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Blog dedicado a la crítica, reseña y noticias de lo mejor del cine.
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Marianne
La nueva sensación de Netflix se llama Marianne y viene diré tamente desde Francia, un terror con el que no muchos están familiarizados pero trae una nueva cara al género.
Marianne toma lugar en Francia, dónde una famosa escritora de novelas de terror vive su auje profesional pero no es hasta que una amiga de la infancia la confronta en una firma de libros afirmando que su madre se ha obsesionado a tal grado con sus libros que se hace llamar así misma Marianne. Todo cobra sentido cuando se percata que el demonio que vive en sus sueños está causando estragos en su pueblo natal.
En esta nueva serie original de Netflix podemos ver un inicio ambicioso por renovar el género. De una forma u otra trata de ser refrescante a la audiencia, no por la historia sino por el estilo. Se nota un gran esfuerzo (y se agradece) por crear un ambiente, una idea y una situación.
Por lo general, en una película o serie de terror, los esfuerzos van dirigidos a ocasionar que el espectador salte de su asiento o se vea en la necesidad de taparse los ojos. Marianne busca un terror puro y honesto, busca que sientas, se enfoca en la construcción de una atmósfera. Es lo que la hace tan cautivadora a lo largo de ocho capítulos, el poder experimentar una constelación en lugar de un destello fugaz.
Marianne no es perfecta, tienen sus descalabros argumentales en el guión (mención especial al gran trabajo que hacen con la fotografía). Si bien no va en picada conforme avanzan los capítulos, sí se puede sentir un leve desliz rumbo al final de la serie que la convierte más en un thriller. Esto no quita méritos y termina siendo decisión final del público.
Si algo no podemos negar es que esta serie nos viene muy bien y al género de igual manera, pues siguen habiendo puntazos de que un terror bien elaborado no es aquel que hace que brinques del asiento, es aquel que te petrifica en tu asiento.
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Pennywise se despide de forma irregular en IT:Chapter 2.
De una basta y amplia gama de novelas del denominado "maestro del terror", IT es sin ninguna duda una de las más grandes y exitosas dentro del repertorio de Stephen King.
La cinta de Muschietti da un nuevo respiro a la dirigida en 1990 que sin ser perfecta es agradable la propuesta fresca y actualizada.
Si bien nadie pide un remake de cintas clásicas y menos de un género tan complicado. Añadiendo que el personaje es un clásico, era una propuesta arriesgada reinventarlo.
No es espectacular y podrían decir que hasta risa dió pero siendo justos con todo el filme. Fue honesto, sincero y nunca pretencioso. Con tintes y sabores a "The Goonies" está segunda parte de IT nos da una horas bien invertidas en un cine sin complicaciones.
IT: Chapter 2 cambia el estilo de su primera parte para hacerla más ligera y digerible. Sin perder esencia en la crudeza y gore, Muschietti entrega un digno cierre de un remake que nadie pidió pero nadie se quejó.
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Dolor y Gloria, una sinopsis autobiográfica.
Los abrazos rotos, La piel que habitó y ahora Dolor y Gloria. Pedro Almodóvar, cienasta español que ha logrado trascendencia en el cine internacional siendo galardonado con distintos premios internacionales en los Goya, Bafta, Cannes y los Oscar.
Elementos de su compatriota; Luis Buñuel, y la inspiración autobiografíca, comprenden grandes rasgos del cine de Almodóvar. Eso mismo hace en su más reciente filme: Dolor y Gloria.
Una trama sencilla que aborda a un director de cine frustrado, sumergido en la depresión, frustración, soledad y la drogadicción. La historia gira en su presente y pasado, en las anectodas que fueron formando su historia y las consecuencias de cada acción tomada durante su infancia y niñez.
Una historia muy simple, muy fugaz y bella. Sin sumergirse en problemáticas sin sentido y complicaciones innecesarias. Dolor y Gloria se resume en un estupendo guión que te desconcierta renglón tras renglón, anécdota tras anécdota y aflora tus emociones con pasajes literarios que estremecen.
La dupla de Antonio Banderas y Penélope Cruz no falla, con una dirección magistral donde el guión y fotografía lo es todo, Almodóvar luce de nueva cuenta una gran clase cinematográfica. Sin importar si eres fiel seguidor del director, si solo ubicas unas cuantas cintas o nunca viste nada de su filmografía, está cinta logra captar tu atención de una forma tan natural y especial evocando a la calidez y sencillez de sus pasajes y la sinceridad de la cinematografía.
