#capitalcultural | Explore Tumblr Posts and Blogs

pasalachido-cdmx · 3 years

Text

GRETA GERWIG Y LOUISA MAY ALCOTT: MUJERCITAS Y LA REIVINDICACIÓN DE LAS MUJERES

Por Stephanía Oliver

Al pensar en obras clásicas de la literatura, Mujercitas es una de las primeras en la lista. Publicada originalmente en 1868, la novela de Louisa May Alcott ha sobrevivido al pasar de los años gracias a la vigencia de los temas abordados, a la fuerza de sus personajes y a la contundencia de algunos de sus temas.

Debido al notable éxito de la novela desde los años de su publicación, ha contado con siete adaptaciones a la pantalla grande: dos películas mudas y cinco de cine sonoro. La última de estas, realizada por la actriz y directora Greta Gerwig en 2019 con Saoirse Ronan, Emma Watson, Eliza Scanlen y Florence Pugh en los papeles principales.

La novela trata la vida de cuatro mujeres quienes viven su adolescencia durante los años de la Guerra Civil estadounidense (entre 1861 y 1865). Está basada en las vivencias de Lousa May Alcott durante su niñez en el estado de Massachusetts. La película de Gerwig retoma la historia de estas cuatro hermanas: Margaret (Meg), Josephine (Jo), Beth y Amy March.

Durante años, las mujeres en las obras de arte han tenido diferentes papeles: la musa, la puta, la amante, la esposa sumisa, la ex novia loca, la madre abnegada o la ausente, la hija perfecta o la rebelde, la doncella en aprietos, la mujer en espera de tener un marido que la salve de todos los terrores del mundo.

Alcott, y después Gerwig, rompieron con las ideas preconcebidas de lo que “debe ser una mujer”. Más de 150 años después de la publicación de la novela original, las mujeres continúan siendo seres de quienes siempre se espera algo: deben ser madres, hijas, amantes. Las mujeres deben ser perfectas y deben cumplir con las demandas de su papel designado por la sociedad.

En la década de los 1860, cuando fue escrita, se esperaba que las de género femenino se casaran al llegar a determinada edad y fueran la esposa y madre perfectas. Con contundencia, Alcott protestó ante esta idea a través de sus letras: la novela rompe y se enfrenta con las reglas de etiqueta y conducta aplicadas comúnmente a las mujeres de la época.

Lo anterior queda plasmado en Jo March, una mujer con fuertes ideales y quien se oponía rotundamente a creer que las mujeres únicamente sirven para enamorarse o para casarse; un personaje revolucionario para la época pasada y la actual.

La película de Greta Gerwig es un ir y venir en el presente y pasado de las Mujercitas. Para diferenciar entre momentos, la cineasta usa dos diferentes paletas de colores. Utiliza rojos y tonos cálidos para el pasado, para transmitir la calidez de las memorias; azules y tonos fríos para proyectar las dificultades de la adultez y del presente de las hermanas.

El éxito del filme no sólo reside en la bella manera de Gerwig de entrelazar las memorias de los personajes con su presente, sino también en la dirección de las emociones de los personajes; los cuales, se convierten en un gesto, en un destello de brillo en los ojos, en un delicado movimiento de manos.

Es común ver que los personajes femeninos fuertes son rudos; saben pelear y no suelen expresar mucho sus emociones, mientras que aquellos personajes de mujeres sensibles, necesitan de un salvador (hombre, la mayoría de las veces). Sin embargo, y una de las cualidades a resaltar tanto de la novela como de la cinta, es que las hermanas March son amables, sensibles y fuertes; cada una a su manera.

Por ejemplo: Meg desea tener una familia y sabe que aunque sus deseos y sueños difieren de los de Jo, no son menos válidos. Amy es sensible y defiende su derecho de querer casarse con un hombre rico y no se avergüenza de ello. Jo no desea casarse ni enamorarse, pero cuando le sucede, lo toma de la mejor manera y no se siente mal por hacerlo. Mientras que la fuerza de Beth, reside en su amabilidad y timidez.

Mujercitas, tanto en papel como en filme, retrata la vida de cuatro adolescentes cuya fortaleza no está en su cuerpo, sino en su alma, emociones y pensamientos. Las mujercitas de May Alcott y de Gerwig plasman las dificultades que las mujeres experimentan día con día.

Por ejemplo: la lucha de Jo March como escritora en una industria dominada por hombres, fácilmente se puede extrapolar al séptimo arte donde a las mujeres se les ha relegado y olvidado. Históricamente, el cine les ha pertenecido a los hombres; la diferencia de premios y reconocimientos otorgados a los masculinos de esa industria superan con creces el reconocimiento de las femeninas en la misma área.

