#c'est un film culte

[blackswaneuroparedux]

C'est fou comme les gens ont de moi cette image de femme sophistiquée, glaciale. C'est une telle erreur, c'est tellement mal me connaître.

- Catherine Deneuve on herself in Belle de Jour (1967)

In anticipation of a new film this summer by Catherine Deneuve called ‘Bernadette’ where she plays Bernadette Chirac, the wife of French Jacques Chirac, I’ve been re-watching some her back catalogue of films. She’s done over 64 films and at almost 80 years old she’s still going strong. And yet out of her many films I’ve always been drawn back to one film which has become a cult classic. Watching it and re-watching it and even gorging on books on its making, new intriguing details reveal themselves about this landmark French art house classic - Belle de Jour (1967).

I once had the privilege of having dinner with her - or rather sat around the same table - through a Parisian host and his lovely wife who had gathered an eclectic group of friends across generations together. I was too self-conscious to talk about her film career directly. I was on surer ground when we indulged in small talk where she was perfectly down to earth and very pleasant. I felt it would be rude to go all fan girl on her and pepper her with questions about Belle de Jour in particular as she’s known to be very ambivalent about her experience of the film - a film that really defined her in the eyes of many people.

But it didn’t mean she didn’t recognise its cultural importance though as she was quite happy to amuse us with a funny story about Belle de Jour. A newly restored 35mm version was funded by the fashion house Saint Laurent back in 2018. Deneuve always had a close relationship with Yves Saint Laurent and also the fashion house. She was the one to introduce Buñuel to Saint Laurent. So the fashion house had a glitzy premiere in New York. But they didn’t count on many of their guests being late. Most of the guests were stuck in the New York traffic and the rain. However Martin Scorsese was the only one to get out of cab and run like a mad man through the pelting rain and huge traffic. A true cinephile, he was so desperate to see the film restored to its former glory that he would go to any lengths to see it.

In Belle de Jour, Catherine Deneuve, whose limpid beauty is capable of sustaining any interpretation, is a perfect Severine and demonstrates a remarkable control in progressing, with enormous economy of gesture and movement, from frigidity to physical warmth as the bored housewife who indulges in part time sex work.

“I felt they showed more of me than they’d said they were going to,” Catherine Deneuve remarked to Pascal Bonitzer in 2004, about the making of Luis Buñuel’s 1967 Belle de jour. “There were moments when I felt totally used. I was very unhappy.”

The story of Séverine, a deeply disenchanted haute bourgeois Paris housewife who finds erotic liberation through byzantine psycho-sexual fantasies and part-time work at an upscale brothel, Belle de jour certainly made extreme demands of Deneuve: her character is flogged, raped, and pelted with muck, among other assaults. But despite her objections to the way she was treated and her difficulties with Buñuel, Deneuve’s performance in Belle de jour turned out to be one of her most iconic.

Deneuve, who had become a star only three years earlier, as the melancholy jeune fille in Jacques Demy’s 1964 all-sung musical The Umbrellas of Cherbourg, was just twenty-three when Belle de jour came out; notably, Buñuel’s film was released in France less than three months after Demy’s radiant, MGM-inspired musical The Young Girls of Rochefort, starring Deneuve and her real-life sister Françoise Dorléac.

But Belle de jour, more than any other film from the first decade of her career, defined what would become one of the actress’s most notorious personae: the exquisite blank slate lost in her own masochistic fantasies and onto whom all sorts of perversions could be projected. (Deneuve as deviant tabula rasa was first seen in Roman Polanski’s 1965 Repulsion, in which she plays a damaged beauty plummeting into psychosis; but Belle de jour doesn’t portray its heroine as mad, instead remaining deliberately ambiguous about the origins of her unconventional desires - and presaging the bizarre libertines she would later play in such films as Marco Ferreri’s Liza, 1972, and Tony Scott’s The Hunger, 1983.)

Buñuel was at a very different stage of his career from his young star, but Belle de jour represented a peak for him as well, the greatest - and most successful - film of his extremely rich late period. These works, bookended by 1964’s Diary of a Chambermaid and 1977’s That Obscure Object of Desire (his final film), were made mostly in France - where Buñuel had begun his filmmaking career with the incendiary, surrealist Un chien andalou (1929) - following the exiled Spanish director’s two decades in Mexico.

Many of these late projects were cowritten with Jean-Claude Carrière and focus intensely on sexual perversion (a theme that recurs throughout Buñuel’s work). Belle de jour certainly falls into that category, and also, typically, skewers the entitled classes. Yet it stands out as the director’s most intricate character study—but of a protagonist who resists definition; the heroine, frequently trussed up and mussed up, retains an odd, opaque dignity in her debauchery.

In that same interview with Bonitzer, Deneuve was judicious enough to distinguish her experience of making Belle de jour from the final product, calling it a “wonderful film.” But her first meetings with Buñuel hinted at the duress that was to follow. According to John Baxter’s 1994 biography, Buñuel, it took time for the director to “warm to” his star: “He felt, with some justice, that she had been foisted on him, first by the Hakims [Belle de jour’s producers], then by her lover of the time, François Truffaut.” After dining with Buñuel at his house, the book recounts, Deneuve “left with little more than an impression that he disliked actors in general and was reserving his decision about her. The only advice he offered was the advice he had always given actors: ‘Don’t do anything. And above all, don’t . . . perform.’”

Though Deneuve deferred to her director, she was no puppet; Belle de jour is as much hers as Buñuel’s. The filmmaker, famously resistant to “psychological” interpretations of his work, stuffs Belle de jour with his trademarks, confounding any attempt to parse meaning: the surrealist blurring of fantasy and reality, fetishism, sexual perversion, blasphemy.

But as Séverine, Deneuve, despite operating in the nebulous realm between dream and waking, imbues the film with irresistible and very real lust - and luster. Sporting the chicest Yves Saint Laurent finery, Deneuve revels in the peculiar desires of her character while always inviting our own. As Buñuel himself acknowledges in his 1984 autobiography, My Last Sigh (published a year after his death), Belle de jour “was my biggest commercial success, which I attribute more to the marvelous whores than to my direction.” (Per Baxter, after the filming of Belle de jour, he would finally admit of his star, “She’s really a very good actress.”) Deneuve’s gift was to update the world’s oldest profession for her still-expanding résumé.

The director had some modifying to do as well. Buñuel, who adapted Joseph Kessel’s 1928 novel with Carrière, assessed the source material dryly in My Last Sigh: “The novel is very melodramatic, but well constructed, and it offered me the chance to translate Séverine’s fantasies into pictorial images as well as to draw a serious portrait of a young female bourgeois masochist. I was also able to indulge myself in the faithful description of some interesting sexual perversions.”

He wastes no time in establishing those bizarre erotic proclivities. In Belle de jour’s opening scene, Séverine and her doting husband of one year, Pierre Serizy (Jean Sorel), a handsome, dutiful surgeon, are snuggled close in a horse-drawn carriage; he interrupts the tender moment with the lament “If only you weren’t so cold.” She pulls away, defensive. The sound of horse bells, which has been increasing in volume from the film’s first shot - and will indicate Séverine’s dreams or fantasies throughout - stops. Pierre orders his wife out of the cab; when she refuses, he and the two drivers remove her by force. She is gagged, bound to a tree, and whipped by the coachmen, who are then instructed by Pierre to rape her. When one begins to ravish her, Séverine appears to be in ecstasy.