Noble, sincera y emotiva. Sin más, sin menos. Almodóvar logra hacer de una película, una experiencia literaria magistral.
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Burning; mística, ambigua y delicada.
Do you know Bushmen in the Kalahari Desert, Africa It is said that Bushmen have two types of hungry people. Hungry English is hunger, Little hungry and great hungry. Little hungry people are physically hungry, The great hungry is a person who is hungry for survival. Why do we live, What is the significance of living? People who are always looking for these answers. This kind of person is really hungry, They called the great hungry.
Burning (Beoning), del director surcoreano Lee Chang-dong, ofrece más dudas que respuestas, incógnitas y desconcierto a lo largo de 148 minutos.
Basado en un cuento de Murakami, Lee Jong-su y Shin Hae-mi se embarcan en una secuencia de escenas tan bellas y al mismo tiempo tan ambiguas que dan noción a la dirección que tomará la cinta desde los primeros minutos. Presentando conflictos internos en el espectador y generando más preguntas que respuestas.
Ambos personajes se enfrascan en un entorno romántico pero que no dice nada, las imágenes y sus interpretaciones son libres. Secuencias sexuales perfectamente llevadas a la pantalla sin el tono vulgar y morboso que caracteriza a un cine más convencional y poco estudiado. Secuencias y planos de la vida rural y el urbanismo detallados a la perfección y un día a día tan sencillo y al mismo tiempo tan simbólico como una pantomima de una mandarina pelada.
Burning presenta la premisa de un triángulo amoroso después del viaje de Shin por África, en el que conoce al Gran Gatsby asiático; Ben. Aquel arquetipo del millonario, joven y apuesto que nunca hace mención a sus orígenes ni el de su riqueza. Solo una mueca que perturba y al mismo tiempo paraliza con su encanto.
Una sinopsis de la cinta de Lee sería reduccionista y no brindaría una realidad a lo plasmado en la pantalla. Un cuento de no más de 20 páginas que magistralmente se plasma detalle por detalle, cuestionamiento por cuestionamiento e ideas existencialistas que ponen al espectador entre la ambigüedad y el surrealismo.
Un aspirante a escritor cuya soledad cubre con el recuerdo de su fugaz amorio y la masturbación que resuelve la ausencia y la inseguridad. Una vendedora con hambre existencial y un viaje que le abre la puerta al descubrimiento y autoconocimiento del significado y simbolismo de "El Gran Hambre". Un Gatsby moderno con ideas omnipotente y omnipresente que refleja en su gusto por la "creación" de platillos al cocinar y el significado tan potente y convincente de lo ambigüedad de las acciones del hombre frente a la naturaleza.
Todos estos cuestionamientos se envían uno tras otro en una cavidad muy bien diseñada y planificada que hace que la existencia de un gato sea tan relevante como el paradero e incógnita de sus protagonistas.
Definitivamente "Burn" ofrece una cinta plagada de preguntas sin respuestas e ideas perfectamente situadas escena tras escena y secuencias llenas de significado que sin diálogo alguno logra plasmar un suspiro en un amanecer.
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Endgame, un hito de la cultura pop.
"I'm Ironman", una frase con la que inició todo un universo que 10 años y 21 películas después, ve su tan esperada conclusión con Avengers Endgame. Un ícono del cine moderno que llegó para dar un antes y después en la historia de la cinematografía actual.
Más que un análisis profundo de la estructura, la academia o realización de la misma, este texto busca enaltecer el significado de la saga misma, sin entrar en detalles de un estudio más riguroso en cuanto a las formas y el fondo.
Con un tono políticamente correcto en temas sobre el feminismo o la discriminación a la raza de color, Avengers Endgame trazó un camino del cual muy pocos se pueden jactar. Una planeación estratégica por ahí del 2008 y una ejecución impecable, los hermanos Russo junto con Robert Downey Jr dieron pies y cabeza a lo que sería el mayor (casi) éxito cinematográfico en taquilla, tanto en la memoria de sus aficionados como en sus no tan fieles creyentes.
Sin ser una cinta con nominaciones a la academia (habrá que esperar a lo contrario) ni grandes guiones complejos y rebuscados, Endgame cumple con un propósito sencillo, puro y real de lo que debería ser el séptimo arte: entretenimiento lleno de emociones para cualquier gusto del género. No se debe menospreciar sólo por contar una historia fantástica llena de situaciones y personajes más allá de nuestra imaginación (El Señor de los Anillos), se debe premiar lo bien hecho y la pasión por la que cientos y miles de personas trabajaron por tanto tiempo.
