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DISOBEDIENCE

Es difícil decirle que no a una película de Rachel Weisz, con tan sólo su presencia podemos iluminar no sólo una, sino todas las pantallas. (Mi imparcialidad es casi nula, cuando hablamos de ella) Tal fue el caso de Disobedience, una película escrita y dirigida por el chileno Sebastian Lelio (A Fantastic Woman, Gloria) un hombre que en cuestión de pocos años repuntó la lista de los mejores directores latinoamericanos, no sólo por historias y narrativas poderosas, sino por la sensibilidad con la que se aproxima a los personajes y sus luchas internas y externas. Esto más la presencia de esta gran actriz, hacen imperdible esta película, inexcusable en mi opinión.  

Disobedience presenta a Ronit (Rachel Weisz) una fotógrafa que tras enterarse de la muerte de su padre decide volver a la comunidad que una vez abandonó. Su llegada, revive de manera tormentosa la amistad que tenía con Esti (Rachel Mcadams) y Ravi Dobbid (Alessandro Nivola) cambiando las dinámicas que rigen a este cerrado grupo judío ortodoxo.  Juntos, evocan momentos del pasado que ponen a prueba la fe, el amor, añoranza y el deseo que surge de la prohibición y la obediencia ciega.  

Leilo construye un universo silencioso, frío y ambiguo, donde por un lado retrata la rigidez de una comunidad que desprecia la libertad y el amor, y por el otro, muestra que no hay reglas que puedan determinar el sentir de alguien; el deseo y la pasión son inextinguibles y en múltiples ocasiones determinan nuestro actuar. A veces lo prohibido no es lo erróneo, sino lo necesario.  

Nos encontramos con un villano indirecto, uno que cambia de rostro dentro de cada escena, el mal es difícil de distinguir, y Leilo se aprovecha de esto, así, cuando comienzas a odiar a un personaje, él revela los motivos tras su actuar, reflejando la honestidad y fragilidad en sus acciones, obligándonos a cambiar de opinión. Construyó personajes impredecibles, que descubren en el día a día su realidad, tal como lo hacemos nosotros a diario.  

Me costó mucho escribir esta reseña y no por falta de amor hacia la película, sino por lo poco que puedo decir para no arruinarles la experiencia. Dentro de lo que he visto últimamente se destaca por múltiples razones, muchas que ya mencioné, pero una de ellas y con la que cerraré esta reseña es la importancia de papeles protagónicos para mujeres que presenten otra perspectiva a la usual (una mujer linda y/o sexy quejándose y/o anhelando a un hombre ) . Y no, tranquilos, no me refiero a un reboot de GhostBusters con sólo mujeres, pues esto, en mi opinión, es un despropósito, por el contrario, es increíble encontrar historias que nacen desde una perspectiva femenina, una lucha real que habla sobre ese otro porcentaje,  mujeres que luchan día a día por diferentes causas y que se ven atrapadas en lo absurdo de un mundo masculino,  religioso o peor, Masculino/religioso.

Luisa María González R. 

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MANDY

Mientras esperamos con ansias las películas que serán  candidatas al Oscar, en The Egg Review  también nos deleitamos con historias que nada tiene que ver con la temporada de premios. En esta ocasión traemos una apuesta arriesgada que se ha convertido en una verdadera sensación, con un 92% en Rotten Tomatoes, Mandy ha sido una muy grata sorpresa.

Empezando por su protagonista Nicolas Cage, que se ha convertido en un abanderado de las producciones de bajo presupuesto, colaborando con un director que apenas se abre camino en Hollywood, pero lo hace con un paso firme, ideas claras y la convicción que necesita para hacer una película grandiosa de acción, aventura y terror sin convertirla en un chiste o un cliché.

Mandy cuenta la historia de Red Miller (Cage) y Mandy Bloom interpretada por Andrea Riseborough (Black Mirror, Birdman) quienes llevan una vida tranquila en las montañas en 1983. Su idilio se verá devastado cuando el líder de un excéntrico culto se obsesiona con Mandy, persiguiéndola hasta su casa, atacándola con violencia y desatando la furia de Red que pasará de ser un novio amoroso a un guerrero sanguinario con sed de venganza.

Este es el segundo largometraje del director Panos Cosmatos, que lejos de caer en las convenciones tradicionales de Hollywood, se está arriesgando con experiencias que parecen ser diseñadas para percibir con todos los sentidos. Su ópera prima Beyond The Black Rainbow fue considerada un experimento y descrita como un “sueño febril” que, aunque no terminó de convencer a críticos y audiencia, le abrió el camino para crear lo que seguramente será un film de culto entre los amantes del serie B y las películas tipo “grindhouse”. Como dato adicional, el padre de Panos, George P. Cosmatos, fue un director de Hollywood con títulos como Cobra, Rambo 2 y el aclamado western Tombstone.

Uno de los placeres culposos de The Egg Review es Nicolas Cage. Y mientras más se enloquezca, más lo disfrutamos. Su presencia en Mandy no es casualidad; Cosmatos quería a alguien que lo entregara todo, sin importar lo descabellado de una escena y Cage siempre está buscando nuevos retos y papeles distintos que lo sorprendan, cómo él mismo lo menciona en una entrevista para IndieWire; estar en el set de Mandy le daba el “Super 8 Feeling” ese sentimiento de hacer una película sólo por el placer de hacerla, por el amor a la historia, sin pensar en dinero y ciertamente sin productores respirándoles en la nuca.

Ahora, cuando hablo de Serie B o Grindhouse, se pueden estar imaginando en una película que muestra sangre sin consideración y sin sentido, pero lo que vemos en Mandy está lejos de ser una parodia del cine gore, y por más que haya fuego, sangre, sierras eléctricas y cultos psicodélicos, jamás se siente como algo gratuito. Los planos de Cosmatos son perfectamente planeados, con la dedicación y cadencia de Tarkovsky o de Nicolas Winding Refn.

Esta película está recomendada para quienes quieren experimentar algo diferente, a los fans de Cronenberg, de Corman, a quienes disfrutaron Death Proof y Planet Terror. Denle una oportunidad y déjense atrapar por la luz, los colores y la música que los tendrán inmersos en una pesadilla que no los soltará hasta que acabe la película. Será un gran viaje.

Sergio Londoño.

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THE TALE

En la era del #MeToo y la banalización y deslegitimación que se ha formado alrededor del problema del género y las víctimas de acoso sexual, es refrescante ver una historia que de verdad hable y muestre la complejidad del trauma y la dualidad en la que viven aquellos que sufren de acoso verbal o físico; más que refrescante, es de vital importancia retratar a las víctimas no como perpetuadores de su sufrimiento, sino como hombres y mujeres temerosos de afrontar su vulnerabilidad y los grandes vacíos que ésta genera en su personalidad y relación con el mundo.

