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samuelalvis777 · 7 months

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Literatura Contemporánea venezolana

Uno de los movimientos literarios más destacados es el realismo mágico, influenciado por Gabriel García Márquez y su obra "Cien años de soledad". Autores venezolanos como Arturo Uslar Pietri y Gabriel García Márquez mismo, quien vivió en Venezuela durante un tiempo, exploraron este estilo en sus obras.

En cuanto a los autores importantes, destacan Rómulo Gallegos, considerado uno de los padres de la literatura venezolana moderna, cuya novela "Doña Bárbara" es un clásico de la literatura latinoamericana. También tenemos a Miguel Otero Silva, autor de "Casas muertas", una obra que retrata la decadencia de una hacienda venezolana.

En la poesía, destacan autores como Andrés Eloy Blanco, quien escribió poemas con un lenguaje sencillo y emotivo, y Eugenio Montejo, cuya poesía se caracteriza por su profundidad y reflexión sobre la identidad y la naturaleza.

En la literatura contemporánea venezolana, encontramos a autores como Alberto Barrera Tyszka, cuya novela "La enfermedad" aborda temas como la enfermedad y la muerte en la sociedad actual. También está Karina Sainz Borgo, autora de "La hija de la española", una novela que reflexiona sobre la violencia y la migración.

En resumen, la literatura contemporánea de Venezuela surge en la segunda mitad del siglo XX, destacándose por su diversidad temática y estilística. Autores como Rómulo Gallegos, Arturo Uslar Pietri, Miguel Otero Silva, Andrés Eloy Blanco, Eugenio Montejo, Alberto Barrera Tyszka y Karina Sainz Borgo han dejado una huella importante en la literatura venezolana con sus obras.

La literatura contemporánea de Venezuela abarca el periodo desde mediados del siglo XX hasta la actualidad. Durante este tiempo, la literatura venezolana ha experimentado diversas transformaciones y ha reflejado los cambios políticos, sociales y culturales que han ocurrido en el país.

Tras la caída de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez en 1958, Venezuela vivió un período de democracia que permitió la libre expresión de ideas y el surgimiento de nuevas voces literarias. Autores como Rómulo Gallegos se destacaron con obras como "Doña Bárbara", que retrata la vida en las llanuras venezolanas y aborda temas como la violencia y la lucha por el poder.

A lo largo de las décadas siguientes, la literatura venezolana se diversificó en términos de temáticas y estilos. Surgieron escritores como Francisco Massiani, cuya novela "Piedra de mar" se convirtió en un referente de la literatura urbana y juvenil, explorando la vida en la ciudad de Caracas y la búsqueda de identidad.

En la década de 1980, la realidad sociopolítica de Venezuela comenzó a influir en la literatura contemporánea. El Caracazo, una serie de protestas y disturbios sociales en 1989, marcó un punto de inflexión en la forma en que los escritores abordaban la realidad del país. Temas como la violencia, la corrupción, la pobreza y la desigualdad se volvieron recurrentes en las obras literarias.

La literatura feminista también ganó fuerza en Venezuela. Escritoras como Gioconda Belli, de ascendencia venezolana, publicaron obras como "La mujer habitada", que aborda temas de opresión y liberación femenina en el contexto de la lucha revolucionaria en Nicaragua.

En tiempos más recientes, la literatura venezolana ha reflejado la crisis política y social que ha afectado al país. Autores como Édgar Ramírez, Rodrigo Blanco Calderón y Karina Sainz Borgo han abordado la realidad de la juventud venezolana, la corrupción política y las dificultades cotidianas en sus obras literarias.

La literatura contemporánea de Venezuela ha sido reconocida tanto a nivel nacional como internacional. Varios escritores venezolanos han ganado premios literarios importantes y han logrado una proyección internacional, contribuyendo a la diversidad y riqueza de la literatura latinoamericana.

LINEA DEL TIEMPO

1958: Se establece la democracia en Venezuela después de la caída de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez. Este período marca un cambio significativo en la literatura venezolana, permitiendo la libre expresión de ideas y el surgimiento de nuevas voces literarias.

1960: Se publica "Doña Bárbara" del escritor Rómulo Gallegos. Esta novela, considerada una de las más importantes de la literatura venezolana, retrata la vida en las llanuras venezolanas y aborda temas como la violencia, la corrupción y la lucha por el poder.

1970: Se publica "Piedra de mar" del escritor venezolano Francisco Massiani. Esta novela se convierte en un referente de la literatura urbana y juvenil en Venezuela, explorando temas como el amor, la amistad y la búsqueda de identidad en el contexto de la ciudad de Caracas.

1989: Se produce el Caracazo, una serie de protestas y disturbios sociales en Venezuela. Este evento tuvo un impacto significativo en la literatura venezolana, ya que muchos escritores comenzaron a abordar temas sociales y políticos en sus obras, reflejando la realidad del país.

1992: El escritor Édgar Ramírez publica "La casa de las dos palmas", una novela que retrata la historia de Venezuela a través de varias generaciones de una familia. Esta obra es considerada una crónica del siglo XX venezolano y aborda temas como la dictadura, la violencia y la corrupción.

1994: Se publica "La mujer habitada" de Gioconda Belli, una escritora nicaragüense de ascendencia venezolana. Esta novela, ambientada en la lucha revolucionaria de Nicaragua, también aborda temas de opresión y liberación femenina, convirtiéndose en un referente de la literatura feminista en América Latina.