No por esto quiere decir que la cinta carece de fallas y raya la perfección, pero se debe reconocer la trascendencia, proyección y ambición junto con personajes tan entrañables y muy bien escritos (unos que otros toda una decepción).
"I'm Ironman", un Robert Downey Jr que tuvo fe en un proyecto con altas y bajas, da fin a toda la saga del infinito, que si bien puede continuar (y lo hará) con la producción de nuevas cintas y nuevos personajes. Ésta deja una huella marcada en toda la generación que aprendió, vivió, lloró, rió y se emocionó con el hombre de hierro, el dios del trueno y el super-soldado.
#avengers#mcu#marvel#marvel mcu#geek#movie#review#movie review#iron man#robert downey jr#thor#chris hemsworth#captain america#chris evans
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Suspiria y el homenaje a Argento.
Un “remake” de la cinta italiana dirigida por Dario Argento en la década de los 70´s, Suspiria fue un ícono del cine de terror para su época, un shock en la forma de contar una historia y un golpe visual nunca antes visto. Este homenaje, en palabras del director Luca Guadagnino, se basa en la misma premisa que su antescesora; una estudiante de ballet estadounidense que se transfiere a una prestigiosa academia de danza en Berlin para después darse cuenta de que la academia alberga intenciones sobrenaturales.
La cinta original de Argento se convierte en trilogía después del rotundo éxito en taquilla, recibiendo elogios de la crítica más experimentada por su estilo visual y estético, convirtiéndose en poco tiempo en una indiscutible cinta de culto.
Luca hace su reaparición en la dirección después de la aclamada “Call me by your name” en 2017. Suspiria llega de la mano de Dakota Johnson como protagonista y Tilda Swinton, contando con David Kajganich en el guión y Thom Yorke en el soundtrack. Bajo la descripción de ser un “homenaje”, Suspiria vió luz en el festival de cine de Venecia de 2018, tuvo un lanzamiento limitado por Amazon en ciudades seleccionadas.
Suspiria puede clasificarse como una cinta fuera del parámetro cinematográfico al que nos hemos acostumbrado de unos años a la fecha. Nos hemos acostumbrado, sin menospreciar, a películas con un presupuesto estratosférico, con directores y actores con más renombre que calidad o un atasque de efectos visuales que difuminan una mala historia sin nada que ofrecer.
Con tintes independientes, se vuelve una oda al 7mo arte. La cinematografía que Guadagnino maneja en esta cinta podría dividir opiniones debido al ataque visual e invasivo que nos confronta por casi 160 minutos. Muchos podrían convenir en que es una cinta digna del recuerdo y muchos otros querer abandonar la sala a la media hora de iniciada.
Una cinta complicada, al estilo de “Mother”, logra hastío en la audiencia e incomodidad conforme ésta avanza. Sin ser apta para todo público, bien vale la pena arriesgarse a probar un estilo de cine totalmente diferente al convencional. Fuera de una advertencia, Suspiria debe ser tratada con cuidado, con un respeto y paciencia, no es una cinta tan digerible, es compleja y brutal, así como bella y poética. Tal contraste es complicado de lograr pero logró conjugar dos aspectos tan contradictorios como podría ser un aquelarre y la danza.
Si bien, el fiel seguidor de la cinta original podría argumentar como innecesario un remake de la original, esta entrega de Suspiria logra el cometido de homenajear pero siempre manteniendo un punto y aparte con la cinta de Argento.
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Halloween: Un homenaje a la altura.
No se puede hablar de iconos del cine de terror sin incluir a Michael Myers dentro del Top 5, aquel que entra en un grupo selecto donde personajes como Jason Voorhees, Freddy Kruger, GhostFace o Pennywise se han hecho un lugar en la historia del cine. Sin embargo, no todos se pueden jactar de seguir vigentes en la memoria de las nuevas generaciones, inclusive a veces sería mejor quedarnos con ese buen recuerdo de aquellas primeras cintas y olvidar todas esas secuelas, reboots, remakes o hasta crossover. Habiendo mencionado esto, David Gordon entra dentro de un grupo selecto (si es que existe) de aquellos que rindieron tributo a cintas que en ocasiones es mejor dejarlas inmortalizadas en lugar de querer crear una versión actual.
Fue hace 40 años, en 1978, cuando John Carpenter con apenas un presupuesto de $325.000 dls, dió vida a un personaje de culto que trascendería hasta hoy en día. Con un total de 11 cintas y las últimas dirigidas por...¿Rob Zombie?, se había perdido la fe en todas estas versiones que lo único que daban era lastima.