This carnal reverie is soon interrupted by the Serizys at home, preparing for their usual chaste bedtime ritual. Pierre, in white pajamas, asks his pale-pink-nightie-clad wife, under the covers in a separate bed, what she’s thinking about: “I was thinking about you . . . and us. We were out for a ride in a carriage”—a scenario Pierre has heard before.

The fantasy clearly belongs to Séverine alone; she finds erotic thrills in her secret thoughts of debasement and humiliation, her florid imagination compensating for her sterile, sexless existence. Her most private desires will soon be realized at 11, cité Jean de Saumur, the address of the boutique bordello run by Madame Anaïs (Geneviève Page), given to Séverine by Pierre’s louche friend Husson (Michel Piccoli).

At Madame Anaïs’s, Séverine - now going by the nom de pute Belle de jour, a reference to her two-to-five shift (she insists on being home when Pierre returns from his workday at the hospital) - is horrified at first but proves to be a quick study. A burly Asian client scares off her two seasoned colleagues with his mysterious, buzzing lacquered box, but she is absolutely transfixed; after the john leaves, she, lying prone on the bed, lifts her head, her luxuriant mane of blonde hair disheveled, to reveal a woman still drunk on orgasmic pleasure.

The contents of the box are one of the film’s many mysteries (when asked what is inside, Buñuel would reply, “Whatever you want there to be”). Yet the greatest enigma is Séverine herself: why does she recoil from the slightest sexual advance from her husband yet lose herself, both in fantasy and in her new line of work, in elaborate masochistic tableaux? “Pierre, it’s your fault too. I can explain everything,” Séverine insists to her husband in the opening fantasy sequence, as she’s being forcibly removed from the landau. But of course, she can’t - and won’t.

As in Repulsion, there are flashbacks to possible childhood trauma in Belle de jour. In one, a man appears to touch a young Séverine inappropriately; in another, she stubbornly refuses the Blessed Sacrament. But unlike in Repulsion, whose final, prolonged shot of a menacing family photo is offered as the root of Carole’s pathology, these scenes in Buñuel’s film are almost non sequiturs, presented not as psychological explanation but as blips in a baroque sexual surrealism.

As Séverine’s reveries and job demands become stranger and more mysterious - in one daydream, she is pelted with thick black mud by Pierre and Husson, who call her “tramp” and “slut”; a ducal client solicits her in the bois de Boulogne to perform in a necrophilic rite - Deneuve retains her porcelain, celestial inscrutability, while simultaneously transforming into an earthbound debauchee, delighting in her own defilement. Madame Anaïs (whose early, shameless flirtation with Séverine - who eventually reciprocates - is the first of the many moments in Deneuve’s filmography that would cement her status as a lesbian icon) touts her new employee’s regal bearing to prospective customers: “[She’s] a little shy, perhaps, but a real aristocrat.”

Séverine’s coworkers, Charlotte (Françoise Fabian) and Mathilde (Maria Latour), are constantly remarking on the impeccable cut and style of her ensembles. Yet what this seemingly untouchable goddess craves most is the brutality of her latest john, the thug Marcel (Pierre Clémenti), a rough with metal teeth, a walking stick that doubles as a shiv, and fetishwear (shiny boots of leather with matching overcoat) that could have been dreamed up in an atelier overseen by Kenneth Anger and Pierre Cardin.

Séverine’s relationship with Marcel will lead to Pierre’s ruin - or does it? The ambiguous ending of Belle de jour suggests that everything that preceded it may have existed only in the heroine’s cracked dreamscape. Like the buzzing box, the film’s final scene is whatever you want it to be.

Yet one thing is certain: Deneuve transcends kink. And despite her misery during the Belle de jour shoot, she would return for even more bizarre treatment three years later in Buñuel’s Tristana, losing both her virtue and a leg.

Almost 55 years after it was made Belle de Jour continues to be a compelling film. It takes on greater curiosity for me as I live in Paris and there are Séverines aplenty that I come across. But the film also speaks to a non-French audience even today as it remains a shrewd commentary on the hypocrisy of social relations and sexual politics. Buñuel invites us to ponder the transgression of a socially respectable woman secretly being a prostitute in the afternoons, but I don’t think he bothered to pose the question why a socially respectable gentleman should be secretly visiting a prostitute in the afternoons - which happens more than one might think and that behaviour is normalised. Something to think about.

#deneuve #catherine deneuve #quote #french #film #movie #cinema #belle de jour #actress #luis bunuel #bunuel #film making #arts #culture #france #scorsese #personal #paris

[sabinerondissime]

Bjr Dame Sabine, je fait suite à ton post concernant les BBW...

Je suis entièrement d'accord avec toi, je ne comprend pas ce culte de la minceur à tout pris.

Il manque cruellement de diversité, que ce soit sur Tumblr, à la télé, dans bon nombre de publicités, magazines ...

Et pourquoi toujours ces différences entre femmes, hommes ..

Par exemple, pourquoi des défilé uniquement "gande taille" ?!

A quand des défilés toutes tailles, grande, petite, mince...

Un beau "melting pot" comme on dit ici à Bruxelles.

Comme tu écrit, la beauté ce n'est pas d'être uniquement mince, c'est d'être bien dans sa peau, j'ajoute que c'est d'être bien dans sa tête aussi.... mais pour ça, le regard des autres doit changer.

En fait, il faut que beaucoup de choses changent, les publicités à la télé, dans les magazines ....et dans les films....à quand une "James Bond girl" plus ronde ?

Même ce terme "ronde" est à proscrire...!

Pourquoi ne pas dire "une dame" tout simplement.

Pourquoi toujours vouloir catégoriser à tout va ...?!

Je pense que tout ça est à apprendre dès le plus jeune âge, il faut même aller plus loins, apprenons à nos enfants les différences, il y a des gens petit, grand, mince, rond, handicapé, de couleurs .....

Voila, désolé, je ne suis pas écrivain, souvent maladroit, je ne suis qu'un petit employé mais je pense que tu a compris le fond de ma pensée.

Très belle journée Dame Sabine.

Et merci pour tes posts, certain me fond bien rire ....

Patrick.

Oui, j'ai parfaitement compris et merci pour long et beau message. La société change, doucement, mais elle change. Sur les réseaux, de plus en plus de femme osent montrer leurs ventres, leurs cellulites, leurs bourrelets mais elles ne sont suivit que par 2 catégories de gens, ceux qui aiment les grosses et ceux qui les détestent !

Dans la publicité, ont voit désormais des femmes vraiment rondes, grosses, s'afficher pour des crèmes pour le corps, des yaourts, des vêtements. Bien entendu, cela reste assez rare et ont le remarque immédiatement. Mais il y a 15 ans de cela, jamais une femme avec 20 kg en trop n'aurait fait une pub télévisée, à moins d'y avoir un rôle bien peu avantageux.