2006: Se publica "La soberbia juventud" del escritor venezolano Rodrigo Blanco Calderón. Esta novela, ganadora del premio internacional de novela Rómulo Gallegos en 2013, retrata la realidad de la juventud venezolana en medio de la crisis política y social del país.

2010: Se publica "Las reputaciones" de Juan Gabriel Vásquez, escritor colombiano de ascendencia venezolana. Esta novela, ambientada en Bogotá, aborda temas como la memoria, el poder y la culpa, y se convierte en un éxito internacional.

2019: La escritora Karina Sainz Borgo publica "La hija de la española", una novela que retrata la realidad de Venezuela en medio de la crisis política y social. Esta obra, aclamada por la crítica, se convierte en un éxito internacional y consolida a Sainz Borgo.

#literature #venezuela #colegio #contemporia

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peligrosapop · 1 year

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Feminist protest in Puerto Rico “Desplaced no more”

Protesta feminista en Puerto Rico

#feminist #feminism #international working women’s day #dia internacional de la mujer #dia internacional de la mujer trabajadora

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jartitameteneis · 1 year

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‘Yo no soy esa’, el himno feminista de Mari Trini en el que miles de mujeres encontraron consuelo

La compositora murciana fue la primera mujer en salir al escenario de TVE con pantalones, un atrevimiento que le valió muchas críticas y suspicacias que los periodistas de la época no se callaron.

AMANDA ROJ0

La vida de María Trinidad Pérez de Miravete-Mille y Pascual de Riquelme, más conocida como Mari Trini (Murcia, 1947-2009) no fue fácil, pero la artista supo convertir la necesidad en virtud. El primer contratiempo al que se enfrentó tuvo lugar cuando aún no había cumplido 10 años y supuso el comienzo de su carrera. Porque a aquella muchacha, que procedía de una familia aristocrática, la acechó una nefritis crónica que la mantuvo postrada en cama durante años. “No recuerdo si fueron cinco o seis. Solo sé que entré en aquella habitación como una niña y salí con sostén”, confesó en un programa de televisión en pleno siglo XXI.

Y fue durante aquel periodo de su infancia que pasó tan sola, años de comidas sin sal y frascos de colonia con los que sus padres le lavaban le pelo, cuando Mari Trini empezaría a componer sus primeras canciones. Pero los días eran largos y las distracciones pocas. Por suerte, también encontró consuelo leyendo y escribiendo poesía, demostrando ya entonces una sensibilidad que después estaría presente en las letras de sus canciones.

Yo no soy esa, que tú te imaginas

Para Miguel Ángel Bargueño, periodista y autor de Las chicas son rockeras (Libros Cúpula, 2019), la compositora “supo como nadie diseccionar los sentimientos femeninos, hablando tanto por las que sufrían como por las que no se dejaban avasallar”. Lo hizo en uno de sus temas más conocidos Yo no soy esa (1971), versionado recientemente por La bien querida, un himno que todavía resulta moderno y que sigue apelando a mujeres de todas las edades (y preferencias afectivo-sexuales).

“La canción tiene una historia bastante curiosa”, nos cuenta Bargueño. “El éxito de su álbum Amores (1970) la llevó a actuar sin descanso por España, Europa y Latinoamérica, y a la hora de grabar Escúchame (1971) ocurrió algo bastante habitual entre los músicos: que no tenía canciones suficientes. Así que, para solventarlo, recurrió a versiones de Brel, Becaud o Edith Piaf, pero seguían sin ser suficientes. Entonces, su productor, Rafael Trabucchelli, desempolvó los dos EP que Mari Trini había grabado para EMI Francia en 1965 y consideró una buena idea volver a grabar Ce n’est pas moi, incluida en el segundo de esos EP».

Ese Ce n’est pas moi se convertiría en Yo no soy esa, una adaptación a la española que se grabaría con arreglos de Miguel Ramos en los míticos estudios de Hispavox de la calle Torrelaguna. “Cuando se publicó en 1971, hasta cierto punto ya era una canción antigua. Es de suponer que la compuso durante su estancia en París y claramente estaba muy influida por los grandes de la Chanson y el pop de Françoise Hardy”, apunta Bargueño.

Antes, Mari Trini había pasado por Londres, donde encontró trabajo tocando la guitarra en un programa de televisión de la BBC 2. Pero fue París la primera ciudad que la acogería fuera de España y la que más la influyó musicalmente: allí conoció a maestros de como Jacques Brel, Gilbert Bécaud o Léo Ferré, influencias que la llevaron a escribir ese himno que aún sigue resonando en nuestras cabezas.

“Este periplo formativo y su propio carácter rebelde forjaron un estilo único e ingobernable que alcanzó su cota más alta en Yo no soy esa”: una canción feminista que describe a una mujer libre, que se escabulle del dominio masculino, que es autónoma y que exige ser amada por cómo es. Un tema que pasó el filtro de la censura solo porque se consideró demasiado ambiguo”, recuerda Bargueño. El creador y artista Paco Clavel, que tuvo la oportunidad de conocerla, lo considera tambiénun referente. “En esa época ya había surgido la canción protesta, pero esto era más sutil, más personal, más intimista”.

