cara al proceso de Rehabilitación o, directamente, a su santificación.

Por eso soy muy estricta a la hora de recurrir a los textos de la época. Desconfío mucho de esas falsificaciones para ensalzar al personaje. He dejado de lado algunas crónicas por eso mismo y no consulto ni el proceso de Rehabilitación ni el de ennoblecimiento de su familia, para evitar mentiras. Solo leo información de la época, no blogs o reportajes más actuales.

Y os confieso que, estoy tan metida en esta novela, y mis lectores me están animando tanto con ella, que me da miedo pensar que me acusen de intrusismo. Porque aunque esté tan bien informada, no soy historiadora. Ni siquiera tengo estudios universitarios. Así que no sé si realmente me atreveré a autopublicar como elles me dicen.

Ahora mismo estoy empezando a escribir el capítulo 19. Con 102 páginas y 35391 palabras. Voy extremadamente lenta. Desde los 11 años que empecé a escribir novelas, hasta hace 6 ya hubiera acabado un libro y empezado otro en el tiempo que llevo escribiendo esta.

Pero lo estoy disfrutando muchísimo. Conocer más que nunca a mi heroína preferida y la forma de vida de esa época, está siendo una aventura maravillosa.  Espero que os hayan dado ganas de leerla, o al menos intentarlo. Los 16 primeros capítulos están en Wattpad. Y sentíos libres de comentar, siempre para mejorar.

#lluvias y flores sobre francia #novela #misnovelas #mislibros #juana de arco #joana d'arc #jehanne darc #pec #proyecto #en proyecto #proyectojehanne #escriblr

[albertohernandezmoreno]

Amadeo de Saboya, el Duque de Hierro

ESTE ARTÍCULO FUE PUBLICADO POR PRIMERA VEZ EN EL NÚMERO 45 DE LA REVISTA ARES ENYALIUS

La siempre controvertida participación italiana en la Segunda Guerra Mundial tradicionalmente ha puesto en tela de juicio a sus generales. A diferencia de Gran Bretaña, Alemania, Estados Unidos o la Unión Soviética, Italia no ha proporcionado a la memoria colectiva un Montgomery, un von Manstein, un Patton o un Zhukov; los grandes héroes italianos de la contienda suelen ser buscados entre las filas de los soldados y los oficiales. Pero si hubiese que encontrar a uno entre los generales, el más recordado hoy en Italia probablemente sería el Príncipe Amadeo de Saboya, Duque de Aosta.

El Príncipe Amadeo de Saboya (Turín, 21 de octubre de 1898 - Nairobi, 3 de marzo de 1942) pertenecía a la segunda rama familiar de la Casa Real de Italia, la de los Duques de Aosta, de la que fue el titular durante buena parte del periodo fascista. El primer Duque de Aosta fue su abuelo Amadeo, efímero monarca español entre 1871 y 1873; su padre, Manuel Filiberto, fue durante ese breve periodo Príncipe de Asturias.

Cursó la Secundaria en el Colegio de San Andrés de Londres, y los estudios castrenses en la Nunziatella de Nápoles, la más antigua academia militar del mundo. Con dieciséis años se presentó voluntario para combatir en la Primera Guerra Mundial cuando Italia declaró la guerra al imperio de los Habsburgo. Su padre exigió que entrase en el Ejército como soldado raso, y dio instrucciones a su superior, el general Petitti di Roreto, para que no recibiese ningún privilegio. Combatió en la región del Carso, encuadrado en el Regimiento de Artillería a Caballo Voloire, y ascendió hasta el empleo de teniente al final de la contienda.

Finalizada la Gran Guerra se dedicó a explorar la Somalia Italiana en compañía de su tío Luis, Duque de los Abruzos, y el Congo Belga. También completó su formación académica, que había quedado interrumpida a causa del conflicto bélico, en Eton y Oxford, y se doctoró en Derecho por la Universidad de Palermo con una profética tesis titulada “Conceptos básicos de la relación jurídica entre los estados modernos y los pueblos indígenas de las colonias”, cuya conclusión era que la imposición de la soberanía de un estado sobre otro se justifica moralmente sólo por la mejora de las condiciones de vida del pueblo colonizado. Ya en Italia, se instaló en el bellísimo Castello di Miramare, a orillas del Adriático en Trieste, y tomó el mando del Regimiento de Artillería 29º, acuartelado en Gorizia. No obstante, descubrió que su verdadera pasión era el vuelo, y el 24 de julio de 1925 consiguió la especialidad de piloto militar.

Tras un breve servicio en las colonias como Inspector de los Grupos del Sahara, volvió a Italia y el 5 de noviembre de 1927 se casó con la princesa Ana de Orleans. Tres años después nació la primera hija, la princesa Margarita, y después de otros tres la segunda, la princesa María Cristina.