The Tale, una película autobiográfica, escrita, dirigida y producida por Jennifer Fox, sigue a Jennifer (Laura Dern) quién obligada a examinar su pasado, se embarca en un investigación que la llevará a confrontar su memoria, niñez y aquellas mentiras que nos contamos para sobrevivir.

La película logra de manera exitosa materializar cómo el ser humano adecua sus recuerdos y vivencias pasadas para funcionar de manera “Normal”. Mentimos de manera descarada, no sólo a otros, sino a nosotros mismos, tergiversando lo que vivimos y sentimos para darle sentido al trauma. Vemos a Jennifer Fox como adulta, hablando y confrontando a la Fox niña, reconstruyendo entre ambas lo que pensaron habían vivido; el dolor y la fragilidad de saberte adulto, pero entender, que aún recuerdas, sientes y piensas como aquella niña inocente. El enfrentamiento visual y narrativo de ambas perspectivas es el gran logro de la cinta.

Lo que parecieran errores en la narrativa, son en realidad, la forma en la que Fox (y de manera brillante) recrea los testimonios de sus perpetradores, buscando desesperadamente entender los motivos tras su actuar;  motivos que existen pero carecen de un razonamiento lógico, al menos uno que pueda satisfacer a Jennifer y el pasado que la atormenta; es el insaciable deseo de darle sentido a lo fortuito lo que destruye la estabilidad que ella y nosotros como espectadores anhelamos.

De manera ingeniosa Jennifer Fox capturar su dolor, ansiedad e ingenuidad dentro de una narrativa que se permite ser subjetiva, elementos que surgen de una sensibilidad única; una que caracteriza a pocos realizadores. Somos presas de estos sentimientos y vivimos a la par los sufrimientos y triunfos de la protagonista, quien es fielmente interpretada por la impecable Laura Dern, una grande de Hollywood y de la escena independiente, que captura con vehemencia la voz de Fox.

Durante el desarrollo de  la película y al verme absorta en su mundo me pregunté por qué habían decidido hacer una ficción y no un documental, y al finalizar la cinta entendí, que como en muchos otros casos de violencia y/o abuso, las pruebas no existen y el trauma sólo es conocido por el perpetrador y la víctima, de ahí, que la ficción permita recrear una visión subjetiva de lo sucedido, sin necesidad de debatir su veracidad o legitimidad, por el contrario, el espectador tendrá la posibilidad de pasar de largo los prejuicios y llegar directamente al mensaje de la cinta:    -Conocer aquellas víctimas que no se esconden y lloran bajo la cama (Como son caricaturizadas en muchas ocasiones) sino, las que continúan su vida y son funcionales dentro de la sociedad, pero que a diario viven permeadas por una gran incertidumbre y tristeza-.

Esta película llega para transformar la sesgada visión que se ha formado en el colectivo popular sobre la vulnerabilidad del ser humano y el barómetro con el que miden el sufrimiento ajeno, para así, devolverle la fuerza a las víctimas a través de una voz poderosa; una que habla por muchas y muchos que temen resquebrajar las frágiles bases en las que lograron reconstruir su vida.  

Luisa María González R. 

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HEREDITARY

No es muy frecuente que se hable tanto y tan bien de una película de terror, ni que se mencionen más la historia, las actuaciones, el montaje o el arte que los sustos como tal. La cinta generó gran controversia entre quienes la amaron por su originalidad y quienes la odiaron por ser “una pesadilla”; descripción que no es necesariamente mala en este género. Finalmente, la distribuidora A24 se ha ganado un voto de confianza después de presentarnos títulos como The Witch e It Comes at Night, así que habían razones de sobra para querer ver Hereditary.

La película gira en torno a Annie (Toni Collette) que después de la muerte de su extravagante y misteriosa madre, intenta llevar una vida calmada con su esposo Steve, su hijo adolescente Peter y su peculiar hija Charlie. Después de que una tragedia golpea a la familia, empezamos a descubrir secretos de su pasado que no tiene nada de normal, mientras la casa se convierte en una olla a presión, como lo dijo su director, el debutante y gran promesa Ari Aster:          -Cualquier intento que la familia haga por tener el control de la situación, es inútil-. Lo único que podemos hacer es sentarnos a ver cómo su vida se torna en un infierno, donde una simple cena familiar se convierte fácilmente en la escena más aterradora y estresante de toda la película.

Desde el comienzo del filme se percibe un tono diferente al del terror convencional del Hollywood moderno, aquí no se trata tanto del susto de golpe, sino de la incomodidad llevada al extremo, hasta un punto casi sofocante. No es lo paranormal lo que atormenta o asusta en Hereditary, es lo real, lo mundano con lo que cualquiera puede identificarse, es el retrato de la familia que sufre en silencio ante un sacudón que los saca de su rutina.

Lo de Toni Collette (Annie) es algo aparte. Siempre hemos sabido que es una destacada actriz que lo deja todo en cada papel, desde su nominación al Oscar por The Sixth sense, pasando por About a Boy, Little Miss Sunshine y la serie United States of Tara, en la cual tenía 7 personalidades distintas. Todas interpretaciones con un tono muy distinto pero con algo en común: el papel de una madre que debe remar contra la corriente. En Hereditary este papel de madre mártir se ha llevado al extremo, mostrándonos un rango de emociones (y expresiones faciales) que nos toma desprevenidos y nos desgarra el alma a la vez que nos aterroriza. A Toni, que es la columna vertebral, se le acompañó muy bien de Alex Wolff que se empieza a abrir camino como un actor serio y que fue fundamental en la tensa relación madre-hijo de la película , el siempre confiable Gabriel Byrne y una enigmática Milly Shapiro.

Recuerden, no es del estilo de The Conjuring, The Blair Witch Project o The Ring, es más algo como The Killing of a Sacred Deer, The Shining o Rosemary’s Baby. Es además una película de pistas, de metáforas y de causa/efecto (casi siempre) así que mírenla con atención mientras se enfrentan a esos miedos irremediables que Aster explora en su ópera prima.

¿Qué se hace con el miedo a la muerte? ¿Qué hacer ante la sospecha de realmente no conocer a tus personas más cercanas? ¿Qué hacer con el miedo al abandono? ¿Qué hacer con el miedo de que alguien cercano a ti está cambiando? Hereditary se alimenta de estos temores.

Sergio Londoño. 

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THE MARVELOUS MRS. MAISEL

Soy fan número uno de Gilmore Girls (Un pequeño show de culto de los 2000) y desde que salió del aire, hace ya un par de años, nunca volví a encontrar en la televisión una serie como tal, con los diálogos, personajes, humor y la perspectiva femenina que tanto le hace falta al mundo de la televisión. Hace poco más de un año, Netflix hizo un especial de 4 capítulos llamado Gilmore Girls: A Year in the Life , que revivió la llama y amor de los fanáticos, pero que no satisfizo mi sed por este tipo de contenido.