Con una fórmula básica y apegada a la cinta de Carpenter, el Halloween de Gordon, demuestra que todo lo que hizo bien es también su pecado. Si bien la cinta comienza con una perfecta secuencia de títulos, con el clásico estilo retro y tonalidades naranjas que, en conjunto con la clásica música inconfundible, nos transportan a la cinta de culto, esto puede leerse como un atrevimiento nulo de parte de Gordon por crear una versión propia que respetase a su antecesora.
Es complejo opinar sobre los aciertos y errores que tuvo la cinta, pues a pesar de ser una gran secuela (teniendo en mente que el propio director solo se basa en la cinta original de Carpenter para crear su historia) peca de respetuosa. Dependiendo la persona que vea esta cinta se podría decir que su mayor acierto es también su mayor debilidad.
Con referencias a la cinta del 78 y diálogos que incitan a retomar la misma, se va viendo un poco la tonalidad y ritmo que veremos, sin giros inesperados ni historias alternas. Fiel y siguiendo el camino trazado 40 años atrás se resume el Halloween de Gordon, sin innovar ni probar nuevo material pero muy bien realizado. Como una receta del postre de la abuela es como se siente esta cinta, tratando de apegarte lo mejor posible a lo dictado años atrás para que el resultado final sea lo más cercano a la original. Gordon sigue la receta descrita por Carpenter y lo hace de forma sensacional.
Sin tener errores ni aciertos, esta cinta se dirige por un camino seguro y logra llegar satisfactoriamente a su destino. Una muy buena adaptación al estilo del filme original (con unos primeros 20 minutos que rayan lo perfecto) es lo que le da a esta versión un aplauso por su efectividad. Sin ser creativa, logra sacar una sonrisa por el buen manejo que se le da al personaje, con una Jamie impecable como siempre, uno se queda tranquilo pues Myers queda intacto y sin sufrir un tropiezo en su carrera como ícono del terror clásico.
Es por esto que Halloween es un tributo digno pero carente de originalidad. Su formulación o dirección evita la zona de riesgos a toda costa. Sin originalidad pero con un excelente gusto en la cinematográfica, mezcla de sonidos y secuencias escénicas, Halloween cumple su objetivo; mostrar a nuevas generaciones el hito cultural que representa Michael Myers y vaya que lo hace de la mejor forma.
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A Star is Born: Encaminada a la premiación de la academia.
“A Star is Born” narra la historia de Jackson Maine (Cooper), un músico country que descubre a una joven cantante llamada Ally (Gaga) y trata de mostrar su talento al mundo.
Esta cinta ha contado con cuatro adaptaciones a lo largo de la historia (1937, 1954, 1976 y la presente). Esta última cuenta con Bradley Cooper como director, productor, actor y guionista.
Sin más qué decir, Bradley Cooper realiza su primera dirección de manera perfecta. A pesar de no contar con una historia original, la versión de Cooper se destaca por su propia personalidad. Sin estar a la sombra de ninguna de sus predecesoras, esta cinta logra deslumbrar por su esencia y carisma.
La primera forma en que la cinta logra su identidad, es mediante su excelente sentido musical. No solo el soundtrack te envuelve en la historia, cada detalle musical en cada escena logra hacer “sentir” al espectador. Cada pieza musical y cada letra es una obra muy bien estudiada y realizada. Te transporta desde el primer acorde al escenario y no te suelta inclusive al termino de la misma. De una forma abrazadora te hace sentir. Y al final, ¿no es el objetivo final de una película? ¿Vivir y sentir?
En cuanto a la historia, es bien conocido que es una conmovedora y desgarradora pero emotiva cinta que toca fibras sensibles. Lo especial es la capacidad de Cooper de darle una nueva versión fresca y actual a una historia que ha sido contada desde el 37. La fotografía o cinematografía juega un papel indiscutible a la par de la musicalización sin caer en el error de crear un video musical de 2 horas y 15 minutos.
Podemos resumir que para ser la primera cinta de Cooper en la dirección, esta logra ser natural, emotiva y conmovedora. Con una composición cinematográfica que muchos directores con largo camino recorrido envidiarían. Todo juega a favor de Cooper como un rompecabezas estéticamente diseñado para embonar.