El 4 de julio de 1931 se convirtió en Duque de Aosta tras el fallecimiento de su padre (antes ostentaba el título de Duque de Apulia). Un año después se enroló en la Regia Aeronautica y participó en la Guerra de Abisinia como piloto de combate. Con el tiempo llegó a ser uno de los cuatro oficiales de la Regia Aeronautica que alcanzaron el grado de Generale d’Armata Aerea, inferior únicamente a los de Maresciallo dell’Aria (sólo hubo uno, Italo Balbo) y Primo Maresciallo dell’Impero (reservado para el Jefe del Estado y el Jefe del Gobierno, es decir, Víctor Manuel III y Benito Mussolini). En la Regia Aeronautica estuvo al mando de la 1ª División Aérea “Aquila”, cuyo cuartel general se encontraba también en Gorizia.

El 21 de octubre de 1937 abandonó su residencia de Trieste para sustituir al Mariscal Rodolfo Graziani como máxima autoridad civil y militar (Virrey) en el África Oriental, conjunto de territorios bajo soberanía italiana que incluía las colonias de Somalia y Eritrea, y el recién conquistado Imperio Etíope. Amadeo presentaba un perfil menos politizado que Graziani (un fervoroso fascista) y carecía de la fama de cruel represor que su antecesor se había ganado como “pacificador” de las colonias libias de Cirenaica y Tripolitania (no en vano fue apodado “el carnicero de Fezzan”). Es en estos meses cuando desde ciertos sectores fascistas se propone al General Franco, que casi tenía a su alcance la victoria en la Guerra Civil, que el Príncipe Amadeo fuese coronado Rey de España. El principal argumento de quienes defendían la iniciativa era que, de no haber abdicado Amadeo I en 1873, el trono español lo estaría ocupando precisamente él, como nieto primogénito. No obstante, la Casa de Saboya no respaldó esta postulación por respeto a Alfonso XIII, en ese momento exiliado en Roma bajo la protección de Víctor Manuel III. Además, en España había escaso interés en la restauración de la monarquía, y menos aún de la lejana Casa de Saboya.

El Duque de Aosta se ganó rápidamente en África el reconocimiento de los nativos, los colonos italianos y la guarnición militar. Cuando Italia declaró la guerra a Gran Bretaña y a Francia el 10 de junio de 1940, Amadeo se percató de la debilidad de las guarniciones británicas en los territorios vecinos, y lideró una ofensiva general con todas sus fuerzas disponibles sobre Sudán, Kenia y Somalia, en la que consiguió importantes avances en los dos primeros, y la conquista del tercero. Fue entonces cuando se ganó el apelativo de “el Duque de Hierro”. Contaba con unas fuerzas nada desdeñables, pero que tuvieron que combatir en varios frentes simultáneamente y completamente aisladas: unos 260.000 soldados (de los cuales casi el 70% eran tropas indígenas, incluidos los temibles askaris eritreos y dubats somalíes) organizados en dos divisiones de infantería (las mejores tropas disponibles; eran la 40ª “Cazadores de África” y la 65ª “Granaderos de Saboya”), treinta y tres brigadas coloniales, once batallones de Camisas Negras, dos compañías de tanquetas L3/35, dos de tanques medianos M11/37 y diez baterías de obuses; unos 240 aviones (los principales modelos eran bombarderos Ca.133, SM.79 y SM.81 y cazas CR.32 y CR.42); y la Flotilla del Mar Rojo, formada por siete destructores, ocho submarinos, cinco lanchas torpederas, un cañonero colonial y dos mercantes armados.

En enero de 1941 los británicos contraatacaron e hicieron retroceder a las tropas del Duque de Aosta hasta posiciones defensivas en el África Oriental. En la Batalla de Keren perdieron el control de Eritrea, incluida Massawa, la principal base naval italiana. Totalmente incomunicado con la metrópolis, mermado de suministros y rodeado por el enemigo, Amadeo ordenó la fortificación de los puntos estratégicos de Gondar, Dessie, Gimma y, especialmente, Amba Alagi, en cuyas montañas y cavernas fijó su cuartel general. Allí resistió el asedio de 9.000 británicos al mando del general Alan Cunningham y 20.000 etíopes fieles al recién llegado Haile Selassi, entre febrero y mayo, con apenas 7.000 hombres, incluidos soldados, carabineros, aviadores, marinos y tropas indígenas. El 14 de mayo recibió desde Roma la autorización para rendir la plaza, y envió al general Giovan Battista Volpini a negociar con Cunningham, pero Volpini fue asesinado por rebeldes etíopes al intentar atravesar el cerco. El día 17, con el agua y los alimentos agotados, se acordó finalmente la rendición. El Duque de Aosta dio permiso a las tropas indígenas para que regresasen a sus hogares, pero nadie abandonó Amba Alagi. El día 19 los italianos salieron finalmente de las cavernas; el Duque salió el último mientras se arriaba la bandera tricolor. Los británicos, como reconocimiento de su tenacidad, le concedieron honores militares antes de trasladarlo a un campo de prisioneros en Dònyo Sàbouk, cerca de Nairobi.