En constante búsqueda y siendo una fiel seguidora de Amy Sherman Palladino (creadora de Gilmore Girls) me enteré de un nuevo proyecto que llevaba su sello, una nueva joya que aunque suponía ser diferente al increíble show de mi adolescencia, sí tendría y reviviría el espíritu que tanto anhelaba.

The Marvelous Mrs. Maisel, se presenta con los clásicos elementos del lenguaje y narrativa Palladino; una heroína en el ojo del huracán, un paso acelerado, diálogos fugaces y un humor tan único y refinado como el que sólo esta mujer y su esposo podrían concebir. Un ritmo desenfrenado que no espera al espectador, pero que cautiva aquel con el oído entrenado, hombres y mujeres que sabrán apreciar las referencias musicales y fílmicas que se esconden en cada frase.

Esta pieza de época sigue a Miriam Maisel, una refinada ama de casa a finales de los años 50, quien choca bruscamente con la realidad cuando su esposo decide abandonarla. Maisel debe enfrentarse a las muchas veces tácitas reglas que guían a una mujer soltera en aquella época y las limitaciones que la sociedad impone en cuanto ya no tienes un hombre a tu lado. Miriam cree encontrar en la comedia (Stand-up comedy) y en Susie Myerson, su agente y amiga, la solución a sus problemas, pero entrado el primer capítulo se dará cuenta que hacer reír a otros, tampoco hace parte de los deberes femeninos del momento.  

El vestuario, arte, fotografía y la transformación de un New York actual al de aquella época, son tan sólo algunos de los elementos que hacen de esta pieza, una obra realmente hermosa y brillante, pero la clave de su genialidad no radica en los elementos técnicos o estéticos, sino en el fino humor y ocurrencias de las puestas en escena y en cómo Miriam Maisel (Rachel Brojonsan) interpreta al personaje. Su carisma, dulzura y la manera descarada con la cuenta su vida, hacen de esta mujer parte vital en la narrativa; simpatizamos con ella y deseamos que triunfe a toda costa.

Esta es una serie que considero controversial y fundamental para nuestra época. El show, presenta a una ama de casa que cuestiona su posición en la sociedad; si la vocación de ser madre aplica para toda mujer, el callar dentro de un matrimonio que no satisface, o el fingir ser alguien más  para que valoren o reconsideren su rol en la comunidad. Maisel separa dos ideas que hasta el día de hoy confundimos: Una mujer puede ser femenina, gustarle la ropa, el maquillaje y los diamantes y su discurso en ningún momento debe verse disminuido u opacado, ésto no la hará menos ante un hombre o mujer cuando quiera que su voz tenga mérito, más allá del look, los hijos y la profesión que quiera o no tener. 

Cuestionamientos que Miriam se hace en los 50s, pero que repercuten hasta el día de hoy.

Dónde verla: Amazon Prime o Los piratas del Internet (Poseidón HD)

Duquesa Von Eggersen.

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THE FLORIDA PROJECT

Vivimos en una época en que las películas no tienen límites. El CGI, la animación, los efectos especiales, planos aéreos, cámaras portables, el 3D, 4D y la realidad virtual. Pero la magia del cine no reside en estos avances tecnológicos, algunas veces ni siquiera en grandes estrellas, tampoco en la mejor locación. Así lo ha demostrado Sean Baker, quien nos sorprendió en 2015 con Tangerine, grabada en un iPhone con actores naturales, y ahora nos regala una historia llena de sueños rotos y supervivencia: The Florida Project.

Para este proyecto Sean hizo dos cambios con respecto a su pasado filme: pasó de usar un iPhone a usar una cámara de cine 35mm, y esta vez incluyó a un grande de Hollywood, un favorito de la casa, Willem Dafoe, quien fue nominado por tercera vez a un Oscar como actor de reparto por esta gran participación. Más allá de esto, el sello de Baker se evidencia en sus encuadres, la colorización, la elección de sus protagonistas y la historia tan humana y cruda.

La película sigue un verano en la vida de Moonee, una niña precoz de 6 años que corre libre por las instalaciones del Magic Castle Motel junto a sus amiguitos, mientras su madre Halley, una bailarina desnudista que acaba de perder su empleo, lucha por pagar otro mes de renta al Manager Bobby (Dafoe). El motel se encuentra en Orlando, muy cerca al parque de Walt Disney World, creando un contraste entre “El lugar más feliz del mundo” y este barrio humilde donde la felicidad no se encuentra en Mickey Mouse sino en escupir sobre los autos o destruir una vieja casa abandonada.

El problema para Halley nace en su fuerte temperamento y su falta de respeto hacia la sociedad en general, actitud que Moonee ha copiado a la perfección y la imparte a sus pequeños amigos. Es igual de difícil querer a Halley que odiar a Moonee, y es más complicado aún culparlas por la vida llevan, de todas formas, la empatía del espectador ciertamente será puesta a prueba. Bobby, con su alma noble intenta soportar las impertinencias de madre e hija, pero incluso él tiene un límite y en el momento en que las dos pierdan su apoyo, no tendrán a quién acudir, quedando literalmente en la calle.

Algo que hay que destacar son las actuaciones de sus dos protagonistas. La pequeña Brooklynn Prince, nacida apenas en 2010, puede reír, llorar y decir sus diálogos de forma gratamente convincente, eficientemente dirigida por Baker que da vía libre a la improvisación. Halley es un huracán que arrasa con todo a su paso, furiosa y sin arrepentimientos, la interpretación de la también debutante Bria Vinaite sorprendió tanto a su director como al público en general. Dafoe fue el engranaje perfecto para sacar el máximo provecho de todo el reparto.

Es así como The Florida Project relata muy de cerca la cotidianidad de estas personas de clase baja, ganándose la vida bajo el ardiente sol de verano en Florida. La fotografía, la mezcla de sonido, la piel bronceada de Willem y el vestuario, nos hacen sentir el clima cálido, las texturas y colores se mezclan en una hermosa paleta tropical, justificando la decisión del Director de trabajar en celuloide y no en digital. Baker también reconoce que este fenómeno de las familias viviendo en moteles es visto en todo el país, pero fue la cercanía con Disney World lo que lo llevó a filmar esta gran ironía de la vida en Orlando.

Sr. Eggsmith

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CALL ME BY YOUR NAME

Esta temporada de premios ha sido complicada, no por la falta de buenas películas, sino por el exceso de ellas. Todas diferentes, cada una con mérito propio; una historia en particular, un mensaje que trasmitir y una visión única que plasmar. Desde Get Out,  The Shape of Water, Three Billbords Outside Ebbing Missouri, hasta Call Me by your Name (todas grandes y feroces competidoras) merecen ser mencionadas y alabadas por sus múltiples virtudes, lastimosamente, acá, en esta pequeña reseña sólo tenemos espacio para una.  