En cuanto a su actuación, Cooper sigue haciendo un excelente trabajo, es una actuación muy limpia teniendo en cuenta que su personaje lleva el peso del tema del alcoholismo y la drogadicción, que de por si no es nada sencillo un personaje con estas características sin caer en una burla, ignorancia o un cliché. Cooper trata estos temas de tal manera que te conmueve, que de verdad buscas que logre superar su adicción y te lastima ver como poco a poco su vida y carrera van a la baja. Si bien, el tema es ya algo muy conocido, esta actuación le da un giro inesperado y una perspectiva más tierna y compasiva y dejando de lado la mal concepción que se tiene de esta enfermedad.
Sin duda alguna, Gaga hace su aparición en un papel protagónico de manera espectacular. Si bien no es perfecta, es una participación natural y bella, podríamos decir que, sin conocer del tema, se ve reflejada de alguna manera en su personaje, cosa que hace que en cada escena se vea de verdad el sufrimiento y aspiraciones. Sin ser perfecta, Gaga, alza la mano como una actriz cuya carrera, si bien va comenzando, tiene grandes posibilidades de un buen desarrollo. Y ni siquiera ahondaremos en el tema de Gaga como interprete pues simplemente hay que escuchar el soundtrack para darse cuenta que es simplemente perfecto y que su voz es privilegiada, en esto no hay tela de discusión, simplemente ir a las salas y escuchar como su voz te atrapa desde el inicio.
En los aspectos negativos de la producción, se puede observar claramente que Cooper comete, sin ocasionar daños catastróficos, errores de novatos en la profesión ya que parece ser que se enamoró tanto de su trabajo final que existen varias escenas que sobran en la trama, que, si bien no cortan el ritmo, hacen alargar mucho la cinta y puede llegar cansar en ciertas partes. Se alarga un poco la cinta en el tercer acto con escenas que no aportan a la linea principal de la misma.
También cabe mencionar que en el tercer acto o inclusive el final del segundo, la cinta da un bajón y llega a meter al espectador en temas simultáneos que al final no existe un buen desarrollo ni cierre lo que ocasiona que existan pantanos en la cinta que se presentaron pero no se volvieron a retomar. Algunos de estos temas en los que se adentró la cinta son el vicio que existe en el show business de Hollywood o la superficialidad en el mundo de la fama pero sin darles un tratamiento adecuado. Inclusive el tema del suicidio se toma de manera fugaz sin una preparación o linea argumental.
En general el segundo acto se adentra más en en una plasticidad y estragos del entretenimiento, cosa que nos cambia el rumbo del camino que trazó la primera parte de la cinta en la que se podía observar una parte humana, sensible y artística. Se da un giro en este segunda parte de la cinta que no necesariamente fue buena aunque sí natural.
Se puede concluir que esta cinta se ha convertido en la insignia de la historia misma. Se posicionó en el primer lugar y fue una grata carta de introducción al mundo de la dirección de Cooper y una gran revelación de Gaga como actriz. Es casi un hecho que esta cinta se lleva un excelente recibimiento de parte de la crítica y de los espectadores, y ,sin miedo a errar, se perfila como una de las primeras contendientes a llevarse más de una nominación en los premios de la academia del siguiente año.
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La clasificación de Venom es la respuesta a las críticas....o no.
Eddie Brock, un periodista de San Francisco, busca desenmascarar los secretos de la empresa “Life Foundation” pero al hacerlo se ve involucrado en un accidente en el que adquiere una forma de vida llamada “venom”. Tendrá que luchar con su nuevo huésped para mantener un balance en su vida.
La película sobre el personaje creado por David Micheliene y Todd McFarlane, está producida por Avid Arad, Matthew Tolmach y Amy Pascal, dirigida por Ruben Fleischer (Bienvenidos a Zombieland) y escrita por Scott Rosenberg (Alta fidelidad) y Jeff Pinkner (The Amazing Spider-Man 2).
Toda la cinta se puede resumir en dos aspectos; una se centra en las recientes declaraciones de Fleischer en la que asegura que hubo ciertos errores en la historia en cuanto a la temporalidad de la misma.
“Nuestra idea fue que Riot estaba usando la fuerza vital de cualquier persona que eligiera, abandona el barco cuando la consume y encuentra otro huésped que le lleva más lejos en su viaje. Es una buena pregunta. Es uno de nuestros pocos, espero, baches de lógica.
Pero teníamos que tener un salto temporal para poder mostrar la caída de Eddie, y esa fue la única cosa que no encajaba totalmente. Quiero pensar que esa señora mayor estaba matando gente mientras recorría Malasia, y sólo estaba pasando un buen rato lanzando fragmentos a diferentes personas.”