Pero la rebeldía de Mari Trini no solo estaba presente en sus letras: ese estilo ingobernable también se reflejaba en su carácter. La música nunca aceptó las propuestas poco razonables de ejecutivos, casas de discos y representantes. “El sello RCA quiso lanzarla como cantante pop de rostro angelical, con canciones de otros compositores como Aute, Juan Carlos Calderón o Patxi Andión, pero ella ya tenía un repertorio propio”, nos cuenta Bargueño. “El director de la casa de discos dijo que una mujer no era capaz de componer canciones, así que no prestó atención a mis temas”, recordaría también Mari Trini en una entrevista.

Por suerte, aquello no prosperó y en Hispavox pudo desarrollar su talento. “Yo siempre he dejado un margen de imaginación para que la persona que escuche la canción ponga su final. En aquel momento, muy pocas mujeres opinaban de política. Eso sí, tenían que vestirse muy bien y salir muy bien. Aun así, mis canciones no adquirieron la dimensión que adquirieron las de Serrat, las de Patxi…”, lamentaría la música años después.

Porque entonces, las mujeres podían escribir “cartas a sus amigos”, pero no poemas ni canciones. Con todo, ella consiguió hacerlo: su primer álbum, Amores (con la canción Ayúdala que dio lugar a gran cantidad de especulaciones porque muchos consideraban que podría hacer referencia a un trío), era un trabajo muy intimista y con letras en donde el amor se situaba siempre en el centro. Un sentimiento que Mari Trini colocó en lo más alto de su pirámide vital hasta el final de sus días: “La calidad de vida se centra en el amor”, sentenciaba.

Pantalones, smoking y pajaritas de terciopelo

Mari Trini también fue la primera mujer en aparecer en Televisión Española con pantalones; concretamente, con unos vaqueros. Una decisión que no fue casual: la artista se oponía a la exaltación de la sexualidad a la que todas las cantantes se veían abocadas. “Su música, con ese aire intelectual, tampoco invitaba al escote y la minifalda”, reconoce Bargueño. Durante sus comienzos, tenía un punto más afrancesado, que cambió con el tiempo. “Ella llevaba pantalones cuando entonces lo que se estilaban eran las minifaldas, el minishort, las maxifaldas…”, recuerda Clavel.

El cantante y pinchadiscos cita a una de sus coetáneas, la poeta Gloria Fuertes, que era amiga de Mari Trini y a la que incluso le dedicó un poema. La madrileña apareció en TVE con pantalón, camisa y corbata. Y aunque Mari Trini tardó algunos años en virar su estilismo hacia uno más arriesgado y fuerte, sus comienzos también fueron interesantes. Lo desarrolla Juan Sánchez, documentalista y colaborador de Clavel en diversos programas musicales. “Me gustaba mucho su imagen porque era diferente. La recuerdo con maxivestidos de flores. Llevaba un estilo como hippy sofisticado, pasado por París. Pero la Mari Trini de los ochenta cambió bastante: tenía el pelo más corto y una imagen más ambigua, con chaquetas con hombreras, a veces con smoking…”. Y las pajaritas de terciopelo negras estaban también presentes.

Décadas después, Mari Trini sentenciaría que estaba decidida a triunfar en la canción vestida de negro de la cabeza a los pies. “Me vestí de negro reivindicado a los existencialistas, y para demostrar que sin falda se podía triunfar y trabajar”. Rocío Saiz, cantante y música, reconoce que Mari Trini siempre ha sido una importante referencia para ella; no solo musical, también estética. “Desde el principio de mi carrera, he tenido muy claro que en los conciertos iba a ir con traje. Y lo tengo claro gracias a ella, a Patti Smith, y a otras mujeres que han reventado el género en la moda, que se han adueñado de eso que llaman masculino. Porque no tenemos por qué ir codificadas y sexualizadas solo por ser mujeres”.

Esa imagen, que no buscaba agradar a nadie, se unió a un gesto característico de la cantautora, resultado de la mala praxis de un médico. “A los 17 años, tuve una sinusitis y al cirujano se le fue la tijera y me dejó con la boca mirando hacia Soria”, contó Mari Trini. Sin embargo, y, a pesar de tener una imagen fuerte y las ideas claras, todos los que la conocían coinciden en que era una persona muy sensible, tímida y con principios muy férreos. “Escuchar a Mari Trini cantando esas letras, con su tono de voz un poco tembloroso, tan cálido y con ese toque dramático, me caló muy hondo. En los setenta no dejaba de ser una mujer frágil, que sentía mucho el amor y el desamor, de una gran sensibilidad. Luego en los ochenta asumió una actitud más dura, pero igual de vulnerable”, recuerda Juan Sánchez.

Una vida en el armario

Mari Trini nunca fue completamente libre; fue discreta con respecto a sus sentimientos porque no tenía otra opción. Durante cuarenta años, mantuvo una relación con la que oficialmente ejercía como su secretaria personal, Claudette Loetitia Lanza, a la que conoció en Madrid, y que estuvo con ella hasta el día de su muerte, en 2009. “Mari Trini andaba un poco a caballo entre Madrid y Barcelona. Allí frecuentaba lugares de ambiente de mujeres, porque en la capital catalana había un rollo lésbico muy interesante, [y había] muchos clubes de lectura. A las lesbianas antes las llamaban las libreras”, nos cuenta Rocío Saiz. De hecho, Mari Trini se dejaba caer por el Daniel’s, el primer local de Barcelona para lesbianas, donde además sonaba su música.