Aún no tengo favorita y me costó en el alma escoger sobre cuál escribiría, así que esta reseña no representa más que el orden en el que comencé a verlas. Llegó el turno de Call me By your Name.

-¡Qué hermosa historia! Por Dios-, eso es lo primero que se me viene a la mente.  Oliver y Elio, Italia, el verano, dicha y placer, un universo completamente sensorial en el que quieras o no te verás totalmente sumergido.

Es una película que nos evoca sensualidad, que nos hace ver, oler, tocar aquello que está en la pantalla; lo intangible. Nos encontramos en una villa italiana, y aunque en realidad estamos bajo el frio aire acondicionado de una sala de cine en Bogotá, sentimos el sol tocando nuestra mejilla y el agua que salpica del lago a nuestro costado, todo nos hace sonreír, somos presos de la indulgencia y nos permitimos sentir a través de las puestas en escena que este gran director  construyó para nosotros.

En esta película, más que una historia con giros extraordinarios, Luca Guadagnino nos invita a sentir y a transformar prejuicios en dicha y placer, somos amantes de una pareja en la que no vemos dos hombres o una gran diferencia de edad, sino el dulce encanto de dejarse llevar por tus pasiones, de ser feliz sin algún tipo de restricción, de querer y dejarse querer.  

Admitiré que en un principio no me vi reflejada en los personajes, para mí, eran figuras completamente ajenas a lo que conozco y me es familiar, pero de ahí la magia del director y su increíble visión, y aquello que pensé sería su mayor debilidad, se convirtió en su mayor fortaleza. Luca nos presenta a un par de personajes que parecen perfectos, sin fallas o defectos y después nos demuestra que el sentir, no mide inteligencia o riqueza,  no da pistas extras, ventaja o superioridad, la realidad es que sigues siendo igual de torpe al resto de nosotros. El amor nos hace disfrutar y sufrir a todos por igual y las dudas que éste genera, permanecerán en ti, en ella, en él, por más que creas tener todas las respuestas.

Oliver: Well, you seem to know more tan anyone else around here.

Elio: Well, if you only knew how Little I really know about things that matter.

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Elio: Oliver may be very intelligent but…

Mr. Perlman: Ah… he was more tan intelligent. What you two had, had everything and nothing to do with intelligence.

Armie Hammer y Timothée Chalamet le dieron vida a dos hermosos personajes, transmitieron sin temor, lo que muchos sentimos o vivimos y poco nos atrevemos a narrar, o lo que nunca viviremos y soñamos con tener. Qué vívidos instantes, que hermosa sincronía. Michael Stuhlbarg, serás el padre que todos los padres odiarán, nadie jamás podrá tener el comprensión y dulzura que Mr. Perlman le brindó a Elio.  

No puedo decir que conocía el trabajo de Luca, pero sí puedo asegurar que de ahora en adelante seré su fan.

Duquesa Von Eggersen

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GOOD TIME

Un casi irreconocible Robert Pattinson corre entre un caos de personas, luces, vehículos y sirenas, seguido por su hermano mentalmente discapacitado quien finalmente es atrapado por la policía. Así plantea Good Time el conflicto de su protagonista  Connie (Pattinson) que debe rescatar a su hermano Nick (Benny Sadfie) de prisión y debe hacerlo antes de que lo lastimen los matones con quienes está encerrado. Esa será la odisea de Connie en este Drama/Thriller que fue ovacionado en Cannes y sigue abriendo camino a sus directores: Los hermanos Benny y Josh Safdie. Mientras Connie recorre las calles de Queens en busca de dinero para pagar la fianza de su hermano, nos damos cuenta del tipo de persona que es; un tren a toda velocidad que hará lo necesario y se aprovechará de quien sea para conseguir su objetivo. No se le ve ningún tipo de remordimiento mientras intenta sacarle dinero a su novia o golpea a un guardia de seguridad hasta la inconsciencia, y el único sentimiento que parece existir en él, es el amor por su hermano. Con un tinte crudo, vagabundo y agresivo, Good Time es una travesía de un día con un ritmo desaforado. Sus directores vuelven a hacer uso de la estética de las calles y las luces de neón al igual que en su anterior filme Heaven Knows What. El ambiente pesado y actores “naturales” mezclados con actores reales forman un universo que se ve desagradablemente real. Todo lo que sucede es cruel, despiadado e injusto, y es precisamente por esto que es creíble, porque si lo pensamos, son casos que podríamos ver en las noticias de las 7 sin que nos estropeen la comida. Entre planos aéreos y música de sintetizadores que nos llevan a los 80s, la crítica social se abre camino sin pedir permiso. El “White privilege” se muestra como algo normal, sin hacer énfasis en ello, sin chistes o llamados al cambio, sólo un retrato de la sociedad estadounidense que ha llegado a causar polémica entre algunos críticos. La violencia es cruda y sin arrepentimientos, totalmente instintiva.

“Podemos tener 20 Millones para hacer una película, pero aun así la vamos a abordar como si tuviéramos 40 dólares” Dice Josh Sadfie en una entrevista. Este estilo que los caracteriza les ha servido para tener un toque distintivo en su incipiente recorrido en Hollywood y les valió la colaboración con Robert Pattinson quién de hecho los buscó, pidiendo un papel en alguna de sus películas (el chisme es que los llamó sólo con ver la foto del póster de Heaven Knows What)

Déjense atrapar por este breve relato que tiene momentos de mucho sufrimiento, escenas divertidas, acción, suspenso e incluso un poco de amor. Para ser una película en la que todo transcurre tan rápido, Good Time les dará una pasada por muchos estados de ánimo y todo mientras les da una clase de cómo contar historias sin grandes efectos, con atrevimiento, y el lema de los hermanos Sadfie “seek forgiveness, not permission” – mejor pedir perdón que pedir permiso.

Sr. Eggsmith

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ONE OF US

Netflix abrió una espacio importante para los documentales y sus realizadores dentro de su plataforma. Piezas que de otra manera se habrían quedado en el olvido o en el ojo experto de algún intelectual del medio, ahora, están para nosotros en un gran y hermoso compilado. Después de ver un par de aquel listado, como Strong Island, Voyeur, Low and Behold e Into the Inferno (Documentales que también merecen un espacio en su lista de espera) decidí escribir sobre One of Us.

Heidi Ewing y Rachel Grady, directoras del documental, abren una pequeña ventana al mundo Judío Ultraortodoxo o Jasídico  de Brooklyn, a través de tres personajes que renunciaron a ser parte de la “tribu”. One of Us, no tocará a fondo los matices de la religión y su séquito, ésta, tan sólo es una pequeña mirada dentro de la dura realidad de los hombres y mujeres que se aventuran fuera de la comunidad, y aunque parezca que los principales focos en la narrativa son la religión, la opresión de la comunidad y los delitos o virtudes de la misma, en realidad, los temas clave dentro de la pieza son la soledad, el miedo y valor que implican enfrentarse a lo desconocido; el poder que ejerce una comunidad sobre el individuo y cómo ésta transforma las relaciones y conexiones que se hacen con lo nuevo. Conocerte como entidad y no como parte de una maquinaria, es una de las grandes reflexiones del documental y es desde allí, que las realizadoras nos introducen a Luzer,  Etty y Ari.