El estudio It’s a Man 's (celluloid) world: portrayals of female characters in the top grossing films of 2019 confirma lo anterior. El estudio toma en consideración los 100 filmes, en Estados Unidos, con mayor recaudación en taquilla y hace un análisis sobre el papel de las mujeres en dichas películas.

Los resultados son poco alentadores. El estudio revela que el 63% de papeles mayores (personajes instrumentales o fundamentales para el desarrollo de la historia) fueron llevados a la pantalla por hombres; mientras que las mujeres tuvieron una participación del 37%. Además, el 66% de personajes con diálogo fueron hechos por hombres, el 34% por mujeres.

Afortunadamente, en 2019, año del estreno del filme de Gerwig, se alcanzó un nuevo pico histórico: el 40% de estas películas tuvieron protagonistas femeninas, el 43% fueron protagonizadas por hombres y el 17% fueron un ensamble de hombre y mujer protagonistas.

Es decir, durante cientos de años, el espacio del arte ha sido dominado por hombres, y no porque no haya mujeres artistas, sino porque tal y como dice Laurie en las Mujercitas de 2019 “los hombres son quienes designan a los genios (...) para disminuir la competencia”.

Mujercitas de Greta Gerwig es cálida. Ver esta película se siente como sentarse al lado de una chimenea: el crepitar del fuego se convierte en diálogos e imágenes que calientan el alma. Es un bello filme que habla sobre el amor, el matrimonio, la libertad, estereotipos de género, revolución femenina. Mujercitas es una obra de arte creada y narrada por mujeres sobre sus congéneres que ha sobrevivido a los embates del tiempo.

Es por eso que personajes como las hermanas March son tan necesarios: es menester reivindicar y resignificar el papel del género femenino en el cine, en la literatura, en la pintura y en la vida en general. Porque no es justo que las escritoras del mundo - así como Louisa May Alcott - firmen sus escritos con seudónimos masculinos para evitar que sus obras sean víctimas de prejuicios únicamente por el género de quien escribe.

#mujercitas #8m #feminismo #literatura #cine #CINEFILIA #louisa may alcott #emma watson #greta gerwig #womenpower #saoirse ronan #eliza scanlen #florence pugh #capitalcultural #capitaljoven #cdmx #cdmxparatodos #injuve #capitalincluyente

43 notes · View notes

zerounotvadri · 4 years

Photo

SanIldefonsoEnCasa

Programa:

Día Internacional de los Museos

Cada año, durante el mes de mayo, se celebra el Día Internacional de los Museos. En ese contexto, el Colegio de San Ildefonso se suma a este importante festejo, a través de algunas actividades en linea como la sesión de Micrófono abierto virtual Palabras del Margen; #EnTIemposDePandemia que, en esta ocasión, comparte una serie de textos de reflexión y análisis de reconocidos autores, en torno a la situación que viven hoy los museos; un breve recorrido por la historia museológica del recinto, así como la videocharla #LaHoraArquine, donde participarán Eduardo Vázquez Martín (Colegio de San Ildefonso), Alejandra de la Paz (Museo Franz Mayer), Lucía Sanromán (Laboratorio de Arte Alameda) y José María Espinasa (Red de Museos de la Ciudad de México) y el lanzamiento del micrositio Ciudad Insostenible de la @revista.arquine, proyecto en colaboración con San Ildefonso. La cita es el próximo lunes 18 de mayo en nuestras redes sociales.

RECORRIDO VIRTUAL :

https://sanildefonsoencasa.blogspot.com/2020/05/patio-principal-del-colegio-de-san.html

---Roberto Garza---

Cada momento tiene su sonido, silencio y circunstancia. Música para sobrellevar la pandemia comparte un playlist personal. Por segunda ocasión, nos acompaña Roberto Garza conductor y productor del programa de radio BandaSonora101 de Rock101.

-- Escucha aquí su selección musical--

SPOTIFY : https://open.spotify.com/playlist/0azCcMsExyQzKt1XWaMZVx?si=DGuv3dmkT4-NWtL1EWd8lQ

--Hay otro canon literario: autoras hispanoamericanas del siglo XVI al XX--

---Carmen Boullosa ---

En esta cápsula, Carmen Boullosa aborda los cuentos de tradición popular y hace una breve revisión de la obra de María de Zayas (1590-1661), mientras reflexiona en torno a las múltiples voces de aquellas autoras que carecen de crédito y renombre, a pesar de su indiscutible valía literaria.

https://www.youtube.com/watch?v=_nuSbc9Ur6c&feature=youtu.be

#Curso en línea

A la conquista del pasado. Reinvenciones de sor Juana y el Barroco en la obra de Octavio Paz

Imparte:Jorge Gutiérrez Reyna (maestro en Letras de la UNAM)

El Colegio de San Ildefonso invita a todos los interesados a participar en este curso virtual que forma parte del Programa:Octavio Paz en San Ildefonso

Del 26 de mayo al 16 de junio, los martes de 18:00 a 20:00 h

Acceso libre | cupo limitado

Inscripción previa al correo [email protected], envía nombre completo y datos de contacto.