Y la segunda se centra en la declaración de Hardy en la que menciona que se recortaron aproximadamente 40 minutos de la cinta y que eran sus escenas favoritas las que no pudieron llegar al corte final.
Así comienza el declive de la cinta…de no ser por los $80 millones de dls que ha recaudado en su semana de estreno. A decir verdad, Venom, ha logrado dividir opiniones y en un supuesto escenario, tiene más que amarrado una segunda parte.
Venom consta de varios aciertos y errores pero el peor es asistir a las salas esperando una cinta clasificación “C” o al estilo Logan o DeadPool. Y esto es un error al esperar un estilo de película que anunció su clasificación PG-13 aunque el personaje, y todos estamos de acuerdo, merecía un tono específico.
Antes que nada la relación entre Eddy y Venom no deja nada que desear pues de inmediato se siente la química entre estos dos. La acción es un gran acierto a esta entrega pues la hace más entretenida y hace que olvides lo errores que contiene. Sin duda estos dos puntos son muy bien logrados y hacen de esta película algo entretenido y lleno de acción.
Las partes cómicas pueden resultar a veces fuera de lugar y sin sentido, pero también son bien ejecutados. El guión se puede anotar una estrella en cuanto a esta sección, sin duda es una de sus fortalezas. A lo largo de la cinta puedes reírte de chistes bien ejecutados aunque para algunos espectadores esto es un pecado para un personaje tan violento. Por lo tanto, para ser una película pg-13 con uno de los personajes más violentos de marvel, logran captar el espíritu de Venom en esta película, y eso es algo difícil de lograr sin importar que clasificación sea, y es algo digno de aplaudir.
Si la cinta se analiza desde una perspectiva crítica, esta podría resultar en una tragedia, pues cuenta con graves errores narrativos. El género durante esta película cambia radicalmente a tonos de terror, cómicos, amorosos y aventurescos, esto crea que la historia se vuelva un enredo donde pierdes la noción del propósito de la historia.
El CGI es atinado para esta cinta, pero al ponerlo en una escena de acción junto a otro personaje se vuelve difícil de ver y apreciar.
El tercer acto deja mucho que desear pues, después de tanta elaboración y preparación para la batalla final resulta durar no menos de 15 minutos y entregan un acto simple y predecible.
Definitivamente es una cinta palomera, no esperes un film bien estructurado y digno del Óscar con un arco argumental impecable, un guión espléndido y actuaciones memorables, no. Simplemente es una buena cinta que te entretiene.
Si concluyes a la cinta como un fracaso, posiblemente esperabas un personaje despiadado, frío y violento, y no te culpo, eso se espera de una cinta que lleva por nombre a uno de los villanos más memorables de él trepa muros. Pero si apreciaste la cinta, es porque el tono cómico te cautivo y la secuencia de persecución en las calles de San Francisco te mantuvo impresionado.
Sin duda Venom es una cinta que carece de profundidad y argumentación pero no puedes negar lo atractivo del personaje y el buen entretenimiento que regala. Venom se vuelve una adaptación aceptable a un público menor de edad que buscaba acercarse al personaje y “tratar” de olvidar lo que Spiderman 3 hizo.
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El Depredador: La película que todo fan…nunca quiso.
El Depredador (Shane Black), una película que si la catalogamos como una cinta de acción cómica se lleva una muy buena calificación, pero si la dejamos dentro de la categoría que debería estar se vuelve un rotundo fracaso.
Shane Black, aquel que nos trajo Iron Man 3 o Nice Guys e inclusive interpretó a Hawkins en la primera entrega de Depredador, se encarga de la dirección de esta cinta que intenta ser un digno homenaje o al menos eso quizo…
Dentro de los aciertos que tiene esta cinta, se puede encontrar la excelente ambientación que nos ofrece. Nos traslada, nostálgicamente, a un ambiente frío, sombrío, y vulnerable y logra evocar todo esto a un suburbio.
Esto va de la mano con los buenos efectos especiales que se desarrollaron, las secuencias explosivas y las persecuciones se quedan en un “aceptable”. El diseño del depredador es espectacular y las locaciones hacen una excelente combinación que te hace querer ver a plena luz del día a este asesino para poder ver cada detalle de su producción, cada accesorio que porta y la belleza en su armadura. Simplemente perfecto el diseño del personaje.
Y qué decir del gore, esta película es un buen ejemplo que un gore bien construido y sin censura. En cada una de las secuencias en las que el depredador hace honor a su nombre es perfectamente realizado, cada una de las muertes son espectaculares y creativas, no es un gore sin fundamentos y absurdo.
