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laurasinele · 6 years

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Thanks, Taika of my dreams

Couple of nights ago I had a weird dream. I am on four different psycoactive meds and my dreams have always been colourful to begin with, so weird dreams are not something extraordinary in this household of ours and our mornings usually begin like: “hey, husband, I had this crazy dream today in which Vlad Putin was an aquatic monster and we were seventies cops with horrible staches and fur coats and he tried to kill us by a river and we shot him but he didn’t died so I panicked and just switched to another tv channel and there was a riot in a fancy old theatre on our kitchen table because Jennifer Lawrence and David Tennant had stopped performing a live episode of Doctor Who to elope and live to the fullest their secret romance” (I actually dreamt that and I don’t even watch Dr. Who). But this dream I am talking about now was awfully dull. Yeah weird, but dull. Until...

Before I get to the details of my dream let me introduce you to the man on this picture. This is Taika “I do whatever the fuck I want because I don’t need your validation to know I am cool as fudge” Waititi, better known lately for directing the last instalment to Thor’s plot arch in the Marvel Cinematic Universe, the colourful joy and delight full of flag waving and redemption that is Thor: Ragnarok. We, my husband and I, love Taika Waititi since we first met him a couple of years ago in What We Do In The Shadows, co directed with Jemaine Clement from Flight of the Conchords (and they both star in the movie with hilarious results). What?! You haven’t seen it?! One of the greatest fantasy comedies of our times?! Go now, I’ll wait.

(Now that you’ve seen the movie you now that’s Taika in it as Viago, waiting for you to fulfil your task) No, but seriously, we love him. If we were tu bump into him on the street we would invite him home and feed him and make sure he is all warm and cozy and tell him what a talented, lovable huge dork he is and that we love almost anything he does. Proof is, I only got interest in Ragnarok because of him because i hated so much the other two that I couldn’t finish them and that is not something that happens to me easily, not being able to finish a movie. AND I LAUGHED MY ASS OF AND I HAD THE GREATEST TIME WATCHING THOR: RAGNAROK EVEN ON HEAVY MEDS AND WITH A DEPRESSION. Because this man knows his shit when it comes to comedy and that ain’t easy.

Well, you are now acquainted with one of the most charismatic directors, writers and actors, with one of the most original and unapologetic public personas of this days. You’re welcome.

Look at that, a happy family with the mischievous son conveniently locked away LOL

Back to my dream!

I was at the cinema and my husband and I had set up one of my friends for a date without her knowing. It was weird because the three of us were sitting apart in little clusters of movie theatre seats, four seats for each, and from where we were sitting none of use could see the screen at all but somehow (dream logic) we still were catching every detail of the movie. All the lights were on and people was talking, it was kind of a special event in which you were welcome to bring your own food and sit wherever you pleased. We were bored and my friend wanted to finish the food and leave because the movie was stressing us out. Apparently, it was about kidnapping children but I didn’t know that until that moment (the me on my dream seemed to know, though). Then, Haley Joel Osment does his entrance in a nerdy outfit and produces a blanket and a picnic basket from a backpack. Yeah, I know, dream logic, ok? Haley Joel Osment was the guy me and my husband had set my friend up with.

So by then, the me inside the dream is ok with everything, it’s her plan after all, but the dreaming me is done with this shit and is bored af. So I decide I’m leaving and I accidentally end up inside the movie I DON’T KNOW HOW.

And there’s my husband and my friend and Haley Joel Osment and they’re all like “this movie is bad karma we out” and suddenly I’m alone and poor Naomi Watts tells me she’s done making the freaked out mom and she begs for me to take her role so she can be the evil mom that wants my kid because her daughter died. I don’t even have kids irl life and I don’t belong in the movie and now I want to know whats happens with my friend and HJO because against all odds it looked like they liked each other?? But Naomi is so beautiful and talented and she looks so done that I say ok and I do the freaked out mom followed around the big ass suburb house full of broken toys by the evil mom aka Naomi Watts. And I was really terrified and exhausted but every now and thens we would stop and OOC chat for a while and she would compliment me on my performance, thank me for the chance or complain about sandwiches in the catering today and I would say “But Nay, I’m only here because some psycomagical shit I didn’t event get to see the set” and she would apologise so much as if she had been unwillingly racist or something. And the we’d resume the chasing. So, apparently, the plot of the movie was that Naomi and her husband had lost a daughter and now wanted mine (that wasn’t there at all), but during the chasing around the house two things were discovered: a skeletal child that ran away from us, thankfully, and a live one, a seven-year-old boy, naked, locked in a closet. I took the boy in my arms an resumed my race around the house but this time I was pissed because why did they wanted to steal a child if they already had one that they were neglecting? I was so pissed that I forgot to run and started walking. I heard I siren downstairs and thought it was the cops but it was an ambulance toy. it was broken and I was afraid it would catch fire, so I picked it up and switched it off, all the while carrying a sobbing, naked kid. But then the sirens resumed and there were blue and red colour in the entrance hall so I ran there and the door stormed opened and there were the Andes fro Hot Fuzz in SWAT gear and... MOTHER FLIPPIN TAIKA WAITITI IN A SIXTIES SPY POSE POINTING WITH HIS HANDS TOGETHER AND NO GUN AT ALL

He is sporting a black suit with satin lapels that looks very expensive, but he wears white tennis slippers, a black cotton t-shirt and an ugly felt pin of a flower over his chest pocket, with ridiculously small deep blue petals. I am staring at the pin when he breaks his ridiculous pose and says IN HIS VIAGO VOICE:

“I’m the Goldblum’s daughter godfather, what happened?” (yeah, the dreaming me was also like whaaaaaaat lolololol)

“They tried to steal my daughter. I found him in a closet. The other is dead”

He took the boy while saying “I always suspected them” and he hugged him while whispering “It’s ok now” to his ear. Still in his Viago voice. Then he looked at me and he realised I’d been through hell and (dream logic) he hugged me simultaneously and told me everything was going to be alright. And I woke up.