---MAESTROS MURALISTAS---

Encuentros y desencuentros

del muralismo en la Escuela Nacional Preparatoria de San Ildefonso

Entre 1922 y 1927, se realizó casi toda la obra mural de San Ildefonso, sin embargo, significó el resultado de infinidad de incidentes poco conocidos: hubo otros pintores que se mencionan poco, reacciones opuestas al movimiento y un sinfín de contratiempos. En esta entrega se hará una revisión del contexto histórico que caracterizó ese período del arte en México.

LEER MÁS :

https://sanildefonsoencasa.blogspot.com/2020/05/maestros-muralistas_14.html

PDF :

http://www.sanildefonso.org.mx/docs/encuentrosydesencuentros.pdf

#CulturaUNAMenCasa #ContigoEnLaDistancia #CapitalCultural #LaSanaDistancia #SanIldefonsoEnCasa

@SanIldefonsoMx

#contigoenladistancia #capitalcultural #sanidelfonso #LASANADISTANCIA #zerounotv #diadelmuseo

1 note · View note

hapephotographix · 4 years

Photo

DÍA DE MUERTOS - Puzzle Feed No. 19 #diademuertos #cdmx #mexicolindoyquerido #hapePHOTOGRAPHIX #mexico #mexigers #IgersMexico #mexicoturismo #mexico_greatshots #mexicocityofficial #festivaldemuertos #capitalcultural #mexico_great_shots #bestoftheday #photodujour #wanderlust #puzzlefeedhantkemacht #ricohmafia #ricohgriii #mnculturasdelmundo (hier: Museo Nacional de las Culturas INAH - Oficial) https://www.instagram.com/p/B9xJRQXoClC/?igshid=1g5w3dey77719

1 note · View note

mmmgtfo · 4 years

Photo

8 de Marzo del 2020, Aftermath, Ciudad de México. "Los edificios son un símbolo. El acto de destruirlos también. El pueblo da poder a los símbolos. Solo, un símbolo no significa nada, pero con bastante gente volar un edificio puede cambiar el mundo" -Alan Moore en V de Vendetta #cdmx #8M #centrohistorico #Paisajecdmx #mexicodf #CapitalCultural #PhotographySouls #Architecture #Nikon #identidadmexico #UrbanaCDMX #mexicocityofficial #MexicanPhotographer #be_one_city #ig_mexico #feminismo #Cdmx_oficial #amolacdmx #instamex_oficial #instacdmx #tequierocdmx #secturcdmx #mexicotravel #igerscdmx #LOVES_MEXICO #MexicoAndando #Miradas_MX_ #Night #Mexifables #StreetFinder https://www.instagram.com/p/B9itiSNjr9D/?igshid=1itbwcfeku019

1 note · View note

pueblopez · 2 years

Photo

Mañana nos vemos bajo el cielo chintololo 💖 Seguimos llegando con más jornadas culturales a través de Cultura Comunitaria, te esperamos este sábado 13 de noviembre en #CulturaAlAireLibre. Ven y disfruta con todo el sabor de ¡Sácala a bailar con Fumanchú!, la fusión de Los Plátanos Fritos y el teatro de Inimandi títeres. 📍Bajo Puente “La Naranja” - Ignacio Comonfort, San Pedro Xalpa, 02719, Azcapotzalco, Ciudad de México . . . #FestivalesComunitarios #CulturaComunitariaCDMX #CapitalCultural #CiudadCultural #EsperanzaEnCasa (en Azcapotzalco) https://www.instagram.com/p/CWMKs_wPWbp/?utm_medium=tumblr

#culturaalairelibre #festivalescomunitarios #culturacomunitariacdmx #capitalcultural #ciudadcultural #esperanzaencasa

0 notes

iguannarock · 3 years

Photo

Gracias Germán Estrada, Álvaro Saez y a todo el equipo de @casadesalud por abrir el espacio para juntar y hacer cultura 🙌 . . . #iguannaenlaruta #casadesalud #musicachilena #culturachilena #cultura #espaciocultural #negropesimo #rockchileno #culturanacional #concepcion #biobio #chile #noestamosfritos #vamoscontodo #sellolasangre #musicapenquista #cunadelrock #capitalcultural #patrimoniocultural #nosvemosenlaruta #chileanmusic #alsino #compañerismo #nuestramusica #conce #biobiochile #ciudadgotica #musicanacional #musica #iguannarock (en Casa de Salud) https://www.instagram.com/p/CSTE12KrhAr/?utm_medium=tumblr

0 notes

crisis-mx · 4 years

Text

Arte en las nubes

Intervención a fotograma de Holly Motors de Leos Carax.