En cuanto a los contras que presenta esta cinta se resume simplemente en una historia vacía, sin fundamentos y básica con personajes que solo por su duración a cuadro entiendes que son principales.
Es así como inicia esta cinta, con un soldado, Boyd Holbrook (Quinn McKenna), quien hizo el primer contacto con el primer depredador de la cinta y que ahora es perseguido por el gobierno…. ¿qué?
El gobierno no desea que esto salga al aire y buscan eliminar a este testigo pero por distintas circunstancias se encuentra con Casey Bracket (Olivia Munn) una científica cuya labor era meramente académica y termina siendo un gran soldado preparado y entrenado para perseguir a la criatura en cuestión….sí, de científica pasó a ser una experta en armamento gubernamental.
No olvidemos al hijo Rory (Jacob Tremblay) cuyos dotes intelectuales lo hacen acreedor a ser el gran trofeo del depredador, pues este representa a la especie humana en su mejor versión pero esto no lo exime de constantes burlas de parte de sus compañeros y hasta llega a despedazar a uno de ellos…y Jacob ni espantado estaba. El principal error de esta cinta, en cuanto a personajes, fue el desperdiciar rotundamente al actor, siendo este uno de los que mejor se ha desarrollado en el medio, lo dejan como un niño con ciertos problemas cognitivos que pareciera ser que al final se le olvida que los tiene y actúa como cualquier otro niño de su edad..que ve a un alienígena destrozar a los compañeros de su padre...
Con una construcción tan pobre de personajes nos enfrentamos en esta cinta pareciendo ser que la descripción breve que hice de cada uno de ellos fue la que los guionistas y director ocuparon.
Lo rescatable de esta cinta, si es que la vemos sin esperar nada y siendo esta totalmente superficial, es el equipo tan cómico que integra Boyd. Nebraska, Coyle, Baxley, Lynch y Nettles se encargan de llevar a esta película a un escenario rescatable si de comedia hablamos pues cada una de sus secuencias está plagada de un buen humor que llegas, si bien no a encariñarte, a sentir un poco de empatía cuando estos mueren uno por uno por situaciones totalmente absurdas y en una secuencia que pareciera que a Black se le vino el tiempo encima al momento de dirigir.
Si bien sería interminable hablar de cada una de las fallas que esta cinta presenta, es cierto que un domingo cualquiera sin nada qué hacer y sin ser fanático del personaje, es una cinta que se disfruta si pretendes acción y humor. Es por eso que a esta cinta le deberían quitar el peso de la palabra “Depredador” pues funciona para ser una película más que no trasciende más no para llevar el legado de lo que hizo Arnold Schwarzenegger y John McTiernan con la cinta original de 1987.
Y por favor...traten de olvidar esa última escena.
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Recomendaciones de la semana.
The Raid.
Un miembro novato de un equipo de élite de comandos, Rama (Iko Uwais) es instruido mientras sus camaradas siguen con su misión para detener a un brutal criminal llamado Tama (Ray Sahetapy). Sin embargo, el plan del equipo es descubierto y Tama ofrece un gran premio a los criminales de su edificio de departamentos a cambio de las cabezas de los policías.
House of Small Cubes.
A medida que se inunda la ciudad donde vive, un viudo va construyendo más pisos en su casa. Perder la pipa le trae todo tipo de recuerdos. Este cortometraje animado japonés creado por Kunio Katō. Fue ganador del Premio Cristal del Festival Internacional de Películas Animadas de Annecy en 2008 y de un Premio Oscar al mejor cortometraje animado en 2009.
Troll Hunters.
Trollhunters es una serie de animación por ordenador para televisión creada por Guillermo del Toro para Netflix. Un niño de quince años encuentra un amuleto mágico que lo transforma en un guerrero con el título de Trollhunter, cazador de trols. De ese modo será el elegido para defender a los trolls que viven debajo de la ciudad de Arcadia de los trols malos que intentan escapar de las llamadas "tierras oscuras" para acabar con la paz y conquistar el mundo.
#the raid#house of small cubes#trollhunters#guillermo del toro#netflix#indonesia#academy award winner#cortometraje#japan
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The Nun llegó a ser todo…menos lo que nos prometieron.
The Nun llegó a ser todo…menos lo que nos prometieron.