Now hear me out, babies, hear me out. I’ve been through a lot for this past few years and when I had that dream, I was on all day in bed 5 day streak after a faint hint of recovery that lasted barely a week and was preceded of months and months of oversleeping and only showering once in two months, medication with undesirable side effects, and well... your average depressive state.

When I woke up from that dream after running up and down the stairs of a house full of broken but never discarded toys, protecting a daughter that wasn’t there, in a role that wasn’t mine, in a place I had no idea how I had ended up in, after saving a naked, terrified kid, after seeing another one go, Taika hugged me and told me it was alright. The very personification of Comedy and Humor came to save me and held me and told me that it was all over now. And I felt such relief when I woke up...

Thanks, Taika of my dreams. Thank you for telling me that things are starting to work like they are supposed to inside my head because I couldn’t tell.

Also, this is very important, if someone could please draw Taika in The Pose from the end? That would be the greatest service ever done for the human race. It’s not personal. Thanks.

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hedonismoaudiovisual · 5 years

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[21] BAFICI (3 al 14 de Abril de 2019)

Maya (Trayectorias)

Del dolor al amor

Las películas de Mía Hansen-Løve suelen presentar protagonistas inmersos en situaciones traumáticas que durante el desarrollo de la trama van elaborando su dolor y vuelven a empezar. Una superación que se despliega con delicadeza e inteligencia, sin estridencias y atenta siempre a la realidad íntima de sus personajes. Maya, su último largometraje, no es la excepción. La relación entre un periodista de guerra francés liberado después de varios meses de secuestro en Siria y la joven india que da título al film pone en escena nuevamente este pasaje del dolor al amor con la misma sensibilidad que sus producciones anteriores. Una transformación que tiene lugar con una cadencia tranquila y donde la música y los paisajes son elementos centrales para el proceso de cambio interior.

Los planos de la India y sus habitantes, el deambular del protagonista por diferentes ciudades, las canciones autóctonas y el propio semblante trémulo de Maya establecen una atmósfera entre melancólica y vital y preparan el terreno para un desenlace de una belleza sublime. La trascendencia de un encuentro reparador y una directora que representa como nadie las reconstrucciones del alma.

The Unicorn (Competencia Internacional)

Registros desnudos de arte y locura

Lo que comienza como un documental independiente sobre el músico Peter Grudzien, reconocido autor del primer disco de country gay a mediados de los 70's, deviene una obra angustiante sobre una familia mentalmente enferma recluida en una casa saturada de locura. Más allá del descubrimiento de estos personajes singulares y de todo el material de archivo que registraron durante años, el mérito principal de los directores Isabelle Dupuis y Tim Geraghty radica en el respeto y comprensión con el que acompañaron a estos protagonistas marginales en diferentes momentos críticos de su existencia. Lejos de la burla o la caricaturización, el relato se preocupa todo el tiempo por respetar la dignidad de unos seres en decadencia que recuerdan a la mítica Grey Gardens del '75 por la desnudez y crudeza de la situación, los vínculos patológicos y los testimonios en carne viva. La cámara en mano, la calidad precaria de la imagen y las canciones apesadumbradas de Grudzien contribuyen desde lo formal a potenciar este film único que expone sin velos la enajenación y la potencialidad del arte como salvación (o paliativo).

L'Île au trésor (Lugares)

Espacio para el placer

Este documental de Guillaume Brac observa la temporada de verano en un centro de diversión acuático en las afueras de París y lo hace con una belleza y serenidad apreciables. Niños que intentan entrar al predio sin pagar entradas, jóvenes que solamente concurren allí en búsqueda de conquistas amorosas, habitués vitalicios que vieron las transformaciones del lugar, cisnes, guardavidas, relámpagos amenazantes y hasta los miembros de la administración son los protagonistas de este retrato impresionista colmado de agua y rayos de sol. Un trance tan apacible como la melodía de Kingston Town, la canción de UB40 que cierra el film.

Mangoshake (Competencia Vanguardia y Género)

Anti coming of age absurdo y demencial

El film de Terry Chiu propone una escalada hilarante de situaciones absurdas y sin sentido con adolescentes intranquilos que venden batidos de mango en un pueblo desolado. Enérgica, lúdica e improvisada, la película es una sucesión de gags ridículos con una edición frenética, actuaciones delirantes y un espíritu inclasificable y singular. Taika Waititi, con su mítica Eagle vs. Shrak, puede pensarse como referente de este tipo de comedias que centralizan lo absurdo y lo raro. Pero si en la obra mencionada anteriormente podía vislumbrarse un argumento que conducía el relato, Mangoshake es vanguardia, desorganización y caos. Un delirio radiante.