Por su tenaz resistencia recibió la más alta condecoración militar italiana, la Medalla de Oro al Valor, aunque no tuvo la posibilidad de que se la entregasen porque jamás volvió a su país: enfermo de tifus y malaria, a causa de las insalubres condiciones de la prisión, murió el 3 de marzo de 1942 en Nairobi. El título de Duque de Aosta pasó entonces a su hermano Aimón, que además era Duque de Spoleto y rey titular de Croacia con el nombre de Tomislav II, pues Amadeo, como dijimos, sólo había tenido dos hijas en su matrimonio. Fue enterrado en el Cementerio Militar Italiano de Nyeri junto a 676 de sus soldados que también perecieron en cautividad. Por lo que respecta a los que se habían quedado en África Oriental, siguieron resistiendo en sus fortalezas hasta que la última de ellas, Gondar, cayó el 11 de noviembre de 1941. No obstante, numerosos italianos (soldados que no habían sido capturados, camisas negras y colonos, apoyados por nativos eritreos y somalíes) mantuvieron una guerra de guerrillas contra los británicos hasta otoño de 1943, cuando se firmó el armisticio final entre Italia y los Aliados.

Inmediatamente después de su fallecimiento se instituyó una medalla como recompensa para todos aquellos militares, funcionarios civiles y de la Casa Real que sirvieron a sus órdenes. Como la mayoría de los receptores se encontraban prisioneros en África sólo pudo ser entregada tras la rendición italiana y el retorno de los cautivos a partir de 1945, pero no llegó concederse masivamente por dos motivos: las alusiones fascistas de su diseño (Mussolini había caído en julio de 1943) y el fin de la propia monarquía el 12 de junio de 1946. Así pues, muy pocas medallas realmente fueron entregadas. La pieza muestra en el anverso la efigie del Duque de Aosta, y en el reverso un extracto del decreto por el que se le concedía la Medalla de Oro al Valor. El texto completo decía lo siguiente:

Comandante Supremo de las Fuerzas Armadas en el África Oriental Italiana, durante doce meses de lucha feroz, aislado de la Madre Patria, rodeado por el enemigo abrumadoramente superior en fuerzas y medios, confirmó su capacidad ya probada de líder competente y heroico. Osado aviador, guía incansable de sus tropas, a las que condujo por cualquier lugar por tierra, mar y aire en victoriosas ofensivas y en tenaces defensas contra importantes adversarios. Asediado en Amba Alagi, al mando de su grupo de guerreros resistió más allá de los límites de las posibilidades humanas, en un titánico esfuerzo que se ganó la admiración del propio enemigo. Fiel continuador de las tradiciones militares de la Casa de Saboya e símbolo de la virtud romana de la Italia Imperial y Fascista en el África Oriental Italiana, desde el junio de 1940 hasta el 18 de mayo de 1941.

Amadeo, Duque de Aosta, es considerado uno de los generales italianos más brillantes no sólo de la Segunda Guerra Mundial, sino también de todo el siglo XX. Su impresionante hoja de servicios registra las siguientes condecoraciones:

- Caballero de la Orden de la Anunziata

- Gran Cruz de la Orden de San Mauricio y San Lázaro

- Gran Cruz de la Orden de la Corona de Italia

- Caballero de la Orden Civil de Saboya

- Oficial de la Orden Militar de Saboya

- Medalla de Oro al Valor Militar

- Medalla de Plata al Valor Militar

- Cruz al Mérito de Guerra

- Medalla por el mando prolongado en el Ejército (10 años)

- Medalla por el mando prolongado en la Aviación (10 años)

- Medalla conmemorativa interaliada de la victoria en la Primera Guerra Mundial.

- Medalla conmemorativa de la Guerra italo-austriaca, con pasador de 4 años en el frente.

- Medalla conmemorativa por la participación en la Guerra de Etiopía.

- Medalla por el Quincuagésimo Aniversario de la Unidad de Italia.

- Medalla de Oro al Mérito por la Salud Pública.

- Cruz de Guerra de la República Francesa

- Caballero de Honor de la Orden Militar y Hospitalaria de San Juan de Jerusalén, Rodas y Malta.

Más allá del plano militar, Amadeo fue un administrador colonial benevolente y respetuoso con la población nativa, y un gran impulsor del desarrollo de las infraestructuras en el África Oriental Italiana. Como reconocimiento por el buen trato otorgado a los etíopes durante su periodo como Virrey en Addis Abeba, Haile Selassie invitó a visitar Etiopía en los años sesenta a su sobrino Amadeo, actual Duque de Aosta, en un notable gesto de reconciliación.

En 1952 fue consagrada la Iglesia Memorial de Guerra de Nyeri, mandada construir por el Estado Italiano en Kenya. Su interior alberga los restos de los 676 soldados muertos en cautiverio, y frente al altar se situó el sepulcro del Duque de Aosta. En el exterior están enterrados los soldados somalíes y eritreos musulmanes que perecieron a su servicio, siguiendo los dictados del ritual islámico. 

Y en Gorizia puede visitarse un monumento levantado en su honor en 1962. Fue inaugurado el 4 de noviembre de ese año por Antonio Segni, Presidente de la República, lo cual es una muestra del reconocimiento que el Duque se ganó en su país, incluso 14 años después del fin de la monarquía, estando incluso vigente la ley republicana que prohibía a los varones de la Casa de Saboya regresar a Italia.

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