Luzer, el más carismático del trio, decide romper las ataduras de una fe y comunidad que no comprende, mientras busca una nueva vida en Los Ángeles como actor. Etty, trata desesperadamente de entender su papel como mujer fuera de la comunidad, en paralelo, lucha contra un esposo abusivo y una familia opresora, y Ari, el más joven del trío, es un chico perturbado que se embarca en un camino de recuperación ante traumas del pasado y tentaciones del presente.  

Las directoras, logran crear una fuerte conexión entre el espectador y estos tres personajes, de ahí que se haga realmente difícil ver el recorrido de los protagonistas, quienes luchan arduamente por encontrar su lugar en el mundo. Rechazados por su familia, deben embarcarse en un viaje de auto descubrimiento, y a nosotros, se nos permite ser testigos de tan sólo una pequeña fracción en aquel tortuoso recorrido; una fracción que ni de cerca será objetiva o parcial en su narrativa, sin embargo, esta continúa siendo una mirada íntima y delicada que decididamente llegará a sus corazones, sepan mucho o poco del tema.

El logro más brillante del documental es dar una mirada personal, que le permite a los no judíos  acercarse al tema, sin sentirse anti semitas.

"Nobody leaves unless they're willing to pay the price,… And the price for freedom is really high."

Duquesa Von Eggersen

#netflix #one of us #documentary #Film Review #reseña #jasidico

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THE LOST BOYS

El colorido y geométrico mundo de los 80s crea en nosotros, niños de los 90s, una fascinación entendible. Existe una nostalgia preconcebida en quienes crecimos con el Windows 95 pero que heredamos el Hollywood de la década anterior. Fuimos criados por Los Magníficos, El Auto Increíble, E.T. Terminator, Robocop, Los Goonies y Marty McFly, por ello, no es de sorprenderse que desde Marvel hasta Netflix adopten las referencias de esa época; autos rojos descapotables, mixtapes y sintetizadores, sólo por nombrar algunos elementos. 

Fue precisamente después de terminar la segunda temporada de Stranger Things que decidimos ir a un clásico que evidentemente influenció el nostálgico y exitoso sci-fi: The Lost Boys.

Amado por algunos y odiado por muchos más, Joel Schumacher ha dejado su huella en la historia más reciente de Hollywood. Antes de ser abucheado por sus versiones casi kitsch de Batman, Joel dirigió clásicos que casi llegan a ser Serie B como Flatliners. Pero si hay que elegir, en The Egg Review nos quedamos con un clásico de culto, con los vampiros en la playa, con el peinado de Kiefer Sutherland en lo que en español se conoce como Jóvenes Ocultos o Los muchachos Perdidos.

La historia comienza con Michael y su hermano menor Sam, ambos llegan de Phoenix a Santa Carla, California junto a Lucy, su madre, que quiere encontrar una nueva vida, un trabajo y un buen sustituto para su ex esposo. Desde la misma llegada al pueblo, empiezan las advertencias de que algo muy malo pasa en este lugar, los jóvenes están desapareciendo. Lo dicen carteles en las calles y lo dicen los nerds que atienden en la tienda de comics.

En lo que podría ser tomado como material de archivo de la vida en California en los 80s, Michael y Sam van a conocer el pueblo. La vida nocturna llena de luces, colores y extravagancia, también esconde a un grupo de adolescentes maleantes que están a dos pasos de verse como Locomia y que son liderados por David (Sutherland). Como en todo grupo de malandrines, hay una chica atractiva, una especie de gitana llamada Star, que capta la atención de Michael y lo terminará llevando a la cueva de sus misteriosos amigos después de una extravagante carrera de motos por la playa.

Mientras Michael se encuentra a prueba para entrar al grupo de chicos malos, Sam está convencido de que el pueblo está plagado de vampiros y busca la ayuda de los dos geeks de la tienda de comics para llegar al meollo del asunto. Entre motos, collares de ajo y citas fallidas de su madre, esta comedia con tintes de terror va llevando a todos los personajes hacia un mismo punto para buscar el gran final.

Con grandes personalidades de los 80s como Corey Haim y Corey Feldman, este clásico les sacará unas risas mientras les hará entender mejor algunos gags y referencias que se pueden ver en el cine y televisión de nuestros tiempos. No es Tarkovsky, no es Kurosawa, no les va a sacar una lágrima, ni les dejará en crisis existencial, simplemente les va a hacer pasar un buen rato, imagínense en un autocinema en 1987, véanla con amigos y únanse a los millones que ya son fans de este clásico.

Señor Eggsmith.

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A GHOST STORY

Encontrar una película que realmente sea original es complicado, que surja completamente del imaginario de un hombre o mujer, es difícil y raramente tiene éxito en  Hollywood, por eso, cuando escuché sobre esta cinta y su rara premisa, me vi anhelándola, a pesar de la poca información y secrecía que había alrededor de la misma.  

A Ghost Story no es una película de terror, al menos no en el clásico sentido de la palabra o el género. En ella, se presentan diferentes elementos que tocan nuestros más profundos temores, la muerte, la soledad y el amor; temáticas que sobrepasan el susto temporal de una monja muerta gritando desde un closet embrujado.

Al verla, me vi recompensada en creces con unas de las mejores películas que he visto en los últimos años, por eso y con una clara advertencia les pido -LEAN ESTO DESPUÉS DE VÉRSELA- parte del encanto es entrar sin ninguna referencia o expectativa, de esta manera encontrarán su propio valor y significado. En mi caso me acosté llorando, muy deprimida reflexionando sobre mi propia existencia.

La historia se construye de manera tan inusual que los personajes no tienen nombre, sólo los conocemos como C (Casey Affleck) y M (Rooney Mara), una pareja de jóvenes que viven en Texas. M quiere mudarse, C no. Un día, C muere en un accidente frente a la casa y después de ser identificado en la morgue por su esposa, se convierte en un fantasma. El tiempo pasa y C queda deambulando en un mundo al cual no pertenece.

En sí, la trama es simple, la parte complicada se desarrolla cuando vemos a C como un fantasma (Un hombre bajo una sábana) e involuntariamente nos proyectamos en él, en su dolor y añoranza. Esta forma fantasmagórica que nos remonta a la infancia, se convierte en una representación gráfica de la soledad, esa que vive en nosotros y que el director David Lowery aprovecha para generar un personaje único y memorable.