The house that Jack built (Trayectorias)

Un ícono de lo perturbador

La última película de Lars Von Trier se sirve de la violencia extrema y explícita para sostener que el arte está conformado no solamente por lo bello sino también por lo horroroso. Un gore episódico sobre un sociópata y sus métodos que confirman al director como referente icónico de lo miserable, exponiendo en pantalla escenas cada vez más desagradables. Un provocador sarcástico que logra secuencias perturbadoras y que simpatiza en demasía con las acciones despreciables de su protagonista. Una reflexión interesante pero una forma abyecta de demostrarla.

Meeting Gorbachev (Trayectorias)

Tributo personal a un hombre histórico

Werner Herzog (en co-dirección con André Singer) rinde homenaje al último presidente de la ex URSS Mijaíl Gorbachov y lo hace con una admiración y sensibilidad que conmueven asombrosamente. Lejos de sus producciones más osadas, el autor alemán presenta con clasicismo a su retratado alternando una entrevista que le realiza en el presente con archivos de su vida política y personal. Así como Herzog sorprende con su declaración de amor abierta y afectuosa, Gorbachov se descubre como un personaje romántico y hasta idealista que se expone sin reservas en una conversación íntima con el director. Paradójicamente, hitos que lo involucraron como la reunificación alemana, la implementación de la Perestroika, la disolución de la Unión Soviética y el Golpe de Estado que lo derrocó no tienen tanta fuerza en el film como el tramo en el que el ex líder político recuerda a su esposa y recita una poesía de Mijaíl Lérmontov. Un acercamiento personal a uno de los políticos más importantes de la historia.

ITUZAINGO V3RIT4

Lo genuino vs. lo impostado

Raúl Perrone vuelve a crear un universo singular donde se burla del esnobismo de la industria del cine a través de un grupo de actores afectados que deambulan vestidos de gala por la Zona Oeste de Buenos Aires. Con un blanco y negro fellinesco y fantasmagórico de una fuerza sorprendente, improvisaciones graciosas, selfies infinitas, ¡y hasta máscaras de Perón y Evita!, el mítico realizador ridiculiza con belleza la hipocresía de los vínculos del ambiente (incluidos los paródicos BAFUCHI y Festival di Cane). Cerca del desenlace, un postulado ético sobre su forma de pensar el cine traerá el color, romperá la ironía y embellecerá aún más esta experiencia tan irrepetible y libre como la música jazz que respalda la obra.

Cortázar y Antín: Cartas iluminadas (Películas sobre películas)

Semblanza del proceso creativo

Para todos los que nos preguntábamos cómo habrá sido la participación como guionista de Julio Cortázar en las películas de Manuel Antín (Circe, La cifra impar), el documental de Cinthia Rajschmir tiene la respuesta. Un recorrido íntimo y afectuoso sobre la relación entre los dos artistas, rescatando una fono-carta invalorable que incluye la voz de Cortázar sugiriendo ideas, líneas y planos para los films. Este intercambio creativo entre ambos, sus ideas sobre el cine y también el testimonio actual de Antín estarán editados con tramos emblemáticos de las obras y más correspondencia que fueron enviándose durante varios años. Tratándose de dos personajes que instituyeron formas rupturistas en sus respectivos lenguajes, el tono clásico y dulcificado que imprime Rajschmir a su producción puede resultar por demás conservador pero su admiración por los retratados es palpable y la obra resulta ilustrativa y sincera.

Santiago, Italia (Función de clausura)

Un documental político, sin neutralidades

Lo político y lo partidario siempre estuvieron presentes en los films de Nanni Moretti. Desde sus reflexiones sobre el Partido Comunista en Pallombella Rossa (1989) hasta la protesta de trabajadores que abre el film en Mía Madre (2015), el director italiano plasmó diversas cuestiones sociales en la pantalla con una toma de posición marcada del lado del proletariado. En su última producción, el autor presenta un documental emocionante sobre la historia de los refugiados chilenos en Italia durante la dictadura militar de Pinochet. Lejos de la parcialidad, Moretti reúne material de archivo y testimonios valiosos, provocando en muchos casos la conmoción genuina de sus entrevistados. Los relatos crudos, la mezcla de idiomas, la solidaridad del pueblo italiano con los chilenos y especialmente el gesto ético del realizador interpelando a ex militares presos que intentan justificar su accionar edifican una obra concisa que acompaña el sufrimiento y se pronuncia a favor de los inmigrantes. Un pasado no tan lejano, un film muy actual.

(La repiten Domingo 14, 16:00, Gaumont)

We are little zombies (Competencia Internacional)

Un torbellino audiovisual y narrativo

Ver la película de Makoto Nagahisa resulta una experiencia alucinante. Narrado en clave de videojuego noventoso, el film presenta las aventuras de cuatro niños entrañables y su modo singular de atravesar el dolor que los une. Con una libertad casi experimental tanto en sus formas retrofuturistas como en su contenido zigzagueante, We are little zombies es una pieza única que redobla la apuesta constantemente, incluyendo además canciones que son verdaderos hits. Novedosa, tierna, delirante y arriesgada, la obra se erige como un torbellino audiovisual y narrativo que deslumbra con gracia e inteligencia, explotando al máximo las posibilidades del arte cinematográfico. Una idea osada que logra plasmarse magistralmente.

(La repiten Domingo 14, 18:00, Gaumont).