Concernant l'éducation, j'ai appris à mon plus jeune fils qui s'est battu un jour avec un enfant qui m'avait "traité" de grosse qu'être grosse n'est pas une insulte, que c'est un fait, comme être jeune, vieille, mince, petite etc. Depuis, toutes les réflexions au sujet de mon poids glisse sur lui sans l'atteindre.

Mais ce monde est ce qu'il est, et je doute qu'un jour les mentalités changent profondément. Il y aura toujours des j'aime et des j'aime pas pour tout et n'importe quoi. Mais si chacun trouve enfin sa place et un espace pour s'exprimer, sans avoir honte ni peur, alors qui sait...

Belle journée à toi aussi Patrick

[deviance-nocturnale]

18. Oui mon capitaine

Fan du Cercle des Poètes disparus. S'il y a bien un seul film à voir avant de mourir, c'est bien celui-là. Des frissons courent encore sur mon échine à l'évocation de quelques répliques cultes et les scènes se jouent toujours devant moi. Les élèves debout sur les tables. Ô capitaine mon capitaine ! C'est le doux écho d'un professeur, voire de plusieurs pédagogues de génie, leur passion pour les belles lettres humaines résonnent dans ma tête, bulles de BD imaginaires qui réapparaissent de façon opportune. Je ne serais pas là sans eux. L'admiration béate en assistant à leurs enseignements. Mes modèles. Ils ont sculpté mes connaissances. Je ne serais certainement pas la personne que je suis devenue aujourd'hui, je leur rends cet hommage spirituel. Ma plume se contient, une certaine réserve à leur égard. L'amour y est. Un déversement incalculable. Fantin, Wolff, Baur, Jeanpert, Ciccarello, Doumazane, Adam, Michel, Chevalier, Spica...Des noms que je réentends pour le plaisir nostalgique des bancs scolaires. Boire leurs paroles comme des infusions corsées, dont le goût plein de saveur restera de manière immarcescible dans mes souvenirs d'écolière, d'étudiante. J'espère reproduire un jour l'effet qu'ils m'ont procuré.

#30jourspourécrire #jour 18 #18 août 2023

[cineclub84]

La Dernière Maison sur la gauche, 1972

Pour fêter son dix-septième anniversaire, Mari, accompagnée d'une amie, décide de se procurer de la marijuana. Lorsqu'un jeune marginal, Junior, se propose de leur en procurer, elles acceptent, ne se doutant pas que le dealer fait partie d'une bande de sadiques meurtriers emmenés par le terrifiant Krug. Leur calvaire va bientôt commencer.

Un film CULTE, tout comme Massacre à la tronçonneuse, l’atmosphère et l'ambiance y sont identiques pour moi, c'est glauque, malsain, filmé avec une image sale, on y sens réellement la souffrance des personnages, et ce qui est intéressant avec ce film est le retournement de situation à mi film ou les chasseurs deviennent les proies.

The Last House on the Left (1972) ORIGINAL TRAILER

#horror movies #movies #movie #film #cinema #La Dernière Maison sur la gauche #horreur #horror #70s #1972 #The Last House on the Left #Wes Craven #Sandra Cassel #Lucy Grantham #David Hess #Fred J. Lincoln #Jeramie Rain #usa #cinephile #Youtube #American movie

[cinema-tv-etc]

La Carioca

La Cité de la peur (film, 1994) Film humoristique par Alain Chabat Alain Chabat et Gérard Darmon ! 👇 🕺🕺 👇

Vous imaginez dans la vie réelle, un garde du corps qui danse avec un commissaire de police au festival de Cannes 😁😁

Cette scène totalement improbable dans un film complètement improbable.

Sais-tu danser la Carioca? Ce n'est pas un fox trot ou une polka Ce n'est vraiment pas très compliqué Pour la comprendre suis bien mes pas Ce n'est pas un tango ou un cha-cha Encore moins une bossa nova Quand t'as goûté à cette danse là Tu ne peux plus faire que ça Youpi Dansons la Carioca C'est bien Faisez tous comme moi Youpi Avec la Carioca Tant pis s'il faut dire aux autres danses - Au revoir Maintenant que tu danses la Carioca Ça tu t'en fiches bien de la polka Tu n'en veux plus de la rumba, du houla hop Et du cha-cha Tous les matins dès le lever La Carioca te fais bouger Et quand tu danses, chaque petit pas Te mets en joie pour la journée Youpi Dansons la Carioca C'est bien Faisez tous comme moi Youpi Avec la Carioca Tant pis s'il faut dire aux autres danses Au revoir Youpi Dansons la Carioca C'est bien Faisez tous comme moi Oh oui youpi Dansons la Carioca Tant pis s'il faut dire à tout le monde Au revoir

*

Alain Chabat et Gérard Darmon dansent la Carioca à Cannes, 25 ans après

Ils ont 25 ans de plus mais la danse de la Carioca, elle, n’a pas pris une ride. A la suite d’une pétition ayant recueilli 30.000 signatures, Alain Chabat et Gérard Darmon ont rendu hommage à cette scène culte de la Cité de la peur, à Cannes, le 16 mai 2019.

#La Carioca #La Cité de la peur (1994) #Alain Chabat #Gérard Darmon

[quentinbidaud22-23]

POST 1

L'aventure de madame Muir, Joseph L. Mankiewicz 1947 Une histoire d'amour entre une femme et un fantôme, une vieille maison sur une falaise. Incontournable.

Mon oncle, Jacques Tati 1958 La rencontre poétique de deux mondes, l'ancien et le moderne. Des personnages attachants. Cela pourrait être un poème de Prévert, mais c'est un film de Tati.

L'année dernière à Marienbad, Alain Resnais 1961 Un immense jardin à la française, un colossal escalier, Delphine Seyrig et Giorgio Albertazzi qui ne cessent de rejouer la scène d'un rendez-vous manqué. Un chef-d'oeuvre qui gardera son mystère à jamais.

Judex, Georges Franju, 1963 Digne des romans feuilletons du XIXe siècle, un justicier mystérieux qui s'attaque au banquier malhonnête. Des combinaisons noires, des intrigues, des masques en forme d'oiseau.

Les lèvres rouges, Harry Kümel, 1971 La suite vampirique de Marienbad, Delphine Seyrig en comtesse immortelle buvant le sang des pensionnaires d'un hôtel d'Ostende.

La montagne sacrée, Alejandro Jodorowsky, 1973 Délire hypnotique et fou, conte alchimique dans lequel les maîtres des neufs planètes devront gravir la montagne sacrée pour trouver la réponse savoureuse au grand mystère de l'existence.

Céline et Julie vont en bateau, Jacques Rivette, 1974 Deux sorcières solaires errant dans le Paris des années 70. Une maison mystérieuse, des numéros de magie. Un film à regarder à l'endroit ou à l'envers, éveillé ou endormi.

Complot de famille, Alfred Hitchcock, 1976 Le dernier film d'Hitchcock, une fausse voyante et un chauffeur de taxi à la recherche d'un diamant volé. Un film du dimanche soir.