I- Zoom-in al comfort.

Zoom Video Comunnications se fundó en California, USA, en 2012 por cuarenta ingenieros y su CEO Eric Yuan (袁征) -un empresario chino-estadunidense- luego de renunciar a su trabajo en Cisco. Después de tantos años en activo, ¿qué hizo que esta compañía se popularizara durante esta pandemia (COVID-19) si ya contábamos con otras plataformas para video-llamadas, tales como Google hangouts, Skype, Streaming via Facebook, Instagram o Youtube? Al iniciar el distanciamiento mundial (31 de enero de 2020), Zoom ofreció su servicio gratuito a escuelas y otras empresas (marzo 11) con lo que, con otras jugadas, se posicionó de inmediato como el servidor #1 para encuentros en línea. Hoy Eric tiene una fortuna estimada de 5500 millones de dólares y la empresa vale en la bolsa más que siete de las más grandes aerolíneas según Barchart (mayo, 2020).

Más allá del juego mercantil, ¿por qué no se popularizaron de tal manera los tutoriales o las transmisiones en vivo? Además de permitir gratuitamente el acceso de hasta 100 personas a un encuentro en línea, estas video-llamadas por Zoom, tienen el mismo formato que el teatro tipo Coliseo, donde los espectadores además de atender al evento, pueden ver al resto de asistentes y, más importante hoy, ser vistos.

Este servicio exalta el ego (poco novedoso, estratégico) fusionando las selfies, las clases en línea, los encuentros, las juntas de negocios, tutoriales, transmisiones en vivo, la televisión, conciertos y eventos masivos -por nombrar algunos- que devenían ya asimilados a los cibernautas, volviéndose una plataforma bien amable al ser reflejado; sus herramientas permiten al anfitrión creador de las sesiones, controlar todas las posibilidades de interacción: quién es visto, quién es escuchado, quién puede hablar, quién puede entrar, quién puede participar, quién sale, por cuanto tiempo, y por ende, permanece el modelo de espectadores y espectado(s), orador y escuchas, emisor y receptor.

La discriminación como técnica asegura el triunfo de esta plataforma al gestionar su accesibilidad.

1. Lo obvio es el acceso a los medios: computadora-celular-gadget, internet, acceso a la aplicación, cámara, micrófono, fuente de energía eléctrica, etc.

2. Elitismo: quién(es) son invitados y pueden accesar, quiénes pueden pagar su ingreso, quién está interesado, quién es bienvenido, etc.

3. Tiempo-espacio: rápidamente se llenaron las agendas de todos. Tiempo es dinero; es importante anotar quiénes cuenta con el tiempo y espacio para asistir a los eventos. Internacionalmente es menester asegurar las zonas horarias, teniendo que madrugar o desvelarse en ocasiones.

4. Lenguajes: desde el computacional básico, como el de la internet o la aplicación Zoom hasta los diversos idiomas hablados-escritos, los medios usados para ser parte de ciertos encuentros, importan mucho.

Seguramente hay más por agregar y en un futuro estas particularidades aumentaran. Parte del éxito de estos encuentros virtuales yace en la alienación y una dicotomía entre la conexión-desconexión social. Triunfa porque tenemos control corporal desde la imagen, tenemos la comodidad de asistir a clase con una taza de té en la terraza o estar en junta de trabajo con camisa y sin pantalones mientras se observa el celular; se tiene más confort individual mientras la policía que vigila son los asistentes que monitorean en tiempo real, formando un hermoso panóptico bidimensional. Inclusive se evitan los disgustos que tanto han acomplejado al humano en la sociedad, como ejemplo, el cuerpo. Esta libertad no tardará en ser detectada. Ahora mismo, aquí, poco importa tu raza, altura, peso, olor, energía; las miradas, la atención, tu aura, afecto; luce como el triunfo de los despreciadores del cuerpo.

Intervención a fotograma de The Square de Ruben Ostlund.

II- Alzando los negocios del arte visual. Cubo blanco.