What she said: the art of Pauline Kael (Películas sobre películas)

Más allá de la crítica

Este documental de Rob Garver sobre una de las principales críticas cinematográficas de la historia expone con amabilidad y contundencia vida y obra de su protagonista, desplegando un archivo valioso y desconocido para gran parte del público local. Amada y odiada en igual medida por directores y lectores, Pauline Kael, así como sus colegas de la Nouvelle Vague, trascendió la mera función crítica y analítica de films particulares para inmiscuirse directamente en la difusión activa de algunos realizadores despreciados, transformando así los gustos de los espectadores. Fragmentos de sus textos más reconocidos leídos en off por la famosa actriz Sarah Jessica Parker, recuerdos de sus programas radiales y de sus entrevistas en televisión y cartas de agradecimiento de autores estelares como Steven Spielberg o Woody Allen contribuyen a dimensionar la trascendencia de la figura de Kael y la importancia que tenía su pensamiento en el mundo del cine. Su aversión hacia Mary Poppins ("¡detesto ser manipulada!") y su respuesta a un oyente enojado que la mandó a dirigir películas en lugar de quejarse ("no necesito ser gallina para saber si un huevo tiene buen sabor") se encuentran entre los tramos célebres de esta producción cabal y delicada de una amante del cine.

Los tiburones (Competencia Internacional)

Explosiva y expresiva

Todo es personal, explosivo y hermoso en la ópera prima de Lucía Garibaldi. La rebeldía de su protagonista, las contradicciones de la adolescencia, la pujanza del despertar sexual, la irrupción de la naturaleza y los conflictos familiares están puestos en escena de modo particularísimo, con una libertad arrolladora, lejos de cualquier impostura o esquema trillado. Un cuento veraniego que recuerda la mítica Glue (2006) por su soltura, insurrección, expresividad y sensibilidad, pero esta vez con una chica como protagonista y ambientada en la costa uruguaya amenazada por la posible presencia de tiburones. El sonido recurrente del electropop, además, estimula una narración que fluye con vigor, siempre atenta a los detalles y a la interioridad de su personaje principal. Asombrosa.

(La repiten Viernes 12, 18:00, Gaumont).

Romance de la ternura tardía; Blue Boy; El brazo del Whatsapp; Guiso de Saturno; Lo que perdí en el fuego; Mis noches con Julia, Yo maté a Antoine Doinel (Competencia de Cortos argentinos)

Historias heterogéneas con resultados desiguales

Siete de los dieciocho cortometrajes nacionales en competencia sorprenden por su disparidad. Entre los más logrados y singulares se destacan Blue Boy (Manuel Abramovich), un registro casi acusmático e hipnótico de taxi boys rumanos en Berlín que escuchan sus testimonios grabados mirando a cámara y Yo maté a Antoine Doinel, un delirio cinéfilo de Nicolás Prividera que no cede nunca su intensidad. El brazo del Whatsapp, del reconocido Martín Farina, registra a un grupo de hombres debatiendo sobre las virtudes y defectos de la aplicación con algunos tramos graciosos pero sin la singularidad que le descubrimos en sus trabajos previos. Los que sí tienen atributos distintivos son la comedia absurda, esotérica y un tanto amateur Guiso de Saturno (Juan Linch) y el tal vez por demás lacónico documental Lo que perdí en el fuego (Sofía Ferraro) sobre una inmigrante en Buenos Aires, colmado de paisajes dramáticos en cinemascope. Por último, en Romance de la ternura tardía, Ana Bugni es la mediadora (y directora) de testimonios contrastados e hilarantes entre su madre escritora y su particular abuela a la vez que Mis noches con Julia (Rodrigo Alonso Kahlo) resulta el más indefinido de la muestra con una historia difusa de un hombre y una mujer que se reencuentran, filmada en un aparente Súper 8 también disonante.

(Los repiten Domingo 14, 22:55, Gaumont).

Ojos negros (Competencia Internacional)

La intimidad, en tono intimista

Se habla poco pero se transmite mucho en la película de Marta Lallana e Ivet Castelo. Con una sobriedad punzante, las directoras logran representar los conflictos interiores de una adolescente que transcurre sus vacaciones en un pequeño pueblo español, lejos de sus padres y en compañía de sus casi desconocidas tía y abuela. Miradas, gestos y diálogos mínimos tienen una fuerza considerable, especialmente en la relación de la protagonista con una amiga nueva, un vínculo que crece con el caluroso paisaje estival de fondo. Una temática que el cine ya viene representando muchas veces (el hacerse grande, la tensión sexual no resuelta, la incomprensión de la familia) y a la que esta producción suma su cadencia pausada y sutil para hacer palpable aquello que está latente y una localidad singular que acompaña muy bien.

(La repiten Sábado 13, 16:00, Gaumont).

L'homme fidèl (Competencia Internacional)

Comedia romántica francesa, con el encanto de los clásicos

El film de Louis Garrel refleja una doble herencia: la más cercana, la de su padre Philippe y otra más remota pero igual de potente: la de algunos de los cineastas de la Nouvelle Vague como Claude Chabrol o François Truffaut. Un triángulo amoroso entre jóvenes bellos, voces en off que dirigen el relato y hasta ciertas dosis de suspenso van edificando una historia que divierte y sorprende todo el tiempo, incluyendo además un personaje adorable en el hijo adolescente de una de las protagonistas. Planos y encuadres seductores, algunas situaciones agridulces y la libertad de los personajes para expresar abiertamente sus sentimientos amorosos evocan el encanto de las mejores comedias románticas francesas de los 60's, aggiornadas a nuestro siglo.

