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azul-maria-elias · 27 days

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«A Hard Day's Night»

The Beatles

Retrospectiva y análisis del álbum.

Historia y contexto

Si buscas enterarte de qué álbum antescedió a la salida de «A Hard Day's Night» o no tienes idea de quiénes son los Beatles o cómo es que comenzaron su carrera musical, te invito a que leas mis dos trabajos previos:

Here They Come, The Fabulous Beatles! Una breve introducción a la banda más importante en la historia de la música.

Please Please Me (1963)

Las canciones sin álbum: entre «Please Please Me» y «With The Beatles»

Te recomiendo leerlos ya que en esta publicacióon solo hablaré de la historia de A Hard Day's Night.

La Beatlemanía

Desde el lanzamiento de With The Beatles, en noviembre anterior, su éxito en el Reino Unido había comenzado a extenderse por todo el mundo. A comienzos de 1964, «I Want To Hold Your Hand» y «She Loves You» ya se habían convertido en enormes éxitos internacionales, y la beatlemanía era un misil fuera de control.

En 1964, parecía que comprimíamos una semana en un día. — George Harrison (The Beatles Anthology)

Los Beatles se habían convertido sin lugar a dudas, en las cuatro personas más populares del planeta. La conquista del mercado norteaméricano marcó el inicio del fenómeno musical más importante de la historia.

En este contexto en donde los Beatles conquistaban todas las listas musicales y las entradas para sus conciertos se agotaban rápidamente, surgió la idea de capitalizar aún más su fama llevándolos a la gran pantalla.

El debut cinematográfico

Para Brian Epstein, el siguiente paso de los Beatles era lógicamente hacer lo que Elvis Presley había hecho años antes: una película. La idea no entusiasmó mucho a los miembros de la banda, especialmente por el hecho de que ellos no eran actores. Los Beatles tenían claro que no querían hacer por nada del mundo una película "al estilo Elvis Presley", las cuales poseían guiones poco realistas y artísticamente tenían bastantes carencias. Con esto en mente, eligieron al guionista Alun Owen, quien era admirado por el grupo. En el rol de director, el escogido fue Richard Lester.

Siguiendo el patrón de dos discos al año y con una película en producción, la creación de un nuevo álbum estaba practicamente agendada. Epstein comprometió al dúo Lennon-McCartney a componer siete canciones para la película.

La verdad, todavía no sabemos de qué se va a tratar [la película]. No creo que tengamos que actuar mucho. Creo que va a ser sobre gente parecida a nosotros, y que va a haber cuatro personajes muy parecidos a nosotros. — Paul McCartney

McCartney no estuvo muy errado. La premisa de la película era que los Beatles harían de si mismos, en medio del caos que implicaba ser quienes eran.

En primer día de la filmación, el 2 de marzo, grabaron una secuencia en la que coqueteaban con un par de colegialas en un tren; a una e ellas la interpretaba Pattie Boyd, que conoció a Harrison en el set, dando comienzo a una relación que influiría fuertemente en sus canciones por casi una década. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La canción que le da nombre a la película fue, curiosamente, la última en ser escrita. Como es sabido, Ringo fue el autor de dicho título cuando un día tuvo la ocurrencia de decir que había sido «el anochecer de un día agitado». Estas frases eran común en el baterista debido a ciertas carencias gramaticales que poseía al no haber concluído del todo sus estudios elementales. Sus compañeros de banda no eran ajenos a esto e inclusive denominaron a las frases de Ringo «ringorismos». Cuando Richard Lester escuchó la frase, supo que sería un buen título para el proyecto, y la noche del 16 de abril los Beatles, luego de haber pasado todo el día filmando, se encerraron en el estudio para grabar la canción compuesta a pedido por Lennon y McCartney.

Iba a casa en el coche y Dick Lester sugirió el título "El anochecer de un día agitado" a partir de algo que había dicho Ringo. Lo había usado en In His Own Write, pero fue un comentario improvisado de Ringo. Ya sabes, uno de esos malapropismos. Un ringoísmo, donde lo decía no por hacer gracia, simplemente lo decía. Entonces Dick Lester dijo que íbamos a usar ese título y a la mañana siguiente traje la canción. Porque había una pequeña competencia entre Paul y yo sobre quién se quedaba con el lado A, quién conseguía los sencillos exitosos. — John Lennon, 1980

Aprovechando que en la cita se hace mención de «In His Own Write», cabe aclarar que dicho libro fue el debut como escritor de John Lennon y el primer proyecto en solitario de un miembro de los Beatles. Se publico en marzo de 1964 y consistía en cuentos, poemas y dibujos lineales de naturaleza surrealista.

Grabación del álbum

La agenda de la banda estaba cargada de actuaciones, conciertos y innumerables entrevistas, por lo que pasaron mucho tiempo encerrados en hoteles. Con el compromiso de la película en mente, John y Paul hicieron que le instalaran un piano en la suite que compartían en un hotel de París (donde la banda haría una seguidilla de tres semanas de shows), para ver si podían componer canciones nuevas.

El álbum fue grabado durante nueve días no consecutivos, entre enero y junio de 1964, durante sus breves descansos de gira y de filmación. Aunque en un principio les habían encargado solo siete composiciones originales para el disco, los Beatles redoblaron la apuesta y escribieron un total de 13 canciones, convirtiendo a A Hard Day's Night en el primero de sus álbumes que no incluía convers.

A pesar de las circunstancias caóticas en las que se enmarcó el álbum, A Hard Day's Night representó la consolidación de una identidad propia para los Beatles y una maduración creativa que sobrepasaba a la vista en With The Beatles.

La banda también empezó a distinguir la identidad de los discos de la de los shows: el primer sonido del álbum, un atronador conjunto de notas de la guitarra de doce cuerdas de George Harrison, la de seis de John Lennon, el bajo de Paul McCartney y el piano de George Martin, era imposible de reproducir en vivo. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Si With The Beatles había sido un álbum donde predominaba la visión musical de Lennon (y su gusto por el Motown), A Hard Day's Night obtuvo el control total del mismo, siendo el registro de una época en la que Lennon dominaba por completo a la banda.

La mayoría de los singles, en las películas y en todo lo demás, eran míos. Y recién cuando empecé a sentirme más vergonzoso e inhibido, tal vez los astros no me favorecieran, Paul empezó a dominar un poco el grupo. — John Lennon, 1980

Del total de las 13 canciones que componen el disco y que están acreditadas como Lennon-McCartney, sólo tres de ellas le pertenecian a Paul. Harrison se quedó afuera por completo al descartarse «You Know What To Do», su segunda composición original. Así mismo, la voz más presente durante disco es la de John Lennon, tratándose de uno de los pocos álbumes que no incluye una pista cantada por Ringo.

De todas maneras, estas sesiones de los Beatles no eran como las anteriores. Una diferencia importante era que Harrison tenía un nuevo juguete, adquirido en la gira por Estados Unidos: una guitarra Rickenbacker de doce cuerdas, la segunda en ser construida, que tocó profusamente en las grabaciones de esa semana. Otro era que la música de la banda se estaba volviendo más sutil y compleja, ahora que desarrollaban las canciones en el estudio en vez de tener que pensar arreglos que permitieran que las tocaran en vivo. Durante su estadía en París, un DJ francés les había dado un ejemplar de The Freewheelin' Bob Dylan, con el que se habían obsecionado bastante (como deja entrever el crudo solo de armónica que abre "I Should Know Better"); también habían estado escuchando ska jamaiquino, y habían robado sus ritmos para su versión de "I Call Your Name". Y tanto Lennon como McCartney habían compuesto sus canciones más tiernas y emocionalmente vulnerables hasta la fecha: "If I Fell", de Lennon, y "And I Love Her", de McCartney. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Portada

Para la elaboración de la portada del disco, los Beatles recurrieron al fotografo Robert Freeman, quien había realizado las fotografía para la portada de With The Beatles y quien sería el fotógrafo de cabecera de la banda hasta 1966. A Freeman se le ocurrió la idea de realizar una secuencia de fotografías individuales de cada Beatle para los créditos de la película, colocandolas sucesivamente y así creando un efecto animado. Bajo un concepto parecido las fotografías fueron colocadas en fila en la portada del disco, siendo una de las más recordadas y parodiadas de la banda.

Recepción de la crítica

A Hard Day's Night fue un éxito comercial asegurado. Alcanzó la posición uno, superando a With the Beatles y permaneciendo en ese puesto durante veintiún semanas de las treinta y ocho que se mantuvo en lista. La prensa amaba el disco e inclusive lo clasificaron como la voz de toda una generación.