Era en la época en la que vivía en Sant Pol de Mar. Lo recuerdan en la minibiografía que forma parte de Desconocidas y fascinantes. “Mari Trini nunca hizo declaraciones sobre sí misma, ni sobre su orientación sexual, pero de la manera en la que mostraba su personalidad no era muy difícil intuir que sería gay o bisexual. También por sus canciones y por su actitud, que era totalmente diferente a todo lo que estaba en el candelero en ese momento”, reconoce Clavel. Por su parte, Saiz considera que Mari Trini se protegía para no perderlo todo. “No eres más valiente por salir del armario”, apunta. “Pero no por eso Mari Trini era menos honesta. Ahora la etiqueta de lesbiana sirve para vender discos, pero antes te la tenías que quitar. Para nosotras Mari Trini es un estandarte”, sentencia.

Sobre esto, Isabel Franc, prolífica novelista (con su primera obra, Entre todas las mujeres, quedó finalista en el XIV Premio La sonrisa vertical) y profesora en el máster en Género y Comunicación en la Universidad Autònoma de Barcelona, reconoce que Mari Trini era una especie de mito para la comunidad lésbica. Y apunta hacia una nueva interpretación de Yo no soy esa: “Para nosotras, era un himno; ese ‘yo no soy esa’ era una manera de decir que ella no era como el resto de mujeres heterosexuales”.

Porque Mari Trini no renunciaba a sus canciones para expresar cómo se sentía. “Jugaba con una absoluta ambigüedad. Recordemos que en la época aún existía la ley de peligrosidad social, una medida que no fue derogada completamente hasta 1995, y que declaraba “en estado peligroso” a los vagos, los proxenetas y “los que realicen actos de homosexualidad”, entre otros. Dicho de otra manera, declararse lesbiana no era una decisión que una mujer pudiese tomar.

Lo que sí que existían eran las especulaciones. En los medios de comunicación del momento, el tema de su sexualidad se deslizaba con mayor o menor acierto. El periodista José María Íñigo le dijo en una ocasión mientras la presentaba: “Tú tienes un gran secreto que nunca has querido contar, que nunca quieres contar y que seguramente no vas a contarme, naturalmente”. Por suerte, su interlocutora estaba más que acostumbrada a estas preguntas y sabía cómo salir victoriosa. “Sí, sí, yo te lo voy a contar. Yo tengo un secreto que es ser optimista”.

Otros eran menos discretos y andaban más perdidos, como Jorge López Pedrol. “Dime la verdad, ¿en algún momento de tu vida pensaste en que te gustaría ser hombre?”. No contento, insistió segundos después. ¿Por qué cuando veo las revistas del corazón, no veo ningún romance, ningún flirt, con un señor?”. Jesús Hermida tampoco se quedaba corto: “Das la impresión de ser una mujer solitaria”. Pero ella nunca se venía abajo ni dejaba su sonrisa de lado, a pesar de que la acusaban, cómo no, de no sonreír.

En resumen, Mari Trini se enfrentó durante años a preguntas directas que la acusaban de tener algo que ocultar y que la cuestionaban por no haberse casado y por no haber tenido una relación oficial con un hombre. Y aun así, seguía concediendo entrevistas, sin perder los nervios, y continuaba disfrutando de escribir sobre el amor. “Había que insinuar y hacerlo con metáforas”, explicaba ella misma.

Mari Trini protagonizaría en 1984 la portada de la revista Interviú. Tras años de comentarios que aseguraban que tenía una pierna ortopédica, una pierna de palo, quiso demostrar que “era una mujer sin ningún defecto físico”. Rocío Saiz cree que nunca se usan palabras positivas a la hora de calificar a una lesbiana. “Somos antipáticas, feas… entonces y ahora; y dicen que tenemos mal carácter porque no nos da la gana de meternos en los pantalones del patriarcado”.

Lamentablemente, Mari Trini tuvo que enfrentarse al final de su carrera pese a no querer dejarla atrás: durante sus últimos años, la industria no contó con ella. Pero para la artista murciana, componer canciones formaba parte de su día a día, y era trabajando como se sentía más cómoda. “En este país, si no has triunfado antes de los 30, te dejan atrás”, insiste Saiz, que es consciente de que en esta industria, como en todas las demás, la vejez no se contempla.

Un año antes de su muerte, en 2008, la Región de Murcia le otorgó el premio Lucha por la igualdad. Y el pasado diciembre, en el programa Melódico de Movistar+, cantantes como María Rodés o la periodista musical Virginia Díaz recordaron su canción Yo no soy esa y su valor como figura feminista, adelantada a su tiempo y con mucho coraje. Sus letras, las de Mari Trini, seguirán con nosotras para siempre.

smoda.elpais.com

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chicasriot · 1 year

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¡Exigimos justicia para Holy Yash / Alin Yashica! #HolyYash es una menor de edad que lleva 5 años viviendo violencia por parte del Estado.