(La repiten Sábado 13, 18:30, Gaumont).

Lo que son las mujeres (Muriel Box)

Poco feminismo, bastante obsolescencia

El mérito de Box como una de las realizadoras precursoras del feminismo aún no se vislumbra en esta pieza de 1957 que comienza muy bien, justamente con un personaje femenino que lucha por tener los mismos derechos que su enamorado, pero, a excepción de este tramo, el film se va tornando lento, repetitivo y con poca gracia. Que sea un varón al estilo Don Juan quien sostiene el punto de vista de sus múltiples amoríos resta un poco a la noble intención de Box de poner en escena mujeres independientes que intentan escapar de los prejuicios y los mandatos a los que están sometidas. Una típica comedia británica de enredos que con los años se tornó un tanto obsoleta y apática a diferencia de otros grandes clásicos afines como La regla del juego o El cielo puede esperar.

Mudar de vida y Los años verdes (Ruth y Rocha)

La belleza también puede doler

Ya sea la historia de un hombre maduro que retorna a su casa en un pequeño pueblo costero y se desilusiona con lo que encuentra (Mudar de vida, 1966) o la de un joven que descubre un amor trascendental en la gran ciudad (Los años verdes, 1963), Paulo Rocha baña sus ficciones de un clima de aflicción serena, dulce, desplegando un blanco y negro subyugante y música mayormente melancólica. Con una destreza admirable para la composición de planos y encuadres tan delicados como ampulosos, ambos films portugueses retratan la vida de las clases populares, trabajadoras, y, detrás de esta inmensa belleza taciturna que desprenden las imágenes (las escenas de bailes y caminatas en Los años verdes son maravillosas), tienen lugar sucesos dolorosos y acciones oscuras. Un autor personalísimo; dos obras que parecen poesías filmadas.

Hombres de piel dura (Competencia Argentina)

Entre el cine social y el exploitation

Es notoria la evolución de José Celestino Campusano desde Vil Romance (2008) hasta su flamante estreno en el presente festival. Avances que se perciben especialmente en el modo de narrar, la dirección de actores y la destreza para trabajar cada plano. Con los años, da la impresión que aquella brutalidad casi paródica de sus inicios fue dando lugar a un cine menos tosco pero siempre intenso y excesivo. Hombres de piel dura expone un tema delicado (los abusos infantiles por parte de los miembros de la Iglesia) y lo hace con fuerza y destreza, surfeando casi siempre situaciones que podían estar al límite de lo irritante (un protagonista adolescente que mantiene una relación con un cura/abusador) con una enunciación que humilla a los culpables y trata con respeto y dignidad a las víctimas. El problema surge particularmente con una escena por demás arriesgada que lleva el rechazo -y al espectador- al extremo resintiendo considerablemente el buen pulso que venía esgrimiendo la película ante un tema tan complejo.

Paralelamente a esta trama social y de denuncia, el film presenta una vertiente más ligada al cine de explotación con numerosas secuencias sexuales casi explícitas en una atmósfera de constante voluptuosidad y lujuria. Parlamentos directos, desprejuicio constante y un protagonista magistral son aciertos de una obra que, en su intención de crudeza, derrapa con un fragmento innecesario.

(La repiten Sábado 13, 12:00 Gaumont).

Shakti (Vanguardia y Género - selección oficial fuera de competencia)

Depresiones y risas

El célebre Martín Rejtman exhibe un cortometraje protagonizado por un neurótico adorable y antihéroe inmerso en situaciones cotidianas que se tornan incómodas y absurdas. 20 minutos de comedia pura, personal y efectiva con un ritmo narrativo tan dinámico que el film transcurre con una velocidad asombrosa. Religiones encontradas, conflictos entre paciente y terapeuta y la necesidad del protagonista de salir de sus varias depresiones por causas amorosas son algunas de las numerosas situaciones hilarantes que se presentan incesantemente y que dejan con ganas de más desarrollo. La maestría de crear un mundo propio y distintivo con unas pocas escenas.

(Lo repiten Martes 09, 15:00, Multiplex Belgrano, Jueves 11, 22:30, Gaumont)

Fin de siglo (Competencia Argentina)

Romance en múltiples temporalidades, con tramos muy placenteros

Comienza un tanto adormecida pero la ópera prima de Lucio Castro va creciendo en su desarrollo hasta establecerse como un film cautivante, personal y con varias secuencias de una belleza sumamente disfrutable. Un romance en Barcelona (o varias versiones del mismo), que se presenta en distintas temporalidades, con una pareja protagónica seductora y diálogos existencialistas sobre los vínculos, la fidelidad y las vicisitudes de la relaciones gays. Así como la obra, la química entre los protagonistas va asentándose a lo largo del metraje, retratada con numerosas secuencias eróticas y siempre respaldada en profundidad de campo por la hermosura de la ciudad y las playas españolas. Hong Sang-soo y Éric Rohmer se vislumbran como grandes referentes del director, quien logra crear una película singular que incluye un par de escenas esplendorosas como el baile de seducción con Space age love song sonando de fondo o la impresión en pantalla de la cita de un libro que será trascendental para uno de los personajes. Compartir un vino en la playa, recorrer un museo, sacar fotos del paisaje son placeres efímeros que el film celebra, privilegiando las transiciones por sobre los puntos de llegada. Sin la intención de ofrecer un sentido único a través de un argumento clásico (incuso hay varias alusiones metafísicas), Fin de siglo se emancipa de los cálculos y las reglas propiciando una experiencia libre, como un camino abierto a múltiples recorridos.