La película Anochecer de un día agitado fue un éxito instantáneo, una delicia efervescente que presentaba a los Beatles, naturalmente encantadores, como un grupo diferente de todos los demás: cuatro Elvis por el precio de uno. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Jimmie Nicol, un Beatle por 13 días

En la mañana del 3 de junio de 1964, durante una sesión de fotos para el Saturday Evening Post, Ringo sufrió un desmayo a causa de una amigdalitis y una faringitis. Fue ingresado de urgencia y finalmente internado, por lo que la sesión de grabación que tenían planeada para ese día se canceló y debido a esto el álbum contuvo 13 canciones en vez de 14. Como la banda se encontraba a pocos días de empezar su primera gira mundial resultaba muy arriesgado posponerla, por lo que decidieron recurrir a un reemplazo. John y Paul aceptaron la oferta, pero George estuvo más renuente a la idea de viajar sin Ringo. Recomendado por George Martin, Jimmie Nicol fue elegido para el reemplazo de Ringo tan sólo 27 horas antes de su primer concierto como Beatle.

Canción por canción

1. A Hard Day's Night

Nosotros estábamos haciendo una tarea, en la que habíamos trabajado todo el día y noche. Se me ocurrió pensar que todavía era de día, y dije: “Ha sido un día duro... (It's been a hard day...)” y miré a mi alrededor y vi que estaba oscuro y dije: “... ¡noche!” (...night!). Así llegamos al título «A Hard Day's Night» («La noche de un día duro») — Ringo Starr

Es imposible imaginar otro inicio para álbum —y la película— que no sea éste. Fue la última canción en grabarse y requirió de 3 horas para ser finalizada. La canción resumía claramente el ritmo frenético de la existencia de Los Beatles en 1964, yendo de la habitación del hotel al camerino, al escenario y viceversa

El primer acorde, disonante y poderoso, anunciaba, una vez más, que los Beatles estaban a kilómetrs de distancia de sus competidores. Harrison usó de manera brillante su nueva Rickenbacker de dce cuerdas en toda la canción, especialmente en el solo (con florituras muy veloces, tocadas al unísono con el piano de George Martin), y su final abierto y arpegiado. Y, por primera vez, las voces de Lennoon y McCartney parecen dialogar: cuando McCartney canta una nota aguda en el puente, Lennon se le adelanta y vuelve a la estrofa. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Además de ser la canción de apertura del álbum se lanzó en sencillo, con «Things We Said Today» en el lado B. En 1964 el grupo recibió un grammy por Mejor Interpretación de un Grupo Vocal por dicha canción.

Sabíamos que abriría tanto la película como el LP con la banda sonora, por lo que queríamos un comienzo particularmente fuerte y efectivo. El estridente acorde de guitarra fue el lanzamiento perfecto. — George Martin

Personalmente, me encantan muchas cosas de esta canción, pero si algo disfruto en particular es como la voz de Lennon parece calmarse y reposar en algunas frases, casi como un suspiro de cansancio.

2. I Should Have Know Better

Aunque acreditada como Lennon-McCarntney, «I Shuld Have Know Better» fue compuesta principalmente por John. La canción la abre Lennon tocando su armónica, siendo ésta la última vez que The Beatles la usan como introducción de un teme, lo cual era la norma durante un periodo significativo de la temprana música del grupo. Se convirtió en la perfecta transición para un cambio radical en el disco y poco visto en los Beatles por esos días.

Lennon arrancó esta canción con un solo de armónica claramente inspirado en Bob Dylan (en la segunda toma, Lennon tuvo que interrumpir la grabación porque se empezó reir a carcajadas), lo que inició una conversación musical entre los invasores británicos y el revolucionario estadounidense que continuaría a lo largo de décadas. Dylanles devolvió la pelota el año siguiente, con "If You Gotta Go, Go Now", que les responde a esta canción. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La canción fue una de las últimas de los Beatles en incluir el instrumento, que había sido destacado en sus éxitos anteriores Love Me Do, Why Please Me y From Me To You. Los Beatles la interpretaron en la película en una de sus escenas más míticas. En ella, los miembros de la banda tocaban y jugaban a las cartas en un vagón de tren (que en reaidad era una camioneta sacudida por el equipo de grabación, mientras los actores, incluida la futura esposa de George Harrison, Pattie Boyd, observaban.

3. If I Fell

«If I Fell» fue la primera canción en la que pudimos observar un lado afectuoso de Lennon que no era visto a menudo. Entre las contribuciones de McCartney se encuentra la introducción, que presenta un motivo musical que no aparece en ningún otro lugar de la canción.

Ese es mi primer intento de escribir una balada propiamente dicha. Ese fue el precursor de In My Life. Tiene la misma secuencia de acordes que In My Life: re y si menor y mi menor, ese tipo de cosas. Y es semiautobiográfico, pero no consciente. Se nota que escribí baladas de amor sentimentales, canciones de amor tontas, hace mucho tiempo. — John Lennon

En la grabación, la armonía vocal a dos voces fue cantada por Lennon y McCartney usando un mismo micrófono siguiendo crando uno de los ejercicios vocales más bellos de su discografía, con el primero haciendo la línea grave y el segundo cantando la armonía más alta, dominando la canción. Si observamos, existe un instante en el que a McCartney no le alcanza la voz, siendo notablemente diferente en las mezclas stereo y mono.

Lennon declaró que éste había sido su primer intento verdadero por componer una canción lenta y bonita para un disco de los Beatles, "semi-autobiográfica, pero no de manera conciente". Esa fragilidad emocional al final de una relación de la que habla la canción no tenía mucho que ver con su vida en aquel momento: cuando los Beatles apareciern en The Ed Sullivan Show, unas semanas antes de grabarla, pasaron una imagen en primer plano de Lennon con la leyenda: "Lo sentimos, chicas, está casado". — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

En la película la canción fue interpretada en una escena que tiene lugar mientras el equipo prepara el equipo antes de la actuación en estudio de The Beatles. Divertidamente, Lennon le canta la canción de amor a Ringo Starr .

4. I'm Happy Just To Dance With You

Si la presencia compositora de McCartney en el álbum fue escaza, la de Harrison fue prácticamente inexistente, por lo que tuvo que limitarse a sus arreglos y solos de guitarra. Por lo que «I'm Happy Just To Dance With» You fue el instante de protagonismo, tanto en el álbum como en la película, de George Harrison. La interpretación vocal de George es exquisita y su característica dulce voz realiza unos vibratos muy bellos.

Compuesta por Lennon y McCartney para que la cantara Harrison, "para darle un poquito de acción", en palabras de Lennon. Al igual que "I Want to Hold Your Hand", es una de sus ocasionales declaraciones de la castidad de sus intenciones, desmentida por los gemidos orgásmicos de fondo de Lennon y McCartney. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

5. And I Love Her

En esta composición icónica de McCartney los Beatles se acercaron al bolero cubano. La dulzura de las notas romanticonas de «And I Love Her» se convirtió casi en un sello personal del bajista en muchas de sus composiciones posteriores.

"And I Love Her" empezó siendo un rock eléctrico bastante tranquilo, pero no bien Starr se pasó de la batería a los bongós, empezó a tomar la forma que conocemos hoy, con un precioso solo de guitarra acústica de George Harrison. McCartney dijo que había sido "la primera balada con que me impresioné a mi mismo". El año siquiente, cuando Esther Phillips cosechó un pequeño hit con su versión, llamada "And I Love Him", Lennon dijo que era "la mejor versión de una de nuestras canciones". — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

McCartney se encontraba muy orgulloso de la canción, y con razón. Es una las pistas más hermosas de todo el álbum con muchos elementos hermosos: la voz profunda de McCartney, la guitarra española de Harrison y como ésta se combina a la perfección con los bongós de Starr.

6. Tell Me Why

Era como una canción de un grupo de chicas negras de Nueva York — John Lennon

Con odas a los Beatch Boys y con una letra madura y alejada de la temática adolescente habitual en la banda, «Tell Me Why» se convirtió en una de las composiciones preferidas de Lennon. La canción relata la discusión en un matrimonio de manera casi autobiográfica para Lennon, quien para ese entonces se encontraba en un matrimonio tortuoso con Cynthia Lennon.