"Soy Holy tengo 16 años, a los 12 en un operativo que se llama rastrillo dónde habían policías municipales estatales de investigación militares me secuestraron unos comandantes de la fiscalía del estado de México me tuvieron 4 días donde me drogaron me violaron y me fueron a tirar a morelos desde ese día mi vida cambio por qué he levantado más de 20 carpetas de investigación todas derivadas a ese delito una de las últimas fue porque siempre que preguntamos por las carpetas nos hacen algo los policías. apenas el 1 de abril 2022 unos policías de tránsito de Chimalhuacán se llevaron a mi mamá la tuvieron desaparecida por más de 8 horas donde la golpearon la amenazaron la estaban asfixiando al grado que perdió el control de los esfínteres le tiraron los dientes le desviaron su columna mi mamá tiene que tomar terapia de rehabilitación por esos golpes tiene dos hematomas en la cabeza la van a operar de la columna en 10 días hicimos una protesta en la fiscalía de CHIMALHUACÁN nos mandaron a pegar con más de 300 policías y la guardia nacional nos quitó todas nuestras cosas megáfonos casa de campaña nos golpearon a mi y a varias de mis amigas que me acompañaron a buscar a mi mamá. El primero de diciembre 2022 volví a preguntar por los avances de la carpeta ala fiscalía por qué ya van 8 meses más y me siguen negando la justicia por qué no tiene a ninguno de mis agresores y a los policías que torturaron y golpearon a mi mamá los dejaron salir con 15 mil pesos. El día 1 de enero 2023 fue atacada nuevamente, con amenazas y matando a su mascota para posteriormente arrojarla a una cisterna con la amenaza de que la próxima en estar allí sería ella.” - #AlinYashica

https://www.infobae.com/mexico/2023/03/25/protesta-en-eje-central-por-agresion-a-adolescente-dejo-enfrentamiento-entre-policias-y-feministas/

#JusticiaParaHolyYash

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kallitkalma · 1 year

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Se puede inscribir el cortometraje dentro del cine de autor debido a que posee características fundamentales del mismo. Se puede empezar por describir que es la mirada del autor, es decir el director, la que marca la línea del relato, es aquí de donde se desprende la mirada como visión orientadora. Este delimita bien los personajes principales para la narración y el hilo conductor de su historia.

Todo esto también con un fuerte sentido de una estética particular. Podría estar también encajando en estos aspectos de elecciones estéticas y significantes dentro de la teoría de Metz. Pero se termina de inscribir el corto dentro de la teoría del cine de autor cuando comprendemos que es la mirada estrictamente de los directores la que vemos y llega al espectador dado que no son solo directores (José Esteban Alenda, César Esteban Alenda) Si no también son los guionistas y productores. Esto último es clave.

A la segunda ola o también conocido como feminismo radical, que es pensamiento revolucionario levantado por las mujeres (seguido también por algunos hombres ya en ese entonces), en la década de los años 60, se le corresponde el mérito de haber revolucionado la teoría política al analizar las relaciones de poder que estructuran la familia y la sexualidad. Esta revolución partía de la necesidad de conocer la raíz de la desigualdad. Lo marcaron en un eslogan: lo personal es político. Consideraban que todos los varones y no sólo la parte élite, recibían beneficios económicos, sexuales y psicológicos del sistema patriarcal, pero en general acentuaban la dimensión psicológica de la opresión.

Más tarde en su manifiesto dirán: Pensamos que el fin de la dominación masculina es obtener satisfacción psicológica para su ego, y que sólo secundariamente esto se manifiesta en las relaciones económicas.

Desde esta perspectiva se puede vincular la mirada que exponen los autores en su obra, como hecho de visualización y protesta ante la desigualdad, en las marcas gráficas, y la semántica de los planos. En todo el principio del film muestra como el hombre está por encima de la mujer dentro de una esfera familiar, esto como un solo ejemplo de los muchos rasgos de significación que están presentes a lo largo de todo el cortometraje.

La obra entera sostiene un discurso de protesta en su totalidad y creo que lo que más vincula a esta con el feminismo de los ’60 tiene como palabra clave: Revolución. Ya que el texto fílmico puede adaptarse a casi todas las ideas feministas que fueron surgiendo a través de los años, exceptuando a la actual. Ya que la obra tiene rasgos de “Excusación al personaje que sería el hombre opresor”[1].

Si bien hay puntos de la mirada de Bazin que aplican en gran medida y que no hay que dejar de ver en este texto, creo que una de las características estéticas principales del texto de los Alenda se ve muy favorecido con la idea de ilusión. En cuanto a su mayor rasgo estético presente en el film, ya que coincidiendo con Hitchcock se produce un acrecentamiento del interés en las secuencias por la manipulación del tempo de estas, con el recurso de aceleración, tanto a nivel estético si no también, en este caso la importancia en lo narrativo. En “el orden de las cosas” es imperante ver el paso del tiempo y el manejo que se hace del mismo alude al concepto de ilusión de una manera limpia y estéticamente impecable. Y aunque se puede definir que el concepto de ilusión favorece a la obra, no se descartan algunos criterios de Bazin como el hecho de que un solo plano narra infinidad de diversas cosas. Esto es real y también está presente.

Se puede decir que en la generación actual ya no es necesario que el plano tenga una duración muy prolongada en el tiempo virtual cinematográfico, para que el espectador pueda hacerse de todos los signos y significantes dentro de un solo plano, tenga o no, este movimiento o sea un plano fijo. La globalización y el consumo de piezas audiovisuales permanentes hacen que la lectura narrativa de cada plano sea más rápida. El espectador es más receptivo a los índices y simbologías presentes del cine, claro que dependerá de diversas variables del espectador como, edad, cultura, etc., que ayudaran o desfavorecerán a la interpretación.