(La repiten Martes 09, 14:50, Multiplex Belgrano y Viernes 12, 22:50, Gaumont)

Margen de error (Competencia Argentina)

Celebración del desprejuicio, la vitalidad y la emoción

Liliana Paolinelli construye una película no solamente hermosa sino también superadora para el cine nacional: podría decirse que es de las pocas veces que la homosexualidad de los protagonistas no tiene ningún subrayado especial en el conflicto sino que se integra naturalmente a la historia para dejarle lugar a problemáticas más profundas y concretas. Esta comedia dramática y romántica sobre Iris, una mujer de 50 años, su pareja, su nuevo deseo y su grupo de amigas entretiene y conmueve en igual medida, sosteniendo su belleza e intensidad durante todo el relato. Mujeres adultas presentadas con vitalidad, fortaleza y ganas de divertirse (en este sentido recuerda a la chilena Gloria) interpretadas por un casting extraordinario, con Susana Pampín en un protagónico descollante.

En su intención de divertir, que lo hace muy bien y de manera clásica, Paolinelli no descuida jamás la sensibilidad para construir vínculos sinceros, complejos y verosímiles entre personajes de distintas generaciones. Bailes alegres, abrazos cálidos, llantos angustiantes, vicisitudes con la tecnología y varios paneos por la ciudad acompañan desde la puesta en escena el conflicto interior de una mujer que se descubre enamorada de la hija de una amiga y que pone en cuestión su existencia y relaciones previas. En este sentido, no debe ser casual la pasión robustecida de Iris por La traviata (La extraviada) en un momento de su vida donde se siente perdida y sin las certezas habituales. Una película con alma, lejos de los estereotipos y cerca de la profundidad de la vida.

(La repiten Martes 09, 17:55, Gaumont)

God of the piano (Competencia Internacional)

Un personaje despreciable para un film incongruente

Pocos de los personajes ficticios de todo el festival deben ser tan exasperantes como Anat, la protagonista de God of the piano (Itay Tal, 2019), dispuesta a cualquier cosa por convertir a su hijo (¿su hijo?) en el pianista célebre que no pudo ser ella. Entre los méritos del director, puede destacarse la sobriedad con la que exhibe el carácter obsesivo de esta psicópata manipuladora, evitando subrayados que caigan en el ridículo o la hipérbole barata. La tensión se sostiene todo el tiempo, las actuaciones están muy bien y la idea en principio podría haber resultado interesante. Sin embargo, hay algo insalvable del film y es su punto de vista incongruente, casi endeble, al momento de retratar esta historia espantosa. Porque una cosa es apartarse del juicio moral a los personajes o a la historia y otra prácticamente celebrar las acciones reprochables. Una indulgencia que llega a su extremo en el desenlace, cuando se representa a una Anat purificada e iluminada que procura redimir sus errores del pasado cuando en realidad lo que se desprende de las escenas previas es que entendió que su hijo ya no logrará satisfacerla y lo descartará por otro camino. Una enunciación tibia y confusa.

(La repiten Martes 09, 16:10 en el Gaumont)

Koko-Di Koko-Da (Competencia Internacional)

El terror como catarsis

Se sufre y se está muy incómodo viendo el film de Johannes Nyholm. Un hecho traumático y doloroso en el comienzo será redoblado por un desfile de pesadillas terroríficas interminables que, paradójicamente, le servirán a los protagonistas para ir elaborando la pérdida que sufrieron en el inicio (y que el director no podría haber representado de manera más abyecta). Esta continuación de secuencias bucólicas escalofriantes (basadas, además, en una canción infantil empleada de manera siniestra) están acompañadas por animaciones metafóricas que también oscilan entre lo angustiante y lo catártico. Una experiencia intensa, en sintonía con todo lo que se viene proyectando últimamente del cine nórdico y que hacen parecer a Lars Von Trier un autor liviano.

(La repiten Lunes 08, 14:10 Múltiplex Belgrano y Miércoles 10, 15:45, Gaumont).

Breve historia del planeta verde (Competencia Argentina)

De excluidos y extraterrestres

Desde su argumento, la última película de Santiago Loza ya resulta singularísima: tres amigos, Tania, Pedro y Daniela, deben regresar a una criatura extraterrestre al lugar donde apareció para cumplir la última voluntad de la abuela de la primera. La figura del alienígena no es casual y funciona como metáfora de la interioridad de estos tres personajes minoritarios (una chica trans que trabaja en discotecas, un homosexual discriminado en su infancia y una joven deprimida tras una ruptura amorosa) que a lo largo de su peregrinación irán superando varios de sus traumas del pasado.

La extraño, lo absurdo, lo fantástico y lo dramático confluyen así en un film original que enaltece la cofradía entre seres vulnerables (por momentos recuerda a Las hijas del fuego), delimitando muy bien el perfil de sus personajes e introduciendo disrupciones temporales que complejizan aún más la narración. El exceso de solemnidad en algunos de los diálogos y cierto facilismo en la resolución de las situaciones reivindicativas rebajan un poco esta obra que sorprende favorablemente.