Creo que muchas de estas canciones de Lennon como Tell Me Why quizá se hayan basado en experiencias reales o aventuras que John estaba teniendo, o asuntos con Cynthia (esposa de Lennon) o lo que sea, pero nunca se nos había ocurrido poner este enfoque hasta más tarde en nuestras canciones. — Paul McCartney

7. Can't Buy Me Love

«Can't Buy Me Love» fue compuesta principalmente por Paul McCartney a pesar de ser acreditada al dúo Lennon/McCartney,. Fue lanzada como sencillo por The Beatles con «You Can't Do That» en el lado B del disco.

Creo que uno puede establecer cualquier interpretación sobre cualquier cosa, pero cuando alguien sugiere que 'Can't Buy Me Love' trata sobre la prostitución, acabó trazando una línea. La idea detrás de ello era que todas esas posesiones materiales están muy bien, pero a la hora de la verdad no me pueden comprar lo que realmente quiero. — Paul McCartney, 1966

Cuando Can't Buy Me Love llegó al n.º 1 (4 de abril de 1964), todo el top 5 del Hot 100 era de The Beatles, estando ocupadas las siguientes posiciones por «Twist and Shout», «She Loves You», «I Want to Hold Your Hand» y «Please Please Me», respectivamente. Ningún otro artista había ocupado los cinco primeros lugares al mismo tiempo.

Compuesta en París, la versión de McCartney de un R&B le echó nafta al fuego de la beatlemanía. Era el sencillo con más swing que hubiera grabado la banda, con un empujoncito adicional que le aporta Starr, que castiga sus platillos y de repente se detiene antes del final de cada estrofa. Empezar la canción con un estribillo breve y sencillo fue idea de Martin, que rápidamente se estaba convirtiendo en un integrante indispensable del equipo. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

8. Any Time At All

Este tema gozaba de un golpe seco de Ringo Starr que iba acompañado de un Lennon frío y un McCartney que replicaba en coros muy precisos; además de uno de los solos de George Harrison mejor logrados de ese periodo. — La Hemeroteca

«Any Time At All» fue compuesta principalmente por John Lennon, con un puente instrumental por Paul McCartney: McCartney sugirió una idea para el puente basado solamente en acordes, y así fue grabada con la intención de añadirle la letra más tarde. Pero para el momento en que era necesario que la canción fuera mezclada, el puente seguía sin tener texto, y así es como aparece en el disco.

Lennon luego declararía que esta alegre declaración de devoción incondicional, el último tema del disco que grabaron, había sido "un intento por volver a componer «It Won't Be Long»", y no exploraba territorios nuevos. De todas maneras, está llena de pequeños detalles ingeniosos: el primer golpe de tambor de Starr, que parece un tiro (y que cae en el segundo golpe del compás), el momento cuando McCarney reemplaza a Lennon para cantar a nota alta del segundo verso del estribillo, y la floritura de guitarra sola el final del estribillo. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

9. I'll Cry Instead

[I'll Cry Instead] Refleja la frustración que él [John Lennon] sentía en ese momento. Era el ídolo de millones, pero la libertad y la diversión de los primeros días se habían ido — Cynthia Lennon

«I'll Cry Instaed» fue compuesta por Lennon y grabada por los Beatles originalmente para que se incluyera en la película. Sin embargo, Richard Lester decidió finalmente utilizar en su lugar Can't Buy Me Love por su letra optimista.

Los Beatles no tenían con mucha frecuencia la oportunidad de mostrar en sus discos su gusto por la música country y western (entre sus preferidos se encontraba Buck Owens y George Jones). Una de las primeras señales de ese gusto fue esta ágil cancioncita de Lennon que habla de una poderosa frustrción. "Tengo una espina clavada en el costado, más grande que mis pies", declara en un momento involuntariamente autobiográfico, lo cual era básicamente cierto en aquella época, a juzgar por su temperamento. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

10. Things We Said Today

La letra sombría de la canción —en la que se relataba las constantes interrupciones en que se veía la relación de dos personas con sus propias carreras artísticas— va pareja a la triste melancolía de su música. — Ian McDonald

«Things We Said Today» fue compuesta por McCartney y lanzada tanto en el álbum como en el lado B del sencillo "A Hard Day's Night". Al igual que lo hizo John, aquí McCartney comienza a experimentar con acordes menores y entró también en letras más reflexivas. Se convirtió en una de las composiciones preferidas del bajista, interpretándola en muchos de sus conciertos como solista.

McCartney hacía casi un año que salía con la actriz Jane Asher cuando fueron juntos a las Islas Vírgenes en mayo de 1964. Allá, McCartney compuso esta melancólica reflexión sobre su relación. Años más tarde, el bajista y compositor declaró: "La canción se proyecta hacía el futuro y se muestra nostálgica por el momento que estamos viviendo en el presente, lo cual es un buen truco". Es un primer escarceo con las emociones adultas, pero sin perder nada de la inmediatez juvenil. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

11. When I Get Home

Influenciada un tanto por The Shirelles, When I Get Home es esencialmente una canción en el género del rock and roll, pero sus progresiones de acordes inusuales (con cambio de clave de mayor a menor y vuelta a lo mismo) hace que lo sea hasta cierto punto. A Lennon le gustaba esta táctica en particular, y la utilizó en muchas de sus canciones de ese momento. Asimismo, típico de la banda por aquella época, contenía el salto a la voz en falsete. — Extraído de Wikipedia

«When I Get Home» fue escrita por John Lennon a pesar de ser acreditada como Lennon/McCartney. La canción fue censurada en algunos países de la Unión Sovietica por "por contener alusiones eróticas".

Los viajes y la lejanía de los seres queridos, de manera esperable, se convirtieron en uno de los temas principales de las letras de los Beatles, mientras viajaban como locos por todo el mundo en sus primeros años; véase también: "Ojalá no estuviéramos tan lejos" en "Thing We Said Today", el puente "Cuando estoy en casa" de "A Hard Day's Night" y la arrogancia de "I'll Be Back". La banda toca esta pequeña composición de Lennon fuerte y rápido, montándose a la prestidigitación rítmica del estribillo.

12. You Can't Do That

«You Can't Do That», compuesta principalmente por Lennon, fue clave para las presentaciones en vivo de The Beatles por aquellos años. Presenta un contraste muy alto con el tema previo, retratando a un Lennon celoso y agresivo. La canción posee referencias a un suceso real de la vida del cantante en donde su esposa Cynthia bailó con el aquel entonces mejor amigo de John Lennon, Stuart Sutcliffe. La reacción de Lennon al verla fue tal que la llevó forzosamente al baño y la agredió físicamente. La canción enmarca este vergonzoso momento de la vida de Lennon, y le canta a su esposa que no puede volver a hacer lo que hizo y que pasara un mal momento si lo hace de nuevo.

Días después de regresar de su gira triunfal por Estados Unios, la sección rítmica de los Beatles le puso a esta ráfaga de furia celosa compuesta por Lennon un rudo groove de R&B, con cencerr y todo: Fue mi imitación de Wilson Pickett", declaró Lennnon después. Extrañamente, en esta canción, Lennon también toca la guitarra solista, y hace un solo bastante áspero. "Tenía un estilo definido, siempre lo había tenido. Pero me opacaban", declaró lueg en una entrevista con Rolling Stone. "Dicen que George es el cantante invisible. Yo soy el guitarrista invisible".

13. I'll Be Back

Con su lírica conmovedora y guitarras acústicas al estilo flamenco, «I'll Be Back» posee un aire trágico. Inusual para una canción pop, oscila entre las claves mayor y menor, aparece con dos puentes diferentes y carece totalmente de un acompañamiento coral. El fade-out con que termina la canción es inesperadamente repentino, dando la impresión de haber finalizado a medio verso del final de la canción. — Extraído de Wikipedia

El álbum cierra con tema completamente atípico a comparación de sus cierres previos, tratándose en esta ocasión de una balada romántica y no un estridente rock&roll.

Con la excusa de ser otro ensayo sobre el desengaño amoroso, y con vertiginosos cambios entre tonos mayores y menores, esta canción a dúo entre Lennon y McCartney servía para que los fans se quedaran tranquilos, que aunque pasaran unos meses hasta la salida del próximo disco, la banda no se iba a ninguna parte. En este período, las canciones de los Beatles no estaban del todo terminadas cuand entraban al estudio. En Anthology 1 puede escucharse un intento de la banda por tocarla en ritmo de tres por cuatro. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Proximamente publicaré mi análisis y reseña histórica del siguiente álbum en la lista, Beatles For Sale (1964). Así que, si te gustó este primer escrito te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Bibliografía

Como podrán haber notado, cite en varias ocasiones a Pablo Plotkin en la revista Rolling Stone, y es porque la edición de colección de 2013: “The Beatles. La guía definitiva, disco por disco” fue en libro que me acompañó cuando estaba descubriendo a la banda. Es por eso que quise dejarles algunas citas que me parecieron interesantes porque fue en cierta medida culpa de esta revista por la que hoy mi habitación está llena de posters de los Beatles.