Nos alistamos para la inauguración de esta noche. Wi-fi, encendido, acceso por la liga web, registro en la plataforma huésped, entramos y no hay personas pero sí avatares, charlando o contemplando las obras de arte que se disponen todavía en paredes falsas o sobre un suelo vacío, incluso colgando de un ficticio arriba; agendada tenía media hora para observar todas las salas, con detalle cada pieza y la información de estas, apuntando sus precios rebajados para llenar un espacio vacío de mi sala, buscaba una pequeña pintura o fotografía. Estuve tan solo 8 minutos.

Al igual que los eventos de Zoom, las exposiciones, ferias y museos exhibidos en la internet, extraen lo más fielmente posible las salas de exhibición, animando en tres dimensiones lo que habríamos de vivir estando presentes, y la pandemia legitimó el uso debido, optimizado, ya antes propuesto, de programar eventos tales como muestras de arte contemporáneo. En la agenda publicitaria ya era algo común que un cliente visualizará con lentes de realidad aumentada cómo impactarían sus anuncios en la calle, caminando o andando en coche -lo mismo da al ser una ficción incorpórea-.

La tradición del cubo blanco en el arte contemporáneo parece hoy más estable e inamovible cuando, teniendo la oportunidad de explorar el mundo de la realidad virtual insustancial desprovista de cuerpo, se impone repetidamente el fiel y seguro método de establecer las piezas de arte en superficies contrastantes a estas con la intención de diferenciar nítidamente qué consideran arte y qué no, qué esta dentro de la sala, qué se vende, quién expone. El objetivo de perpetuar las exhibiciones y sus “inauguraciones”, es sin duda movilizar los mercados dentro del arte que, de otra manera, comenzarían a mover sus capitales a otras áreas más rentables que el de la compra-venta de capitales artísticos que necesitan de la socialización como métodos para concretar transacciones. Por otro lado, quienes aún no conforman su mercado, estarán a expensas de simplemente difundir con imágenes, videos, textos u otros archivos -como ya se hacía antes- sus producciones, buscando distintos medios y estrategias para movilizar sus propuestas.

El panorama, aunque poco prometedor para la mayoría de agentes involucrados, brinda la oportunidad para explorar áreas de colaboración, co-producción y cooperación que, de otro modo, en el ya establecido, seguiríamos expuestos a la interminable competitividad que deviene en perder-perder.

Kunstmatrix. https://www.kunstmatrix.com/en

III- Desmantelando los negocios en la institución del arte.

En el ámbito de la institución del arte no significa un cambio radical el visitar de forma virtual una feria, bienal, inauguración de museo o galería como consumo cultural, vivencial o visual, pero sí en su sector económico, pues aniquila los costos de producción física como la renta de un espacio, personal que labore, almacenaje de obra, transporte, aduanas, embalaje, montaje, seguridad, desmontaje y una larga serie de servicios arraigados a este tradicional modelo expositivo, que cambia sus servicios requeridos a un número menor de implicados, tales como el registro fotográfico de obra, modelado tridimensional, programadores web, codificadores, y un plataforma que brinde el servicio de montaje de obra. Se economiza la difusión de arte en su capital económico tanto como en el capital material de bienes y servicios necesitados.

Esta reducción de costos brinda eficiencia en los negocios, tanto como el corte del público consumidor de arte reducirá el valor cultural de las sociedades, minimizando el ya pequeño sector de personas que interactuaban en dichos eventos. El recordatorio es: en el arte, la institución del arte es controlada por muy pocas personas para consumo de grupos pequeños interesados en su consumo; no del consumo contemplativo cultural pero sí el de posesión, manejo, dirección y gestión de los objetos artísticos. La élite se especializa al distinguirse, desposeyendo incluso a los ahora evidentemente frágiles proyectos estatales o privados, los museos y galerías.

Figura 1: Andrea Fraser, «Index», publicado de forma anónima a Artforum (verano 2011), p. 431. Producido para 24 Advertisements, un proyecto de Jacob Fabricus, con la colaboración de Santiago Pérez Gomas-de Silva, Studio Manuel Raeder, en el diseño.

Todos quienes conformamos el organismo de la institución del arte estamos a expensas de un sinnúmero de agentes, entre ellos los coleccionistas, los poseedores de un gran capital cultural; nos encontramos dispuestos a sus demandas e intereses. La competencia se ha reanimado, la lucha por formar parte del 1% en la institución se intensifica con la carencia del capital económico y humanitario, el aumento de personas buscando ser parte del grupo, aumenta los ceros a la derecha del punto (0.000001%), tan sólo siendo aptos para contemplar las decisiones autoritarias de los dueños de ese capital que controlan sus posesiones, lo que tras muchas generaciones les ha pertenecido y que, ilusoriamente, conforma un capital cultural humano.