(La repiten Lunes 08, 17:20, Multiplex Belgrano y Miércoles 10, 20:20, Gaumont)

Badur Hogar (Competencia Argentina)

Salir del autoengaño

"¡No me voy a escapar!, ¡No me voy a escapar!" les grita Juan a su mamá y hermana cerca del desenlace de Badur Hogar (Rodrigo Moscoso, 2019). Se trata de las pocas escenas en las que lo vemos serio, verdaderamente enojado y comprometido con lo que manifiesta. De engaños (hacia terceros y hacia sí mismo), huidas y procrastinaciones está envuelta la vida de este joven en sus treintas, protagonista de una comedia romántica original, tan divertida como profunda. Un film salteño (con la frescura que implica para el espectador salir de la habitual concentración porteña), con actores mayormente locales, que, al trascendental encuentro amoroso de la pareja principal, lo acompaña desde el guión con una transformación interior de Juan francamente conmovedora. Ágil, efectiva e ingeniosa en sus diálogos y situaciones cómicas, la obra esgrime esta misma fuerza para las vertientes más dramáticas y sensibles de la historia que incluyen herencias estancadas y problemas de salud. Un elenco impecable, personajes queribles y una enunciación que pone en ridículo cualquier intento de menosprecio al carácter de los salteños confluyen en este film sobre un hombre que deja de escaparse y de engañarse a sí mismo para comenzar a madurar.

Freaks and Geeks: the documentary (Películas sobre películas)

Semblanza de una serie mítica

Brent Hodge recorre en su documental el ciclo vital de Freaks and Geeks, uno de los programas televisivos más significativos de los últimos tiempos: nacimiento del proyecto, audiciones, repercusión y despedida son reflejados en esta obra exhaustiva (están presentes los testimonios de todos los protagonistas, directores, productores y programadores) que se centrará, mayormente, en el rechazo hacia el show por parte de la propia cadena que lo transmitía. Así, al placer incomparable de poder ver en pantalla grande varias de las escenas más emblemáticas de la serie (junto a imágenes inéditas de castings y celebraciones) y contemplar con nostalgia la adultez actual de todos sus personajes, el admirador del programa descubrirá que, paradójicamente, el mismo acoso e incomprensión que sentían Sam, Lindsay o Nick lo vivenciaban los propios Feig y Apatow ante programadores que rechazaban sus historias con jóvenes perdedores.

"Nadie quiere ver fracasados, necesitamos que tengan más victorias", exigía la cadena televisiva a la vez que los creadores y el elenco persistían en su deseo de mantener intacta la mística de una serie que se plantó como única alternativa a la cursilería o simplismo habituales para representar la adolescencia en la pantalla chica de finales de los 90's. Directores y productores que lloraban mientras veían las escenas que lograban, actores que, pese a la desilusión de una primera experiencia televisiva de bajo rating, se comprometían profundamente con sus papeles y una prensa especializada que supo valorar la calidad de este producto verían su recompensa años después, cuando el programa se transformara en fuente de adoración e inspiración alrededor del mundo. Si algo puede criticársele a este documental es su extensión tan breve (apenas 71 minutos) para un material de tanta riqueza y potencial.

(Lo repiten Sábado 06, 15:45, en el Gaumont y Sábado 13, 11:15 en el Multiplex Belgrano).

Winter flies (Hacerse Grande)

Un coming of age entrañable, con actuaciones sorprendentes

La sección Hacerse Grande ya es un clásico del festival y la checa Winter flies (Olmo Omerzu, 2018), un exponente superlativo del género. Las aventuras de dos amigos preadolescentes que recorren República Checa en un auto robado son el argumento central de un film exquisito, cubierto de numerosos flashbacks y bellísimos paisajes invernales y respaldado además por un tono fraternal que produce infinita ternura. Una película que nunca juzga a sus personajes (que oscilan entre el vandalismo, la ingenuidad y la nobleza extrema), que se muestra comprensiva con la etapa que atraviesan y que suma una banda sonora genial para acompañar las secuencias más divertidas y perspicaces de sus protagonistas.

Algo así como una reimpresión glacial y nevada de Los 400 golpes en el Siglo XXI, con madres que se siguen presentando como poco comprensivas con sus hijos y jóvenes que deciden escaparse de su casa para crecer y sentirse libres. Impresionantes, a la vez, las actuaciones de los dos púberes checos, cimentando un vínculo donde la lealtad y el cuidado recíproco (incluido al perro al que rescatan de un lago) conmueven con una naturalidad asombrosa, con más acciones que palabras.

(La repiten Sábado 13, 14:10, Multiplex Belgrano)

López Torres, pintor en la llanura (Artistas en acción)

Presentación de un pintor excepcional

Descubrirle al público la figura de un artista tan sorprendente como Antonio López Torres es el mérito principal del documental de Manuel Olmedo Redondo. Una pieza que, a partir de unas cintas de video que registraron la actividad del pintor español en sus últimos años, reconstruye la vida y el método de su homenajeado sumando entrevistas y testimonios de varios de sus allegados. Así como López Torres tenía predilección por los paisajes calmos y serenos de su Tomelloso natal, el film narra con paciencia y tranquilidad la biografía del artista, acercándose a sus tierras para develar su rutina casi obsesiva de pintar día tras día al aire libre y su talento excepcional para representar la luz que bañaba los campos. El Arte como mediador entre generaciones y como motor de vida y el reconocimiento de una pequeña ciudad a su pintor célebre son aspectos que emocionan genuinamente, con simpleza y contundencia. El uso un tanto empalagoso de reflexiones en off sobre el desenlace resiente levemente la armonía de una historia encantadora de reconocimiento y admiración.