También recurría a varios videos de La Hemeroteca para ayudarme a escribir y ordenar los sucesos. Recomiendo ampliamente su canal si eres un apasionado por la música.

A su vez, recurrí mucho a la conocida Biblia Beatle y a la siempre sabia Wikipedia.

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saulcastillo · 1 month

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⩔ Si ha existido un fenómeno musical en la industria española a nivel mundial, ese ha sido el de la 'Macarena', el clásico himno de Los del Río con el que ha bailado más de medio planeta.

En la GQ de hace unos meses dedicaron un reportaje a esta histórica canción, con pequeño esquema de los pases de baile y algunas escandalosas cifras sobre el hit incluidos. Las ilustraciones corren a cargo de Carmen Cremades.

» GQ #299, de febrero de 2024

#gq #ilustraciones #música

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elbiotipo · 1 year

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Sábado, 5 de enero, 2143.

Hace 39°C en Buenos Aires.

Melanie está tirada, panza abajo, en una de las ramas del árbol-edificio del bioclub Mariposa Tecnicolor, la que da a la pileta, su cola tocando el agua. Es difícil saber si está despierta o no. Ariel está recostado cerca, en la sombra, tomando fernet de un vaso de biocristal cortado. Marina está sentada en el borde de la pileta, toda transpirada, pensando "Mas sim Mamãe, a pior coisa em Buenos Aires é o frio, claro". Pancho flota plácidamente, enteramente en su elemento, en la pileta del club. La única que parece estar fenómeno es Florencia, la chaqueña, revisando memes en su celular.

Las cotorras gritan por todas partes, inmutadas por el calor. Ellas y las mariposas multicolores que son endémicas al club revolotean en la sombra; son lo único que parece refutar el hecho que el tiempo se detuvo en un caluroso glaciar azul.

Del estéreo del traje desocupado de Pancho, conectado con un cable mal llamado USB al tatuaje de Marcos -que no solamente sirve de herramienta de bioprogramación, sino de almacenamiento musical-, se escucha una voz sorprendentemente eterna cantando "Un enjambre de estrellas, y la luna plateada..."

Marcos le da un par de tragos al fernet. No le refresca para nada.

-Che, y vamos a hablar del proyecto de este año para el club o...

-'jate de joder, Marqués.

#cosas mias #no me gusta esto porque está en presente y tengo que escribir en pasado #porque la historia de los biopunks ocurrió en el pasado del futuro vos entendés #pero lo escribí en 15 minutos #soft biopunk

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tengomilpalabrasparati · 3 months

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"Constelación"

"Constelación" lleva la idea del espacio profundo al misterio y al terror. La serie de Apple TV+, protagonizada por la actriz sueca Noomi Rapace, comienza por lo que parece un incidente aislado. Una explosión que transforma la tranquila existencia en la Estación Espacial Internacional, en la puerta abierta hacia una sucesión de hechos inexplicables e incluso tenebrosos.

A medida que el tiempo transcurre, quedará claro que un evento puramente técnico, conduce a un punto de la realidad desconocido. O al menos, la forma de entender el transcurrir del tiempo y el sentido mismo de la sustancia de la materia. La premisa puede parecer ambiciosa y lo es, pero la serie, la analiza con una metódica visión de hiperrealismo. La nave se muestra como el núcleo de una circunstancia que puede ser explicado de varias formas.

Con evidentes referencias a "Gravity" de Alfonso Cuarón, la astronauta Jo Ericsson (Rapace) deberá resolver el enigma de qué provocó la explosión. Flotando en el espacio profundo o analizando los datos a través del sistema de la Estación, la conclusión es una: la explosión fue un incidente fortuito pero grave.

En medio de eso, el argumento incluye elementos de terror. Cuando Jo sale al espacio exterior para verificar daños, encuentra un cadáver disecado en un traje espacial, flotando y enlazado, de manera casi casual, al casco de la nave. A partir de ese momento, "Constelación" agrega, con sutileza, datos que hacen suponer que el incidente no es tan sencillo como el choque de un objeto contra el metal. A pesar de lo que indican los instrumentos, la experiencia o solo la deducción lógica, algo más y potencialmente terrorífico, está ocurriendo.

Poco a poco, Jo tratará de entender el motivo por el cual, lo que conoce, parece ser por completo nuevo. O al menos, desconocido. Fechas, eventos importantes de su vida y de la historia del mundo. Haciendo uso de la mecánica y la física cuántica, los primeros capítulos sugieres que esta ligera fractura de la percepción del personaje, es un tema relacionado con el accidente. Pero con lentitud, el argumento se moverá hacia el terreno mismo de explicar lo sobrenatural. ¿Se trata de un problema de cómo se percibe la certeza de lo real o un problema psiquiátrico de la astronauta?

Al principio, cada elemento apunta que se trata de la segunda opción. Después de todo, Jo sufrió un suceso traumático y la dislocación de la realidad — o cómo la comprende — procede de eso. Pero la serie no hace las cosas sencillas y el efectivo guion, explora capa tras capa de lo que el sentido de la verdad — luego, la realidad misma — puede ser. El mundo al que el personaje es el suyo. No obstante, a la vez no. Por lo que tendrá que descubrir cuando comenzó el cambio, qué lo produjo y hacia dónde la conduce.

Jo vuelve a la Tierra, para encontrar que su esposo, antes un hombre amable, se volvió irritable y violento. No de formas exageradas, pero sí evidentes, para alguien que le conoce bien.

O eso supone Jo, que se esfuerza por escudriñar qué le parece tan peligroso, cuando nada realmente lo es. Lo mismo pasa con su hija Alice (Davina y Rosie Coleman), que es la misma niña que conoció en lo esencial, pero que en los pequeños detalles — como no dominar un idioma o tener un renovado talento musical — es por completo irreconocible.

La anomalía que sufre Jo, no es solo un fenómeno de percepción. Es un hecho concreto que deberá enfrentar 👍👍👍

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#Constelación #apple #series y pelis #trailer #Youtube

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miviajesonoro · 6 months

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¿Por qué matamos?

Te sorprenderá el título de esta reseña, aviso que seguramente no sea lo que te estás imaginando.

Hablo del capítulo IMPACTO SONORO, de P.O.V.CAST. EL FENÓMENO DEL PODCÁSTING EN ESPAÑA.

Carles Porta nos lleva en un fascinante viaje a través del oscuro mundo del true-crime con el #podcast "¿Por qué matamos?" . Con un enfoque de periodismo de investigación, el podcast desentraña los motivos y las complejidades detrás de crímenes reales.

Este no solo satisface la curiosidad por lo desconocido, sino que también explora las mentes de los autores, revelando los matices detrás de actos atroces. La habilidad de Porta para contar historias oscuras con precisión y emoción es brillante.

'¿Por qué matamos?' destaca en el mundo del podcasting, mostrando cómo el periodismo de investigación puede contar historias que no solo entretienen, sino que también enseñan. Es una pieza imprescindible para los amantes del true-crime y para aquellos que buscan un relato intrigante y bien investigado sobre la naturaleza humana en su lado más oscuro.

No solo hablaré de Carles, también de Mar Abad con "Crímenes. El Musical". Este podcast es un emocionante viaje a través de relatos de crímenes reales, narrados con la creatividad de un musical.

No solo está bien por lo que cuenta, sino por su impacto en el mundo del true-crime y el podcasting en general. Al igual que '¿Por qué matamos?', demuestra cómo el periodismo de investigación y la creatividad pueden hacer historia en el mundo del entretenimiento auditivo.

#podcast #TrueCrime #audio #historias

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zacefronportugal · 6 months

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O Ringmaster: Zac Efron para a Edição 91

Há dezassete anos, ele era o galã adolescente de High School Musical. Agora ele é um dos principais estadistas de Hollywood. A transformação de Zac Efron está completa, escreve Tom Chamberlin – e ele ainda nos faz comer na mão dele.

Zac Efron está constipado (has a cold). Ok, ele não está, mas devo admitir que, enquanto me preparava para entrevistá-lo, senti que estava a ter um momento Gay Talese e, portanto, não pude deixar de começar este artigo evocando o famoso perfil de Frank Sinatra de Talese, de 1966 (Frank Sinatra has a cold). Assim como Sinatra, Efron é monumentalmente conhecido – pelo menos no rosto. Hollywood é um íman de opiniões, o público tem sede desde que as luzes do icónico letreiro foram acesas e, embora a tecnologia e os meios de comunicação tenham mudado a forma como a informação é digerida, a curiosidade e os mexericos apenas intensificaram certos aspectos da condição humana.