Stalker, Andreï Tarkovski, 1979 Un voyage à travers des paysages de science fiction délabrés porté par une musique sublime. Une sorte de rêve.

The Fog, John Carpenter, 1980 Une malédiction s'abat sur une ville de Nouvelle-Angleterre. Un brouillard vert fluorescent duquel émerge des fantômes. Une animatrice de radio tente de sauver les habitants depuis un phare isolé. Un film glacial et génial.

Fitzcarraldo, Werner Herzog, 1982 Un homme passionné d'opéra entreprend de faire passer un bateau par dessus une montagne en pleine jungle amazonienne. On ne saurait le décrire autrement.

Et vogue le navire, Federico Fellini, 1983 Un film comme un roman, au début du XXe siècle, des personnages hauts en couleurs embarquent à bord d'un paquebot afin de rendre hommage à une célèbre cantatrice.

Paris, Texas, Wim Wenders 1984 Un homme qu'on croyait mort sort du désert et retrouve peu à peu les vestiges de sa vie passée. Une sorte de mirage porté par une musique sublime.

Phenomena, Dario Argento, 1985 Un film d'horreur comme on n'en fait plus. Un adolescente qui parle aux insectes sur les traces d'un tueur en série. Jennifer Connelly invoquant une nuée de mouches, scène culte.

Les ailes du désir, Wim Wenders 1987 Un très grand film de Wim Wenders. Un ange tombe amoureux d'une acrobate de cirque et décide de devenir mortel. Une promenade dans le Berlin des années 80. Peter Falk se frottant les mains dans la brume matinale. Incontournable.

Prince des ténèbres, John Carpenter, 1987 Le film d'horreur le plus terrifiant. Un groupe de scientifiques découvre que l'Eglise a caché au monde le fait que Dieu n'existe pas. A sa place, une entité ténébreuse qui va bientôt se libérer. Vous ne vous regarderez plus jamais dans un miroir sans penser à ce qui vous attend de l'autre côté...

Drugstore Cowboy, Gus Van Sant, 1989 Une petite bande de camés braque des pharmacies pour se défoncer. Leur chef décide de se ranger mais le passé ne s'oublie pas facilement. Un conte étonnamment léger. Une apparition de William Burroughs dans toute sa majesté.

Meurtre mystérieux à Manhattan, Woody Allen, 1993 Un couple farfelu mène l'enquête sur la mort de leur voisine de palier. Le New York des années 90, des rebondissements, et Anjelica Huston au faîte de sa gloire en auteur de romans policiers.

La cité des enfants perdus, Jean-Pierre Jeunet, 1995 Dans une cité portuaire verdâtre, des enfants disparaissent. Un savant fou tente vainement de voler leurs rêves. Un film génial, complètement glauque et immersif. Des costumes incroyables de Jean-Paul Gaultier. Un monde en soi.

Dead Man, Jim Jarmush, 1995 William Blake tue un homme par erreur et prend la fuite, accompagné de l'indien Nobody, qui le prend pour l'esprit du célèbre poète anglais. Un récit initiatique tout bonnement génial, bercé par les improvisations de Neil Young à la guitare. Le meilleur rôle de Johnny Depp. Une apparition éclair de Robert Mitchum dans son dernier rôle.

The pillow book, Peter Greenaway, 1996 La fille d'un célèbre calligraphe, devenue mannequin, recherche un homme capable de lui écrire un compliment sur toute la peau. Elle finit par devenir elle-même calligraphe et décide d'écrire un livre sur le corps de son amant. Un film sublime.

La légende du pianiste sur l'océan, Giuseppe Tornatore, 1998 Un bébé est retrouvé dans la cale d'un paquebot. Devenu adulte, ainsi qu'un pianiste légendaire, il se mesure aux plus grands musiciens de son temps mais n'a jamais posé le pied à terre. Un conte magistral et bouleversant.

Mulholland Drive, David Lynch, 2001 Un rêve, un cauchemar. Une femme amnésique, aidée par une actrice en herbe, part à la recherche de son identité. Un film porteur d'un mystère insondable. A voir et à revoir à l'infini.

La famille Tenenbaum, Wes Anderson, 2001 Une famille de génies, disloquée par des querelles intestines, tente de se retrouver. Un vrai poème visuel, drôle et touchant. On aimerait vivre dedans.

Kill Bill, Quentin Tarantino, 2003 Un chef d'oeuvre absolu. Le personnage d'Uma Thurman en guerrière vengeresse que rien ne pourra arrêter, figure allégorique mue par une force supérieure. Les cinq points et la paume qui font exploser le coeur.

The Fall, Tarsem Singh, 2006 Un homme alité dans un hôpital raconte une histoire à une petite fille. En échange, elle dérobe pour lui des ampoules de morphine. Et le conte se mêle à la réalité. Visuellement grandiose et éblouissant. Une scène d'ouverture mémorable.

The Fountain, Darren Aronovsky, 2006 Trois histoires entremêlées pour n'en former qu'une seule, celle de la recherche de la vie éternelle. Des scènes se déroulant dans le plan astral, toutes d'or en fusion et d'extase mystique. A couper le souffle.

Melancholia, Lars Von Trier, 2011 Une planète s'approche dangereusement de la terre et s'apprête à l'engloutir. Deux soeurs, deux entités contraires, se dirigent en silence vers la fin du monde. Une expérience totale portée par des symphonies sublimes et des tableaux de Bruegel.

Only Lovers Left Alive, Jim Jarmush, 2013 Un couple de vampires sublimes portent sur le monde un regard désabusé. Sur fond de rock indé lancinant, à travers Détroit ou Tanger, la décadence d'une communauté en train de disparaitre.

Les Garçons Sauvages, Bertrand Mandico, 2017 Un groupe de jeunes garçons commet un crime impardonnable. Ils sont condamnés à accompagner en mer un capitaine étrange et colérique. Un voyage vernien, totalement organique et sensuel. A la croisée de William Burroughs et de l'île au trésor, de Cronenberg et du club des cinq.

[maaarine]

MBTI & Acteurs

Pio Marmaï: ENFP

“Pio Marmaï, né le 13 juillet 1984 à Strasbourg, est un acteur français. (…)

Il est révélé en 2008 par le film culte Le Premier Jour du reste de ta vie, réalisé par Rémi Bezançon. Sa prestation lui vaut une nomination au César du meilleur espoir masculin. (…)

Fin 2018, c'est Pierre Salvadori qu'il retrouve pour En liberté !, mais cette fois pour un premier rôle, face à Adèle Haenel. Sa performance lui vaut une nomination au César du meilleur acteur.

Puis en 2019, il passe au drame très sombre en incarnant un père droguant ses enfants pour Mais vous êtes fous, d'Audrey Diwan.

En avril 2023, il est à l'affiche du film Les Trois Mousquetaires : D'Artagnan, où il incarne Porthos.”

Sources: vidéo, wiki/Pio_Marma%C3%AF

#pio marmai #pio marmaï #enfp #mbti #mbticelebs #mbtiact #mbtifr

[mogkiompmovieguide]

Basquiat

Julian Schnabel

U.S / 1996 / 108 min

A mi-chemin entre Cinéma et Peinture, le film de Julian Schnabel est quelque chose que l’on contemple.