(La repiten Sábado 06, 15:45 Multiplex Belgrano y Jueves 11, 21:00, Semana del Arte)

Familia (Competencia Argentina)

De lo oscuro a lo familiar

Después de la impactante La Noche (2016), Edgardo Castro vuelve al BAFICI con un relato igual de hiperrealista pero esta vez sin poner en escena sexo, drogas, chicas trans ni alcohol. Su visita a Comodoro Rivadavia para pasar Navidad y cumpleaños junto a su familia reemplaza las orgías y los excesos de narcóticos por encuentros familiares afectuosos, horas frente al televisor y la preparación de diferentes comidas. Un registro íntimo de la cotidianeidad que sorprende nuevamente por su naturalismo extremo y por la capacidad del director y protagonista para lograr que la cámara no parezca alterar el comportamiento habitual de sus retratados (incluyendo varias manifestaciones desafortunadas de su padre).

Una cena solitaria en compañía de un perro callejero, la alegría de recibir un regalo en manos de su mamá, la atmósfera melancólica del fin de fiesta son todos fragmentos de la realidad que Castro capta con una verdad conmovedora evidenciando que, detrás de la trivialidad aparente de muchas de las secuencias, se esconde el mismo fondo de aflicción y congoja que desnudó en su obra previa. Menos potente y penetrante que La Noche, Familia crece considerablemente si se la piensa en combo con su antecesora y uno imagina lo incomprendido que puede sentirse Castro en ese núcleo familiar que se percibe aparentemente más endogámico, tan ajeno a las aventuras nocturnas del actor. Un cine en primera persona, sin más argumento que la pureza de los hechos y las emociones.

(La repiten Viernes 05, 17:00 en Multiplex Belgrano y Domingo 07, 15:00 en Gaumont).

Music and Apocalypse (Competencia Internacional)

Una belleza geek, sarcástica e idealista

Películas como la de Max Linz son las que vuelven tan atractivo el BAFICI. Una comedia totalmente singular que apela a la ironía para ridiculizar las políticas neoliberalistas extremas en el sistema universitario alemán (aquí, la Universidad de Berlín) centrándose en un grupo de académicos que trabajan con realidades virtuales y simuladores cibernéticos del medio ambiente. Pantallas con paisajes electrónicos, debates sobre el calentamiento global y clases con fórmulas y algoritmos son el marco nerd para un film que parodia la incursión de consultores de negocios en el ámbito educativo (más preocupados por la forma y la venta que por los contenidos) y que a la vez pone en escena e historiza varios debates vigentes sobre la relación entre ciencia, tecnología y política, rescatando incluso conflictos afines de la última dictadura militar chilena.

Esta historia particularísima envuelta de canciones alegóricas y sonidos desconcertantes crece además con la presencia de personajes llamativos, en especial Phoebe, la joven docente protagonista que junto a sus estudiantes representan la vertiente idealista y comunitaria del film. Una obra que, incuso dentro de su talante caricaturesco, se pronuncia con belleza a favor de un mundo más solidario, preocupado por la naturaleza y, también, por defender la libertad. Un microcosmos futurista que reivindica las utopías más nobles considerando el bienestar humano.

(La repiten Viernes 05, 14:55 y Sábado 06 14:!5 en Multiplex Belgrano).

Claudia (Función de Apertura)

Otra gran comedia argentina vuelve a abrir el festival

Si Las Vegas de Juan Villegas había resultado una apertura divertida y disfrutable en la edición 2018, Claudia (Sebastián De Caro, 2019) repite la fórmula exitosa de inaugurar el festival con una comedia nacional que tiene en el BAFICI su estreno mundial. Arriesgada, absurda, abierta a múltiples géneros como el suspenso, el terror o la parodia, la película liderada por Dolores Fonzi sorprende con escenas cómicas originales y muy bien logradas, actuaciones notables de todos sus protagonistas y una edición grácil que mantiene el entretenimiento durante todo el metraje.

Centrar los conflictos del film en una organizadora de eventos obsesiva y saturada que debe resolver los misterios de una boda problemática representa desde el guión una historia ingeniosa que De Caro colma de diálogos hilarantes (excelente el uso paródico de los códigos de las wedding planners), personajes bien definidos y música y canciones que acompañan a la perfección esta variedad de tonalidades dramáticas que envuelven su obra. Dentro de este uso grotesco del lenguaje técnico de los organizadores de eventos, se repite muchas veces la palabra "timming" y, curiosamente, la sincronización, el pulso narrativo, es uno de los aciertos principales del film. Una narración que, con destreza y libertad, introduce lo terrorífico (la escena del baile de máscaras es maravillosa) y el suspenso detectivesco a su género cómico de base, logrando una impresión única, desenmarcada, y siempre gozosa. Genios como Pedro Almodóvar o Álex De La Iglesia pueden pensarse como referencias que sobrevolaron homenajeadas en esta nueva apertura festiva del principal evento cinéfilo porteño.

(La repiten el Domingo 07, 16:45h, en el Multiplex Belgrano).

Por Gabriel Yurdurukian.

#bafici

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