“No es cuestión de estar en contra de la institución. Nosotros somos la institución. La cuestión es qué clase de institución somos, qué clase de valores institucionalizamos, qué formas de práctica premiamos y a qué clase de premios aspiramos.” -Andrea Fraser

El sector de las artes visuales tiene una copia de su espectro guardado en bits, sus eventualizaciones mutan mientras las complejas relaciones sociales se distancian corporalmente. Es el momento perfecto para que las colecciones privadas obtengan piezas pertenecientes a los necesitados museos. Aunque nos encontremos en el 1% lejano al 0.00000001%, toda decisión que tomemos y efectuemos es de ineludible importancia, desde nuestras producciones, relaciones, eventos, visitas, charlas, lecturas y exhibiciones, hasta la totalidad de nuestro consumo; ¿qué vemos, qué escuchamos, qué visitamos, qué leemos, a quién seguimos, quiénes apoyamos, qué criticamos, qué callamos, qué no hacemos, qué pensamos, qué olvidamos?

Más allá de temer porque se reduzca un público especializado en el consumo de capital cultural, habremos de prestar atención a los pilares de la economía naranja, ¿quiénes están produciendo? Si bien todos somos consumidores en distintos grados, las personas, colectivos, empresas o demás figuras que mantienen la producción cultural, intelectual o artística, se incrementa con el desarrollo de organizaciones que permiten colaborar y producir en redes de apoyo mutuo. En países como México, donde a pesar de todos los apoyos gubernamentales y privados, la oferta de incentivos a la creación es insuficiente, sobresalen los diversos modelos de creación no basadas en el intercambio monetario sino de valor simbólico, a decir, de la coproducción, colectivos, cooperativas, grupos y organizaciones convocadas por creadores para sostenerse a través de intercambios de valor simbólico.

La economía naranja, también llamada economía del conocimiento, es una serie de actividades en la que se invierten ideas, saberes y talentos, para la producción de bienes y servicios culturales.

Esta nace de la fusión entre la economía cultural y la economía creativa.

La economía naranja permite unificar el talento de dos o más personas, para crear un producto de alto valor intelectual. Utiliza el naranja porque es un color que se relaciona con la cultura, la identidad y la creatividad.

Este tipo de economía está presente en ámbitos culturales tales como artes visuales y escénicas, artesanías, cine, producción, música, moda, espectáculos, etc.[i]

Cuando analizamos la cambiante estructura de la producción cultural/artística, observamos que, si bien hasta ahora un sistema creativo basado en el capital simbólico es viable, aún queda por cubrir efectivamente el factor de intercambio de capital económico monetario. En los espacios independientes de exhibición de arte, por ejemplo, puede realizarse una exhibición donde “gratuitamente” se invita a un colectivo de artistas a desarrollar una exposición. Entonces, hay primariamente una transacción de valor simbólico y de capital cultural tanto para el proyecto huésped tanto como para el proyecto invitado sin capital monetario de por medio, mientras este capital, es invertido en el montaje (clavos, tornillos, electricidad, renta, publicidad, etc.), en la producción y traslado de obra. Es decir, que coexisten distintos capitales en la economía naranja aún cuando esta no presuponga en primera instancia el factor dinero. ¿De dónde se obtendría después ese capital para subsistir?

Bassier. Marjan Moghaddam. Nowness experiments.

Las múltiples opciones van desde las burocráticas, como aplicar a becas, apoyos, subsidios, concursos o fondeos; las de compra-venta como oferta de libros, piezas, conciertos o funciones; las de acogimiento, como ser un proyecto invitado a participar en festivales, encuentros, eventos, exhibiciones o actividades donde la organización huésped cubre los gastos además de ofertar otros capitales. En los modelos patrimonialistas, difusionistas y democráticos[ii] impera inextricablemente el sistema competitivo, apoyado por el capitalismo actual, que sí incentiva abiertamente de forma social y política, económicamente, a través de múltiples valores convenidos. Este factor conduce a la institución de creadores a replicar el sistema capitalista, ejecutando prácticas siempre en conflicto con el fin de debatir el poder legitimado por los mismos creadores. Esta serpiente que muerde su cola, desvalida, niega y reprime con la intención final de componer un breve colectivo que domina al resto. La tarea es, quizás, recomponer la producción y distribución en sistemas descentralizados de fuente abierta que permitan la libre creación y gestión de ideas, productos, proyectos y quehaceres en beneficio de las sociedades a las que pertenecen con la apertura a colaborar con otros organismos de su misma índole, pues en el compartimento, la eficaz y más hábil manera de evolucionar como institución creativa, puede llegar de la mano de autonomía pacífica organizada.