L’histoire vraie d’un peintre devenu célèbre en 1981, Jean-Michel Basquiat, ce jeune graffeur de 21 ans d’origine Haïtienne vécu une carrière fulgurante, il meurt sept ans plus tard d’overdose d’Héroïne. Aujourd’hui mondialement célèbre en étant devenu l’un des peintres le plus populaire et reconnu du 20ème siècle.

Dans ce film, Julian Schnabel nous dépeint cette vie de folie en suivant les traces du critique d'Art, Robert Hughes, qui a intitulé la nécrologie de JMB "Requiem pour un poids plume", ce qui est intéressant et inattendu à propos de cette vision, est qu'elle fait de nouvelles observations sans pour autant réfuter le jugement de Hugues.

Nous assistons douloureusement à la chute de cet artiste surmédiatisé aux ailes cramées. Entre drogue et autres types d’influences, absorbé par un milieu absurde et superficiel dont Andy Warhol était l’architecte ; dans lequel on exploitait l'Art et les artistes de façon commerciale et spéculative. Le concept des « 15 minutes » de célébrité imaginé par Warhol devenait une réalité.

La mise en scène et la reconstitution de l'ambiance qu'il régnait dans le Lower East Side des années 80 à New York n’aurait jamais été aussi bien retranscrite qu’avec cette B.O soigneusement sélectionnée, et qui contribue également à faire de ce film l'un de mes favoris, et ma première source de découvertes soniques ; Notamment avec des compilations comme New-York Noise et l’album culte No-New York ; à la croisée de la scène Jazz, Hip-Hop, Rock, et même Électronique. Je pense notamment au film documentaire qui accompagne celui-ci : Downtown 81. Que je diffuserai aussi d’ici quelques jours.

Jeffrey Wright incarne J.M Basquiat de façon absolument surprenante, parfois troublante de réalisme, ce qui a sans doute été l’un des meilleurs choix du Réalisateur, il est difficile aujourd’hui d’imaginer quiconque de différent occuper ce rôle.

D'autres dans le casting incluent David Bowie en tant que Andy Warhol, Michael Wincott est René Ricard, Paul Bartel ; Henry Geldzahler et Elina Lowensohn la marchande d'Art Annina Nosei; parmi les acteurs incarnant des personnages fictifs il y a notamment Gary Oldman (en tant que remplaçant apparent de Schnabel lui-même), Benicio del Toro jouant le partenaire de défonce, Christopher Walken (brillamment en tant qu'intervieweur puant et hautain) ; Willem Dafoe et Courtney Love. Ainsi que de nombreuses apparitions brèves mais toujours appropriées des différentes figures de l'underground New-Yorkais.

C'est aussi assez énergique - il n'y a pas de plan ennuyeux nulle part, et le scénariste-réalisateur Schnabel s'amuse clairement en jouant avec le son expressionniste, les montages à la manière d'un Eisenstein moderne et toutes sortes d'autres idées cinématographiques. Ce qui émerge peut être flou en tant que récit, mais vivant en tant que Cinéma.

Sans aimer ni détester l'Art de Basquiat, pas plus que le Pop Art en général. J'ai été surtout fasciné par la vie de cet artiste. J'aime la manière dont Julian Schnabel figure de façon très romantique l'histoire de ce 'Beautiful loser' (c'est un peu le Kurt Cobain de la peinture).

Le spectateur est guidé au travers de cette chronique biographique, pensée et filmée avec onirisme et poésie, souvent du point de vue de ce jeune génie tourmenté, faussement naïf.

Initié lui-même au monde de l'art, Schnabel vise à élucider le conflit inhérent entre un génie rebelle et incompris et la société grossière qui l'entoure. Mais il semble réticent à adopter un point de vue clair sur son sujet - il n'est jamais clair si Basquiat a été victime de sa personnalité autodestructrice et/ou de son milieu matérialiste exploiteur. Il a certainement apprécié d'être courtisé par les marchands et les collectionneurs et les récompenses qui accompagnent la notoriété.

Il y a de véritables moments de beauté dans ce film ; la séquence d’engueulade surréaliste entrecoupés d'extraits d'un film de 1922 "Les Grenouilles qui demandent un roi" du Réalisateur Russe Władysław Starewicz, en est un, le tout bercer par Van Morrisson interprétant It's All Over Now Baby Blue.

C'est une œuvre d'art imparfaite, peut-être oui, mais c'est de l'Art. La tendance de Schnabel à se rabattre sur certaines conventions biographiques assez standards est probablement due à son statut de cinéaste novice. C'est probablement en partie la raison - avec le fait qu'il le pouvait - d'avoir recours à une sorte de casting d’invités de marque, avec les acteurs de soutien. Dans le cas de la représentation d'Andy Warhol par David Bowie, c'est plus que payant. Bowie a-t-il été choisi uniquement pour l'apparence? Ou sur la force d'avoir écrit une chanson sur Warhol - une chanson qui inclut la phrase "habiller mes amis juste pour le spectacle et les voir tels qu'ils sont vraiment?" Dans un sens, n'est-ce pas ce que fait Schnabel avec ce film ? Quoi qu'il en soit, Bowie's Warhol est la représentation la plus humaine et la plus crédible de l'homme à ce jour. C’est le complément parfait au rôle de l'artiste toxicomane de Jeffrey Wright. Même si Wright n'aime pas ce que Schnabel a fait à sa performance dans le montage, cela ne change rien au fait que son Basquiat est une création fascinante, tout comme le film qui l'abrite.

Exceptionnellement, j'ai ajouté au dossier la formidable B.O

Le film ICI

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Le métavers, "l'internet du futur" qui fait rêver la tech promet des expériences en ligne bien plus immersives qu'avec un écran ou une souris. Cet univers, qui réunit les mondes réel et virtuel, intéresse de plus en plus l'industrie technologique. Elle y voit la prochaine étape du développement d'internet. Internet s'apprête à passer la troisième. Plusieurs géants de la technologie, veulent bâtir un "métavers", un méta-univers numérique où la frontière entre le réel et le virtuel se brouille, jusqu'à disparaître complètement. Au même titre que de nombreuses innovations technologiques, l'idée d'un métavers a parcouru un long chemin avant d'intéresser les mastodontes de la Silicon Valley. Le terme apparaît pour la première fois dans un roman de science-fiction, Le Samouraï virtuel, publié par l'auteur américain Neal Stephenson en 1992, dans laquelle tout individu peut se connecter, grâce à des lunettes spécifiques, à cet univers en trois dimensions où les actions virtuelles ont des effets sur le monde réel. "C'est le fantasme de tous les développeurs de jeux vidéo depuis qu'ils existent", explique à franceinfo Julien Pillot, économiste enseignant à l'Inseec et spécialiste des marchés technologiques. D'autres œuvres cultes, comme les films Tron (1982), Matrix (1999) ou, plus récemment, Ready Player One (2018) explorent aussi des univers numériques où la fiction vaut autant, sinon plus, que la réalité

#métavers

[davidfakrikian]

DVDvision - La Collection Épisode 5

L'histoire de DVDvision vol.1 continue ! Et voici l'épisode 5 de la série, quand DVDvision a mis Tom Cruise en couverture pour la première fois !