Sin un rostro o diálogo, Casey se ve privado de los elementos básicos que tiene un actor para interpretar un papel, aún así, la empatía que genera en nosotros es indiscutible, con tan solo unos delicados movimientos sentimos su dolor, inclusive, en su pataleta al mejor estilo Poltergeist percibimos su ira y celos.  Es acá, donde los gestos son más valiosos que las palabras, éstos trascienden en cada una de las imágenes.

Acá tenemos una historia que nos habla del tiempo y de lo que éste significa, el deseo incansable de los humanos por perdurar en la memoria de otros y los matices del duelo al dejar un ser amado o un espacio entrañable. ¿Por qué nos apegamos a lugares? ¿Por qué existe esa necesidad de dejar huella, de perdurar en la mente de otros? La película nos deja más preguntas que respuestas, pero es en esas preguntas donde encontraremos un poco más de nosotros.

El film es lento, así que les pido estar bien despiertos para verlo, pero la química entre los protagonistas, la hermosa cinematografía, el look vintage de la imagen, además de una increíble historia valdrán su tiempo.

Duquesa Von Eggersen.

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JANE FONDA & ROBERT REDFORD. (Our Souls at Night y Barefoot in the Park)

Dos emblemas de Hollywood. Dos íconos que han dedicado sus vidas y sus almas a la pantalla grande. Jane Fonda de New York, dos premios Oscar por Actriz principal, Robert Redford de Santa Monica, California, un premio Oscar por dirección. Hablamos de Barbarella y The Sundance Kid, dos personas que pudieron haber deleitado a nuestros abuelos, a nuestros padres y que hoy siguen entregando su tiempo al cine (también un poco de televisión). Dos grandes que, como si se tratara de una de sus películas, tienen una conexión que trasciende el tiempo y se reúnen cada tanto para regalarnos un poco de romance.

El 29 de septiembre se estrenó en Netflix Our Souls at Night, la más reciente colaboración de estos dos actores en un drama que me atrapó completamente, me devolvió en el tiempo hacia tramas más sencillos (a simple vista) y actuaciones que se sienten tan naturales que nos podemos centrar en el conflicto; en la historia de dos viudos que son vecinos y empiezan a hacerse compañía bajo la mirada de un pueblo pequeño que todo lo juzga.

Volvamos 60 años en el tiempo, en plena ciudad de Nueva York encontramos a los mismos protagonistas, radiantes, jóvenes, los símbolos sexuales de Hollywood con toda su carrera por delante. Barefoot in the Park es una famosa obra de Broadway llevada al cine y protagonizada por Redford y Fonda que, llenos de humor y teatralidad, retratan a una pareja de recién casados que poco o nada tienen en común, mientras intentan acomodarse en su pequeño y desastroso apartamento neoyorquino. Eran tiempos tan distintos y a la vez su química se siente igual que ahora, la complicidad que se refleja en sus miradas es algo que no se puede fingir, que va más allá de la actuación.

Our Souls at Night me atrapó desde la primera escena cuando Addie (Fonda) se presenta en la puerta de Louis (Redford) preguntando si le importaría dormir con ella. Es curioso, es tierno y es gracioso. El resto de la película no decepciona, sus conversaciones los tendrán con una sonrisa y algunas veces con la preocupación y angustia que los buenos dramas producen.

Barefoot in the Park no nos da tiempo de pensar si nos gusta o no y de repente terminó. Cuando menos lo pensamos, hemos sido testigos de un viaje emocional en lo que llegan a ser unos 8 días de matrimonio. En un edificio con vecinos excéntricos, con una visita de la suegra y diálogos que van a mil por hora, esta película no los va a dejar descansar, pero si les va a sacar unas buenas carcajadas y dos o tres reflexiones de la vida en pareja.

Ambas películas están en netflix y los invito a verlas de corrido, lo que les va a generar un sentimiento de nostalgia y calidez como pocos dúos de la pantalla grande pueden lograr. La primera más sobria y a ritmo lento, la segunda es como un tren fuera de control, pero ambas mostrando lo mejor que estos viejos lobos tienen para exponer, mostrando además que el encanto y el ingenio pueden ser inmunes al paso del tiempo.

Sr. Eggsmith

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THE BIG SICK

A pesar de la corta duración que The Egg Review tiene en el mundo de la internet, ya se nota la fuerte empatía que sentimos por las producciones de Judd Apatow. En varias ocasiones lo hemos mencionado a él, a su trabajo como productor y/o director y a la tremenda añoranza que sentimos por sus historias; siempre tan humanas, duras y cómicas, como la vida misma. Hoy, y para seguir con esta tradición, quisimos hablar de una hermosa comedia romántica, que llega para devolvernos la fe en un género que dábamos por muerto.

Basada en eventos de la vida real, The Big Sick fue escrita y protagonizada por Kumail Nanjiani y retrata los primeros años de su relación con Emily V. Gordon, su actual esposa. Después de un torpe y divertido comienzo, Emily cae en un coma tras una extraña enfermedad. Kumail, indeciso, la acompaña en el hospital mientras enfrenta los sentimientos por ella,  el temor que causan los prejuicios de su familia musulmana y la enemistad entre él y los padres de Emily. En conjunto, este pareciera ser un drama con un final muy infeliz, pero prometo y sin spoilers que la historia los dejará con una sonrisa al final del día.

La magia de la cinta radica en la fuerza y valentía con la que Kumail y Emily presentan su historia. Ellos, escriben un guión que deja en tela de juicio su vida y el íntimo momento que define su relación y futuro. A través de una pequeña puerta nos invitan a un universo que en otras circunstancias no estaría disponible para nosotros, y aunque el encanto y poder de la película provienen de este rasgo tan particular, son varias las decisiones y los múltiples detalles que le brindaron a la cinta gran fortaleza, uno de ellos, es la estructura de la cinta.

Siendo esta una historia de amor, nos encontramos con que en el grueso de la película, la pareja en cuestión, no tiene ningún tipo de interacción, es más, son físicamente incapaces de hablar el uno con el otro, y paradójicamente, es en aquel instante, donde más aprendemos de ambos, Kumail entiende cuales son sus convicciones y qué debe hacer para tomar las riendas de su vida, y de Emily (Zoe Kazan) conocemos la fuerza de su personalidad, aún estando en coma. (y les diré con seguridad que no es la Ruby Sparks que imaginan)

Otro detalle importante, es la relación entre los protagonistas y espacios, y cómo el director Michael Showalter se aprovecha de la química y naturalidad que surge de  esta interacción. Sea Kumail y Emily en su apartamento, con sus padres, los padres de su novia en el hospital, o con los amigos en el bar de Stand up comedy, los diálogos sinceros, llenos de naturalidad, humor e incomodidad, nos revelan detalles de la vida, el amor y la naturaleza humana.

Estoy segura que hasta el más duro de corazón, podrá ver esperanza y reconciliación en esta cinta. De vez en cuando es importante recordar que el amor puede triunfar, hasta en los momentos más difíciles.