Escrita por James Wan y dirigida por Corin Hardy, The Nun llegó a despertar ese hype que siempre guardamos en cada una de las cintas de Wan. Se anunció como la gran cinta que revela los inicios de el mundo cinematográfico del conjuro y que en su segunda entrega nos introdujo a esta entidad diabólica que se robo las miradas en esa épica escena de la pintura en el estudio de los Warren.
Así es, The nun llegó con pisadas de plomo a las pantallas esperando ser ese inicio diabólico que todos esperábamos, pero…no fue así.
Su gran campaña de marketing y el guiño al enterarnos que “Youtube había bajado uno de los promocionales de la película pues era demasiado aterrador” fue la espada de doble filo de la cinta que terminó por dejarla en un terreno en el que cumple pero sin superar expectativas.
The Nun cuenta la historia de un sacerdote con un pasado que lo acosa y una novicia a punto de hacer sus votos definitivos. Estos son los enviados por el Vaticano a investigar el caso de una joven monja en un claustro de Rumania que se quita la vida. Ahí descubren el secreto impuro de la orden.
No podemos negar la gran química entre Taissa y Bichir durante toda la cinta, demuestran que hubieran estado hechos el uno para el otro y compras en su totalidad sus actuaciones… omitiremos a Frenchie pues el personaje únicamente aporta a la cinta una constante interrupción en la narración con chistes y bromas fuera de contexto que llegan cortar la ambientación tensa que se construye.
En cuanto a la entidad conocida como Valak, deja un poco que desear en cuanto a la elaboración del personaje, su justificación y motivos la encasillan en un demonio más de la saga cuando se pensaba que era LA entidad que aterrorizaba a la familia Warren. Sin ser espectacular cumple su misión dentro de la cinta y ata uno que otro cabo suelto cuya justificación no era del todo necesaria.
Teniendo en cuenta las grandes decepciones, clichés y hasta burla a un genero en decadencia, The Nun, cumple completamente en pantalla. Sin ser fantástica, y teniendo mas estilo que fondo, Hardy y Wan nos hacen continuar creyendo en el género.
En conclusión, James Wan nos entrega otro guión excepcional en lo que a cine de terror se refiere, sigue teniendo ese toque que la hace especial sin importar el director en turno. Aunque Hardy entrega una cinta aceptable, esta deja un vacío en la audiencia pues la gran maldición de estas cintas es lo que en un futuro consideraremos cine de culto con El Conjuro y La noche del demonio.
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Guardians of the Galaxy vol.3 suspende grabaciones
El despido de James Gunn como director de la tercera entrega de la franquicia ha generado más que solo molestia en gran parte de sus seguidores pues esta tarde ha sido pospuesta indefinidamente por Disney.
En exclusiva para The Hollywood Reporter, se publicó que Marvel y Disney se encuentran reorganizando el proyecto ya que se estaba preparando la pre-producción que comenzaría este otoño, así la cinta tendría una fecha de estreno para algún punto de 2020.
De acuerdo a la fuente mencionada, los empleados que ya se encontraban laborando en la etapa de pre-producción han recibido el aviso por parte de Disney. Tienen la libertad de buscar otro empleo mientras se retoman los trabajos relacionados con el filme.
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Recomendaciones de la semana.
It comes at night.
Asegurado dentro de un hogar desolado como una amenaza antinatural aterroriza al mundo, un hombre ha establecido un tenue orden interno con su esposa y su hijo. Entonces llega una desesperada familia joven que busca refugio.
Director: Trey Edward Shults
Protagonistas: Joel Edgerton, Christopher Abbott, Carmen Ejogo
Kubo.
Kubo vive una vida tranquila y normal en una pequeña aldea costera hasta que un espíritu del pasado revuelve su vida al volver a encender una venganza ancestral. Esto causa todo tipo de estragos ya que los dioses y los monstruos persiguen a Kubo que, para sobrevivir, debe ubicar una armadura mágica que alguna vez llevó su difunto padre, un legendario guerrero Samurai.
Director: Travis Knight
Protagonistas: Charlize Theron, Art Parkinson, Matthew McConaughey
Prisoners.
Cuando la hija de Keller Dover y su amiga desaparecen, él toma el asunto en sus propias manos ya que la policía persigue varias pistas y la presión aumenta.
Director: Denis Villeneuve
Protagonistas: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis
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Alfonso Cuarón y Metfliz lanzan el primer póster oficial de su próxima cinta "Roma".
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La CBS ha anunciado que la 12* temporada de la serie será la última con 279 episodios detrás.
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Death Note de Netflix confirma una segunda entrega a estrenarse para el 2019.
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