Numéro 5 - Juillet 2000 - 

96 pages

Editeur : Seven Sept

Directrice de publication : Véronique Poirier 

Rédacteur en chef : David Fakrikian

Rédacteurs principaux : Yannick Dahan, Christophe Lemaire, Stéphane Lacombe, Fathi Beddiar, Benjamin Rozovas, Rafik Djoumi, David Martinez, Sandy Gillet, Nicolas Saada, Nicolas Rioult.

Sommaire : Mission Impossible, Crying Freeman DVD, Hong-Kong à Hollywood, Abel Ferrara.

DVD : Tom Cruise, John Woo, Crying Freeman, conception par Christelle Gibout.

Notes : Le premier numéro réalisé à tête reposée, sans avoir à gérer les multiples problèmes de personnel qui nous ralentissaient depuis le début. 

Pour la première fois, un semblant d'équipe et de rédaction se forme. L'éditorial est une fantaisie totale, (mais qui deviendra réalité quelque mois plus tard). En fait les bureaux sont toujours placés dans un couloir, et nous ne sommes que quatre (Christelle Gibout au DVD, Léonard Haddad, David Martinez, et moi), à travailler à plein temps sur le magazine. Ce qui est mieux que un.

L'actualité du mois, avec la sortie de Mission Impossible II de John Woo et celle du I en DVD, dans une copie enfin visionnable, nous offre l'occasion de concevoir un sommaire plus ambitieux que d'habitude, mélangeant star-attraction (Tom Cruise), culte (les réalisateur de Hong-Kong à Hollywood) et encore plus culte (Abel Ferrara). Le principe d'être à trois pour constituer l'axe rédactionnel va beaucoup apporter au magazine. Une fois nos décisions prises, nous pouvons pratiquer séparément un suivi des pigistes, chose qu'il m'était difficile de faire seul, en jonglant avec toute l'administration et le relationnel partenaires que nécessite le mag. On voit dans ce numéro notre obsession est alors de comprendre en quoi le DVD va bouleverser notre regard sur le cinéma. Les articles de Nicolas Rioult et Benjamin Rozovas, qui commençent à prendre pied dans le magazine, sont donc cohérents entre eux, même s'ils ont été écrits séparément. 

Vu que HK magazine s'est arrêté, on contemple, avec Véronique Poirier la directrice de publication, de reprendre leur charte couverture, avec aucune accroche sur la face, et le sommaire au dos, et puis Playstation décide de nous acheter la 4ème de couverture, donc on abandonne l'idée. C'est donc la seule couverture de Joel Casano pour DVDvision, a avoir été réalisée en format large, reproduit ci-dessus.

A ce moment là, la production du Pacte des Loups vient d'emménager quelques étages au dessus de nous, ce qui nous fournit une occasion parfaite pour compléter le numéro avec une interview du monteur David Wu (les John Woo, Freeman etc...). Et j'y passe plus de temps que dans notre couloir (forcément)... 

J'ai même l'occasion de me rendre sur le tournage du film, où je réalise que malgré son optimisme légendaire, Gans doit faire face à de nombreux problèmes de logistiques, au point qu'il passe 95% de son temps à gérer les imprévus, et seulement 5% à tourner. 

En rentrant du tournage avec son assistante et lui en voiture, à 5 heures un samedi matin, je réalise a quel point il est sur les genoux, chose que l'on ne devinerait jamais en public. Le fantasme du réalisateur qui passe ses journées à concevoir ses plans en prend un coup... Les longues heures d'attente sur le plateau me donnent l'occasion de me lier d'amitié avec Mark Dacascos, qui se révèle un mec génial, toujours attentif aux nombreux fans de "The Crow" qui squattent le tournage, et plus rock'n'roll qu'il le parait.   

Je me rend à Cannes pour la première fois en tant que journaliste pendant la conception de ce numéro, mais affublé d'un badge jaune. Je ne peux pas du coup accéder à de nombreuses projections. J'en tire un article incendiaire et humoristique, qui me vaudra de me mettre en froid avec les grandes instances du festival, qui vont rire... jaune à sa lecture. Je ne regrette pas l'avoir écrit, il fallait bien que quelqu'un expose les travers de ce système un jour ! Ensuite, après avoir parlementé, les rapports vont se détendre, et je vais passer de jaune à bleu, et je serais même sélectionné comme membre du jury DVD lors de l'inauguration de ce prix quatre ans plus tard... 

Sur ce numéro, Philippe Lambert commence à arriver a bout d'inspiration pour la maquette, il n'est pas habitué, dans mon souvenir, à travailler à l'arrachée comme nous le faisons, préférant oeuvrer dans des structures plus établies. Paola Boileau, qui réalise la maquette du dossier Crying Freeman en sous-main, s'en sort par contre très bien. Je commence à en avoir marre, à ce stade, de faire des allez-retours chez le maquettiste, et rêve de pouvoir intégrer, comme toute rédaction qui se respecte, cet élément sur place, enfin, dans notre couloir. 

Le DVD quand à lui est très cohérent par rapport au contenu du magazine (ca ne sera pas toujours facile d'arriver à ce résultat). 

La citation de ce numéro : "J'espère que Gans ne va pas remettre 5 ans pour faire un autre film"  (David Wu sur le montage du Pacte des Loups - juin 2000. Le film suivant de Gans est sorti en 2006)

copyright © David Fakrikian 2006-2008 / DVDvision.fr

#DVDvision #story #Tom Cruise #Presse #DVD #Blu-ray

[jeux-raconte]

Her Story

Sam Barlow, 2015.

Nous sommes en 2023 depuis peu, et les tops 10 ou votes pour les jeux de l'année 2022 viennent de se terminer. Parmi eux, le dernier jeu de Sam Barlow, Immortality, s'est fait une place de choix, notamment chez les chroniqueurs d'un podcast que j'affectionne beaucoup, Silence On Joue.

Cela fait longtemps que j'entends parler de Her Story, il était pionnier des jeux indépendants à la grande époque des Humble Bundle à foison, des Bastion et autres perles indés à découvrir. Je l'avais donc dans ma bibliothèque Steam, il prenait la poussière et commençait à me regarder d'un oeil mauvais. Mais la récente sortie d'un nouvel opus signé Sam Barlow m'a poussé à franchir le pas (ça, et la volonté de finir dans ma bibliothèque Steam les jeux indés courts et cultes).+

Gameplay

Comment on joue à Her Story ? On navigue sur un vieil ordinateur qu'on comprend vite appartenir à la police. On a accès à une base de données, un fichier README sur le bureau nous indique qu'elle fonctionne par mots-clés. On ouvre la base de données, on y trouve une vidéo et une barre de recherche. Et c'est tout. L'intégralité du gameplay se trouve là, à une ou deux nuances près comme la possibilité de mettre une vidéo de côté pour la revoir plus tard, ou l'accès à l'historique des mots qu'on a déjà recherché. Tout le jeu se fait dans notre tête ensuite.