Uma das qualidades admiráveis de Zac é que a sua trajetória para o estrelato (estratosférico) veio, ao contrário de Sinatra, desde muito jovem, onde a tendência cultural é que o público em geral exija cada detalhe da vida privada de um artista e fique obcecado com os altos e baixos deles ou delas. E, no entanto, como resultado do que só posso presumir ser uma abundância de prudência - uma cabeça madura firmemente aparafusada em ombros jovens - muito pouco se sabe sobre Zac, as suas paixões, a sua personalidade e a sua vida privada. O fenómeno que foi High School Musical transformou o então adolescente Efron numa pin-up instantânea, vulnerável a todos os perigos ainda não resolvidos que as jovens estrelas enfrentam quando uma imprensa e uma base de fãs a gritar olham de volta.

Neste ponto, quero acalmar os nervos sobre o assunto. Esta história não gasta as próximas palavras a investigar mexericos ou boatos (francamente indignos de The Rake) sobre assuntos privados, mas o contexto em que Zac e eu conversamos - notadamente as limitações da greve dos atores nos EUA, que estava em andamento quando a nossa entrevista ocorreu - significou que pude me debruçar sobre Efron, o homem, e as suas motivações. Na sua jornada até agora, um rei emergiu de um arlequim belo, e o seu lugar agora é como o herói sensível, estadista e digno.

No seu novo filme, The Iron Claw, aprendemos lições sobre como a dedicação, tanto física quanto mental, ajuda a desenvolver um personagem dentro e fora do ecrã. Zac interpreta Kevin Von Erich, um dos irmãos Von Erich de uma famosa família de lutadores na era do Wrestling profissional que precedeu o W.W.E. O filme segue esses jovens sob o chicote do seu pai agressivo numa história que acaba tornando-se uma tragédia shakespeariana e uma farsa reunida numa só. The Irow Claw é o nome do movimento final que os irmãos usam no ringue, mas a metáfora do controle de um pai sobre os seus filhos e as suas escolhas não passa despercebida.

Portanto, o filme é sobre os rapazes, mas também é sobre as responsabilidades da paternidade e o que significa pressionar ou controlar os teus filhos, sabendo que as crianças estão programadas para querer a tua aprovação e amar-te apesar da dureza, quase de uma forma ridícula. É claro que, à medida que vemos o filme através de lentes contemporâneas, compreendemos mais sobre que tipo de comportamentos são ou não tóxicos e como o nosso ambiente nos afeta. O filme também vem embrulhado em penteados dos anos 1980 e uma banda sonora de Rush.

Efron diz: “Muito específico para os irmãos Von Erich foi esta jornada para o pico do estrelato no Wrestling profissional. Eles realmente criaram uma dinastia dos melhores lutadores profissionais, se não no Texas, então talvez diante das câmaras, especialmente nesta época. Inicialmente, eles eram estranhos que conseguiram entrar, e muito disso foi por causa do pai, que foi um treinador implacável, embora eficaz, para eles. Ele tinha um estilo que – se olhares pelos padrões de hoje – provavelmente seria muito para lidar. Esses rapazes estavam a treinar como monstros para essencialmente viver de acordo com as esperanças e sonhos do pai deles.”

Se viu os trailers do filme, deve ter notado a profunda transformação física envolvida em alguns membros do elenco. Os irmãos eram homens titânicos, cada um deles um novo David, se Michelangelo tivesse atuado na década de oitenta. Esta, não se esqueça, foi a era de Arnie, Stallone e o florescimento do Wrestling profissional na consciência cultural, onde os irmãos Von Erich foram precursores e inspirações de nomes como Ultimate Warrior, Mr. Perfect, Hulk Hogan, Bret Hart e Rick Rude. Os corpos ideais coroados com cabelos ideais, com novamente o cheiro de farsa lançado numa trágica história real.

Seguir essa linha e arco narrativo específicos foi sem dúvida perfeito para Efron, que elegantemente oscilou entre papéis cómicos, românticos e dramáticos na sua carreira, desde o prazer culpado 17 Again (em que uma cena no tribunal ajudou todos a perceber que Zac não deveria ser rotulado como um rosto bonito) e o fantástico Charlie St. Cloud, para o mau vizinho antagonista, outra versão de um gigante musical na forma de The Greatest Showman e a sua interpretação de Ted Bundy em Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile. Fiquei curioso para saber se os preparativos do ponto de vista técnico eram diferentes dependendo do género de trabalho. “A minha experiência até agora é que a diferença entre um papel cómico e um papel muito dramático está na página”, diz Efron. “É situacional, esses personagens estão a passar por diferentes desafios que enfrentam – alguns deles, embora de coisas muito dramáticas na vida real, são escritos num sentido muito cómico. Mas o nível em que tu os levas a sério nunca muda, nunca muda quando sabes que estás a fazer comédia, na verdade é o oposto. A comédia pode se tornar um desafio maior por causa disso”.

“Há uma ideia que remonta a atuar e retratar pessoas reais, vivas ou mortas, de que o melhor trabalho que podes realizar é aproximar-te do momento de estar o mais próximo possível do que elas poderiam ter passado, [mas] pelo menos ao mesmo tempo, mantendo essas experiências que te são queridas e vivenciando-as por conta própria... Portanto, sempre será um híbrido que deve ser autêntico para ti. Assim que começas a ter impressões ou a aproximar-te demais do que realmente aconteceu, podes acabar por sacrificar muito da atuação e do trabalho do personagem. É uma corda bamba interessante. Tens de confiar que o diretor fez a sua pesquisa e irá orientar-te. Ficou claro para mim que Sean [Durkin] tinha isso de sobra.”

Durkin queria fazer The Iron Claw como uma homenagem porque ele sempre foi um fã dos Von Erichs. Passados mais de 40 anos desde o apogeu dos irmãos, o único que ainda vive é Kevin, personagem de Efron. “Posso ter sentido um pouco mais de pressão, mas isso significou apenas mais uma oportunidade de me aproximar de Sean para descobrir essas coisas”, diz Efron.

A preparação física realizada para o personagem é uma história à parte. Em Outubro de 2022, imagens do elenco do set mostraram o volume muscular que as estrelas – incluindo o bíceps-chefe, Jeremy Allen White – tiveram que alcançar para ter um físico autêntico. Este não é o primeiro rodeo de Efron: embora ele seja conhecido por manter a forma e promover as virtudes do exercício, houve papéis que exigiram um pouco mais – por exemplo, ele teria achado a experiência de Baywatch particularmente difícil, e isso afetou a sua saúde mental. Eu estava interessado em saber se esses tipos de ondulações corporais são um sacrifício que os atores têm de aceitar e se Efron aprendeu como lidar com o esforço físico envolvido na atuação. "Eu ainda estou a aprender. Sempre admirei as transformações físicas para um papel e já fiz algumas tentativas. De uma forma ou de outra, nenhum deles foi aperfeiçoado em nenhum nível. Para Kevin, eu sabia que, se fizesse isso bem e mantivesse a cabeça erguida, seria o treino e a dieta mais cansativos fisicamente que já havia embarcado. Comecei a treinar seis meses antes das filmagens. No meio dos seis meses percebi que aquela obsessão em ter a melhor aparência possível, e aquela dedicação ao trabalho e à comida, estava a tornar-se uma obsessão para mim, e levei isso para o papel; foi uma maneira de me tornar Kevin de uma forma que não havia previsto. Em última análise, estávamos ambos a prepararmo-nos para os papéis, já que o Wrestling também é uma performance.”

No entanto, existem dois lados nessa história. Embora o processo tivesse claramente os seus méritos em relação à versão final, houve desafios e sacrifícios. “Não socializei durante as filmagens, estava totalmente comprometido com o ginásio”, diz ele. “Acordar, tomar banho de gelo, tentar encontrar uma comida decente, depois treinar mais de duas horas por dia. Eu estava a investir muito nisso, todas as diferentes modalidades de treinamento. Sentir que era único, não sei se estava a gostar ou não, tira-te de um lugar onde tens a possibilidade de socializar com amigos ou família ou viajar ou ter pernas para sair e jantar - não tens isso em ti. Senti que isso estava a estreitar o meu mundo a tal ponto que eu não tinha a certeza se estava a gostar ou não. Posso dizer com segurança que não sei se estava a gostar do processo.” Tendo jogado recentemente algumas horas de backgammon, simpatizo com a tensão que este nível de esforço pode trazer.