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IT COMES AT NIGHT

A veces el terror es más efectivo cuando se revela poco, dejando que la imaginación haga el trabajo sucio; nuestras mentes retorcidas a menudo son mejores que las de cualquier guionista de Hollywood y debemos saber apreciar y tomar con responsabilidad esos momentos en que una película nos deja decisiones como espectadores. Dicho esto, es pertinente aclarar que It Comes at Night es un film que se ha vendido como un horror sci-fi en un mundo post apocalíptico, y esto no es mentira, pero si lo que esperan son hordas de zombies siendo abatidos por rifles de asalto, litros de sangre y una carrera contra el tiempo para mantener a salvo a la candente hija del presidente, esta no es la película que esperan.

Trey Edward Shults quien con 28 años ya ha ganado premios en festivales internacionales como el SXSW con su primer largo Krisha, vuelve a darse a la ardua labor de escribir y dirigir con un thriller que algunos llamarían terror psicológico, pero que no es más que un vistazo a las emociones humanas llevadas al extremo en una situación desesperanzadora. Es probablemente eso lo que ha disgustado a muchos fans del terror que fueron a ver esta película esperando un monstruo y descubrieron que éste es el ser humano.

Viviendo aislado en un bosque a las afueras de alguna ciudad, se refugia Paul (Joel Edgerton) junto a su esposa e hijo adolescente dentro de una gran casa abandonada, en un mundo que parece haber mermado considerablemente su población gracias a una enfermedad contagiosa que se manifiesta con ampollas en la piel. Se vive con todas las precauciones para evitar el contagio y por eso la llegada inesperada del intruso Will (Christopher Abbott) los pone a todos en alerta mientras a la vez trae consigo un poco de esperanza y el tan necesario contacto humano.

Una vez que Will ha sido aceptado y lleva a su esposa e hijo pequeño a la casa de Paul, se siente un peso aún más grande en el ambiente, la desconfianza es palpable en los adultos mientras los hijos reflejan la inocencia y la ingenuidad que no cambia por más que el mundo se esté acabando. El espectador se encontrará entonces ante lo más temible: la malicia del ser humano, el veneno que se genera involuntariamente a partir de buenas intenciones y el amor por la familia que se quiere proteger a toda costa.

El título de la película promete la venida de algo en la noche, y el ambiente general de la película los mantendrá alerta siempre, por más que el peligro más grande se encuentre de puertas hacia adentro. El sonido, la iluminación y los colores los harán sentir incómodos, claustrofóbicos y cortos de aire, como dentro de un mal sueño, y es que el terror aquí es no poder escapar a ningún otro lugar, el temor a perder la única fortaleza que pueden y podrán tener.

Admito que el tráiler de It Comes at Night deja la concepción errónea de la película, llevando a creer que tal vez se trata de un slasher en un bosque del terror, pero los invito a liberarse de esta idea y a ver esta historia con la mente abierta, poniendo gran atención al sonido, analizando el entorno y las emociones que impulsan a cada personaje a enfrentar sus demonios.

Sr. Eggsmith

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MY COUSIN RACHEL

Llevaba varios días en la cacería de la película que hoy recomendaré, junto a ella, se encontraban otro par, como Raw y Beatriz at Dinner, pero entre las tres, My Cousin Rachel fue la que superó en creces mis expectativas y es por ello, que a través de esta pequeña reseña, les extenderé una invitación a descubrir la magia de este thriller gótico.  

A parte de  Nothing Hill no puedo decir que son muchas las película que he visto de Roger Michell, así que trataré de enfocarme en la realización de esta adaptación y la hermosa hazaña que los dejará en un intrigante trance.

La adaptación cinematográfica del libro My Cousin Rachel escrito por Daphne Du Maurier (A quién reconocerán por dos grandes obras, Rebecca y Los Pájaros, llevados a la pantalla grande por Hitchcock) retrata la vida de Philip (Sam Claflin) un hombre que enfurecido por la muerte de su primo y protector, jura vengarse de la mujer que al parecer, lo ha llevado a su fin. Al conocer a esta misteriosa viuda, su sed de revancha se disipa ante los encantos, belleza e irreverencia que encarnan a Rachel (Rachel Weisz). Nadie tiene certeza de sus intenciones, será cuestión de nosotros descubrir su culpabilidad o inocencia.  

La magia de este thriller es sin duda, la atmósfera de misterio que mantiene al espectador al borde de su silla, además del conflicto que genera entre aquellos que la ven, ¿Será que fue ella? ¿Será que no? Es una montaña rusa emocional.

En los primeros 20 minutos se encargan de construir a este personaje místico; Rachel, esa mujer maldita, cargada de una ignominiosa maldad que dominaba y destruía todo a su alrededor, para después presentarla en pantalla, y todo aquel odio y desprecio que el director había implantado en nuestro cerebro y en el de Philip, desaparece al ver su rostro y encantadora personalidad.

Como huérfano, Philip creyó ser un hombre a temprana edad, él no conocía más allá de su mansión y las labores dentro de este lugar, por ende, para él, las mujeres, se resumían en su amiga de la infancia o las empleadas de la granja, pero cuando conoció a Rachel, el hombre se convierte en un niño ingenuo, buscando en esa mujer, los vestigios de una madre y amante. Él entendía a este personaje como una apéndice de su mansión y por ende, le pertenecía, pero al no tener herramienta alguna para descifrar la mente de Rachel, el pequeño hombre se vuelve temeroso y ansioso y es por esta razón que muchas veces dudé, entre si aquel mundo misógino es lo que la condenaba o si en realidad, era ella quien malignamente confabulaba contra estos hombres. Rachel era una mujer revolucionara para su época, ella no pretendía vivir y servir a un hombre o depender monetariamente de él, ella creía en la libertad sexual, y en ser y pensar a su manera; libre y sin compromisos, elementos que en 1850 eran revolucionarios, disruptivos y fuertemente castigados por la sociedad.

¿Fue Rachel enjuiciada por no seguir la norma estipulada para la mujer en aquella época; por ser libre e independiente, o simplemente era una mujer calculadora y sin escrúpulos? He ahí el interrogante para el cuál tendrán que ver la película.

Para lograr la misteriosa personalidad de su personaje, Rachel Weisz,  fue la única persona que supo las intenciones de Rachel, ocultándolo de sus compañeros,  inclusive del director. Una gran decisión que imprimió realismo en los demás personajes, quienes al igual que nosotros permanecieron en la oscuridad.

Además de la increíble interpretación de Rachel Weisz y Sam Claflin, quienes cargan con la película durante hora y cuarenta y seis minutos, aquellos a su alrededor, ayudaban a construir esta atmósfera, llevándonos de derecha a izquierda, arriba a bajo; todos en búsqueda de la verdad.

Todo este misterio no sería suficiente sin las hermosas locaciones y paisajes ingleses, además de un vestuario elegante y sofisticado, y encuadres que remontaban al realismo de 1850.