Le jeu est qualifié, à juste titre je pense, de film intéractif, entre autres sur sa page wikipedia. Quand on clique sur une vidéo de la base de données, on voit une femme témoigner ou raconter un passage de sa vie, les événements qui font qu'elle est là, ou tout autre extrait d'interview. Quand un mot qu'on entend nous déclenche une connexion ou nous fait réagit, on peut alors entrer ce mot dans le moteur de recherche, et toutes les vidéos où ce mot a été prononcé apparaissent. A partir de ces vidéos et ces recherches, à nous de recoudre le tissus des événements.

Le jeu est entièrement en FMV, c'est à dire que des acteurs ont été filmés et jouent à l'écran. D'où la dénomination de film intéractif. Intéractif en effet, puisque même si toutes les séquences sont présentes dans le jeu et datées, elles ont un ordre diégétique, c'est nous qui décidons dans quel ordre nous allons les jouer, et chaque joueur aura une expérience différente pour raconter la même histoire.

L'Histoire

Elle est intriguante, et on se prend vite au jeu de vouloir en savoir plus, et c'est cela qui va nous faire rester les deux bonnes heures qu'il vous faudra pour comprendre ce qui s'est passé, au moins dans les grandes lignes.

Je suis allé lire des transcript, et surtout je suis allé dans les fichiers du jeu voir l'ensemble des vidéos quand j'ai eu les crédits du jeu, et ce même si le jeu vous donne un moyen d'en voir plus par vous-même (sans spoiler). Le scenario est donc original, bien amené, mais je pense que sa force reste la façon dont le joueur est amené à connecter lui-même les pièces. J'ai passé deux heures très agréables et surtout j'étais très impliqué et je n'ai pas vu le temps passer. Je comprends donc qu'on me l'ait autant recommandé, c'est une expérience originale et qui mérite qu'on donne de son temps.

Je ne peux pas parler plus du scenario sans gâcher le plaisir du jeu, car sa découverte représente facilement 95% du plaisir de jeu.

Bilan

Je recommande chaudement Her Story. L'expérience est courte, mais intense. Pour les joueurs curieux de scenario alambiqué, de murder mystery et autres fans de Whodunit (https://fr.wikipedia.org/wiki/Whodunit), cela ne prendra qu'une ou deux heures de votre temps, et je pense que c'est une très bonne porte d'entrée aux jeux de Sam Barlow. Immortality, son dernier jeu récompensé de plusieurs awards, est sur le gamepass, et il risque de ne pas me falloir longtemps avant de plonger !

#sam barlow #video games #jeux vidéos #her story

[languagestoday]

10 expressions Belges à connaître

La Belgique regorge de mots et d’expressions en tous genres. Souvent à la croisée du néerlandais et du français, ces drôles de belgicismes donnent vie au quotidien des habitants de ce petit pays au charme fou. Zoom sur les dix expressions belges à connaître impérativement avant de s’y rendre.

1. «La drache» S’il est bien un mot qu’utilisent souvent nos voisins du nord, c’est celui-ci. Il «drache» quand il pleut des cordes. Autant dire que ce mot fait partie du vocabulaire de base dans un pays où il est préférable de se munir d’un petit parapluie.

2. «Douf» Toujours dans le registre de la météo, «faire douf» signifie qu’il fait un temps très lourd. Par temps d’orage ou de canicule, ce mot revient régulièrement. «Eh bien, il fait douf ici!»

3. «En stoemelings» Cette expression d’apparence un peu complexe découle du mot néerlandais «stom» qui signifie littéralement «sans parler, muet». Faire quelque chose «en stoemelings», c'est donc le faire en douce ou en cachette. «Maman, j’ai surpris Antoine en train de fumer en stoemelings». L’expression peut aussi faire référence à une action illégale.

4. «Ne pas avoir toutes ses frites dans le même sachet» Outre la référence immanquable à la spécialité culinaire belge par excellence, dire de quelqu’un qu’il «n’a pas toutes ses frites dans le même sachet» signifie qu’il n’a pas toute sa tête. Ou qu’une personne est un peu à l’ouest.

5. «Des carabistouilles» Une expression utilisée à tout âge. En Belgique, dire des «carabistouilles» signifie raconter des bobards ou des sornettes. Attention toutefois à l’utiliser correctement! Les «carabistouilles» font référence à des mensonges amusants ou farfelus. «Tu dis n’importe quoi, tu me racontes des carabistouilles!»

6. «Un kot» Voilà un mot qui fait partie intégrante du vocabulaire quotidien de l’étudiant belge. En néerlandais, «kot» signifie «petit abri» ou «niche». Aussi étrange que cela puisse paraître, un «kot» désigne donc une colocation. Mais c’est également un verbe! «Je kote avec Marianne et Benjamin, ce sont mes cokotteurs.» Eh oui!

7. «J’ai un boentje pour toi» Avoir le béguin pour quelqu’un, il n’y a pas de meilleur équivalent. «Boentje» vient du flamand «boontje» qui signifie «petit haricot».

8. «Guindailler» Ou comment faire la fête. Le verbe «guindailler» fait référence aux grandes fêtes estudiantines en Belgique. «Faire la guindaille» signifie donc faire la fête joyeusement.

9. «Dikkenek» Il est enfin venu le moment de dévoiler la signification du nom du célèbre film belge devenu culte. Du mot «dikke» qui signifie «gros» et «nek» qui signifie «cou», qualifier une personne de «gros cou» veut dire qu’elle est imbue d’elle-même. En gros, qu’elle a pris la grosse tête ou le melon.

10. «On se dit quoi!» Pour finir en beauté, voici l’expression qui peut s’avérer délicate au quotidien pour un Belge à l’étranger… «Se dire quoi» signifie qu’il est prévu d’en reparler ou de se tenir au courant de quelque chose. «Sandra, que veux-tu que j’apporte pour le repas demain?" – «Oh je ne sais pas encore, je te dis quoi!»

 Un kot est un logement d’étudiant pas forcément en colocation, ca peut être une chambre chez un particulier.Une douf: expression peut être bruxelloise mais à Liège, prendre une douf, c’est prendre une bonne cuite.  

Une rawète, se dit pour signifier un petit peu, juste un peu, un petit, une chique pour confiserie en région liégeoise...