Um aspecto da carreira de 20 anos de Zac que apreciei particularmente foi o fato de que o seu tão elogiado físico e capacidade atlética desempenham um papel mais importante na sua vida fora do ecrã do que nele. Sim, o público global que vai ao cinema vê um símbolo sexual à la Paul Newman ou Harrison Ford, mas The Rake também adora um tipo intrépido, e a nossa estrela da capa parece ser sem igual em termos de profissão de ator. As várias façanhas de Efron incluem aparições em Down to Earth, Running Wild with Bear Grylls, Off the Grid (no seu próprio canal no YouTube) e uma série chamada Killing Zac Efron, que, segundo alguns relatos, quase matou Zac Efron devido à sua febre tifóide em Papua Nova Guiné.

Dado que não é completamente irracional sugerir que Zac poderia escolher encontrar a fonte do Nilo ultrapassando um filme, fiquei curioso para saber onde estavam as suas motivações nesta área. “Uma das maiores bênçãos da minha jornada é que pude viajar desde muito jovem”, disse ele. “No início, era apenas para a imprensa, ser chamado ao Japão para o Hairspray, e pude ver a cultura japonesa e fiquei realmente impressionado com isso. Essa curiosidade em mim continuou a crescer e, geralmente, se não estiver a trabalhar, estarei numa viagem em busca de algo novo. Uma nova parte do mundo, experimentando a comida, conhecendo as pessoas, descobrindo o máximo possível sobre a sua cultura. É uma ótima maneira de viver e abre os teus olhos para algo muito maior que Hollywood. Tudo pode parecer muito pequeno se estiveres preso em Los Angeles, e eu fiquei preso lá por alguns anos.”

Leia a entrevista completa na edição 91, já disponível.

Assistente de fotógrafo: Paul Rae/Tarik Richards Técnico Digital: Brandon Smith Tratamento: Sydney Sollod @ The Wall Group Assistente de estilista: Cameron Greene Produtor: Aaron Zumback

Tradução por Diana (Zac Efron Portugal)

#zac efron #the iron claw #the rake #tradução português

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infacundia · 1 year

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Jonas Carpignano

Recién vimos A Ciambra, antes habíamos visto una posterior: A Chiara. Las dos están en Mubi, que las recomienda como una trilogía que "revigoriza" el neorrealismo italiano. Es cierto que están impecablemente producidas y dirigidas, con planos hermosos e imágenes poderosas de fuego, caballos y abuelos metaforizando la épica nostalgia lumpen-masculina.

Pero hay algo de los finales que se me hace bastante problemático, y es que luego de todo un arco de personaje a lo coming-of-age, los protagonistas se terminan quedando en el molde que les ofrecen las relaciones existentes. Sobre todo en la primera, donde Pío es un niño gitano que entra a laburar de chorro para llevar guita a la casa, después de que hayan caído presos su hermano mayor y su viejo. Lo hace pidiéndole colaboración a Ayiva, un burkinés de buen corazón que lo salva más de una vez, a pesar de que la familia gitana es profundamente racista con los migrantes africanos. Sin embargo, en un momento Pío la caga: le entra a robar a un italiano, que en la jerarquía del crimen está por encima del clan gitano. El tano lo descubre y arruina a la familia de Pío; para salir de esa, el hermano le dice a Pío de robarle al burkinés. Tras un muy intenso y muy bien logrado cinematográficamente debate interno que oscila en traicionar a su familia o a su amigo, Pío decide lo segundo.

¿Qué pasó ahí? Mi lectura es la siguiente: no es el preadolescente el que se queda en el molde, sino el propio director. Carpignano usa todos los recursos técnicos del viejo neorrealismo, que era en sí una expresión de cine antifascista en el sentio de que buscaba "mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical que hasta entonces había impuesto la Italia fascista". Pero, al contrario de aquella vanguardia, su realismo sirve como refuerzo simbólico de lo realmente existente (la desigualdad de clase, la insolidaridad, las relaciones patriarcales, el racismo).

La crítica va más allá de cómo en A Ciambra reproduce el estereotipo del gitano salvajemente leal a su clan familiar, o de la literalidad en que en la última escena Pío es llamado por niños y adultos, y se dirige al mundo de estos últimos. Tiene que ver con que sus finales, que acaso quieren correrse de la historia de superación y la épica individual, no logran si no apelar al virtuosismo retro y al golpe bajo para reestablecer los destinos asignados por el capitalismo a sus capas sociales más bajas. Desde Fisher y acaso desde Stalin sabemos que el realismo es la propaganda del régimen que lo produce; no existe el arte puro, concepto idealista si los hay.

Ahora, esto no quiere decir que todas las pelis tengan que ser disruptivas, porque la idea es comentar un fenómeno más global. Si bien creo que hubiese sido más descolocante (para director y espectadores) que Pío botonee a la familia y salve a Ayiva, mi crítica pasa menos por un deber ser de las películas que por el problema de cómo dejar de reproducir y desviarse de las estéticas que el régimen hizo de las viejas vanguardias… porque en algún momento el neorrealismo fue disruptivo y hoy, por lo menos en este muchacho, es un refuerzo de lo existente. Si algún momento fue una potencia negativa de la clase oprimida contra sus estructuras de opresión (en un contexto de lucha de clases activa, la denuncia triste es un llamado a la acción y una declaración de fe en que el cine podía cambiar las cosas), hoy es un espejo autocomplaciente de las relaciones de producción del capital. El final desgarrador, con la música motivacional pop de fondo y fuera del contexto de lucha de clases, es en lo efectivo un llamado a la resignación y una declaración de fe en el cine como retrato de lo inmutable.

No es un fenómeno aislado: también géneros musicales como el hip hop o el rap nacieron como expresión de protesta de los afroamericanos alrededor de sus condiciones de vida, y fueron digeridos/cooptados/reencauzados por la industria cultural gringa hasta ser convertidos en plegarias cantadas a los ídolos de la sociedad mercantil (el dinero, el consumo, la propiedad privada, la empresa y hasta la explotación de subordinadxs). Toda expresión cultural muere siendo vanguardia o vive lo suficiente para convertirse en una estética. Es decir, o cumple más o menos rápidamente con sus objetivos de alterar las conciencias y desarmar los sentidos comunes, o se vuelve un corset para la sumisa reproducción de esas conciencias y esos sentidos comunes.

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miradasalcine · 8 months

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Taylor Swift: The Eras Tour

Este título es una película concierto de la cantante estadounidense Taylos Swift que en los ultimos años se ha vuelto un fenómeno mundial con un exito inigualable, apesar de tener ya casi 17 años dentro de la industria musical, iniciando con su álbum que ostenta el mimso nombre que la artista, hasta su ultimo lanzamiento titulado "Midnights". Desde sus inicios en el género country hasta su actual prominencia en la música pop, su trayectoria demuestra su capacidad para adaptarse y permanecer vigente. Taylor Swift sobresale como compositora, creando composiciones cuyas melodías y letras perspicaces resuenan de manera atemporal, trascendiendo cualquier contexto. En opinión de la pelicula solo puedo decir que es indudablemente, inolvidable, es similar a asistir a un concierto. Todos entonaban las canciones y había personas amables por todas partes. Me encantó tanto que no dudaría en repetirla. A pesar de tener una duración de casi 3 horas, se disfruta cada segundo y no se hace pesado poder observar todo el concierto. La recomiendo mucho.

#taylor swift #the eras tour #the eras movie #midnights #1989 era #fearless

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altamontpt · 10 months

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Rão Kyao - Estrada da Luz (1984)

Um dos discos mais conhecidos de Rão Kyao, um dos nossos mais interessantes músicos que é urgente redescobrir

Estrada da Luz foi um fenómeno estranho, um disco instrumental do nosso pioneiro da “world music” que foi um sucesso comercial e de crítica. Rão Kyao é um caso único no panorama nacional português. Músico com formação no jazz mas fascinado com o fado, a música portuguesa e as suas origens, nomeadamente as influências árabes e indianas, foi um verdadeiro globetrotter, tocando por todo o mundo e…

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#flauta #jazz #música portuguesa #Rão Kyao #World Music

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0nlymee · 1 year

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"El comienzo de todo: La historia de la formación de la famosa y reconocida banda Tokio Hotel"

La banda Tokio Hotel fue formada en el año 2001 en Magdeburgo, Alemania, por los gemelos Bill y Tom Kaulitz, junto con su amigo Georg Listing y Gustav Schäfer. Al principio, la banda se llamaba "Devilish" y tocaban principalmente en pequeñas presentaciones en la región del este de Alemania. Sin embargo, en 2005, se hicieron conocidos a nivel internacional tras ganar un concurso de música en la cadena alemana Viva.