Por otra parte desde el psicoanálisis el Yo es entendido como la parte consciente de la mente, que debe satisfacer los impulsos instintivos e inconscientes del Ello, teniendo en cuenta las exigencias del mundo externo y de la propia conciencia -el Superyó, constituido por normas sociales interiorizadas.

El Yo o la identidad sería, por tanto, una instancia intermedia entre la biología de un individuo y el mundo que lo rodea. Según Freud sus funciones incluyen la percepción, el manejo de información, el razonamiento y el control de los mecanismos de defensa.

En esta breve descripción de lo que se conoce como el Yo ya se pueden ver reflejadas muchas de las ideas que Wollen plantea en su texto de la velocidad en el cine cuando se acerca las ideas de Balint en el capítulo de su libro “Parque de atracciones y emociones”.

Uniendo el concepto con las teorías de los autores, se puede decir que en todo film, el espectador va a experimentar diferentes vivencias que quizás en la vida real carece y tiene solo en el momento en que se pone en la piel del personaje. El espectador a partir de la necesidad de satisfacer sus impulsos naturales, estructurados por el superyó o la sociedad, elegirá que películas consumir a su gusto. Pero aunque se tenga la posibilidad de elegir, este siempre se verá guiado por una mirada anterior subjetiva que es la del director de la película.

Es así como la cultura va entrando en los ideales de las personas, cuando se ve un film; no se está todo el tiempo pensando en quien maneja los hilos de esa narración, y así hay alguien detrás que dice que vamos a ver, literalmente hablando. Cuál va a ser nuestro punto de vista desde lo estético y en lo narrativo ante una situación. La mirada es objetivada porque lo que vemos a su vez trae las huellas de alguien más. Con su punto de vista, con su postura, su política, su cultura, etc.

III

Como ya se tiene en cuenta el cine en todas sus presentaciones es un medio expresivo y comunicativo, donde convergen diferentes tipos de lenguajes como son los narrativos, sonoros, simbólicos, etc. Es por eso que para el análisis en base a los conceptos planteados, primero es importante aclarar que cada uno de estos, son irrevocablemente fichas de un análisis subjetivo ya se haga foco de estos conceptos sobre los personajes y su discurso, el espectador y su interpelación (aunque todavía no se haya visto el tema, uno subjetivamente hablando, no deja de ser un espectador) o incluso también desde la parte del realizador en cualquiera de sus roles como enunciador de un mensaje.

Desde el aspecto de la percepción e Intelecto con respecto a los personajes se tienen diferentes visiones bastante marcadas. Desde el lado masculino principal y secundarios (exceptuando al hijo), esto que se menciona antes de como el hombre hereda su rol de hacer lo que corresponde, en este caso, hacer uso del cinto, “aunque no se quiera”, “aunque se vea obligado a hacerlo” Por otra parte también es muy visible el punto fundamental de la teoría feminista de la década de los ’60 cuando hacen mención del ego masculino. Desde los personajes de mujer, acá ya hay dos rasgos de percepciones e intelecto; por un lado el carácter de ceder de las mujeres cansadas ya entregadas a un mundo que normaliza la violencia “sino, después es peor”, la mirada de rechazo de una mujer a la otra por no dejarse golpear. Y por otro el personaje principal femenino que está todavía en una lucha y oposición sobre el orden de las cosas. El hijo, primero niño sin entender bien la situación, pero con una percepción que quizás aunque no lo pueda poner en palabras hasta más tarde sabe que algo está mal. Con el paso del tiempo el hijo ya mayor, se lo muestra queriendo terminar con eso, pidiéndole a la madre que se vayan. El hombre dice que así debe ser, la mujer está estancada en la bañera no avanza ni retrocede hasta el final, y el niño observa, ninguno de los personajes hacen otra cosa en la mayor parte del texto porque es la percepción que tienen de la realidad. Ignoran, desde su intelecto, quizás con miedo, otro orden de las cosas.

Como espectador y como realizador se tiene cuenta de qué es lo correcto y qué no. Como espectadora es desagradable, incómodo y triste. Una de las razones más grandes por las que el cine es consumido en masa, fenómeno estudiado desde el psicoanálisis, es por la posibilidad de ponerse en la piel de los personajes con los que el espectador se siente identificado. Como realizador es importante tener en cuenta el percepto en una visión del acabado, para poder manejar uno a uno todos los símbolos dentro de cada uno de sus códigos cinematográficos, como también entender las diferentes culturas a las que envía su mensaje. Entender como la percepción varía en las distintas sociedades, para que acabada su obra el mensaje que sobreviva es el que quiso dar el realizador y no pase por alto.

Por otra parte, si bien están fuertemente ligados a los anteriores, pareció propio separar los otros dos conceptos restantes, que son conocimiento y alienación.

Estos en cuanto al rol de los personajes siguen representando en estas instancias lo mismo que antes, un fuerte grado de alienación de la mujer pasiva que prefiere estirar la situación y recibir los golpes, una mujer que no envejece ni sale de la bañera esperando limpiarse y que algún día dejen de pegarle. Un agresor que en su primer momento de duda termina por escuchar a otros agresores.

Conocimiento porque justamente es así “el orden de las cosas” y no podrían reaccionar de otra forma estos personajes. Por otro lado está el hijo, quien ve a la libertad romperse y su padre termina por quebrar delante sus ojos. Con el paso del tiempo es el joven quien quiere conocer otra forma, esto es en vano a la resistencia que provocan el conocimiento y alienación de los personajes de los padres.