(…) hace un par de años un grupo de economistas comenzó a buscar en esos índices comparativos no simplemente la prueba del valor como inversión del arte, sino una explicación de su estructura de precios. William N. Goetzmann, Luc Renneboog y Christophe Spaenjers sospecharon que los rendimientos del mercado de acciones tienen de hecho un impacto directo sobre los precios del arte al incrementar el poder de compra de los más ricos. Para confirmarlo compararon los precios del arte con las mediciones de la renta. Como señalan en su artículo «Art and Money», su análisis no halló una correlación entre la rentabilidad del arte y las «variables de renta genéricas (como puedan ser el PIB o la renta personal total)» sino única- mente con la desigualdad de renta: los precios del arte no suben cuando la sociedad en su conjunto se hace más rica, sino solamente cuando aumenta la desigualdad entre las rentas. Su análisis sugiere que «un incremento del 1% en la porción de renta total ganada por el 0,1% más elevado de la población desencadena un incremento de los precios del arte de alrededor del 14%». Y concluyen: «Realmente es el dinero de los ricos el que empuja al alza los precios del arte. Esto significa que podemos esperar fuertes subidas del arte cada vez que la desigual- dad de ingresos aumente rápidamente. Lo cual es exactamente lo que presenciamos durante el último periodo de fuertes revalorizaciones de los precios del arte entre 2002 y 2007.» [iii] [iv]

Descentralizar los evolucionados sistemas artísticos es actividad menester mas no obligatoria de toda persona involucrada en la institución del arte, de toda transacción efectuada, y los <<cómo hacerlo>> se están reconfigurando, los <<quiénes>>, serán quienes coproduzcan acertadamente los <<porqués>>.

Tanto si elegimos participar en esta economía como abandonar por completo el terreno del arte, al menos tendríamos que dejar de racionalizar esa participación en nombre de unas prácticas artísticas críticas o políticas, o incluso —para colmo— de justicia social. Cualquier alegación de que representamos una fuerza social progresista mientras nuestras actividades están siendo costeadas por los agentes motores de la desigualdad tan solo puede contribuir a justificar esa desigualdad: es la (no tan) nueva función legitimadora de los museos de arte. Hoy la única «alternativa» es reconocer nuestra participación en esa economía y hacerle frente de manera directa e inmediata en todas nuestras instituciones, incluidos museos, galerías y publica- ciones. A pesar de la retórica política intransigente que tanto abunda en el mundo del arte, la censura y la autocensura campan a sus anchas cuando toca enfrentarse a sus condiciones económicas, excepto en aquellos foros marginados (a menudo automar- ginados) donde no hay nada que perder —y poco que ganar— cantándole las verdades al poder. [v]

-Louise Lafont.

Octubre, 2020; CDMX, México.

CRISIS.

Editado por C. Blaum.

Todos los derechos reversados.

[i] Economía naranja. Enciclopedia económica. https://enciclopediaeconomica.com/economia-naranja/ Consultado el 10 de octubre de 2020

[ii] Néstor García Canclini. Políticas culturales en América Latina. México: Grijalbo, 1987.

¿Es la CDMX en su modelo de sistema de distribución de arte la nueva Berlin?

[iii] William N. Goetzmann, Luc Renneboog, Christophe Spaenjers. Art and Money. Yale School of Management Working Paper, núm. 9-26. USA: YSMWP, 2010.

iv, [v] Andrea Fraser. L´1% C´est moi. Publicado anónimamente como “Index”en Artforum, Verano de 2011. Disponible en https://toddusandronicus.files.wordpress.com/2012/01/andrea-fraser-1.pdf Consultado el 20 de octubre de 2020.

#art #arthistory #economianaranja #zoom #artexhibition #artplatform #capitalcultural #arteinstitucional #arteonline #vernisagge #artecritico #criticadearte #mexico #criticainstitucional

1 note · View note

dclife · 4 months

Photo

This striking painting of Urban Life in Washington, D.C. captures the essence of the city's ethereal landscape. Created with a unique combination of colors and brushstrokes, it features a deep navy blue (#2D2A33), a dark grey (#575358), a beige (#D2CBAF), a light grey (#B9BCB6) and a muted pink (#EDF1FF). The blend of colors captures the vitality and energy of the urban alley, with each brushstroke conveying a mix of emotions and experiences from the city's street life. A surrealist painting such as this can be found in museums, galleries, or unique boutique stores, making it a great addition to any fine art collections. Whether you love modern art, graffiti, or the city itself, this art canvas offers a beautiful way to express your love for the nation’s capital. #BlackArt #Surrealism #WashingtonDC #UrbanLife #Graffiti #FineArt #DCUrbanAlley #DCPainting #CapitalCulture #WidththeD #WashingtonDCArt #MuseumsGalleries