A partir de ese momento, Tokio Hotel comenzó a ganar popularidad rápidamente y su primer álbum, "Schrei", se lanzó en 2006. Inmediatamente, la banda se convirtió en un fenómeno de la música pop con una gran cantidad de seguidores jóvenes, especialmente en Europa. Los siguientes años, Tokio Hotel lanzó varios álbumes y sencillos que se posicionaron en los primeros lugares en las listas de ventas en distintos países del mundo.

A lo largo de su carrera, la banda ha experimentado cambios en su estilo musical y en su imagen, y ha evolucionado hacia un sonido más maduro y sofisticado. Bill Kaulitz, el vocalista de la banda, es conocido por su estilo de moda llamativo y su presencia escénica impactante.

Aunque Tokio Hotel ha tenido altibajos en su carrera, sigue siendo una de las bandas más influyentes y reconocidas en el panorama musical internacional.

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#tokio hotel #tom kaulitz #bill kaulitz #gustav schäfer #georg listing #asexual #Youtube

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28hs · 1 year

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Harry Styles

Harry Styles blog

En este blog se hablará del famoso cantante “Harry Styles”, tanto de su vida personal como su carrera musical y cinematográfica.

Harry Edward Styles nació el 1 de febrero de 1994 en Redditch, Worcester, Inglaterra, y creció junto a su madre y su hermana después de que sus padres se divorciaran.; es un cantautor y actor. Desde pequeño se apreciaban sus habilidades para cantar. Durante su estadía en la escuela Holmes Chapel Comprehensive School, fue parte de la banda White Eskimo, a través de la cual ganaría una competencia de bandas locales.

Su carrera musical tuvo un gran impacto cuando empezó a formar parte de una de las boy bands más exitosa de todos los tiempos, One Direction formado, además de Styles, por Liam Payne, Zayn Malik, Niall Horan y Louis Tomlinson.Publicó cinco álbumes, convirtiéndose en uno de los fenómenos fan más importantes del comienzo de los dosmiles.

Debido a la fama de 1D , One Direction tomaría el estrellato luego de que en el 2011 firmaran un contrato con la forma disquera de Cowell, Syco Records. Su primer single alcanzó el e#1 en los Billboards de música británica y poco después con su primer álbum el mismo año llegarían al número uno de Estados Unidos. Y, aunque el álbum tenía una gran variedad de escritores en cuanto a la música, Styles tuvo la oportunidad de poder escribir tres canciones.

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musicaparaelmundo · 1 year

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Prada Sport, el nuevo lanzamiento del artista colombiano Rad Gussy

Damos un vistazo al universo del cocreador del colectivo LNF, y desvestimos su más reciente lanzamiento.

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Es poca la información que puedes encontrar de un enigmático artista emergente, y mucho más de alguien que no cuenta con entrevistas en internet a la fecha. Esto ha llevado a numerosas personas a obsesionarse con la nube de humo y misterio que se ha creado alrededor del artista, tratando de engranar sus distintos lanzamientos y avistamientos al ojo público, como si cada uno tratara de descifrar una pequeña parte de él y reconstruir su historia.

Jaime Rivera, también conocido como Rad Gussy, es el autor, productor, escritor e intérprete del sencillo "Prada Sport" la cual intentaremos desnudar a partir de su letra y su sonido arcano y pulsante que se asemeja a una banda sonora de la segunda venida de jesucristo o la música de fondo de un palacio que posa sobre una nube en el vacío.

Lo primero que tenemos que descifrar, es el nombre “Prada Sport” el cual hace referencia a la campaña de Prada “Luna Rossa Sport” descrita como "Una Fragancia de ámbar sensual y picante, con lavanda vibrante y jengibre explosivo y bayas de enebro. Con tabaco, habas de tonka y vainilla como notas de fondo, Luna Rossa Sport expresa el espíritu palpitante de una regata con una potente explosión de vitalidad."

Su primera línea, “luces en mi auto, me muevo como un phantom” hace referencia al símbolo de estatus y extravagancia automotriz màs reconocido del mundo: el Roll Royce Phantom, del cual solo puede gozar la décima parte del uno por ciento de la población mundial, lo cual se confirma en su siguiente verso "lo que estoy viviendo, tu lo está soñando" haciendo alusión a que cuenta con un mérito propio de unos cuantos, las distorsiones visuales y sensación flotante de conducir y moverse como un vehículo fantasma.

En esta parte se pone aún más interesante, haciendo mención “banda luxo en el navío, y en el dm Sofía Osío” el cual hace referencia, por un lado, a la vida pop star de la banda musical más popular de Springfield, Banda de Luxo, por otro lado, se refiere a la modelo colombiana Sofía Osío, quien tiene como apellido Luna, el cual entreteje un sentido intrínseco a la referencia de la fragancia de Prada “Luna Rossa”. Se descubre un anhelo de una vida soñada, como una super estrella y un fenómeno que se revela ante el mundo como un tesoro que espera ser encontrado.

La línea de tiempo avanzada y el pre-coro nos presenta “famosos que me escriben, quieren cambiar mi destino, pero lo cambié yo mismo, ahora vestimos fino” probablemente hace referencia a todo el entramado conspirativo de personas alrededor del mundo queriendo tomar la vida de artistas para venderles una vida de la cual terminan siendo esclavos y arrepintiéndose más tarde. Mucha de la narrativa de este artista, cuenta con un sentido profundo que nunca deja a la vista. Generalmente las personas no entienden su estética y sin embargo, se sienten atraídos.

Entramos al coro, aparentemente sencillo y bastante pegajoso. Su primera línea “endi, fendi” un juego de palabras con la droga del amor “èxtasis” y la firma de moda italiana de artículos de lujo fundada en Roma en 1918.

Lo que es también notable, es que Rad Gussy afirma en uno de sus live, que la instrumental de esta canción existía desde el 2020, y que al encontrarla de nuevo, grabó encima un freestyle, quedando sellado para la eternidad y las futuras generaciones su sonido característico.

Distintos sonidos van y vienen de un lado a otro en el campo espacial creado por los sonidos futuristas y eléctricos que pulsan el oído, y cada vez se siente como cada vez se entra en un universo desconocido mientras la liberación de químicos en el cerebro se hace exquisita y de puro deleite. Una revelación para el Trap Colombiano y el Trap Latino, que antes estaba tan permeado por la influencia americana, parece más volcarse hacia los rap de nube más experimentales de soundcloud de artistas europeos de la última generación.

En numerosos momentos el artista enseña su cadena con el dije de la "estrella de David" el cual nos confirma su comunión con un símbolo sagrado y milenario de protección, el cual tiene coherencia con su sonido casi divino y su aura sagrada, el cual se siente como una revelación profética recibida por un maestro que medita en lo alto de un campo despejado y un cielo completamente vestido de azul zafiro.

La canción finaliza con una estrofa bastante disruptiva a lo que se había presentado hasta el momento en los primeros dos minutos de la obra:

“Mi niña esto lo hice por ti

Lo vivimos,

Y ahora que no está aquí ,

No me olvido“

Mientras se dirige al cielo, hablando sobre una pérdida, la letra a simple vista, no parece realmente profunda, pero toda la narrativa anterior a este verso habla sobre el deseo de una vida soñada, los artículos de lujo y las emociones que emanan del deseo de vivir, y ahora en contraste, se volca a un verso más “amoroso” y “decepcionante”, que habla sobre vivir el ahora y el recuerdo que queda en el presente de una persona que le marcó significativamente, con lo cual desaparece su voz y los sonidos sintéticos y atmosféricos quedan en el ambiente, anunciando el cierre de un ciclo y el comienzo de uno nuevo.

Redes sociales.

Autor: música para el mundo.

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calledeitaca · 1 year

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«Ópera y fútbol: un mundial y tres tenores»

Roma, 7 julio de 1990, un día antes de la final del Mundial de fútbol. Las termas de Caracalla se convierten en el escenario de un evento único que transformará por completo la apreciación del género operístico. Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y Josep Carreras, acompañados de la Orquesta de la Ópera de Roma y del Maggio Musicale Fiorentino dirigida por Zubin Mehta, se convierten en «Los tres tenores».