En esta parte aprovecho a mechar los otros dos puntos de vista que son espectador y realizador, (y tengo que pasar a la redacción en primera persona). Ya no nos es noticia ver un corto, medio o largometraje con esta temática. Que mostrar, visibilizar, sea la forma de protesta y está muy bien. Está bien consumirlo como espectador y producirlo como realizador para así hacernos de la información, de los conceptos de donde se viene. Pero hay también un compromiso que se asume al tocar y tratar el tema. El cine se alianza con la sociología, historiografía y psicología al poner en cierto punto al agresor hasta como una víctima más. Víctima de una herencia, de una presión social, de algo ante lo que no tiene elección. Si bien esto es cierto, hasta cierto punto. Hay que dejar de justificar y excusar la violencia. Que el violador de 40 años, fue violado en su niñez. Que el padre golpeador, tuvo un padre aún más duro que él. Pero ¿qué pasa cuando se ven las estadísticas de las mujeres violadas y golpeadas? ¿Estas en su futuro repiten el crimen? Se ha demostrado que lo que pasa con esas mujeres es que suelen terminar en drogas, depresión, suicidio y una tasa muy baja suele seguir con su vida normalmente y una tasa más baja aún que esta última, se convierten en mujeres agresivas. Si bien el cine funciona como imitador (de ahí los estereotipos para los personajes, que tanto nos facilitan las cosas a la hora de desarrollar una historia), el cine también es un potencial CREADOR de modelos sociales Entonces, ¿cuál es el mensaje que se está dando y que se está recibiendo en cuanto al personaje del hombre? El film parece dejar todo en manos, como responsabilidad a la mujer. Que ella tiene que liberarse, ¡Muy bien!... Tiene que liberarse de un mal del que nunca tendría que haber sido parte. Entonces ¿cuál es el mensaje? Que si sos un hombre con enojo, lo saques porque otro te va a apoyar, no es tu culpa porque solamente lo heredaste porque el mundo es así… Creo que es tiempo de ver nuevos personajes, alrededor de estos personajes agresivos, es hora de que el cine le de herramientas a estos hombres y a las personas que los rodean de cambiar y tratarse, de reconocerse como persona independiente y ya no como un niño turbado sin poder de elección.

Como espectadora mi conocimiento y sentido de alienación (Argentina 2020), me hace preguntar, ¿qué paso después? Si el verdadero problema no se resolvió. Como realizadora me alienta a escribir series donde además de dar cuenta del problema se presenten algunas alternativas, donde haya nuevos personajes que recién en estos últimos años están naciendo, personajes que presenten un nuevo orden de las cosas.

Hay un fuerte uso de los signos y su simbolización en el film. Se puede decir que el principal es el cinto que representa la masculinidad, la violencia, el papel correcto de un hombre heredado, dolor y opresión. Es el único elemento que se ve en las tres variables semiológicas representado, escuchamos la palabra, su icono, se ve representado y dependiendo el conocimiento subjetivo de quien lo mire se pueden entender más o menos pero se entiende su símbolo y su discurso metafórico.

Por otro lado el agua, existen constantes referencias al agua como metáfora de la pureza y de la auténtica sabiduría: “Como el agua pura que vertida en agua pura permanece inalterable, así es el yo de un pensador iluminado”

Este dicho de una de las culturas espirituales más grandes como es la hindú/budista quienes son un hito de la simbología puede decirse que cabe perfecto en lo que pasa con el personaje de Julia, ella se mantiene aunque lastimada, pura dentro del agua. Desde su agua hacia el agua pura, consigue finalmente librarse, luego de su colapso termina iluminada, más sabia y desde allí hacia su libertad.

En la cultura judeocristiana d.C. el agua es interpretada como la mayoría la conocemos para representar la purificación, la creación, la destrucción, la regeneración e incluso el amor.

Desde esta perspectiva se pueden optar diferentes pragmatismos. En el texto fílmico vemos como el agua sube y baja, hasta al final desbordarse y colapsar. El agua la representa a ella misma pero también cuando entra en juego con algunos códigos cinematográficos como el sonido o montaje (en el siguiente punto se desarrolla) se puede interpretar al agua como la paciencia o resistencia del personaje.

La alianza por su parte evoca a la unión, unión inquebrantable, que ella se la quite muestra un desacuerdo con esa unión, una pérdida del “amor” o desacuerdo con el compromiso. Las gestualidades que acompañan el ver la alianza en el bode de la bañera desatan en los personajes otras significaciones como una provocación o una rebelión al orden de las cosas.

Después también está el avión de juguete, el avión se puede vincular con libertad, con escaparse, con tomar el control o en el contexto con la esperanza. El que es poseedor del juguete es el nene al que al entrar en la atmosfera que viven sus padres en un descuido el avión se cae y se rompe, más impactante aun, él se ve obligado a romperlo. Cuando lo toma el padre termina de quebrarlo. Y vemos en la ruptura de este juguete la antítesis de todas las representaciones antes mencionadas. Ya no solo con el vínculo de la pareja que es la trama principal si no también un quiebre en la relación padre e hijo.

La puerta siempre abierta como símbolo de falta de poder, de intimidad, de una vigilia constante. Quién decide que se quede siempre abierta y quién decide cerrarla, cuándo y para qué.