0 notes

danzadance · 4 years

Photo

El Centro Cultural @OllinYoliztli invita a todas las personas interesadas en en participar en el proceso de selección de Aspirantes a la #Escuela de #Danza de la Ciudad de México. Checa las bases: bit.ly/303JqGm #danzacontemporanea #ballet #danzaclasica #bailarina #bailarín #dancer #CapitalCultural de América. #QuédateEnCasa https://www.instagram.com/p/CBL4K85A5SP/?igshid=w6ghdnqf6yt8

#escuela #danza #danzacontemporanea #ballet #danzaclasica #bailarina #bailarín #dancer #capitalcultural #quédateencasa

0 notes

platformadeartevizuale · 2 years

Photo

#capitalcultural #visualarts #contemporaryart #artsplastiques #participatoryart #documenta15 #fits #sibiu #internationaltheatrefestival #drawing #performingarts #performance #videoinstallation #videoart #sculpture #installation

0 notes

pasalachido-cdmx · 3 years

Text

LA CIUDAD QUE FUE: LOS PARQUES ACUÁTICOS ABANDONADOS EN CHAPULTEPEC

Texto por Victor CT

Datos por Alexis Palma

La ciudad ha cambiado de sobremanera a lo largo de los años; lugares nuevos llegaron, otros pasaron a formar parte de lejanos recuerdos, nostálgicos para el que le tocó disfrutarlos y una curiosidad para los que saben que existieron a través del anecdotario colectivo.

Este es el caso del Parque Atlantis y el balneario La Ola, que posteriormente pasaría a llamarse El Rollo, espacios contiguos que fueron unas de las principales opciones recreativas para los chilangos en los años 80 y 90. Ubicados en la Tercera Sección de Chapultepec, estos sitios enfocados a las actividades acuáticas cerraron entre diversos problemas administrativos.

Las instalaciones quedaron en total abandono, tornándose un punto de interés con el pasar de los años para los exploradores urbanos que deciden echar un vistazo a estos silenciosos vestigios de lo que algún día fuera un sitio lleno de vida.

Por el lado de Atlantis, la enorme pared que solía recibir a los visitantes con el logo plasmado se alza agrietada, precedida del acceso provisional que te lleva directo al corazón del inhóspito parque. Entre figuras empolvadas de animales y muros desgastados, el primer lugar que llama la atención es un gran domo que en su interior no guarda más que escombros y un profundo eco.

El lugar tenía además la llamada Gruta Marina, un pequeño museo donde se educaba sobre diversas especies con exposiciones especiales que llegaban a incluir esqueletos de grandes mamíferos como las ballenas. También disponía de una zona de acuarios donde se podía conocer gran variedad de peces.

Al centro, una profunda fosa se asoma con agua estancada dentro de ella y una pelote playera que se mueve empujada por el viento, como uno de los últimos remanentes de lo alguna vez que fuera su principal atracción: el estanque de los delfines.

Este punto que antaño fuera el de mayor interés, hoy luce rodeado de Graffiti y unas solitarias gradas púrpura desde las cuales se contemplaba el show de los lobos marinos.

Durante sus últimos años también se ofertaba la delfinoterapia para personas con discapacidades motrices, además de fungir como sitio de fiestas infantiles. Finalmente el parque cerró en 2012 tras el anunció una remodelación que nunca se realizó.

En la parte que correspondía al Rollo aún se aprecian los toboganes, con capas de polvo y hojas secas que hacen increíble pensar que aquí había grandes aglomeraciones durante su momento de mayor éxito. Secciones como las regaderas yacen sin techo, pero ampliamente intervenidas por dibujos muy llamativos, al igual que la taquilla donde alguno que otro murciélago aprovecha la quietud para descansar.

La que fuera la alberca de olas aún conserva agua acumulada por el paso del tiempo, con un sonriente cocodrilo que parece resguardar uno de los sitios más amplios dentro de las instalaciones abandonadas. Curiosamente, aquí el agua no luce tan solitaria como en el caso de Atlantis, ya que se puede observar el brincoteo de los renacuajos que hicieron de esta área su hogar.

Utilería desgastada entre la maleza, el eco constante que retumba en cada una de las paredes vacías y la sensación de que alguna vez fue un sitio reluciente vuelven de este sitio uno de los puntos más interesantes de la Ciudad, recordándonos de lo implacable del tiempo, no solo por el desgaste material en sí, sino por los momentos que aquí se vivieron y ahora no son más que recuerdos.

*La zona es propiedad privada y se requiere un permiso especial para visitarla sin mayor contratiempo*

12 notes · View notes