Ochocientos millones de espectadores fueron testigo en directo de cómo se forjaba la leyenda, un auténtico fenómeno musical que ha pasado a la historia como «el concierto del siglo». El recital se había concebido, con la excusa de la celebración de la Copa del Mundo, para recaudar fondos para la Fundación Josep Carreras contra la leucemia. Supuso, de hecho, el debut internacional del tenor catalán tras su recuperación del cáncer. Fue tal el éxito cosechado que la experiencia se repitió en los tres mundiales posteriores: actuaron en el Dodger Stadium de Los Ángeles (1994), en el Campo de Marte de París (1998) y en el Estado internacional de Yokohama (2002), hoy Estadio Nissan.

«Creo que nosotros fuimos los principales responsables de que la ópera comenzara a llegar a un público más vasto. Esto es innegable, y esto es fundamental para la vida de la ópera». Josep Carreras

El repertorio no solo abarcaba grandes arias de ópera, como Nessun dorma o E lucevan le stelle, también canciones populares como los clásicos italianos O Sole Mio y Core N’gratto o las míticas Granada y Amapola, rescatando y celebrando composiciones que representaban a los tres cantantes. Actuaron en orden alfabético y por edad: primero Carreras, después Domingo y por último Pavarotti. A pesar de que lo ensayaron, el concierto tiene momentos gloriosos en los que los tres divos de la ópera se indican unos a otros cuándo entrar a cantar, con sus confusiones y sus instantes de complicidad, haciendo las delicias de una audiencia tan entregada como la que presenciaría la final entre Argentina-Alemania unas horas después. El penalti lo marcó Puccini cuando decidieron cantar juntos Nessum Dorma tras finalizar el programa, algo que no estaba en el guión. «Acabamos el programa y no teníamos más música. No sabíamos qué hacer y le dije a Luciano "¿te parece si cantamos Nessun Dorma los tres juntos?"», dijo Plácido Domingo en una entrevista. El resto es historia. por @lacalandria Enlaces: «O sole mio» (Giovanni Capurro, Eduardo di Capua, 1898) «Nessun Dorma» (Turandot, Puccini, 1926) «Los tres tenores se juntan, 1990» Reportaje RTVE

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#calledeitaca #lostrestenores #mundial de fútbol #josep carreras #placido domingo #luciano pavarotti #o sole mio #nessun dorma #jose carreras #Youtube

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tengomilpalabrasparati · 2 years

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El fenómeno K-pop

Son jóvenes, atractivos, lideran las listas de su país de origen y arrasan en occidente. El fenómeno K-pop y sus integrantes rivalizan con figuras como Selena Gómez o Justin Bieber. Hablar de grupos como BTS, Blackpink y Twice es hacer referencia a ese epicentro de la música surcoreana que rompe esquemas, que aglutina millones de seguidores y que esconde tras de sí una sombra algo alargada.

La razón por la que llevamos varios años siendo testigos de este acontecimiento sin precedentes mientras el pop japonés, por ejemplo, queda en un discreto segundo plano, viene explicado por varios factores. El principal es que nos encontramos ante una industria orientada en exclusiva a fabricar hornadas de estrellas y sacar millones de estos chicos y chicas que no conocen ya otra forma de vida.

Un ejemplo, a finales del 2020, Big Hit Entertainment, la empresa detrás del grupo BTS hizo su desembarco en el mundo de la bolsa. Tras coronar la cima del Billboard y convertirse en el primer grupo desde Los Beatles en alcanzar el número 1 en EEUU con diversos discos, triunfan ahora en el campo bursátil.

Ahora bien, más allá del indudable éxito musical y financiero, se esconde en buena parte de los casos, un drama silenciado. Corea del Sur no deja de ser un país en el cual, los problemas de salud mental son un estigma. La infelicidad, la angustia y la desesperación son gritos que uno debe guardarse para sí mismo…

Kim Jonghyun tenía 27 años cuando decidió quitarse la vida en diciembre del 2017. Explicaba en su carta de suicidio que la tristeza lo había consumido y que nadie, absolutamente nadie, estaba tan debilitado como él. Pero en realidad, el caso del integrante de SHINnee no es, ni mucho menos, él único. Desde el 2005, han sido muchas las figuras del K-pop que han sentido exactamente lo mismo y que han tomado la misma dramática decisión.

Ahora bien, cabe señalar que en estos últimos 16 años ha habido más de 25 suicidios tanto en mundo de la música como del cine en este país. Lo más grave de estos hechos es que, tras la pérdida de alguna de estas celebridades, se sucede una oleada de suicidios entre la población a lo largo de las siguientes 9 semanas. Es lo que se conoce como efecto Werther.

El grado de cobertura mediática de estos suicidios suele tener un gran impacto entre la población, sobre todo entre los jóvenes menores de 25 años. No obstante, la razón de los suicidios no responde a la pérdida de ese personaje famoso: es solo el desencadenante. La salud mental es la gran descuidada en una sociedad definida por una presión en el área académica y laboral, la adicción a internet y la baja calidad en las relaciones sociales.

Ahora bien, más allá de esta problemática social, nos interesa en esta ocasión el área relativa al fenómeno K-pop. ¿Qué explica estas pérdidas entre unos jóvenes que, en apariencia, lo tienen todo? Lo analizamos.

El fenómeno K-pop es algo más que la industria más rentable para producir unas cantidades desorbitadas de dinero. Es también, la imagen de un país, el reflejo de Corea del Sur. Estos grupos musicales han abierto a occidente sus puertas, los han cautivado con sus coreografías, sus músicas pegadizas, con la imagen de los artistas y todo usando el coreano en buena parte de sus canciones.

El k-pop representa la propia Corea del Sur y tal producto de marketing tiene detrás un trabajo milimétricamente estudiado. Todos los artistas son captados en su adolescencia y sometidos a un aprendizaje y entrenamiento puramente militar. Aprenden a cantar, a bailar, aprenden el inglés y en ocasiones, hasta son sometidos a intervenciones de cirugía estética para mejorar aún más su imagen.

Una vez entran en este mundo, ya no tienen acceso a otro tipo de vida. Una vez logran el éxito y conquistan sus sueños, son conscientes de que ya no van a salir de ese universo similar a una secta donde nada, nada queda al azar.

El fenómeno K-pop, más allá de sus canciones, coreografías y pegadizas músicas, atrae por la apariencia de sus artistas. Muchos de estos jóvenes son además la imagen de grandes marcas como Chanel con quienes firman millonarios contratos. Trajes espectaculares, cuerpos perfectos, rostros dignos de cualquier serie de animé y la obligación persistente de mostrarse impecables.

Tras esa perfección imposible hay horas de gimnasio, dietas estrictas, competitividad entre ellos y agotamiento. El agotamiento emocional y psicológico por esa presión es inmensa. Asimismo, tampoco podemos dejar de lado la sexualización a la que están sometidos, en especial ellas.

No importa que muchos de estos grupos deseen simbolizar el empoderamiento femenino. En buena parte de los casos, no dejan de ser jóvenes prefabricadas para el mundo de la industria musical.

Si detrás del fenómeno K-pop hay toda una arquitectura de marketing orientada a crear estrellas mediáticas, el fenómeno fan asociado a estos grupos presenta una organización igual de sólida y poderosa. Los fandoms se cuentan por millones, tanto en oriente como en occidente y en ocasiones, pueden convertirse en el peor enemigo de estas celebridades.

El ciberacoso es una de las mayores preocupaciones de las compañías musicales. El escrutinio público es enorme y a menudo, devastador. Es conocido, por ejemplo, el caso de Sulli, cantante, actriz, bailarina y modelo surcoreana que tras empezar su carrera con 11 años, terminó quitándose la vida con 25 al no poder soportar el acoso mediático.

Todas las estrellas que conforman el fenómeno K-pop tienen un solo objetivo: vender música, ser la imagen de Corea del Sur y posicionarse en el mundo de los medios. En la dictadura del éxito no importa nada más, ni el estrés por la presión, ni la sensación de soledad, ni la tristeza, ni la angustia de una industria que deshumaniza y donde solo importa conquistar más y más mercados.

Callar la tristeza, esconder la depresión y no compartir con nadie el tabú de la infelicidad es algo que trasciende al K-pop. Es algo cultural y tradicional. Para finalizar solo cabe una sencilla reflexión… ¿Qué pueden pensar los adolescentes surcoreanos si ven que sus referentes musicales optan por quitarse la vida a pesar de «tenerlo todo»?

Ninguna sociedad puede llamarse a sí misma avanzada si descuida, calla y esconde los problemas de salud mental. Tengámoslo presente.

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