La copa de vino que es arrojada al piso, esperando que la mujer sumisa la junte la limpie da cuenta del status quo de la cosmovisión que se maneja en la diegesis del relato. El hombre por sobre la mujer, una mujer sumisa y también remarca como ejemplo para el personaje principal, como son y deben ser las cosas.

El lenguaje, tanto en la entonación tranquila distante, segura de que tiene el poder por parte del personaje principal masculino. La alteración de estas voces que suben el tono cuando pierden un poco el control. La elección de las palabras utilizadas. “mira lo que me haces hacer” “va a ser mejor si no lo complicas” “el cinturón era de papá y va a ser tuyo”, etc. La ausencia de palabras articuladas en el personaje de julia y las otras mujeres, la única que habla lo hace casi en un susurro.

La desnudez del personaje de Julia, También en vinculación con la cultura judeocristiana en el mito de Adán y Eva cuando son expulsados del paraíso y reconocen sus diferencias al estar desnudos sienten vergüenza. Eso por una parte, la vergüenza y humillación. Pero modernamente el desnudo se lo toma como algo erótico, sensual, provocativo que también puede representar quien cambiará las cosas.

Por último la apariencia de Julia siempre joven, si bien la juventud representa vitalidad, fuerza que es lo que evocará al final. También en el contexto anterior a que ella sea libre se lo puede interpretar como la vida de ella queda estancada en cierta etapa.

Creo que estos son los signos principales a destacar en el corto entre muchos otros como la ropa que se utiliza, los elementos que van apareciendo, etc.

Los códigos tienen 3 rasgos fundamentales de donde se puede partir a hacer un análisis: correspondencia, función de repertorio e Institucionalización y todos en sus cuatro variables están presentes en el film.

Se puede decir desde lo técnico que su soporte es digital, se desconocen especificaciones de las características de la cámara empleada para filmar como así también los equipos donde fue pos producido (hard y software).

La parte iconográfica queda en evidencia en todos los puntos anteriores donde ya se hace mención de las variables iconográficas en el texto fílmico.

En cuanto al código fotográfico se da cuenta de la planificación esto es la delimitación del espacio del cuadro, en el corto el raccord de las miradas hacia el fuera de campo, como cuando llora el bebé o con la entrada y salida de los personajes, se va construyendo el espacio, se completa en la imaginación aun cuando no se ve ni se sabe que la casa es más grande, se consigue esa impresión. Esto sirve para hacer hincapié sobre la movilidad que le es prohibida o limitada al personaje de Julia, siempre en la bañera. La mayoría de los planos son cerrados, planos detalle, primeros planos y planos medios cortos. Hay, en menos cantidad planos americanos y en menos cantidad plano general.

Un ejemplo de un plano americano, ambos estando sentados el sigue quedando arriba de ella en la composición del plano marcando poder sobre ella.

Desde la angulación y altura de cámara se marcan las jerarquías de poder. Las subjetivas de ellas son de cámara baja y contrapicadas mientras que las del esposo son normal picadas. Y normal baja para subjetivas de ella cuando el hijo todavía es menor.

La iluminación es plana con luz difusa y de una temperatura fría (5600).

Al igual que la paleta de los colores seleccionados en todo el corto, son todos colores fríos o neutros como son el blanco y negro. Los únicos dos elementos con colores cálidos son la remera del hijo cuando es menor que tiene una franja naranja y su juguete, el avión. Sabemos que las gamas de los azules que son los que imperan en el film, según la psicología del color, representan las emociones de tristeza, calma, quietud. Mientras que la gama de los rojos, o naranja evocan a sentimientos de amor, pasión, violencia. El único que porta los colores es el niño antes de ver los moretones de la madre, sirve para representar la dulzura y quizás el avión al crecer, la esperanza y la fuerza para pedirle a su madre que se vaya con él. Violencia al ver cuando el padre termina de quebrar el avión roto.

Por la parte de los códigos sonoros tenemos sonido diegético y extradiegetico. En el diegético colocamos todos los que son parte de la historia y los que los personajes perciben. En lo extradiegeticos se colocan la música indicial y los efectos de sonido, como por ejemplo en este cortometraje el sonido marca el tiempo, el cronométrico o físico y psicológico vivencial. Un ejemplo de esto es además, cómo se abre y acrecienta la música instrumental en conjunto con el montaje. Como también lo es el ruido de las gotas del agua y el ritmo al que caen para contar una elipsis temporal.

Por otra parte el efecto de reverberación cuando ella está bajo el agua puede transmitir el anhelo de abstracción del personaje de Julia.

Hay voces in y off. De hecho el primer dialogo lo oímos sobre un plano detalle. Esta tan descontextualizado que la frase “cariño ¿has visto mi cinto?” Nos remite a algo cotidiano o hasta “dulce”.

Luego hay otros tratamientos de la imagen como son la cámara dentro del agua, para marcar una mirada decodificada, atravesada por algo, lejana. Y La cámara acelerada también como recurso para narrar el paso del tiempo al ver cómo cambia de altura el agua dentro de la bañera. O incluso al final para hacer un pasaje de espacio de la bañera al mar.

[1] Excusa al opresor al presentar un guiño de violencia heredada, es decir en cierta parte del relato, se “romantiza” al victimizar al opresor por ser víctima de una herencia cultural y social. Hoy en día el feminismo se interroga hasta qué punto se sostiene desde otros campos de estudio esto. (se desarrolla más en el punto 3)

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