Duquesa von Eggersen

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FREAKS AND GEEKS

Aunque cada día es un recuerdo más lejano, siempre es divertido pensar en aquellos años del colegio, desde que se es pequeño e inocente hasta que, se sigue siendo pequeño e inocente pero uno se cree grande y malote. Los momentos de complicidad con los amigos, el misterioso sexo opuesto, los estudiosos y los vagos, los profesores ogros y los que en verdad parecen preocuparse por el futuro de sus estudiantes, todo esto es lo que reúne de forma nostálgica y cómica Freaks And Geeks.

Este drama de 1999 amado por críticos y fans, inexplicablemente tuvo una única temporada de 18 episodios para el lamento de muchos (excepto algunos ejecutivos miopes de la NBC) y se convirtió en un clásico instantáneo. Esta serie se basa en dos grupos clásicos de secundaria, los “Freaks” que beben, fuman y se meten en problemas y los “Geeks” que no reprueban sus materias pero sufren por las golpizas de los abusones y por no conseguir novia.

Una de las historias principales es la de Lindsay Weir (Linda Cardellini) quien habiendo sido una nerd toda su vida, decide hacerse amiga del grupo de los colgados, encabezado por Daniel Desario (James Franco) la viva imagen de la rebeldía y las bajas calificaciones. En contraste, el hermano menor de Lindsay, Sam Weir vive su vida de Geek con sus amigos Neal y Bill, siendo un trío de mosqueteros que comparten todo, incluidas las golpizas que reciben, el enamoramiento por la chica nueva de la escuela y sobretodo la ingenuidad e inocencia que evocan ternura y un poco de pena ajena.

En una época en que las series adolescentes estaban plagadas de rostros hermosos y diálogos cursis, Freaks And Geeks llegó con personajes reales, conversaciones honestas llenas de existencialismo y rebeldía. El miedo a no encajar, los enfrentamientos con los padres en un intento de independencia, el aparentar que sabes todo lo que no sabes, cambiar la forma de vestir y de pensar y tantos otros acontecimientos que son tan fácil de sentir propios, son la razón del éxito de esta creación de Judd Apattow (Virgen a los 40, Love) y Paul Feig (Spy, The Office)

Una de las partes más divertidas de ver esta serie en el 2017 es identificar a todos los actores que pasaron por sus filas. Desde Ben Stiller hasta un muy joven Shia LaBeouf, pasando por Jason Schwartzman, Lizzy Caplan y la esposa de Judd Apattow, Leslie Mann, todos acompañando a un elenco que sorprende por dar tan grandes actuaciones a corta edad, lo que hace que no sea sorpresa ver a casi todo el núcleo principal, como personajes habituales en películas y series actuales.

Imposible no reír a carcajadas, imposible no encariñarse con los personajes, difícil ver sólo un capítulo a la vez y muy probable que después de un tiempo quieran repetirla. Es increíble cómo un simple show de adolescentes ambientada en lo 80s ha conseguido reunir seguidores de todo el mundo convirtiéndose en una serie de culto que afortunadamente llegó a Netflix este año. ¿Y tú? ¿Eres un Freak o un Geek?

Sr. Eggsmith

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COLUMBUS

Llegué a Columbus por Indie bo, y agradezco a quienes hicieron posible este suceso, no es de todos los días que podamos acceder a este tipo de películas, ni siquiera, a través de los piratas de la internet.

El universo de Columbus se desarrolla en la ciudad que lleva el mismo nombre, Columbus, Indiana, con Casey (Haley Lu Richerdson), una joven entusiasta de la arquitectura que además de trabajar en la biblioteca de la ciudad, cuida de su madre, una drogadicta en recuperación. Su contraparte masculina es Jin (John Cho), un hombre que llega a la ciudad para cuidar de su padre, un famoso arquitecto que en un desafortunado accidente queda en coma. Inevitablemente, nuestros protagonistas se encuentran y se ven atraídos por el carisma, academia y misterio que moldean sus dos distintivas personalidades, y aunque en teoría, este universo podría parecer simple, debemos ver en estos dos personajes algo más que el prospecto de un amorío o un encuentro furtivo, en él, debemos encontrar el desarrollo de sus historias versus la relación que mantienen con esta meca de la arquitectura moderna, además, de la cinematografía diseñada en pro de las puestas en escena que generan un lenguaje único, una narrativa que jamás había visto.

Casey tiene una sensibilidad extraordinaria para apreciar la arquitectura, elemento que le permite sobrellevar la vida con su madre, a pesar de esto, el temor de alejarse, es mucho más fuerte que el deseo por encontrar un verdadero propósito. Éste sería uno de los primeros conflictos que nos presenta el director para el personaje, pero, ¿Será el único?, considero que la verdadera barrera que Casey debe sobrepasar es el temor a lo desconocido, al mundo fuera de la pequeña rutina que ha formado para si misma, y cuidar de su madre, es tan solo una excusa, una fachada que justifica sus decisiones, mientras que para Jin, es reconectarse con algo que desde pequeño buscaba y temía; la aprobación de su padre.

Kogonada, además de ser el director y escritor del film, es el personaje que en Vimeo nos comparte ensayos visuales de diferentes directores y sus películas, como Wes Anderson, Yasujiro Ozu y Kubrick (https://vimeo.com/kogonada), por ello, y con un serio conocimiento sobre su trabajo, uno pensaría que su primer film estaría regido por la misma estética y reglas que él admira, allí no habría sorpresa alguna, el verdadero hallazgo, es encontrar el corazón, naturalidad y belleza con la que construye la relación entre los personajes, la ciudad y las paradojas a las que se enfrentan. Kogonada quiere mostrarle al espectador con imágenes certeras y diálogos precisos, cómo la arquitectura moderna puede representar el balance que influencia la vida de las personas.

Además de la fascinación por los dos protagonistas, es importante resaltar aquellos que orbitaban su mundo y que por igual, aportan a este gran universo, como lo es Rory Culkin, el amigo intelectual de Casey, su madre, Michelle Forbes y la pupila del padre de Jim, Parker Posey, personajes que le dan cohesión y humanidad a la historia, además de un mejor entendimiento de su pasado. Junto a nosotros, son testigos de la transformación de los protagonistas.

Para finalizar, quería hacer énfasis en uno de los momentos de la película que habría sido mi favorito, (Voy a parafrasear pues no recuerdo el quote exacto y no está en Internet).

La madre se refiere a la comida que Casey le prepara con la siguiente frase:

-Te quedó un poco simple, le hace falta algo más de fuerza-

Casey responde

-No quería hacer algo fuerte y extravagante, iba por algo sutil-

Este diálogo se repite al comienzo y final de la cinta, y siento que es un comentario de Kogonada sobre la película y el mensaje que se proponía a transmitir y debo decir que lo logró a la perfección.   Duquesa Von Eggersen 

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