[daniel-levy-chemisier]

Alain Delon Enfant de divorcé, Delon se retrouve tout petit en nourrice chez une femme dont le mari est gardien de prison à Fresnes. Il voit peu sa mère, suit une scolarité agitée et à 17 ans embarque dans la marine pour l'Indochine. De retour en France, il passe deux années dans les endroits mal famés de Toulon et exerce toutes sortes de métiers plus ou moins crapuleux. Monté à Paris, il s'éprend de la meneuse de revue Rita Cadillac, vit de ses charmes et rencontre sur sa route plusieurs femmes qui lui ouvrent la porte de son destin : le cinéma ! C'est au cours de son premier film "Sois belle et tais-toi "de Marc Allégret, qu'il se fait cette fameuse cicatrice sous le menton, au volant de la R4 qu'il a emprunté à Pascal Jardin. Son magnétisme, son charisme et son ambition le propulse dans les plus beaux rôles de sa génération. Clément, Visconti, Melville, Deray...les plus grands réalisateurs travaillent avec lui et font parfois office de père de substitution. En 1974, il produit et joue dans Borsalino. Ça tombe bien Il porte le costume 3 pièces comme personne ! La création des costumes est confiée à Jacques Fonteray : rayures tennis, larges revers, gilet cintré et bien sur le Borsalino, restent gravés dans les pupilles de tous ceux qui ont vu ce film. C'est le styliste italien Giuseppe Borsalino qui invente en 1857, le Borsalino, chapeau à bord long et mou, légèrement recourbé à l’arrière et dont le sommet de la calotte est creux. Initialement en poils de lapin, ce chapeau deviendra culte et ornera la tête de Bogart, Harrison Ford, Michael Jackson ou Johnny Depp. « Le Borsalino au cinéma est bien plus qu’un couvre-chef : c’est une signature, une façon d’être ». #daniellevychemisier #alaindelon #surrealisme #icone #àlafrançaise Merci @ze_french_do_it_better pour ce texte. (à Daniel Lévy) https://www.instagram.com/p/CgPYvxosidm/?igshid=NGJjMDIxMWI=

#daniellevychemisier #alaindelon #surrealisme #icone #àlafrançaise

[messecretsetceuxdelavie]

Le Temps n'a pas d'Importance, celle la Vie en A

Je crois que cette phrase était dans le début du film "le 5eme élement", un vieux film, mais culte! Et génial :) On est souvent pressé, de toute faire, tout voir, tout accomplir. Et si finalement, à être dans la course du temps, on en oublié de profiter simplement du présent ? Etre ici et maintenant, là, en pleine conscience. C'est cette pleine conscience que j'essaye de travailler en ce moment; Car quand je suis dans cet état, je suis médium. Car je n'ai plus mon mental qui vient mettre une barrière.

Quand on est dans le ici, et maintenant, on arrive à mieux capter notre boussole intérieur, faire de meilleur choix, être plus apaisé et même plus confiant. Pendant des années, j'ai travaillé sur moi, via le développement personnel et des techniques de guérison, diverses et variés. Aujourd'hui, je me dis...et si tout ça n'était qu'une perte de temps ? une illusion de plus de l'ego ? Je ne dis pas que ce travail que j'ai fait sur moi est inutile. Il m'a permis d'évoluer. Mais j'ai beaucoup tourné en rond, à chercher à l'extérieur, pleins de réponses et solutions, alors que c'était déjà en moi. Comme si je cherchais pleins de pistes, alors qu'en fait, j'aurai pri le temps de me recentrer, j'aurai pu voir 1 pistes... Bon, finalement, c'est tout notre parcours passé et nos choix présent, qui font qui nous sommes aujourd'hui à l'instant T. Donc tout ce cheminement d'introspection et guérison sur moi a été utile, puisqu'il m'a permise de me découvrir, aller mieux, évoluer vraiment pour me rapprocher de qui je suis vraiment, et ce que je rêves de faire. Mais y a des moments, sur le chemin de l'évolution où il y a juste besoin d'être, tout simplement. Il n'y a pas besoin d'être constamment dans le passé, l'introspection et la guérison, mais juste être, ici et maintenant, en total amour, confiance, et paix. Arrives tu à Etre, avant de Faire, pour vraiment te laisser guider par ton Etre intérieur, vers ta meilleure Destinée ?? Partages moi en commentaire

xoxo

#vie #amour #betterlife #réalisestesrêves #dreambig #temps #pleineconscience #réalisationdesoi #pouvoircréateur #puissance

[lekintsugihumain]

Ne pas pouvoir partager la découverte de vieux films, qui étaient cultes pour certains à leur époque, c'est ça qui me manque aussi avec son décès.

J'ai vu Robocop ce soir au cinéma, Blade runner l'autre jour, j'ai découvert Jurassic Park il y a 2 ans au cinéma aussi ... Et j'ai plus personne à qui le dire.

C'est super triste de voir que ça soit dans le cinéma ou la musique, ce que nos parents et grands parents ont connu, n'existera plus que par nous.

Je pense que ce n'est pas pareil de découvrir quelque chose et d'en parler avec une personne qui as connu cette chose, je sais pas si je suis clair, peut importe je me comprend.

[laetiziaroffat]

Les Dernières Tendances Cinématographiques à Découvrir en Jouant : Une Fusion de Plaisirs en 2024

Passionné de cinéma mais également de jeux en ligne, je vous annonce une merveilleuse nouvelle : nos deux univers de prédilection tendent de plus en plus à se rencontrer ! C'est en 2024 que cette union inattendue trouve sa plus belle incarnation, à travers des tendances de plus en plus populaires parmi les gamers et les cinéphiles avertis.

Des jeux de casino aux accents cinématographiques

Auparavant, nos jeux de casino en ligne préférés étaient bien souvent marqués par une esthétique plutôt simpliste et fonctionnelle. Mais ces dernières années, de nombreux développeurs ont décidé de prêter une attention particulière à l'habillage graphique et scénaristique de leurs créations. Désormais, jouer au poker ou à la roulette peut aussi être une expérience visuelle et narrative stimulante. Prenons l'exemple de "Cinespin", une machine à sous immersive qui nous transporte directement sur le tournage d'un blockbuster d'aventure. Ici, les classiques symboles de fruits sont remplacés par des bobines de film, des caméras et des statuettes de récompenses cinématographiques tandis qu'un réalisateur à l'écran commente notre progression.

Les adaptations de films en jeux de casino

Si le cinéma inspire le monde du jeu de casino en ligne, le mouvement inverse est également de plus en plus perceptible. C'est ainsi que sont nées ces dernières années les machines à sous thématiques, basées sur des films à succès. Les grands studios de production ont très vite saisi l'opportunité offerte par le monde du casino en ligne pour prolonger l'expérience du spectateur. Qui n'a jamais rêvé de se glisser dans la peau de leur héros favori le temps d'une partie ? On peut citer à cet égard "Jurassic Jackpot", une machine à sous inspirée du film culte de Spielberg qui nous permet de vivre une aventure palpitante au cœur d'un parc naturel peuplé de dinosaures.

Les technologies immersives au service du jeu

Si les jeux de casino se font cinéma, c'est aussi grâce à l'intégration de technologies toujours plus immersives. En effet, on assiste à l'émergence de jeux de casino en réalité virtuelle qui nous plonge dans une ambiance digne des plus grands films. En résumé, 2024 aura été une année riche en émotions pour les cinéphiles et les gamers. Avec cette habile fusion du cinéma et des jeux de casino en ligne, les développeurs proposent une nouvelle manière de se divertir, doublée d'une occasion unique de prolonger l'expérience de nos films favoris. Alors, prêts à tenter l’aventure dans ces nouvelles tendances cinématographiques à découvrir en jouant ?